Эпохи развития искусства: Страница не найдена | Информация для студентов

Содержание

что такое искусство, виды, жанры, функции искусства. История развития искусства с древнейших времен до наших дней

Updated: 31.03.2020

Искусство — это способ понимания и отображения действительности путем создания особого продукта — произведений, способных вызвать эмоциональный отклик у людей. Наряду с наукой, искусство используется человечеством для правильного восприятия и осмысления окружающего мира. Важнейшая функция искусства заключается в удовлетворении двух духовных потребностей человека: любви к прекрасному и желании получать эстетическое удовольствие.

Искусство также помогает формировать общественное сознание, стимулирует посредством полученных человеком ощущений появление новых мыслей и представлений. Оно может принимать всевозможные формы и служить разнообразным целям (от возвышенных и благородных до низменных и отвратительных).

Виды и жанры искусства

Искусство — очень объемное определение, поэтому оно объединяет огромное количество способов отображения замысла автора.

Виды искусства классифицируются по таким параметрам:

Предмету отображения — изобразительные (для отображения реальной действительности) и неизобразительные (для воплощения выразительными средствами внутреннего мира человека).
По динамике — пространственные (характерные для определенной местности) и временные (соответствующие конкретной исторической эпохе).
По утилитарности — изящные (выполняющие сугубо эстетическую функцию) и прикладные (дополнительно востребованные в быту).
По используемым материалам — традиционные художественные материалы (краски, глина, гранит, мрамор, древесина, металл), современные средства обработки хранения информации (компьютерная графика, цифровая живопись), звук (музыкальные произведения), слово (проза, поэзия, каллиграфия), человек-исполнитель (певец, актер, клоун).

Исторически также принято разделять виды искусства по жанрам (темам и объектам отображения) и стилям (особенностям использования художественных приемов в произведениях).

К основным видам изобразительного искусства относятся:

Пространственные (статистические или зрительные):

Архитектура (проектирование и строительство зданий).
Живопись (моно- или полихромное изображение художественными средствами предметов и объектов на плоскости).
Графика (воплощение художественного образа на плоскости линиями и штрихами).
Скульптура (создание объемных произведений из твердых материалов).
Фотоискусство (отражение действительности или эмоций автора посредством фотоснимков).
Декоративно-прикладное искусство (изготовление предметов, сочетающих в себе эстетическую и практическую функцию).

Синтетические (зрительно-слуховые):

Театр;
Кино;
Эстрада;
Хореография;
Балет;
Цирк;
Телевидение.

Временные (слуховые):

Музыка;
Литература;
Поэзия.

История развития искусства

История искусства ведет свое начало с древнейших времен. Среди ученых нет единого мнения относительно происхождения этого способа отражения действительности. Значительная часть философов считает, что толчком к зарождению искусства послужил промысл Божий, он пробудил в наших предках высшее духовное начало и желание творить. Согласно другой теории, первобытный человек посредством создания примитивных поделок (изображений) стремился понять окружающий мир и передать приобретенные знания другим членам общества.

Первобытное искусство было тесно связано с играми и обрядами. Оно существовало в виде изображений животных на стенах пещер, песен, танцев, украшений тела рисунками и символами, всевозможных предметов из подручных материалов (раковин, костей и шкур животных).

Появление древних цивилизаций (египетской, финикийской, вавилонской) ознаменовало собой новый этап в развитии искусства. Благодаря разделению физического и умственного труда, относительно небольшая часть людей смогла полностью посвятить себя творчеству, стать профессиональными зодчими, художниками или скульпторами.

В каждом очаге цивилизации постепенно формировался стиль с индивидуальными отличительными особенностями. Шедевры древних мастеров стали источником вдохновения для потомков в далеком будущем.

В эпоху Средневековья в Европе искусство было полностью подчинено служению религии. Основным заказчиком произведений была церковь, центральными мотивами — библейские сюжеты и духовные истины. В исламских странах ограничение на изображение человека привело к упадку живописи. Здесь развивались другие виды искусства: архитектура, ковроткачество, каллиграфия, керамика. В Древнем Китае хорошо была развита резьба по камню, скульптура и живопись.

Эпоха Возрождения коренным образом изменила концепцию искусства. Революционные идеи гуманизма послужили мощным двигателем для создания шедевров Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci), Микеланджело (Michelangelo), Альбрехта Дюрера (Albrecht Dürer). Изобретение книгопечатания содействовало развитию литературы и графики.

Чуть позже, в эпоху Просвещения наступило время кардинальной перестройки общественной жизни. Это неизбежно отразилось в искусстве появлением новых стилей:

Во второй половине XIX века бурное развитие капитализма привело к зарождению целого ряда художественных стилей:

Мастера того времени увлеченно искали новые средства художественного выражения, не стеснялись экспериментировать и отрицать догмы прошлого.

В ХХ веке огромную роль в искусстве начал играть кинематограф. Постепенно он занял главенствующую позицию относительно воздействия на широкие массы, формирования стиля жизни, пропаганды ценностей разных режимов. А развитие Интернета и всеобщая компьютеризация населения на рубеже ХХ-ХХI веков дали толчок к появлению новых видов медиаискусства.

Вместе с развитием человечества искусство прошло огромный путь от наскальных изображений до использования компьютерных технологий. Но его роль в удовлетворении духовных потребностей людей была и остается определяющей.

На сайте Very Important Lot любой желающий может принять участие в аукционах, приобщиться к миру прекрасного и приобрести шедевры искусства разных эпох. Здесь же можно купить напрямую картины у современных художников.

Искусство — Гуманитарный портал

Искусство — это особый вид формотворческой деятельности человека, создающей образные и символические структуры, которые обладают эстетическими, познавательными и коммуникационными функциями. В этом смысле искусство понимается как творческая деятельность, направленная на создание художественных произведений, шире — эстетически-выразительных форм. Термином «искусство» также принято обозначать не только художественные произведения, продукты художественной деятельности, но и такие понятия как «искусность», «мастерство», «артистизм» и тому подобные, проявленные в любой другой сфере деятельности (в ремесле, науке, технике и других), часто не имеющие прямого отношения к искусству, но безусловно указывающие на то, что творческое начало явно или неявно присутствует в них.

В процессе развития человечества понятие «искусство» коннотируется историческими изменениями (трансформациями) форм и типов культуры (см. Культура), их взаимодействиями, а соответственно — характером философских, искусствоведческих, художественных рефлексий и к настоящему времени представляет собой многомерное смысловое образование, принципиально открытое для включения новых смысловых элементов, порождаемых непрестанно длящимся и трансформирующимся художественно-эстетическим опытом человечества, в том числе — развитием интеркультурных связей, коммуникаций, обменов, технологий, обеспечивающих и поддерживающих творчество и трансляцию в обществе его продуктов.

Исторически искусство возникает тогда, когда человек выходит за пределы удовлетворения своих непосредственных физических потребностей, практически-утилитарных интересов и целей и получает возможность творить. Тем самым искусство представляет собой особую форму освоения мира человеком, в которой мир предстаёт в искусстве через формы деятельности, общения, самореализации людей.

Оно даёт моментальные отражения и развёрнутые проекции человеческого бытия (см. Бытие), его пространственного и временного единства с миром. Искусство, понимаемое как некое условное целое, может быть трактуемо в качестве картины мира или своеобразной онтологии, сконцентрированной на динамике предметно-чувственного бытия людей. Будучи особой формой деятельности людей, искусство соединяет в своих образах предметные, коммуникационные, индивидуальные аспекты деятельности, поэтому оно сохраняет в себе побуждающие, преобразовательные и познавательные начала, а также коллективные и личностные представления. В разные эпохи и в разных направлениях искусства акценты в соотношении этих начал существенно отличаются, тем не менее они всегда соприсутствуют, а их соотношение остаётся постоянным предметом для дискуссии о назначении искусства, о его роли в развитии общества.

Рассмотрение феномена искусства предполагает сложное разделение видов человеческой деятельности, когда каждый из них достаточно чётко обособился и затем утвердился в технических средствах; соответственно и специфика искусства выявляется на фоне других видов деятельности: материального и духовного производства, религии, морали, науки. Проблема, однако, заключается в том, что искусство сохраняет в себе синтетический характер человеческой деятельности, хотя на разных этапах истории и в разных типах культуры заметны отличия в доминирующих образах искусства, способах их создания, схемах их функционирования и трансляции. Решение вопроса о специфике искусства «в общем виде» порождает множество трудностей. Более продуктивным представляется рассмотрение специфики искусства на конкретном социальном «фоне», в определённых системах общества, поскольку каждой исторической эпохе было свойственно своё понимание феномена искусства, обусловленное местом и ролью художника в системе общественного разделения труда и его положением в обществе. Тогда вопрос о сохранении специфики искусства в изменяющихся системах разделения и кооперирования человеческой деятельности оказывается по сути связан с вопросом о том, как искусство удерживает свою специфическую позицию за счёт смещения акцентов в использовании образных средств человеческого освоения мира.

В архаических обществах, где сознание и деятельность не были ещё настолько разделёнными и специализированными как впоследствии, протоискусство присутствовало во всех основных формах и средствах человеческого освоения мира. Легенды, танцы, рисунки, скульптуры, украшения, утварь, орудия деятельности фиксировали человеческие формы освоения бытия, формы его переживания и осмысления. В то же время, синкретичный и преимущественно ритуально-магический характер произведений первобытного искусства, несмотря на проявленность в них эстетических начал, не позволяет в полной мере отнести их к области искусства.

В традиционных обществах сословного типа специфика искусства выявляется на фоне жёсткого распределения людей по социальным позициям и видам деятельности. Важными в этом смысле оказываются наметившееся разделение материально-производственной и духовной (в том числе и духовно-практической) деятельности, возрастающая социальная значимость работы мастера, создающего инструменты и владеющего ими, соответственно, «распределение» самого искусства между обыденным поведением профанов и посвящённых. В этом плане искусство оказывается своеобразным «знаком качества», указывающим на мастерство и посвящённость автора, на соответствующие характеристики его продукции. Позиция художника, таким образом, ещё резко не противопоставляется позиции жреца, учёного, ремесленника, но она уже выделена из потока повседневного поведения людей и рутинной деятельности.

В Античности искусство занимало промежуточное положение между материальным и духовным производством. Античный теримн «tέχνη» означал одновременно и науку, и ремесло, и искусство, объединяемые по критерию их принадлежности к «целесообразной», «идейно осмысленной», «модельно-порождающей» деятельности. Эта терминологическая неразличимость собственно художественной и ремесленной деятельности отражала внутреннюю связь этих областей человеческой деятельности, которая в наибольшей степени характеризует классический период в развитии античного мира. В гомеровскую эпоху разделение труда было настолько слабым, что искусство, включая и техническое ремесло, ещё не отделилось и не противопоставлялось духовным видам деятельности. Поэтому у Гомера термины «σοφία» (мастерство, мудрость) и «tέχνη» (искусство, ремесло) были, по существу, тождественны: мудрость (σοφία) понимается как ремесло, творчество; искусство (tέχνη) связано с представлением о мудрости, знании. Однако по мере прогрессирующего разделения труда происходит постепенное расхождение духовной и материальной областей деятельности. Античное общество достаточно высокомерно относилось к физическому труду, видя в нём тяжёлую необходимость, и потому стремилось переложить всю его тяжесть на рабов и полусвободных ремесленников. В этих условиях искусство вычленяется из непосредственной материальной практики и становится занятием свободнорождённых. Занятия искусствами признаются благородными, если они являются средствами воспитания, развлечения или интеллектуального досуга свободнорождённых. Но как только искусство становится предметом профессиональных занятий, оно немедленно осуждается как грубое ремесло и варварское занятие. Поэтому в античной Греции существовало различение доблести (arete) и технического мастерства в каком-либо искусстве (arete technes). Так, Аристотель, обосновывая необходимость практического обучения искусствам в воспитании гражданина, выступал против профессионального обучения искусству свободных людей. В частности, профессиональное обучение музыке должно быть исключено из системы образования, так как изучать её «ради того, чтобы доставлять удовольствие своим слушателям» — «цель грубая», превращающая людей в ремесленников (Политика, 1341 а).

Противоположность искусства и ремесла особенно остро осознаётся в эпоху эллинизма, когда противоположность физического и духовного труда вырастает в антагонизм рабского и свободного труда. Об этом пишет Сенека в своих «Письмах к Луцилию» и весьма резко Цицерон. «Все ремесленники занимаются презренным трудом, в мастерской не может быть ничего благородного, и наименьшего одобрения заслуживают ремесла, обслуживающие наслаждения» («Об обязанностях»). В античную эпоху понятием, обозначающим сущность искусства, было понятие «мимесис» (μίμησις — подобие, воспроизведение, подражание). Уже Демокрит рассматривал подражание как основу всякой человеческой деятельности, включая искусство. Развитие и систематическое изложение теория мимесиса получает у Платона, который считал, что подражание составляет основу всякой художественной деятельности. Платон создал идеалистический вариант теории мимесиса. Его теория служила не только объяснением сущности искусства, но и доказательством его слабости, несовершенства, познавательной и эстетической неполноценности. Ведь искусство является подражанием не вечным и неизменным эйдосам, а преходящим, изменчивым и неистинным чувственным вещам. На этом основании Платон отвергал некоторые виды и жанры искусства, считая их вредными, обманывающими людей видимостью, иллюзией. Аристотель применяет теорию мимесиса не только к изобразительным искусствам, но и к поэзии, драме и музыке. Его теория подражания существенно отличается от платоновской. Если Платон учил о подражании «вечным идеям», то Аристотель говорил об искусстве как подражании бытию вещей. По Аристотелю, идеи находятся в самих вещах, и потому только вещам и можно подражать. Применяя теорию подражания к различным видам искусства, Аристотель развил одну из первых систем классификации искусств. Важным моментом аристотелевской теории мимесиса было утверждение, что подражание в искусстве приносит удовольствие и в таких его видах, как музыка и драма, связано с катарсисом (очищением). Теория мимесиса — общеантичное представление о сущности искусства — в последующем перешла в наследство всей европейской эстетике. У Плотина, крупнейшего философа-неоплатоника (III век), мировое божество превращается в ремесленника-демиурга; природа, подобно ремесленнику, творит прообразы и формы (эйдосы) всех вещей. Художник становится соучастником и выразителем творческой энергии демиурга. Если классическая античная эстетика рассматривала искусство как подражание (мимесис) природе, то теперь, наоборот, деятельность природы становится мистическим и символическим отражением ремесленной или художественной деятельности.

В эпоху Средневековья, в процессе формирования новых форм труда, связанных с феодальным способом производства, труд получает моральную санкцию, а ремесло под именем «arte» вводится в систему средневекового знания. Действительно, средневековое понятие «искусство» (ars) включается в систему схоластического знания. Система образования строится на изучении семи «свободных искусств», куда включаются грамматика, риторика, логика, составляющие «привиум», и геометрия, арифметика, астрономия, музыка, составляющие собой «квадривиум». О слабом различении понятия искусства от области научного знания свидетельствует трактат римского философа VI века Кассиодора «О науках и свободных искусствах». В этом сочинении Кассиодор пытается различить науку (disciplina) и искусство (ars). По его мнению, наука представляет собой аподиктическое знание, искусство же — знание вероятного. Средневековье распространяет на искусство иерархический принцип деления земного и небесного. Низшее место в иерархии искусств занимают изобразительные искусства. Это понимание соответствует действительному положению изобразительного искусства в системе материальной и духовной культуры средневекового общества. В то время живопись, скульптура, архитектура, подобно ремесленным занятиям, получают цеховую организацию, со своими профессиональными секретами, ограничениями и традициями. Художники, как и ремесленники, составляют цехи и гильдии. Дуализм чувственного и сверхчувственного, созерцательность и умозрительность, свойственные эстетическому восприятию Средневековья, есть свидетельство того разрыва, который характерен для феодального способа производства с его сословной и цеховой организацией.

Новое понимание искусства, которое привносит эпоха Возрождения, связано с революционной ломкой старых, феодально-общественных отношений, с освобождением личности производителя от сословных и цеховых ограничений, сковывающих его деятельность. Высоко оценивая назначение и достоинство человеческой личности, утверждая идею безграничного развития её возможностей, эстетика Возрождения конкретный образ такой личности видела в художнике. Тот факт, что поиски универсального человека приводили именно к художнику, а не к философу, учёному или политическому деятелю, был не случаен. Это определялось тем положением, которое занимал художник в культурной жизни эпохи. Художник выступал как опосредующее звено между физическим и умственным трудом. Поэтому в его деятельности видели реальный путь к преодолению того дуализма теории и практики, знания и умения, на котором основывалась вся духовная культура Средневековья. Не случайно поэтому художник, его личность, жизнь и деятельность оказываются в центре общественной мысли того времени. Он считается существом божественного порядка, к его имени всё чаще приписывают эпитет «divino» — божественный. Многочисленные жизнеописания художников, которые появляются в это время и постепенно становятся специальным литературным жанром, свидетельствуют, что такое возвышение личности художника не было так уж далеко от истины. Выдающиеся художники эпохи Возрождения — это всесторонне образованные люди, обладающие многообразными познаниями в области науки и искусства. Художник становится носителем эстетических и этических ценностей. Этическое понятие о доблести «virtu» — приобретает эстетическое значение, обозначая человека, виртуозно и свободно владеющего своим делом, — «il virtuoso». Традиционным аргументом для доказательства значения того или иного занятия или ремесла становится представление о его «трудности». Таким образом, на смену средневековому представлению о совершенном человеке как знатоке, умеющем все созерцать и обо всём рассуждать, выступает идеал человека, умеющего всё делать.

Однако господство гуманистической идеологии, ставившей художника в центр художественной и социальной жизни, не было долговечным. В условиях всё более прогрессирующего разделения труда, основанного на капиталистическом мануфактурном производстве, искусство как область духовного творчества выделяется в самостоятельный вид [художественной] деятельности. Если в эпоху Возрождения художник вследствие слабой дифференциации видов художественной деятельности был одновременно и скульптором, и архитектором, и декоратором, и инженером, то теперь он становится либо исключительно скульптором, либо исключительно архитектором, либо исключительно декоратором, либо исключительно инженером. Причём происходит резкая дифференциация между духовными и материальными формами труда. В эстетике этот процесс отражается в том, что появляется новая эстетическая категория, обозначающая сферу художественного творчества. Эта категория — «изящные искусства». Теперь то, что обозначается термином «искусство», целиком относится к области духовной деятельности. Этот распад чувственной и духовной деятельности намечается уже в эпоху Возрождения, но окончательно он завершается только в XVIII веке. В 1746 году Дж. Бетти пишет свои знаменитые «Три трактата», в которых он употребляет термин «elegant «arts». В том же году Ш. Баттё выпускает свой трактат «Изящные искусства, сведённые к единому принципу», где он закрепляет практику использования термина «beaux «art». Этот известный отрыв искусства от других областей духовно-практического освоения мира закрепляет немецкая классическая эстетика, которая видела истинную природу искусства в познании «царства духа».

В индустриальном обществе вопрос о специфике искусства становится принципиальным, поскольку производство оказывает влияние на все сферы общества, а наука претендует на лидирующее положение в культуре. С одной стороны, искусство испытывает эти воздействия и «поддаётся» им: возрастает значение техники искусства, активно прогрессирует его инструментальная база (от книгопечатания до фотографии и кинематографа), в образах искусства особое значение придаётся их познавательной ценности. С другой стороны, все более остро возникает вопрос о специфике искусства как специфически человеческом способе освоения бытия, то есть способе, несводимом к формам обезличенного производства и деиндивидуализированного знания. В результате возникают направления (и концепции) искусства, выводящие на первый план непосредственно личностные (индивидуальные, индивидные) способы освоения бытия, соответственно, «отодвигающие» на задний план (или перечеркивающие вообще) коммуникационные, предметные, познавательные аспекты образного освоения действительности.

В постиндустриальных типах общества проблема специфики искусства определяется в контексте усложняющихся взаимодействий между разными общественными и культурными системами. Сохранение искусства как специфической формы становления, сохранения и трансляции человеческого опыта оказывается в зависимости от его «способности» творить образы человеческого взаимопонимания из разнородного культурного и исторического материала. В этой ситуации подвергаются сомнению определившиеся ранее иерархии и системы оценок, значение индивидуального творчества и авторства. Действует мощная тенденция растворения искусства в средствах массовой коммуникации. Всё большую роль приобретают электронные средства тиражирования искусства. Коммуникационный принцип структуризации художественного (культурного) мира, к концу XX века принявший тотальный характер, видоизменяет способ и форму бытия искусства, которое становится преимущественно смысло-знаковым образованием (дискурсом), несущим (передающим, коммуницирующим) ценностные значения. Наряду с этим искусство всё больше включается в систему массовой культуры, принципиально ориентированной на массовый художественный рынок и производство идеологем массового сознания. Массовая культура развивается по преимуществу в средствах коммуникаций, непосредственно представляющих доминирующие политические, экономические и идеологические референции общества и непосредственно включающие социализирование индивидов в тотальные системы власти.

Современное искусство представляет собой сложную систему коммуницирующих форм и направлений, нередко объединяемых так называемым «постмодернистским проектом». Особенностью разнообразных «модернистских» артефактов стало непосредственное присутствие автора-исполнителя в реализации художественного акта, который направлен на публичную провокацию, которая завершается вместе с исполнением. Что же касается художественной (эстетической) концепции, то она реализуется в модернизме в форме программы, манифеста и антропологических рефлексий. В целом можно констатировать, что феномен «современное И». — скорее гуманитарно-антропологический проект, резко, иногда агрессивно направленный против тотально доминирующих систем социальных самореференций — политической и экономической. В силу этого, возникающие в процессе художественного акта сообщества носят маргинальный и временный характер. Однако, «современное искусство» в его авангардных формах далеко не исчерпывает современную художественную культуру, которая удерживается классической парадигмой, оформленной в форме классического художественного образования, концепции музея, академических институтов, которые включены в систему массовой коммуникации и в отношении к которой современные формы художественной деятельности опознают себя в эстетическом и художественном планах.

Процесс осознания искусством своих изобразительных и выразительных возможностей создаёт значительное число понятий и терминов, относящихся к структуре искусстве, таких, как «форма» и «содержание», «художественный образ», «символ» и «аллегория», «художественное воображение», «гений» и «талант» и других. Эти понятия имеют важное значение для понимания сущности искусства. Наряду с изучением художественного творчества значительную роль играет исследование законов и принципов эстетического восприятия. Наряду с эстетикой большую роль в понимании сущности искусства и его социальной роли играют такие дисциплины, как психология искусства, теория и история искусства, социология искусства и культурология. Современные культурологические исследования рассматривают искусство в системе других феноменов культуры и глобальных изменений различных типов культур («национальной — глобальной», «высокой — низкой», «массовой — элитарной», и тому подобных).

Исторически искусство развивается как система конкретных видов деятельности, среди которых особо принято выделять литературу, музыку, архитектуру, живопись, скульптуру, декоративно-прикладное искусство. Их многообразие и различия фиксируются и классифицируются по критериям, выработанным эстетической теорией и искусствознанием: по способу отражения действительности (гносеологический критерий) — изобразительные, выразительные; по способу бытия художественного образа (онтологический критерий) — пространственные, временные, пространственно-временные; по способу восприятия (психологический критерий) — слуховые, зрительные и зрительно-слуховые. В связи с появлением новых видов искусств появляются и другие принципы их классификации. Однако все подобные различения во многом относительны.

В целом, искусство остаётся одной из наиболее важных форм трансляции и, значит, сохранения человеческого опыта. Оно же выступает и формой обновления этого опыта, потому что каждое поколение своим особым образом выражает процесс освоения бытия. Акценты в этой роли искусства меняются исторически, и, собственно, сохранение искусства, его специфики, его социальной функции достигается в образах, фиксирующих постоянно смещающееся равновесие между воспроизводством и обновлением человеческого опыта.

Фестиваль и выставка современного искусства «Зеркало эпохи» пройдут в краевом центре

Фото: пресс-служба администрации Краснодарского края

Его презентация и открытие одноименной выставки состоится 4 февраля в Краснодарском краевом художественном музее имени Ф.

А. Коваленко.

Фестиваль современного искусства «Зеркало эпохи» – пилотный проект учреждения, запущенный в 2021 году. Его планируется сделать ежегодным.

– Одной из тем первого фестиваля стала «Преемственность поколений» как фактор важной проблемы диалога «отцов и детей». Проект нацелен на популяризацию современного искусства и поддержку молодых художников региона. У талантливой молодежи появится возможность развития и самовыражения, – сообщили в пресс-службе музея.

Основным мероприятием фестиваля станет выставка, организованная в формате творческой лаборатории для художников от 14 до 35 лет. Зритель увидит работы в разных техниках, стилях и жанрах. В программе фестиваля также запланирован онлайн-лекторий, который проведут известные кубанские специалисты в области современного искусства.

Открытие выставки пройдет 4 февраля в 17.00. Она будет работать до 21 февраля.

Как сообщали ранее «Кубанские новости», выставка «Ангелы» открылась в Краснодарском краевом художественном музее имени Ф. А. Коваленко.

В экспозицию вошло 8 произведений: живопись неизвестного художника 17 века, Симона Ушакова, Валерия и Ларисы Блохиных, Ларисы Мягкой, Вячеслава Толмачева, графика Ильи Репина и скульптура Юрия Злоти.

Зарождение и развитие искусства эпохи Возрождения в Германии

Синхронологическая таблица по Европейскому искусству эпохи возрождения и нового времени

Европейские центры культуры	Основные временные рубежи
Европейские центры культуры	13 век	14 век	15 век	16 век	17 век	18 век
Италия	дученто	треченто	кватроченто	высокое Возрождение	Барокко, классицизм	классицизм
Франция	Ранняя готика	«лучистая» и «пламенеющая» готика	французский маньеризм, ранее барокко	Французский ренессанс	классицизм	рококо
Испания	Испанская готика	поздняя готика, мудехар	раннее Возрождение	позднее Возрождение, «золотой век»	борокко	позднее барокко
Англия	ранняя английская готика	английская готика «украшенный стиль»	«перпендикулярная готика»	стиль Тюдоров	Классицизм, раннее английское барокко	«золотой век»
Германия	немецкая готика	период высокой и поздней готики	ранний Ренессанс	Высший Ренессанс	барокко	переход барокко в рококо, классицизм
Фландрия	готический стиль	поздняя готика	зарождение эпохи Возрождения	эпоха Возрождения	«золотой век», барокко	поздний ренессанс
Голландия	готический стиль	поздняя готика	Интернациональная готика	ранее Возрождение	высокое Возрождение ,Голландский классицизм	конец эпохи голландского реализма, барокко

13 век Германия

Сформировавшийся стиль – немецкая готика

Основные художники:

Герхард фон Риле — архитектор Кёльнского собора, начавший работу над ним в 1248 году по приглашению кёльнского епископа Конрада фон Гохштадена. Образцом для Риле служил Амьенский готический собор. От эпохи Средних веков остались известия о людях, принадлежащих к благородному роду «Риле»; есть предположение, что мастер Герхард относился к нему. Известно, что с 1173 г. близ Кёльна жил Шиллинг фон Риле, министериал Кёльнского архиепископа. Он владел там особняком и землями. Недалеко он получил во владение виноградник, и об этом есть запись, сделанная представителем капитула церкви св. Куниберта.

Наумбургский мастер — Все эти качества в полной мере проявились в стиле неизвестного наумбургского мастера, поистине гениального художника, наиболее известной работой которого является замечательная серия статуй и рельефов, созданных им примерно в 1240—1250 гг. для Наум-бургского собора. Показанное «Распятие» служит центральным элементом перегородки, отделяющей хоры от общедоступной части здания. Справа и слева мы видим статуи Богородицы и Иоанна Крестителя. Размещенные в глубине увенчанного островерхим щипцом портика, эти три фигуры обрамляют проход, соединяющий главный неф со святилищем хора. Размещая данную скульптурную группу на перегородке (а не над нею, в соответствии со сложившейся практикой), скульптор как бы опустил их на землю — в физическом и эмоциональном отношении. Страдания Христа теперь принадлежат реальному человеку вследствие выразительно переданных веса и объемности его тела. Богородица и Иоанн Креститель как бы молятся вместе с пришедшими в собор людьми, и горе их более красноречиво, чем когда-либо прежде.

Характеристика стиля – вертикальность композиций, стрельчатая арка, сложная каркасная система опор и ребристых сводов, устремлённость ввысь, лёгкость и ажурность образа.

Изобразительно искусство – светские мотивы, жизненные изображения, реалистическое многообразие форм. Появились мотивы рыцарской любви и придворной жизни. В миниатюре исполнителями стали уже не монахи, а горожане-ремесленники. Повышение роли художника отразилось в том, что имя мастера, создавшего рукопись, украшенную миниатюрами, теперь не всегда останется неизвестным.

Архитектура — расцвет монументальной готической скульптуры. В немецкой скульптуре резко обозначились черты экспрессии и характерности. Распространение «зубчатого стиля», названного так по характеру динамичных зигзагообразных складок одеяний. Одним из лучших примеров росписей «зубчатого стиля» является живопись плафона Михаэльмкирхе в Гильдесхейме (ок. 1240 г.)

14 век Германия

Сформировавшийся стиль – период высокой и поздней готики

Основные художники:

Мастер Вильгельм – основатель кёльнской школы живописи. Об его биографии сведения не сохранились.

Архитектор неизвестен — Минденский собор — главный памятник XIV столетия благодаря своим пропорциям, обусловленным широко раздвинутыми столбами, а также богатству и своеобразию мотивов в резьбе оконных переплетов. Из храмов XIV столетия к нему близки церковь св. Марии в Герфорде и церковь Богоматери на лугу в Зёсте; обе они — классические зальные церкви, с почти квадратным в плане основанием.

Характеристика стиля – распространения зального типа церкви, архитектурная конструкция которой позволяет создавать единое внутреннее пространство. Энергия общего движения ввысь ослабевает.

Изобразительно искусство – характерна кельнская школа, где началось развитие станковой живописи, живописи на досках.

Архитектура — «Мягкий стиль» региональный стиль поздней Готики, получивший распространение в скульптуре в 1390-1410-х гг. Основные произведения скульпторов «мягкой готики» — так называемые «горизонтальные оплакивания», в композиции которых тело Христа изображалось «горизонтально» распростертым на коленях Марии, и «прекрасные мадонны», где экзальтированность культа Богоматери, распространенная в раннем средневековье, выродилась в сентиментальную расслабленность, мягкость темы «умиления».

Кирпичная Готика — специфический стиль готической архитектуры, распространенный в Северной Европе, особенно в Северной Германии и прибалтийских регионах, не имеющих природных каменных ресурсов. Для строительства использовали только кирпичи. Ратуша Штральзунд и церковь Св. Николая являются примерами этого стиля.
15 век Германия

Сформировавшийся стиль – ранний Реннесанс

Основные художники:

Штефан Лохнер — немецкий живописец, прозванный мастером Штефаном Кёльнским. Работал в Кёльне с начала 1430-х гг. Рассматривается историками искусства как главный мастер кёльнской школы. Для художников этой школы характерны лиризм и мягкость в трактовке образов Священного Писания. Лохнер шёл по стопам основателя школы, мастера Вильгельма, с которым равнялся по глубине выражения религиозного чувства и по милой наивности и которого превзошёл в отношении силы лепки и красок. Главное и несомненное его произведение — знаменитый алтарный складень в Кёльнском соборе с изображениями «Поклонения волхвов» на средней доске и сцен из жития св. Гереона и св. Урсулы на боковых створках. Вероятно, ему же принадлежат «Богоматерь в беседке из роз», находящаяся в кёльнском Музее Вальрафа-Рихарца, и «Сретение Господне» в Дармштадтской галерее. В 1447 году Лохнер становится членом городского совета Кёльна.

Ко́нрад фон Зост — вестфальский художник, представитель так называемого «мягкого стиля» поздней готики. Сыграл решающую роль в распространении в Северной Германии принципов интернациональной готики. Он оставил своё имя на Вильдунгенском алтаре и Дортмундском алтаре Марии. Его основные работы стилистически близки к традициям франко-фламандской книжной миниатюры и выдают влияние бургундского придворного искусства. В творчестве фон Зоста прослеживаются художественные приёмы и немецких мастеров, работавших до начала XV века, в том числе кёльнских, например Мастера Бердсвордского алтаря. В настоящее время известны следующие произведения Конрада фон Зоста:Алтарь святого Николая из Часовни святого Николая в Зосте (приписывается), Национальный музей искусства и истории культуры Мюнстера; Алтарь в городской евангелической церкви Бад-Вильдунгена, 1403 г., с самым старым к северу от Альп изображением очков; Переносной алтарь дортмундского семейства Берсвордт (de:Berswordt) с изображением святого Райнхольда (покровителя Дортмунда) и других святых, 1404 г. , Старая пинакотека, Мюнхен; Алтарь Марии из дортмундской Церкви Святой Марии, 1420 г. Позднее произведение художника, в котором наиболее ярко

проявилось влияние западного (бургундского) изобразительного искусства.

Мастер Бертрам из Миндена — немецкий художник, один из крупнейших представителей готической живописи, работавший в стиле интернациональной готики.

Сохранившиеся работы:

В монастыре Доберан: две рельефные доски Рождество Христово и Бегство в Египет, размещённые на внутренней стороне крыльев алтаря-складня (1467).

В нью-йоркской библиотеке Пирпонта Моргана: художественные миниатюры на трёх листах: Воскресение Христово, праздничное действо ко дню Тела Христова и Изображение Христа в Храме (все три — до 1381 года)

В музее Декоративного искусства в Париже: шесть досок с изображениями Страстей Христовых, принадлежащих предположительно к двум алтарным крыльям

Собрание Тиссен в Кастаньоле близ Лугано: малый домашний алтарь с изображением Vera Icon. Считается ранней работой мастера, по манере исполнения близок и книжной миниатюре

Земельный музей Нижней Саксонии: алтарь 1394 для не сохранившейся до настоящего времени гамбургской церкви Св.Иоганна. Представляет собой развитие того художественного стиля, в котором был ранее выполнен Грабовский алтарь.

Характеристика стиля – Немецкий гуманизм, сохраняя основные черты движения, отличается от итальянского прежде всего более интенсивным патриотизмом. Немецкие гуманисты считают одной из главных своих задач — «выгнать варварство из Германии» и «вырвать науку у римлян». С этой целью они усердно переводят классиков на родной язык, отыскивают памятники нем. старины, основывают школы, учреждают ученые общества для изучения прошлого, пишут исторические сочинения, учебники и памфлеты в патриотическом духе. Другая особенность немецкого гуманизма — религиозность его представителей, которая внушила им интерес к Священному Писанию, помогла различить католицизм и христианство и примирить с последним новые потребности.

Изобразительно искусство – одним из достижений немецкого искусства 15 в. был подъем живописи, слабо развитой в Германии в предшествующее время. Но станковых картин создавалось в этот период еще мало. Ведущее место занимал алтарный образ. История немецкой живописи 15 в. является в первую очередь историей отдельных крупных алтарей, обычно включавших в себя ряд композиций, связанных общностью тематического замысла.

Главный акцент перенесен был на повествовательное начало и на выражение в религиозном сюжете живых человеческих чувств. Традиционные фигуры святых стали приобретать облик людей того времени, причем очень часто людей из народа, религиозные сцены — насыщаться жанровыми подробностями. Все чаще вводились в искусство наблюденные художниками жизненные детали, чрезвычайно оживлявшие изображения и делавшие их более доступными для зрителя.

Архитектура — все более значительное место в немецкой архитектуре 15 в. начинают занимать памятники светского зодчества, в которых, с одной стороны, обнаруживается продолжение ценных традиций гражданской готической архитектуры предшествующих веков, а с другой стороны, находят благоприятную почву для своего развития новые, прогрессивные тенденции. Не менее выразительны фахверковые общественные постройки (конструкцию которых составляет деревянный каркас с кирпичным заполнением), достигшие в этот период замечательной художественной выразительности.

16 век Германия

Сформировавшийся стиль – Высший Ренессанс

Основные художники:

А́льбрехт Дю́рер — немецкий живописец, гравёр и график, один из величайших мастеров западноевропейского Ренессанса. Признан крупнейшим европейским мастером ксилографии, поднявшим её на уровень настоящего искусства. Первый теоретик искусства среди североевропейских художников, автор практического руководства по изобразительному и декоративно-прикладному искусству на немецком языке, пропагандировавший необходимость разностороннего развития художников. Основоположник сравнительной антропометрии. Помимо перечисленного оставил заметный след в военно-инженерном деле разработкой теории фортификации. Первый из европейских художников, написавший автобиографию.

Вендель Диттерлин Старший — немецкий художник-маньерист: архитектор-декоратор, рисовальщик-орнаменталист, гравёр и теоретик архитектуры. Диттерлин писал картины, рисовал орнаменты, проектировал фонтаны и парковые павильоны. Большая часть этих произведений не сохранилась. В своём причудливом стиле, известном нам в основном по орнаментальным гравюрам художника, Диттерлин как подлинный маньерист соединял элементы фламандского и немецкого барокко с итальянским маньеризмом. Специалисты видят в стиле его декоративных росписей с «преувеличенными ракурсами» влияние фресок Джулио Романо в Палаццо В 1590—1592 годах Диттерлин работал в Штутгарте, где выполнил росписи плафона «Увеселительного дворца». В конце жизни обобщил свой опыт в теоретическом трактате «Архитектура в построении, симметрии и пропорции пяти ордеров». Трактат содержит 209 гравированных иллюстраций.

Ганс Гольбéйн (Младший) — живописец, один из величайших немецких художников. Самый знаменитый представитель этой фамилии. Родился в Аугсбурге, Германия, учился живописи у своего отца — Ганса Гольбейна-старшего. Испытал влияние Ханса Бургкмайра. Позже с братом Амброзиусом Гольбейном переселился в Базель (Швейцария). В городе Гольбейн познакомился со многими гуманистами и учёными этого периода, в том числе с Эразмом Роттердамским. По просьбе последнего иллюстрировал его работу «Похвала глупости». Гольбейн иллюстрировал и другие книги, участвовал в создании немецкого перевода Библии, создавал витражи и писал портреты. В 1516 году он написал портрет бургомистра Мейера и его жены, а также живописца Ганса Гербстера, в следующем году — фрески внутри и на наружных стенах дома Гертенштейна в Люцерне. По возвращении осенью 1519 года в Базель, много работал над декорированием внешних фасадов домов. «Мёртвый Христос в гробу», 1521—1522, Художественный музей, Базель, картина, от которой, по словам князя Мышкина в романе Достоевского «Идиот», «у иного ещё вера может пропасть». Важнейшие произведения базельского периода Гольбейна: портрет юриста Бонифация Амербаха; десять картин страстей Господних, изображения Рождества Христова и Поклонения волхвов; Мадонна со святыми для города Золотурна; наконец, знаменитая Мадонна семейства Мейер. К этому же времени относятся портреты Эразма Роттердамского, Доротеи Оффенбург рисунки к Ветхому Завету и «Пляска Смерти», гравированные на дереве.

Холль Элиас — немецкий архитектор. Работал главным образом в родном Аугсбурге, где в 1602 г. стал городским архитектором. В 1600—01 гг. путешествовал по Италии. Сыграл ту же роль в развитии нем. зодчества, что и Иниго Джонс в Англии: оба ввели в своей стране подлинный стиль Ренессанса. Среди множества зданий, которые он спроектировал в Аугсбурге, наиболее, знаменита ратуша (1616—20, разрушена во время 2-й мировой войны, затем отстроена заново) — высокое, строгое здание с очень простыми деталями в классическом стиле. Протестант Xолль работал в городе, населенном в основном католиками. В 1631 г. был уволен со службы по религиозным причинам, в 1632 г. его восстановили в занимаемой должности, но спустя три года окончательно уволили.

Характеристика стиля – светский характер культуры, её гуманизм и антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Расцветает интерес к античной культуре

Изобразительно искусство – утвердились принципы реализма, новые идеалы. Получает развитие политическая графика: листовки, памфлеты, карикатура. Многие немецкие художники становились участниками политической и религиозной борьбы и подвергались преследованиям. К этому времени относится расцвет книжной иллюстрации, карикатуры, станковой гравюры. Новые веяния ярко проявились в области гравюры – наиболее массовом виде искусства, менее скованном традицией.

Архитектура — ведущую роль начинает играть светское зодчество. Жилой городской особняк, ратуша или торговый дом — таковы доминирующие в эту эпоху типы строений. Несмотря на многообразие форм немецкой архитектуры эпохи Возрождения, связанное с раздробленностью страны и наличием множества более или менее обособленных областей, в немецком зодчестве явственно выражены некоторые общие принципы. Традиции средневековой готической архитектуры не умирают в немецком зодчестве на протяжении всего столетия, накладывая свой отпечаток на образный строй ренессансных сооружений Германии.

17 век Германия

Сформировавшийся стиль – барокко

Основные художники:

Маттеус Да́ниель Пёппельман — придворный архитектор Августа Сильного, основной представитель дрезденского барокко. Более, чем кому бы то ни было иному, Дрезден своим знаменитым барочным обликом обязан именно Пёппельману. В 1686 году он вступил в должность строительного кондуктора. В это время его заработок поступил преимущественно от строительства домов для горожан. Для этого Пёппельман должен был сперва занимать деньги, на которые осуществлялось строительство. Доход поступал лишь после продажи домов. Помимо этого, он в 1687 году получил лицензию на торговлю алкогольными напитками. В творческом плане в этот период М. Пёппельман находился под влиянием идей начальника управления по строительству, родоначальника «саксонского барокко» Вольфа Каспара фон Кленгеля и его последователя Иоганна Георга Штарке. В 1705 году он был назначен на должность государственного архитектора и в этой должности руководил планировкой новой королевской дворца-резиденции. В 1718 году он замещал Иоганна Фридриха Кархера в должности главного государственного архитектора. В этой должности полностью раскрылся талант Пёппельмана как архитектора и администратора, превративший Дрезден в один из красивейших городов Европы эпохи рококо. Главным творением М. Пёппельмана считается дрезденский Цвингер, созданный им совместно с архитектором Бальтазаром Пермозером. В 1729 году он выпустил серию из 22 гравюр по меди, посвящённых построенному зданию. Другими возведёнными им зданиями являются дрезденский Японский дворец, замок Пильниц, замок Гроссзедлиц, замок Градиц.

Бальтазар Пе́рмозер— известный немецкий скульптор барокко. Пермозер учился ремеслу у Вольфа Вейсенкирхнера и Джованни Баттиста Фоджини. Примером для него служили Джованни Лоренцо Бернини и Пьер Пюже. В 1663—75 годах Пермозер учился и работал в Зальцбурге и Вене, в 1675—89 годах — во Флоренции, а в 1689 года был приглашён в качестве придворного скульптора в Дрезден, где при Августе Сильном создал множество скульптурных работ. Особого упоминания заслуживают скульптуры, созданные Пермозером из дерева, камня и слоновой кости для Цвингера. Также известны восемь фигур, выполненных Пермозером из песчаника и украшавших поначалу дворец Фридрихсфельде, а затем его парк.

Братья Азам — Эгид Квирин Азам и Космас Дамиан Азам — немецкии скульпторы и декораторы интерьеров периода позднего барокко. Их самая известная работа находится в городе Pop в Баварии. В местной церкви они создали смелую композицию на один из таинственных христианских сюжетов: Вознесение Марии. В этой работе, выполненной из разноцветного и монохромного стука, фигура Богоматери парит между небом и землей вопреки всем законам земного притяжения. Лица и позы апостолов, собравшихся возле открытого гроба, выражают их реакцию на совершившееся чудо. Они выглядят как настоящие трагические актеры, исполняющие свои роли со страстной убежденностью. Братья Азамы были учениками Бернини. В «Вознесении Марии» они выступают как достойные продолжатели великого учителя.

Характеристика стиля – гигантизм пропорций; большое открытое центральное пространство, где каждый мог видеть жертвенник; скручивание колонны, театральные эффекты, включая свет, исходящий от выше купола; драматические внутренние эффекты, созданные с бронзой и позолотой; кластеры ваяемых ангелов и других фигур высоких накладных расходов; и широкое использование сверхнатурализма, с нарисованными архитектурными деталями и рисунками на стенах и потолке, чтобы увеличить драматический и театральный эффект.

Иоахим фон Зандрарт Старший — немецкий художник, график и историк искусства, переводчик. В 1625—1629 изучал живопись в Утрехте у Геррита ван Хонтхорста. В последующие 6 лет вместе со своим учителем путешествовал по Англии и Италии. В Италии много рисовал, в том числе для римского банкира Джустиниани и по заказу папы Урбана VIII. В первую очередь это были многочисленные портреты, а также полотна на библейские темы для интерьеров римских церквей. В Амстердаме написал для баварского герцога Максимилиана I такие полотна, как серию «Двенадцать месяцев» и аллегорию «День и ночь». После смерти своего тестя в 1645 унаследовал замок Штокау близ Ингольштадта и переселился в него из Нидерландов. Наиболее значимым его произведением там является большая картина «Великий пир мира», изображающая торжественное пиршество шведского короля Карла X Густава с императорскими и шведскими комиссарами в рамках мирного конгресса. В 1675 написал полотно «Сон Иакова» для церкви Босоногих в Аугсбурге. Своё главное и наиболее ценное сочинение по истории искусства, «Немецкую академию зодчества, ваяния и живописи», фон Зандрарт издал несколькими частями в период с 1675 по 1679 год. В этой работе ему помогал нюрнбергский поэт Зигмунд фон Биркен, перерабатывавший научную часть Зандрарта и оживлявший это сочинение своими стихами, сделав его наконец одним из шедевров немецкой литературы эпохи барокко.

Изобразительно искусство – Как таковые немецкие школы живописи слабо представлены в рассматриваемый период, все заметные немецкие художники работали под сильным итальянским и нидерландским влиянием

Архитектура — Начинают строить дворцы, занимающие большие территории, с парками наподобие знаменитого Версаля. идеал естественной красоты дополнился великолепием сверхъестественного, изображенного с помощью возвышенных форм, цвета и символов. Новая архитектура, наполненная причудливыми орнаментальными мотивами в виде раковин (в так называемом стиле рококо, особенно развившемся во Франции при Людовике XV), воплотилась в возведенных княжеских замках с их садами, скверами, аллеями, театрами, которые служили не просто местом приемов и представлений дворянского общества, но и показателем благосостояния и символом власти.

18 век Германия

Сформировавшийся стиль – переход барокко в рококо, классицизм

Основные художники:

Иоганн Бальтазар Нейман — один из крупнейших немецких архитекторов барокко и рококо. Творчество Бальтазара Неймана связано с архитектурой Баварии. Самой крупной постройкой Неймана стала резиденция архиепископа-курфюрста Франконии.

Это огромный дворец с четырьмя внутренними дворцами и очень протяженным фасадом (167 м). Чтобы избежать однообразия, Нейман оформил фасад крупными ризалитами. Нижний этаж выполнен строго и просто; верхние этажи украшены скульптурами.

Архитектор Георг Венцеслаус Кнобельсдорф построил для короля Пруссии Фридриха II королевскую резиденцию Сан-Суси в Потсдаме, пригороде Берлина. Это вытянутое одноэтажное здание с изящной балюстрадой по карнизу — наиболее удачный пример немецкого рококо. В его центре — овальный зал, крытый куполом. Полукруглый парадный двор окружен колоннадой. Все элементы — скульптура, декоративная живопись, мебель, зеркала — образуют цельный, тщательно продуманный ансамбль.

Антон Рафаэль Менгс — самый крупный немецкий живописец эпохи классицизма. Был сыном саксонского придворного художника Измаила Менгса. Получил прекрасное художественное образование под руководством отца. Вместе с отцом жил в Риме, где изучал античное искусство и работы мастеров Эпохи Возрождения Рафаэля и Корреджо. Значительную часть жизни провёл в Риме, где был одним из создателей неоклассического стиля (неоклассицизм) в живописи. Вернувшись в Дрезден, Менгс назначен главным придворным художником. У современников художник пользовался огромной популярностью. Работал в Риме, Мадриде, Неаполе. В Испании Менгс помог молодому Франциско Гойе устроиться в Королевскую шпалерную мануфактуру, оценив его талант. Теперь его исторические и аллегорические полотна кажутся весьма невыразительными, а портреты, напротив, признаны изысканными. В 1761-1769 и 1773-1777 гг. Менгс был придворным художником в Мадриде, и тот факт, что его тусклые и лишённые своеобразия фрески предпочли работам великого живописца, как Тьеполо, свидетельствует о вкусах тогдашней публики, обращённых в сторону нео классицизма. Вернулся в Рим где скончался 16 июня 1779 года.

Антон Графф – немецкий художник швейцарского происхождения, выдающийся портретист своего времени. Написал более 1,5 тысяч портретов, среди которых наиболее интересны изображения деятелей науки и искусства: немецкого поэта Иоганна Фридриха Шиллера, драматурга Готхольда Эфраима Лессинга, Фридриха Гедике и др. По заказу Екатерины II копировал ряд картин из Дрезденской галереи для Эрмитажа.

Характеристика стиля – Характерными чертами рококо, которые можно выявить в произведениях искусства этого стиля, можно признать следующие: Грациозность и легкость, затейливость, декоративная утонченность и импровизация, пасторальность (пастушеская идиллия), тяга к экзотике. Орнамент в виде стилизованных раковин и завитков, арабесок, цветочных гирлянд, фигурок амуров. Сочетание пастельных светлых и нежных тонов с большим количеством белых деталей и золота. Культ прекрасной наготы, восходящей к античной традиции, изощренная чувственность, эротичность. В классицизме категорически отвергаются округлые вычурные формы барокко. Эталоны гармонии, строгости и монументальности в этом направлении являются преимущественными.

Изобразительно искусство – Учение о подражании древним грекам (Винкельман) или об «эклектическом» слиянии лучших качеств всех лучших старых мастеров (Менгс) всего методичнее было разработано именно в Германии, а потому ничтожным остается число немецких художников XVIII столетия, самостоятельно способствовавших дальнейшему развитию живописи, несмотря на воскрешение многих полузабытых немецких живописцев того времени.

Архитектура — новый сильный приток архитекторов из Франции вытесняет итальянцев и вместе с тем приносит в немецкую архитектуру формы рококо. Французское воздействие, однако, по-разному сказывалось в условиях Германии с ее резкими территориальными различиями. Кроме того, французские идеи находили отзвук главным образом в градостроительстве, а также светском, дворцовом и парковом строительстве, либо военном и лишь косвенно касались церковной архитектуры (применение мотивов рококо во внутреннем декоре), наиболее ярко представленной именно южно-немецким барокко.

Стили искусства. Искусство до эпохи Возрождения | Postnikova Art|Дневник художника

А что было до эпохи Возрождения? Искусство для чайников и пряников.

Начиная изучать направления в живописи, я часто слышала об эпохе Возрождения как об основополагающей точке развития творческих событий. Но мне как человеку тайн и загадок стало любопытно, что было до отправной точки. И я начну я со стиля «до».

Сейчас поглядим че там было

Средневековая живопись или западно-европейское средневековое искусство

Обычно выделяют три периода — искусство раннего средневековья (V— IX вв.), романское искусство и готику.

Эпоха раннего средневековья — время формирования новой культуры, в которой крайне редко и весьма условно изображали в искусстве человека. Гораздо ближе был им мир фантастических животных и сложный узор орнаментов, которыми они украшали изделия из металла, дерева, кости, детали одежды, оружие.

Эта культура создавалась пришлыми племенами. Римляне называли их варварами. Разгромив некогда могучий Рим, варварские народы образовали на территории завоеванной империи свои королевства.

Культовые постройки преобладали среди каменной архитектуры эпохи Каролингов* .Каролингские церкви и дворцы украшались росписями и мозаиками, встречались в храмах и скульптурные изображения.

В отличии от своих предшественников, художники средних веков внимательно изучали произведения римских и византийских мастеров и многому научились у них. Главным элементом оформления в книгах стали сюжетные миниатюры с изображением пейзажей, архитектурного фона.

*»каролинги» — династия франкских королей, виднейшим представителем которой был Карл Великий.

Романское искусство наиболее ярко раскрылось в архитектуре церковных зданий. Романскому храму присуща суровая, мужественная красота, его отличает внушительность и торжественная мощь.

Нередко живописцы и скульпторы давали волю своей фантазии и «населяли» стены храмов или страницы рукописей изображениями фантастических существ, фигурами акробатов, птиц и животных, образами, заимствованными из народных поверий.

У Босха, конечно, слишком причудливые твари, но для общего представления фантастических существ в эпоху Средневековья в живописи я поместила картинку сюдаГвидо да Сиена.

Поклонение волхвов

У Босха, конечно, слишком причудливые твари, но для общего представления фантастических существ в эпоху Средневековья в живописи я поместила картинку сюда

Произведений светского искусства от романской эпохи, увы, сохранилось мало.

Готическая скульптура по сравнению с романской больше похожа на круглую статую. Фигуры, хотя и приставлены к колонне или стене, стали объёмнее, они смелее выступают в реальное пространство.

Основным видом искусства в эпоху готики оставалась архитектура. Она наиболее ярко воплотила новые представления об окружающем мире. Стали приобретать самостоятельное значение и другие виды искусства, в первую очередь скульптура. Высшее создание готики — величественный городской собор.

Вместе с храмами в эпоху готики большое внимание уделялось строительству светских зданий — ратуш, торговых рядов, больниц и складов. В замках богато отстраивались парадные залы.

И пару слов про Возрождение.

Возрождение

Возрождение или по-другому ренессанс — особая, масштабная эпоха в художественном мире. Она не копирует искусство древних цивилизаций. Оно переходит от эпохи средневековья к новому времени,протягивает лукаво руку к античной культуре, образует определенно новую стезю культуры.

Это смешение:

Мифологии и Христианства.
Реалистичности натуры и душевности образов.
Красоты физической и красоты духовной.

Знаковые художники этой эпохи:

Джотто ди бондонеМазаччо. АвтопортретЛеонардо да Винчи

Джотто ди бондоне

Джотто ди бондоне и Мазаччо, которые положили начало самой эпохе возрождения. Джотто изобрел перспективу и поменял золотые фоны на более реалистичные, а Мазаччо является новатором раннего возрождения. Позже тему подхватили и стали развивать Леонардо Да Винчи, Микелянджело Буанаротти ,Рафаэль Санти. А также Тициан, как крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, но прославился он и как портретист.

Не забывайте про Донателло, кстати, хотя он и скульптор.

Отличительные черты Возрождения:

антропоцентризм,
портрет,
эмоции,
пейзажи на заднем фоне,
гуманистическое мировоззрение.

За 30 лет существования высокое Возрождение оно определило главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов.

Кстати в Италии Возрождение существовало с 14 по 16 век, в других странах — с 15го века.

Спасибо за внимание. Ниже ссылки на мое портфолио на разных платформах 🙂

История военного искусства с древнейших времен до начала девятнадцатого столетия

Введение 10
История военного искусства древнейших народов 18
Основные черты военного искусства древнейших народов 18
Организация вооруженных сил 20
Стратегическое и тактическое искусство 20
Битва при Фимвре в 541 г. до Р.Х. 22
Крепостная война 27
История военного искусства народов классической древности 28
Военное искусство греков 28
Общеисторические данные с 1300 по 200 г. до Р.Х . 28
Греческая пехота древнего периода и ее тактика 28
Греко-персидские войны. Марафон (490). Фермопилы (480). Саламин. Платея 33
Пелопонесская война. Отступление 10 тысяч греков из Персии 36
Войны Спарты с персами и греческим союзом (Фивами) 38
Эпаминоид Левктры (371) 38
Военное искусство Александра Македонского 41
Поход в Азию и Африку для завоевания Персии (234-331) 41
Первый год войны. Граник (334) 44
Второй год войны. Исса (333) 47
Третий поход в Сирии и Египте (333-332) 48
Четвертый поход для завоевания внутренних областей персидского государства. Гавгамеллы и Арбеллы (331) 49
Вывод о военном искусстве Александра Македонского 53
Эпоха Диодохов. Общий вывод о значении военного искусства греков 54
Военное искусство Римлян 56
Общеисторические данные с 753 г. до Р.Х. по 500 г. после Р.Х 57
Военное устройство Рима в различные эпохи 57
Комплектование армии. Обучение войск. Дисциплина. Вооружение 58
Одежда. Продовольствие. Жалованье 68
Построение легиона в различные эпохи 69
Кавалерия 79
Боевой порядок римских армий в различные эпохи 79
Образцы стратегического и тактического искусства 83
Вторая пуническая война (218-201) 83
Первая кампания. Сражение при Треббии (218) 86
Вторая кампания. Тразименское сражение (217) 95
Третья кампания. Сражение при Каннах (216) 99
Дальнейшие действия Аннибала в Италии. Сражение при Заме 103
Отличительные черты стратегического и тактического искусства Аннибала 106
Македонские войны. Кинокефалы (197). Пидна (168) 107
Военное искусство римлян в эпоху Юлия Цезаря 110
Седьмая кампания Юлия Цезаря в Галлии в 52 г. до Р.Х. Алезия 113
Война Юлия Цезаря с Помпеем (49-48). Дирахиум. Фарсал 120
Падение римского военного искусства в эпоху императоров 127
Теоретические трактаты по военному искусству 132
Общее заключение о развитии военного искусства в эпоху народов классической древности 133
Литература 136
История военного искусства новых народов 137
Эпоха до конца XIII столетия 137
Общеисторические данные с 500-1300 г. после Р.Х 138
Общая характеристика состояния военного искусства эпохи 139
Организация вооруженных сил. Тактическое искусство 139
Сражение при Бувине (1214) 144
Сражение на Мархском поле или при Штильфриде (1278) 148
Военное искусство восточных народов. Чингисхан. Тамерлан 149
Военное искусство аравитян, турок, венгров 152
Крестовые походы 153
Эпоха от крестовых походов до Густава Адольфа 156
Общеисторические данные с 1300-1600 г. после Р.Х 156
I период — до возрождения наук и искусств в конце XV века 157
Столетняя война. Сражение при Кресси (1346 г.) 159
Постоянные войска. Ордонансовые роты Карла VII 162
Возрождение пехоты в швейцарских и фламандских войнах 164
Сражение при Куртре (1302) 166
Швейцарские войны XIV и XV столетия. Швейцарская пехота 168
Сражение при Маргартене (1315) 169
Сражение при Лаупене (1339 г.) 169
Армия Карла Смелого. Грансон и Муртен (1476 г.) 172
Гуситские войны 173
Военное искусство русских 174
Куликовская битва (1380) 176
Изобретение огнестрельного оружия. Краткий очерк развития техники в выработке пороха и огнестрельного оружия до конца XV века 179
II период — эпоха возрождения наук и искусств до великих религиозных войн в первой половине XVII столетия 186
Выработка типа европейской пехоты 187
Вербованные войска. Организация. Вооружение. Снаряжение 190
Боевые строи и боевые действия войск. Испанский и нидерландский боевые порядки 193
Кавалерия. Рейтарские и легкие полки 195
Ручное огнестрельное оружие 197
Артиллерия в конце XVI и в начале XVII столетия в Европе 197
Русская артиллерия 201
Боевые порядки и боевые действия совокупности всех родов войск 202
Сражение при Равенне (1512 г. ) 203
Сражение при Черизолле (1544 г.) 205
Сражение при Ньюпорте (1600 г.) 210
Военно-инженерное искусство 211
Эпоха Густава Адольфа 213
Организация вооруженных сил215
Устройство войск, их боевые построения и действия. Пехота. Кавалерия. Артиллерия 215
Боевые порядки и боевые действия отрядов из всех родов войск 222
Военно-инженерное дело. Содержание и продовольствие войск. Дисциплина и дух войск223
Шведский период 30-летней войны225
Поход 1630 г. Узедом. Занятие Штетина. Расширение базы. Штурм Грейфенгагена. Лагерь при Беервальде228
Поход 1631 г. 232
Вторая экспедиция Густава Адольфа в Мекленбург. Взятие Демина 233
Взятие Франкфурта-на-Одере и Ландсберга 234
Осада и взятие Магдебурга 235
Движение Густава Адольфа к Эльбе; дела при Ангерне и Бургштале, атака имперцами Вербенского лагеря 237
Сражение при Брейтенфельде (Лейпциг 1631 г. ) 240
Движение короля к Рейну 247
Поход 1632 г. Валленштейн 248
Переправа шведов через Лех 250
Густав Адольф и Валленштейн под Нюрнбергом. Атака лагеря Валленштейна (бой при «старой крепости») 252
Вступление Валленштейна в Саксонию; контрмарш Густава Адольфа 254
Сражение при Люцене (1632) 255
Значение шведского периода 30-летней войны в истории военного искусства 259
Стратегическое и тактическое искусство Густава Адольфа 260
Эпоха Людовика XIV 261
Постоянные армии. Ложный методизм в стратегии. Выработка линейной тактики 261
Французские войска. Пехота. Кавалерия. Артиллерия 264
Боевые порядки и боевые действия отряда из всех родов войск. Тактическое искусство 272
Походные движения. Расположение на отдых 272
Воспитание и обучение войск 273
Стратегическое искусство. Магазинная система довольствия и ее последствия 274
Инженерное искусство. Дух и дисциплина войск. Военная литература. Мориц Саксонский 275
Две последние кампании Тюренна в 1674-1675 гг. 280
Кампания 1674 г. Сражения при Зинцгейме, Энцгейме и Тюркгейме 282
Кампания 1675 г. Бой у Нидер-Засбаза и Альтенгейма 287
Кампания принца Евгения Савойского в Италии в 1706 г. 292
Сражение под Турином 1706 г. 299
Петр Великий 302
Общеисторические данные с 1700-1800 г. после Р.Х 302
Значение его как основателя русского военного искусства 302
Завоевание Ингерманландии (1700-1704 гг.)304
Гродненская операция (1705-1706 гг.) 305
Кампания 1707-1709 гг. Первый период с конца 1706 до июля 1708 года. Сражение при Головчине (1708 г.) 309
Второй период. Полтавская операция. Бой у с. Добра 29 августа 1708 г. Бой при деревне Лесной 28 сентября 1708 г. 313
Действия обеих сторон зимою. Сражение под Полтавой 27-го июня 1709 г. Заключение 318
Эпоха Фридриха Великого 325
Вербованные армии дурного состава. Высшее развитие магазинной системы и линейной тактики. Подъем значения кавалерии. Возрождение идей Эпаминонда и Александра Македонского в области тактики 325
Тактическое искусство. Организация и боевые действия войск 331
Пехота. Артиллерия. Кавалерия 331
Нормальный боевой порядок. Походные порядки. Бой 341
Продовольствие армий и их обозы 344
Стратегическое искусство Фридриха Великого 346
Инженерное искусство эпохи 349
Русское военное искусство 350
Военная литература. Ллойд 352
Первый год семилетней войны (1757 г. ) 353
Поход 1756 г 354
Кампания 1757 г. Первый период. Сражение под Прагою (6 мая 1757 г.) 356
Сражение при Коллине (1757 г.) 362
Второй период. Отступление пруссаков из Богемии. Набег Гаддика на Берлин. Действия Фридриха на западе. Сражение при Россбахе (1757 г.) 365
Движение Фридриха в Силезию. Сражение при Лейтене (1757 г.) 370
Пальциг-Кунерсдорфская операция (1759 г.) 374
Сражение при Кунерсдорфе (1759 г.) 378
Переходная эпоха конца XVIII столетия 381
Всеобщее подражание прусскому военному искусству. Протест против него во Франции: Мениль-Люран. Де-Броглио 381
Война за независимость Северо-Американских штатов. Лексингтон (1775 г.). Возрождение стрелкового боя пехоты. Французский устав 1791 г 383
Французская революция. Переворот в военном искусстве под влиянием новых идей, новых условий комплектования армии и реквизиционной системы довольствия 385
Организация армии. Пехота. Кавалерия. Артиллерия. Инженерный корпус. Дисциплина и дух войск 386
Тактическое искусство. Боевой порядок. Бой 388
Инженерное искусство. Значение новых факторов и условия успеха французской армии 391
Генерал Бонапарт. Итальянская кампания Бонапарта 1796-1797 г. Лоди 393
Первая попытка австрийцев деблокировать Мантую. Лонато. Кастильоне 398
Вторая попытка австрийцев деблокировать Мантую. Ла-Фаворита 402
Третья попытка австрийцев деблокировать Мантую. Действие Бонапарта против Альвинчи и Давыдовича (2-21 ноября). Бой у Кальдиеро 12 ноября. Сражение при Арколе (15, 16 и 17 ноября) 405
Четвертая попытка австрийцев к освобождению Мантуи. Сражение при Риволи (1797 г.) 412
Капитуляция Мантуи 418
Вторжение Бонапарта в Каринтию 418
Кампания 1800 г. в Италии 420
Сражение при Маренго 14-го июня 425
Русское военное искусство в век Императрицы Екатерины II 430
Особенности русского военного искусства в век Императрицы Екатерины II. Румянцев, Потемкин, Суворов 430
Кампания Суворова в Польше в 1794 г. Штурм Праги 440
Поход Суворова в Италию в 1799 г. Бой на р. Адде 445
Сражение при рр. Тидоне и Треббии 17, 18 и 19 июня 454
Сражение при Нови 460
Эпоха Наполеона 463
Общеисторические данные после 1800 г. после Р.Х 463
Комплектование армии. Организация армии. Пехота. Кавалерия. Артиллерия 464
Организация высших тактических единиц. Гвардейский корпус как резерв армии 478
Генеральный штаб. Главная квартира армии. Производство в чины, награды, пенсии. Дисциплина. Продовольствие войск 480
Тактическое искусство Наполеона. Стратегическое искусство 483
Кампания 1805 г. на германском театре военных действий 485
Ульмский период. От Ульма, через Вену, к Брюнну 488
Аустерлицкий период. Сражение при Аустерлице 2 декабря 1805 г 497
Кампания 1809 г. на германском театре военных действий 502
Пятидневный бой под Регенсбургом (19-23 апреля) 505
Занятие Вены. Сражение при Асперне и Эсслингене 510
Подготовка ко второй переправе через Дунай 512
Сражение при Ваграме 5 и 6 июля 1809 г 512
Краткий очерк войны 1812 г 516
Оборонительный план русских, предложенный Фулем. Открытие кампании Смоленск 517
Отступление на Москву. Кутузов. Бородино 524
Занятие Наполеоном Москвы. Тарутино. Малоярославец. Вязьма. Красное 526
Березина. Конец Войны 529
Общее заключение 532

При написании настоящей книги генерал Н. П. Михневич руководствовался целью выяснить состояние военного искусства в разные исторические эпохи, последовательность в его развитии, а также указать те исторические причины, которые повлияли на его развитие или падение в ту или иную эпоху.

Стараясь выполнить эту программу, а также желая возможно нагляднее показать зависимость состояния военного искусства данной эпохи от современного состояния культуры и цивилизации, главные отделы настоящего сочинения сопровождаются общеисторическими данными, сгруппированными по столетиям. В приведенных перечнях событий указаны только важнейшие научные и практические изобретения, течения в области философии, науки и искусства.

Загрузка…

западных художественных движений и их влияние

История искусства восходит к десяткам тысяч лет назад, когда древние цивилизации использовали доступные методы и средства массовой информации для изображения культурно значимых предметов. Начиная с этих ранних примеров, последовало множество художественных движений, каждое из которых несло свои собственные отличные стили и характеристики, отражающие политические и социальные влияния того периода, из которого они возникли. Независимо от того, являетесь ли вы начинающим коллекционером или просто цените работы великих художников истории, стоит начать с изучения основных движений временной шкалы истории искусства.

Влиятельные жанры искусства от эпохи Возрождения до подъема модернизма, несомненно, оставили свой след в истории. Сегодня многие художники, такие как Бэнкси, Керри Джеймс Маршалл, Микален Томас и Кехинде Вили, постоянно вливают исторические отсылки к искусству в современные произведения, поэтому понимание исторического контекста и значения каждого периода и движения имеет решающее значение как для коллекционеров, так и для любителей искусства. Ниже представлена подробная хронология художественных движений, в которой исследуются характеристики, ведущие участники и важные влияния каждого выдающегося периода в истории западного искусства.

Нажмите на жанры ниже, чтобы узнать больше об основных характеристиках и основных участниках поворотных периодов западного искусства.

Доисторическое искусство ~ 40–4 тыс. До н. Э.
Характеристики Резьба по камню, живописные изображения, скульптуры и каменные композиции
Ведущие участники Доисторические культуры, существовавшие до появления письменности
Влиятельные работы Наскальные рисунки Ласко, эпоха палеолита
Наскальные рисунки Ласко, эпоха палеолита
Древнее искусство 30 000 лет до н. Э.C.–A.D. 400
Характеристика Религиозно-символическая образность, украшения утилитарных предметов, мифологические сюжеты
Ведущие участники Цивилизации Месопотамии, Египта, Греции и Америки
Influential Works Кодекс Хаммурапи , 1754 г. до н.э.
Месопотамия, Кодекс Хаммурапи , 1754 г. до н. Э.
Средневековье от 500 до нашей эры. 1400
ХарактеристикиТемные образы, библейские сюжеты, Классическая мифология, Готическая архитектура
ведущих авторов Аббат Сугер Чимабуэ Джотто
Влиятельные работы Чимабуэ
Распятие , 1288 Джотто
Оплакивание Христа , 1305
Чимабуэ, Распятие , 1288
Возрождение 1400–1600 гг.
Характеристики Природные элементы, индивидуализм, реализм, внимание к деталям, точность анатомии человека
Ведущие авторы: Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль,
.
Влиятельные работы Леонардо да Винчи
Мона Лиза , 1503 Микеланджело
Давид , 1504 Рафаэль
Афинская школа , 1511
Рафаэль, Афинская школа , 1511
Маньеризм 1527–1580 гг.
Характеристики Стилизованные элементы, преувеличенные детали, декоративные элементы
ведущих авторов Бронзино Франческо Сальвиати Джорджио Вазари
Влиятельные произведения Бронзино, Венера, Амур, Безумие и время , 1540 Джорджо Вазари
Аллегория Непорочного зачатия , 1541
Бронзино, Венера, Амур, Безумие и время , 1540
Барокко 1600–1750 гг.
Характеристики Изысканный, величавый, богатый, стилистически сложный, драматичный
ведущих авторов Караваджо Йоханнес Вермеер Рембрандт ван Рейн
Влиятельные работы Караваджо
Призвание святого Матфея , 1600 Рембрандт
Ночной дозор , 1642 Йоханнес Вермеера
Девушка с жемчужной сережкой , 1665
Караваджо, Призвание св. Матфея , 1600
Рококо 1699–1780 гг.
Характеристики Легкость, элегантность, естественные формы, асимметричный дизайн, нежные цвета
Ведущие участники Антуан Ватто Франсуа Буше
Влиятельные работы Антуан Ватто
Посадка на Cythera , 1718 Франсуа Буше
Венера, утешающая любовь , 1751
Антуан Ватто, Посадка на Cythera , 1718
Неоклассицизм 1750–1850 гг.
Характеристики Возобновленный интерес к классической старине, гармонии, простоте и пропорции
ведущих авторов Антонио Канова Жак-Луи Давид
Влиятельные работы Жак-Луи Давид
Наполеон пересекает Альпы , 1801 Антонио Канова
Три грации , 1816
Жак Луи Давид, Наполеон пересекает Альпы , 1801
Романтизм 1780–1850 гг.
Характеристики Элементы воображения, сосредоточенность на страсти, эмоциях и наблюдении за чувствами
ведущих авторов Франсиско Гойя Генри Фузели Уильям Блейк
Влиятельные работы Генри Фусели
Кошмар , 1781 Уильям Блейк
Призрак блохи , 1820 Франсиско Гойя
Сатурн, пожирающий своего сына , 1823
Уильям Блейк, Призрак блохи , 1820
Реализм 1848–1900 гг.
ХарактеристикиПодробные изображения повседневной жизни
Ведущие участники Гюстав Курбе Жан-Франсуа Милле
Влиятельные работы Жан-Франсуа Милле
Собиратели , 1857 Гюстав Курбе
Женщина с попугаем , 1866
Жан-Франсуа Милле, The Gleaners , 1857
Модерн 1890–1910
Характеристики Длинные, извилистые линии и кривые
ведущих авторов Альфонс Муха Антони Гауди Густав Климт
Влиятельные работы Антонио Гауди
Церковь Святого Семейства , 1882 г. Густав Климт
Поцелуй , 1908 Альфонс Муха
Принцесса Гиацинт , 1911
Альфонс Муха, Принцесса Гиацинт , 1911
Импрессионизм 1865–1885 гг.
Характеристики Короткие, быстрые мазки, разделение цветов, отделка в стиле эскиза, современная тематика
Ведущие авторы: Клод Моне, Пьер Огюст Ренуар,
.
Влиятельные произведения Пьер Огюст Ренуар
Танец в городе , 1872 Клод Моне, Впечатление, восход солнца , 1899
Клод Моне, Impression, восход солнца , 1899 г.
Постимпрессионизм 1885–1910 гг.
Характеристики Субъективные видения, символика, абстракция
Ведущие участники Жорж Сёра Винсент Ван Гог
Влиятельные работы Жорж Сёра
Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жат , 1886 Винсент Ван Гог
Звездная ночь , 1889
Жорж Сёра, Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жат , 1886
Фовизм 1900–1935 гг.
Характеристики Выразительные цвета, линии и манера письма, жирный дизайн поверхности, плоская композиция
ведущих авторов Андре Дерен Анри Матисс
Влиятельные работы Анри Матисс
Женщина в шляпе , 1905 Андре Дерен
Здание парламента , 1905-1906
Анри Матисс, Женщина в шляпе , 1905
Экспрессионизм 1905–1920 гг.
Характеристики Искажение формы, сильное использование цветов
Ведущие авторы Эдвард Мунк Василий Кандинский
Влиятельные работы Эдвард Мунк
Танец жизни , 1900 Василий Кандинский
Синий всадник , 1903
Эдвард Мунк, Танец жизни , 1900
Кубизм 1907–1914 гг.
Характеристики Абстракция, плоские, двухмерные поверхности, геометрические формы, контрастные точки обзора
ведущих авторов Жорж Брак Пабло Пикассо
Влиятельные произведения Жорж Брак
Скрипка и палитра , 1909 Пабло Пикассо
Герника , 1937
Жорж Брак, Скрипка и палитра , 1909
Сюрреализм 1917–1950
Характеристики Исследование сновидений и бессознательного, вдохновленное Зигмундом Фрейдом
ведущих авторов Макс Эрнст Рене Магритт Сальвадор Дали
Влиятельные работы Сальвадор Дали
Постоянство памяти , 1931 Макс Эрнст
Облачение невесты , 1940 Рене Магритт
Сын Человеческий , 1964
Рене Магритт, Сын Человеческий , 1964
Абстрактный экспрессионизм 1940–1950-х гг.
Характеристики Спонтанность, импровизация, колоссальные масштабы, уникальные техники
ведущих авторов Джексон Поллок Марк Ротко
Influential Works Джексон Поллок
Осенний ритм (номер 30) , 1950 Марк Ротко
Оранжевый и желтый , 1956
Джексон Поллок, Осенний ритм (номер 30) , 1950
Оп-арт 1950–1960-х годов
Характеристики Использование цветов, узоров, форм и контраста для создания движущихся или размытых изображений
Ведущие авторы: Бриджит Райли Жан-Пьер Ивараль Виктор Вазарели
Influential Works Бриджит Райли
Blaze , 1964
Бриджит Райли, Blaze , 1964
Поп-арт 1950–1960-х гг.
Характеристики Использование повседневных, обыденных предметов, смелые, яркие цвета, средства массовой информации
Ведущие авторы Энди Уорхол Рой Лихтенштейн
Influential Works Энди Уорхол
Банки с супом Кэмпбелла , 1962 Рой Лихтенштейн
Мазки , 1962
Энди Уорхол, Банок супа Кэмпбелла , 1962
Арте повера 1960-х годов
Характеристики Использование почвы, камней, бумаги и других природных элементов для создания доиндустриального настроения
ведущих авторов Алигьеро Боэтти Джованни Ансельмо Марио Мерц
Influential WorksМарио Мерц
Иглу Зиапа , 1968
Марио Мерц, Иглу Зиапа, , 1968 г.
Минимализм 1960–1970-х гг.
Характеристики Сосредоточение на том, что изображает искусство, помимо внешних реалий и эмоций
ведущих авторов Карл Андре Дональд Джадд Фрэнк Стелла
Influential Works Фрэнк Стелла
Black Series I , 1967
Фрэнк Стелла, Black Series I , 1967
Концептуальное искусство середины 1960-х — середины 1970-х годов.
Характеристики Упор на идеи, а не на визуальные компоненты в виде перформансов, эфемерных и других форм
Ведущие участники Джозеф Кошут Марсель Дюшан Сол Левитт
Influential Works Джозеф Кошут
Одно и три стула , 1965
Джозеф Кошут, Одно и три стула , 1965
Современное искусство 1970 – настоящее время
Характеристики Исследование постмодернизма, феминистского искусства, неоэкспрессионизма, уличного искусства, искусства присвоения, цифрового искусства и других небольших школ
Ведущие участники Джефф Кунс
Influential Works Джефф Кунс
Майкл Джексон и Бабблз , 1988
Джефф Кунс, Майкл Джексон и Бабблз , 1988

Характеристики Резьба по камню, живописные изображения, скульптуры и каменные композиции

Ведущие участники Доисторические культуры, существовавшие до появления письменности

Влиятельные работы Наскальные рисунки Ласко, эпоха палеолита

Доисторическое искусство (~ 40 000–4 000 до н.

э.С.)

Истоки истории искусства восходят к доисторической эпохе, когда еще не велись письменные записи. Самые ранние артефакты происходят из эпохи палеолита или древнего каменного века в виде наскальных рисунков, гравюр, живописных изображений, скульптур и каменных композиций.

Искусство этого периода основывалось на использовании натуральных пигментов и резьбе по камню для создания изображений предметов, животных и ритуалов, которые управляли существованием цивилизации. Один из самых известных примеров — это палеолитические наскальные рисунки, найденные в сложных пещерах Ласко во Франции.Хотя они были обнаружены в 1940 году, их возраст оценивается примерно в 20 000 лет, и на них изображены крупные животные и растительность этого района.

Древнее искусство (4000 г. до н.э. — 400 г. н.э.)

Неизвестно, Кодекс Хаммурапи, около 1792 и около 1750 гг. До н. Э. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Древнее искусство было создано развитыми цивилизациями, которые в данном случае относятся к тем, у кого есть устоявшаяся письменность. Эти цивилизации включали Месопотамию, Египет, Грецию и страны Америки.

Средство создания произведения искусства этого периода варьируется в зависимости от цивилизации, создавшей его, но большинство произведений искусства служило аналогичным целям: рассказывать истории, украшать утилитарные предметы, такие как чаши и оружие, отображать религиозные и символические образы и демонстрировать социальный статус. На многих произведениях изображены истории о правителях, богах и богинях.

Одно из самых известных произведений древней Месопотамии — Кодекс Хаммурапи . Созданный около 1792 года до нашей эры, этот предмет несет в себе вавилонский свод законов, высеченный на камне, украшенный изображением царя Хаммурапи — шестого царя Вавилонии — и месопотамского бога Шабаша .

Средневековое искусство (500–1400)

Симоне Мартини. Продано на аукционе Sotheby’s за 4 114 500 долларов (январь 2012 г.).

Средние века, часто называемые «темными веками», ознаменовали период экономического и культурного упадка после падения Римской империи в 476 году нашей эры. Большая часть произведений искусства, созданных в первые годы этого периода, отражает эту тьму, характерную для гротескными образами и жестокими декорациями. Искусство, произведенное в то время, было сосредоточено вокруг церкви. По прошествии первого тысячелетия появились более сложные и искусно украшенные церкви; окна и силуэты украшали библейские сюжеты и сцены из классической мифологии.

Этот период также был ответственен за появление иллюминированной рукописи и стиля готической архитектуры. Яркие примеры влиятельного искусства этого периода включают катакомбы в Риме, собор Святой Софии в Стамбуле, Евангелие Линдисфарна , один из самых известных примеров иллюминированной рукописи, и Нотр-Дам, парижский собор и выдающийся образец готической архитектуры. .

Искусство эпохи Возрождения (1400–1600)

Рафаэлло Санцио да Урбин, Афинская школа, 1511 г.Изображение взято с Wikimedia Commons.

Этот стиль живописи, скульптуры и декоративного искусства характеризовался ориентацией на природу и индивидуализмом , мыслью о человеке как независимом и самостоятельном. Хотя эти идеалы присутствовали в период позднего средневековья, они процветали в 15 и 16 веках, параллельно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация.

Эпоха Возрождения достигла своего апогея во Флоренции, Италия, во многом благодаря Медичи, богатой купеческой семье, которая упорно поддерживала искусство и гуманизм , множество верований и философий, делающих упор на человеческое царство.Ключевыми новаторами этого периода были итальянский дизайнер Филиппо Брунеллески и скульптор Донателло.

Высокое Возрождение, длившееся с 1490 по 1527 год, породило таких влиятельных художников, как да Винчи, Микеланджело и Рафаэль, каждый из которых принес творческую силу и был инициатором идеалов эмоционального выражения. Произведения искусства в эпоху Возрождения характеризовались реализмом, вниманием к деталям и точным изучением анатомии человека. Художники использовали линейную перспективу и создали глубину за счет интенсивного освещения и затенения. Искусство начало стилистически меняться вскоре после Высокого Возрождения, когда столкновения христианской веры и гуманизма уступили место маньеризму.

Маньеризм (1527–1580)

Последователь Джорджо Вазари, Святое Семейство, 17 век. Предлагается по цене от 6000 до 8000 евро на сайте Artcurial (май 2010 г.).

Художники-маньеристы возникли из идеалов Микеланджело, Рафаэля и других художников позднего Возрождения, но их внимание к стилю и технике перевешивало смысл предмета.Часто фигуры имели изящные вытянутые конечности, маленькие головы, стилизованные черты лица и преувеличенные детали. Это привело к созданию более сложных стилизованных композиций, вместо того, чтобы полагаться на классические идеалы гармоничной композиции и линейной перспективы, используемые их предшественниками эпохи Возрождения.

Некоторые из самых известных художников-маньеристов включают Джорджо Вазари, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми и Бронзино, который широко считается самым важным художником-маньеристом во Флоренции своего времени.

Барокко (1600–1750)

Караваджо, Призвание святого Матфея, около 1599-1600 гг. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Период барокко, последовавший за маньеризмом, привел к появлению изящных, неповторимых изобразительных искусств и архитектуры. Он отличался величием и богатством, перемежающимися интересом к расширению человеческого интеллекта и глобальным открытиям. Художники барокко были стилистически сложными.

Картины в стиле барокко характеризовались драматизмом, как это видно в культовых произведениях итальянского художника Караваджо и голландского художника Рембрандта.Художники использовали интенсивный контраст между светом и темнотой и создавали энергичные композиции, сочетающиеся с богатой цветовой палитрой.

Рококо (1699–1780)

Антуан Ватто, Посадка на Киферу 1717. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Рококо зародилось в Париже и включает декоративное искусство, живопись, архитектуру и скульптуру. Эстетика предлагала более мягкий стиль декоративного искусства по сравнению с изобилием барокко. Рококо отличается легкостью и элегантностью, с акцентом на использование естественных форм, асимметричный дизайн и нежные цвета.

Такие художники, как Антуан Ватто и Франсуа Буше, использовали беззаботные обработки, богатую манеру письма и свежие цвета. Стиль рококо также легко переносится на серебро, фарфор и французскую мебель. Многие стулья и шкафы отличались изогнутыми формами, цветочным орнаментом и выразительным использованием позолоты.

Неоклассицизм (1750–1850)

Жак-Луи Давид, Наполеон пересекает Альпы, 1801 год. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Как следует из названия, неоклассический период опирался на элементы классической античности.Археологические руины древних цивилизаций в Афинах и Неаполе, которые были обнаружены в то время, разожгли страсть ко всему прошлому, и художники стремились воссоздать великие произведения древнего искусства. Это привело к возобновлению интереса к классическим идеалам гармонии, простоты и пропорции.

Художники-неоклассики испытали влияние классических элементов; в частности, ориентация на идеализм. Неизбежно, что они также включали в свои работы современные, исторически актуальные изображения. Например, итальянский скульптор Антонио Канова использовал классические элементы в своих мраморных скульптурах, но избегал холодной искусственности, которая была представлена во многих из этих ранних творений.

Романтизм (1780–1850)

Уильям Блейк, Сошествие человека в долину смерти. Продано на аукционе Sotheby’s за 225 000 долларов (январь 2016 г.).

Романтизм включает в себя широкий спектр дисциплин, от живописи до музыки и литературы. Идеалы, присутствующие в каждой из этих форм искусства, отвергают порядок, гармонию и рациональность, которые были приняты как в классическом искусстве, так и в неоклассицизме. Вместо этого художники-романтики подчеркивали индивидуальность и воображение. Еще одним определяющим романтическим идеалом была любовь к природе, и многие обратились к живописи на пленэре , которая выводила художников из темных интерьеров и позволяла им рисовать снаружи. Художники также сосредоточили внимание на страсти, эмоциях и ощущениях над интеллектом и разумом.

Выдающиеся художники-романтики включают Генри Фузели, создавшего странные, мрачные картины, исследующие темные тайны человеческой психологии, и Уильяма Блейка, чьи загадочные стихи и изображения передают мистические видения и его разочарование в социальных ограничениях.

Реализм (1848–1900)

Жан-Франсуа Милле, Собиратели, 1857. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Вероятно, первое движение в современном искусстве, реализм, зародилось во Франции в 1840-х годах.Реализм стал результатом множества событий: антиромантического движения в Германии, подъема журналистики и появления фотографии. Каждый из них пробуждал новый интерес к точному изображению повседневной жизни. Это внимание к точности проявляется в произведениях искусства, созданных во время движения механизма, которые содержат подробные, реалистичные изображения предметов.

Одним из самых влиятельных лидеров реалистического движения является Гюстав Курбе, французский художник, посвятивший себя рисованию только того, что он мог физически видеть.

Модерн (1890–1910)

Альфонс Муха, принцесса Хязинта, 1911. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Art Nouveau, что переводится как «новое искусство», пытается создать полностью аутентичное движение, свободное от имитации стилей, которые ему предшествовали. Это движение сильно повлияло на прикладное искусство, графику и иллюстрацию. Он сосредоточен на мире природы, характеризующемся длинными извилистыми линиями и кривыми.

Влиятельные художники в стиле модерн работали в различных средах, включая архитектуру, графику и дизайн интерьеров, изготовление ювелирных изделий и живопись.Чехословацкий графический дизайнер Альфонс Муха наиболее известен своими театральными плакатами с французской актрисой Сарой Бернхардт. Испанский архитектор и скульптор Антони Гауди не ограничился рамками линий и создал изогнутые, ярко окрашенные конструкции, такие как Базилика Саграда Фамилия в Барселоне.

Импрессионизм (1865–1885)

Клод Моне, Impression, Sunrise, 1872. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Художники-импрессионисты стремились запечатлеть непосредственное впечатление определенного момента.Это характеризовалось короткими быстрыми мазками и ощущением незавершенного эскиза. Художники-импрессионисты использовали современную жизнь в качестве своего предмета, изображая такие ситуации, как танцевальные залы и регаты парусных лодок, а не исторические и мифологические события.

Клод Моне, французский художник, который возглавил идею выражения своего восприятия перед природой, фактически является синонимом импрессионистского движения. Его известные работы: The Water Lily Pond (1899), Woman with a Parasol (1875) и Impression, Sunrise (1872), от которых и произошло название самого механизма.

Постимпрессионизм (1885–1910)

Жорж Сёра, Воскресенье на острове Гранд-Жатт, 1884 год. Изображение взято с Wikimedia Commons.

художников-постимпрессионистов работали независимо, а не как группа, но у всех влиятельных художников-постимпрессионистов были схожие идеалы. Они концентрировались на субъективных видениях и символических личных значениях, а не на наблюдениях за внешним миром. Часто это достигалось с помощью абстрактных форм.

Художники-постимпрессионисты, в том числе Жорж Сёра, известный своей техникой пуантилизма , в которой для формирования изображения использовались маленькие отчетливые точки.Винсент Ван Гог также считается художником-постимпрессионистом, ищущим личного выражения в своем искусстве, часто с помощью грубых мазков и темных тонов.

Фовизм (1900–1935)

Анри Матисс, Женщина в шляпе, 1905 г. Изображение взято с Wikimedia Commons.

Возглавляемый Анри Матиссом фовизм основывался на примерах Винсента Ван Гога и Жоржа Сера. Как первое авангардное движение 20-го века, этот стиль характеризовался выразительным использованием интенсивных цветов, линий и мазков, смелым чувством дизайна поверхностей и плоской композицией.

Как видно из многих работ самого Матисса, отделение цвета от его описательной, репрезентативной цели было одним из основных элементов, сформировавших это движение. Фовизм был важным предшественником кубизма и экспрессионизма.

Экспрессионизм (1905–1920)

Эдвард Мунк, Танец жизни, 1899. Изображение с Wikimedia Commons.

Экспрессионизм возник как ответ на все более противоречивые мировоззрения и утрату духовности. Экспрессионистское искусство стремилось рисовать изнутри художника, используя искажение формы и яркие цвета для отображения тревог и грубых эмоций.Художники-экспрессионисты в поисках аутентичности искали вдохновение, выходящее за рамки западного искусства, и часто посещали этнографические музеи, чтобы пересмотреть местные народные традиции и племенное искусство.

Корни экспрессионизма восходят к Винсенту Ван Гогу, Эдварду Мунку и Джеймсу Энсору. Выдающиеся группы, в том числе Die Brücke (Мост) и Der Blaue Reiter (Синий всадник), сформировали, чтобы художники могли публиковать работы и коллективно выражать свои идеалы.

Кубизм (1907–1914)

Скрипка и палитра, Жорж Брак, 1909.Изображение взято с Wikimedia Commons.

Кубизм был основан Пабло Пикассо и Жоржем Браком, которые отвергли концепцию, согласно которой искусство должно копировать природу. Они отошли от традиционных техник и перспектив; вместо этого они создали радикально фрагментированные объекты посредством абстракции. Многие работы художников-кубистов отмечены плоскими двухмерными поверхностями, геометрическими формами или «кубами» объектов и множеством точек обзора. Часто их предметы были даже не различимы.

Сюрреализм (1916–1950)

Рене Магритт, Сын Человеческий, 1964.Изображение взято из Википедии.

Сюрреализм возник из художественного движения Дада в 1916 году, демонстрируя произведения искусства, бросающие вызов разуму. Сюрреалисты осудили рационалистическое мышление. Они обвинили этот мыслительный процесс в таких событиях, как Первая мировая война, и считали, что он подавляет образные мысли. Сюрреалисты находились под влиянием Карла Маркса и теорий, разработанных Зигмундом Фрейдом, который исследовал психоанализ и силу воображения.

Влиятельные художники-сюрреалисты, такие как Сальвадор Дали, использовали подсознание, чтобы изобразить откровения, обнаруживаемые на улице и в повседневной жизни.В частности, картины Дали соединяют яркие и причудливые сны с исторической точностью.

Абстрактный экспрессионизм (1940–1950-е)

Созданный наследием сюрреализма, абстрактный экспрессионизм возник в Нью-Йорке после Второй мировой войны. Его часто называют New York School или action painting . Эти художники и абстрактные скульпторы отошли от того, что считалось традиционным, и вместо этого использовали спонтанность и импровизацию для создания абстрактных произведений искусства. Сюда входили колоссальные по размеру произведения, размер которых уже не мог вместить мольберт.Вместо этого холсты будут размещены прямо на полу.

Известные художники-абстрактные экспрессионисты включают Джексона Поллока, известного своим уникальным стилем капельной живописи, и Марка Ротко, в картинах которого использовались большие цветные блоки, чтобы передать чувство духовности.

Оп-арт (1950–1960-е годы)

Вдохновленное достижениями науки и техники, а также интересом к оптическим эффектам и иллюзиям, движение Op art (сокращенно от «оптического» искусства) было начато с Le Mouvement , групповой выставки в Galerie Denise Rene в 1955 году.Художники, работающие в этом стиле, использовали формы, цвета и узоры для создания движущихся или размытых изображений, часто создаваемых в черно-белом цвете для максимального контраста. Эти абстрактные узоры должны были сбивать с толку и волновать глаз.

Английская художница Бриджит Райли — одна из самых известных практиков оп-арта. Ее работа 1964 года Blaze имеет зигзагообразные черно-белые линии, которые создают иллюзию круглой формы.

Поп-арт (1950–1960-е годы)

Лот 16: Энди Уорхол.Продано на аукционе Sotheby’s за 17 327 500 долларов (май 1998 г.).

Поп-арт — одно из самых узнаваемых художественных достижений 20 века. Движение отошло от методов, используемых в абстрактном экспрессионизме, и вместо этого использовало повседневные, обыденные предметы для создания инновационных произведений искусства, бросающих вызов потребительству и средствам массовой информации. Это введение в опознаваемые образы было сдвигом в сторону модернизма.

Поп-художники, такие как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, стремились утвердить идею о том, что искусство может черпать из любого источника, и нет никакой иерархии культуры, которая могла бы этому помешать.Пожалуй, самым известным произведением искусства в области поп-культуры является постановка Уорхола Campbell’s Soup Cans .

Арте Повера (1960-е годы)

Буквально переводя слово «бедное искусство», Arte Povera бросил вызов модернистским современным системам, вливая в свои творения обычные материалы. Художники использовали землю, камни, бумагу, веревку и другие земляные элементы, чтобы вызвать доиндустриальные настроения. В результате многие известные работы этого движения являются скульптурными.

Итальянский художник Марио Мерц вместе с другими итальянскими художниками, такими как Джованни Ансельмо и Алигьеро Боэтти, создавал антиэлитарные работы, опираясь на материалы повседневной жизни. Его 1968 год Giap’s Igloo , один из того, что вскоре станет его фирменной серией иглу, был сосредоточен на его занятиях с предметами первой необходимости: укрытием, теплом и едой.

Минимализм (1960–1970-е годы)

Движение минимализма возникло в Нью-Йорке, когда группа молодых художников начала подвергать сомнению чрезмерно выразительные работы художников-абстрактных экспрессионистов. Вместо этого минималистское искусство сосредоточено на анонимности, обращая внимание на материальность произведений. Художники призвали зрителей сосредоточиться именно на том, что перед ними, а не проводить параллели с внешними реальностями и эмоциональными мыслями, используя очищенные формы, порядок, простоту и гармонию.

Американский художник Фрэнк Стелла был одним из первых приверженцев минимализма, создавая нерепрезентативные картины, как видно из его Black Paintings , завершенных между 1958 и 1960 годами. Каждая из них имеет узор из прямолинейных полос одинаковой ширины, напечатанный металлическими черными чернилами.

Концептуальное искусство (1960–1970-е годы)

Концептуальное искусство полностью отвергало предыдущие направления в искусстве, а художники ценили идеи выше визуальных компонентов, создавая искусство в виде перформансов, эфемерных и других форм.Картина польской художницы-перформанса « Active Poetry » Евы Партум состоит из ее разбросанных букв алфавита по разным ландшафтам. Американский художник Джозеф Кошут исследовал производство и роль языка в искусстве, как показано в его 1965 году, One and Three Chairs . В нем он представляет один стул тремя разными способами, чтобы представить разные значения одного и того же объекта. Поскольку этот вид искусства сфокусирован на идеях и концепциях, не было четкого стиля или формы.

Современное искусство (1970 – настоящее время)

1970-е ознаменовали начало современного искусства, которое продолжается до наших дней.В этот период преобладают различные школы и возникшие более мелкие движения.

Постмодернизм : В ответ на модернизм художники создавали произведения, отражающие скептицизм, иронию и философскую критику.
Феминистское искусство : это движение возникло в попытке изменить стереотипы и разрушить модель истории искусства, в которой доминируют мужчины.
Неоэкспрессионизм : Художники стремились возродить оригинальные аспекты экспрессионизма и создать высокотекстурные, выразительные, большие работы.
Уличное искусство : Художники, такие как Кит Харинг, Жан-Мишель Баския, Барри МакГи, Бэнкси и другие, создавали граффити на поверхностях в общественных местах, таких как тротуары, здания и путепроводы.
The Pictures Generation : Художники Синди Шерман, Луиза Лоулер, Гэри Симмонс и другие, находившиеся под влиянием концептуального и поп-арта, экспериментировали с узнаваемыми образами, чтобы исследовать образы, формирующие наше восприятие мира.
Искусство присвоения : Это движение сосредоточено на использовании изображений в искусстве с небольшими изменениями по сравнению с их первоначальной формой.
Молодые британские художники (YBA): Эта группа лондонских художников была известна своей готовностью шокировать публику своими образами и готовностью выйти за рамки приличия. Они также известны своим энтузиазмом и предприимчивостью.
Цифровое искусство : Появление камеры открыло путь к этой художественной практике, которая позволила художникам использовать вливание искусства и технологий для создания таких сред, как компьютеры, аудио- и визуальное программное обеспечение, звук и пиксели.

Просмотр полной инфографики

Художественные движения на протяжении всей истории западного искусства предлагали широкий спектр разнообразных, влиятельных стилей, техник и средств массовой информации по всему миру. Каждое движение проливало свет на отличительную живопись, скульптуру, архитектурные достижения и другие определяющие работы. Понимание хронологии истории искусства и того, как каждый период повлиял на более поздние движения, имеет первостепенное значение для создания продуманной, сплоченной коллекции.

Эволюция искусства

Развитие современного искусства в США

Искусство создается и нравится многим людям по многим причинам. Однако один из того, что делает искусство, расширяет и расширяет наши общие общие визуальные язык. Когда художник впервые представляет новые визуальные идеи, они часто кажутся шокирующими и, возможно, даже непонятными. Однако со временем принимаются самые лучшие и наиболее эффективные из этих идей. Нет ничего сложнее, чем попытаться понять, что шокировало или освещение определенных изображений или способов создания изображений, когда шок ушел, и мы все поглотили этот бит визуальных данных в наши собственные словари.Художники показывают нам новые способы увидеть знакомые вещи и интерпретировать новые. ситуации и события с помощью различных видов визуальной стенографии.

Это творение визуального языка может быть намерением художника, или это может быть побочным эффектом другие цели. Итак, какие цели выполняет искусство?

Вероятно, самое древнее предназначение искусства — это средство передвижения для религиозных обрядов. Ритуал . Из доисторических наскальные рисунки Франции, Сикстинской капеллы, искусство служило религии.На протяжении веков церковь была главным покровителем художников. В традиционных В обществах даже сегодня основная цель искусства — религиозная или церемониальная.

Искусство также может служить напоминанием о важном событии. Событие может иметь большое историческое значение, например, коронация. Жозефины Наполеоном, как записано художником Давидом, или это может быть важно только для участников, как изображение свадьбы или крещение.

Искусство часто служило пропагандой, или социальным комментарием. Пропагандистские изображения — это попытки убедить нас к определенным точкам зрения или действия, продвигаемые государственными или частными учреждениями, такими как политические партии, лоббисты, правительства или религиозные группы. Цель пропаганды может мы одобряем, например, попытки Второй мировой войны привлечь женщин к военные усилия, воплощенные в книге Нормана Роквелла Рози Клепальщица .Это также может быть цель, которую мы не одобряем. В любом случае сила визуальные образы часто использовались, чтобы убедить массы людей принять убеждения, действовать или следовать за лидерами. Художник как социальный комментатор может просто сделать нас более осведомленными о состоянии человека, поскольку он / она воспринимает это, не предлагая конкретных действий. Все общества занимаются пропагандой, но вот несколько ссылок на пропагандистское искусство, созданное в Китай и посредством Союзники во время Первой мировой войны. и во время Второй мировой войны.

Искусство может быть просто средством записи визуальных данных — говорить «правду» о том, что мы видим. После Возрождения художники стали озабочен новыми способами запечатления реальности, такими как использование линейных перспектива и реализм возможны благодаря использованию техники масляной живописи. Со временем такие художники, как Курбе, и Сезанн (и многие, кто последовал за ними) начали разными способами бросать вызов основным представление о том, что такое изображение, чтобы быть правдивым и реальным.

Искусство также можно рассматривать как радующее глаз — создание красоты . Тем не менее, идея красоты, как и идея истины, подвергается сомнению в современном мире. эпоха. Одно время от художника требовалось изобразить совершенство — возвышенное. и благородные идеалы красоты. Тем не менее, по мере того, как общество становилось более индустриализированным и демократичные, многие думающие люди начали расширять свои представления о том, что могло быть красиво. Например, Рембрандт мог отметить тактильное качество краски и цвета на своей картине говяжьего гарнира, курбе и пшена смог увидеть красоту в жизни простых крестьян.

Искусство также является мощным средством повествования историй. Это было распространенный прием религиозного искусства Средневековья, например в фрески Джотто из церкви Сан-Франческо-де-Ассизи, где последовательности панелей использовались, чтобы рассказывать истории из Священного Писания или жизней святых. Это также великий дар Нормана Роквелла, у которого была способность рассказывать яркие и тонкие истории об обычных людях и событиях, в всего одна картинка.Картинка действительно стоит тысячи слов.

Искусство также может передать сильных эмоций. Выразительная сила искусства можно увидеть буквально в захвате выражения лица и язык тела. Определенное религиозное искусство и произведения экспрессионистов Такие как жевать или Киршнер заряжены сильными эмоциями. Пикассо, в таких произведениях, как Герника (также пример мощного социального комментария и повествования) способен передавать сильные эмоции.Это осуществляется по-разному с использованием драматических или преувеличенных цветов, света, формы и / или других элементов.

В любом случае, одна из основных функций искусства — интерпретировать предмет под рукой. Тематика со временем не меняется. Несмотря на то, что появились новые предметы, состояние человека, природа и События до сих пор продолжают привлекать внимание художников. Используемые средства массовой информации изменилось относительно мало; хотя в этом веке появились новые материалы, традиционные СМИ продолжают использоваться.Мы также не можем сказать, что качество или художественное достоинство произведений искусства со временем увеличивалось или уменьшалось. Тем не мение, на протяжении истории по мере того, как менялось общество, интерпретация конкретной темы.

Портрет выполнен Матисс в 1907 год нельзя спутать с произведением Ван Дейком в 1630-е гг. переосмысление в контексте меняющегося мира. Каждая работа — это выражение субъект в контексте ценностей, культуры и событий его конкретного эпоха.

Современное искусство — Развитие и идеи

Определение современного искусства

Современное искусство — это ответ творческого мира на рационалистические практики и перспективы новой жизни и идей, обусловленные технологическими достижениями индустриальной эпохи, которые побудили современное общество к проявлять себя по-новому по сравнению с прошлым.Художники работали над тем, чтобы представить свой опыт новизны современной жизни подходящими новаторскими способами. Хотя термин «современное искусство» относится к огромному количеству художественных жанров, охватывающих более века, эстетически говоря, современное искусство характеризуется намерением художника изобразить объект таким, каким он существует в мире, в соответствии с его или ее уникальной точкой зрения и характеризуется отказом от общепринятых или традиционных стилей и ценностей.

Начало современного искусства

Классическое и раннее современное искусство

Века, предшествовавшие современной эпохе, стали свидетелями многочисленных достижений в изобразительном искусстве, от гуманистических исследований периодов Возрождения и барокко до сложных фантазий стиля рококо и идеальная физическая красота 18 ^-го-го европейского неоклассицизма.Однако одной из преобладающих характеристик в эти ранние современные эпохи была идеализация предмета, будь то человеческий, естественный или ситуативный. Художники обычно рисовали не то, что они воспринимали субъективными глазами, а скорее то, что они представляли как воплощение своего предмета.

Эпоха модернизма и искусства

Современная эпоха наступила с началом промышленной революции в Западной Европе в середине 19-го ^-го-го века, одного из самых решающих поворотных моментов в мировой истории.С изобретением и широкой доступностью таких технологий, как двигатель внутреннего сгорания, крупные машинные заводы и производство электроэнергии в городских районах, темпы и качество повседневной жизни резко изменились. Многие люди мигрировали из сельских ферм в центры городов в поисках работы, перенося центр жизни из семьи и деревни в деревню в расширяющиеся городские мегаполисы. Благодаря этим разработкам художников привлекли эти новые визуальные пейзажи, теперь наполненные всем разнообразием современных очков и мод.

Фотография стала крупным технологическим достижением, тесно связанным с изобразительным искусством. Фотографические технологии стремительно развивались, и в течение нескольких десятилетий фотография могла воспроизводить любую сцену с идеальной точностью. По мере развития технологий фотография становилась все более доступной для широкой публики. Фотография концептуально представляла серьезную угрозу классическим художественным способам изображения объекта, поскольку ни скульптура, ни живопись не могли передать такую же степень детализации, как фотография.В результате точности фотографии художники были вынуждены искать новые способы выражения, что привело к новым парадигмам в искусстве.

Перспектива художника и современное искусство

В первые десятилетия ^-го-го века некоторые европейские художники начали экспериментировать с простым актом наблюдения. Художники со всего континента, в том числе портретисты и художники-жанристы, такие как Гюстав Курбе и Анри Фантен-Латур, создавали работы, направленные на объективное изображение людей и ситуаций, несовершенства и все такое, а не на создание идеализированного изображения предмета.Этот радикальный подход к искусству стал частью широкой художественной школы, известной как реализм.

Также в начале ^-го-го века романтики начали представлять пейзаж не обязательно таким, каким он объективно существовал, а скорее таким, каким они его видели и чувствовали. Пейзажи, написанные Каспаром Давидом Фридрихом и Дж. Тернера — это драматические изображения, в которых запечатлено чувство возвышенного, которое поразило художника при просмотре этой конкретной сцены на природе. Это представление чувства в сочетании с местом явилось решающим шагом в создании новаторской и уникальной перспективы современного художника.

Ранняя абстракция и современное искусство

Точно так же, в то время как одни художники сосредоточились на объективном представлении, другие сместили свой художественный фокус, чтобы подчеркнуть визуальные ощущения наблюдаемых ими предметов, а не их точное и натуралистическое изображение. Эта практика представляет собой начало абстракции в изобразительном искусстве. Двумя ключевыми примерами этого являются «Ноктюрн« в черном и золотом »Джеймса Макнила Уистлера: Падающая ракета » (1874 г.) и «Бульвар Капуцинов » Клода Моне (1873 г.).В первом случае художник сочетает большие брызги и маленькие пятна краски, чтобы создать портрет ночного неба, освещенного фейерверком, который был более атмосферным, чем репрезентативным. В последнем Моне показывает с высоты птичьего полета шумную современную парижскую жизнь. Изображая эту сцену, Моне передал пешеходов и городской пейзаж как «впечатление» или, другими словами, визуальное представление мимолетной, субъективной и слегка абстрактной перспективы.

Темы и концепции современного искусства

Современные художники

История современного искусства — это история лучших художников и их достижений.Современные художники стремились выразить свои взгляды на окружающий мир с помощью визуальных средств. Хотя некоторые связали свою работу с предшествующими движениями или идеями, общая цель каждого художника в современную эпоху состояла в том, чтобы продвинуть свою практику до позиции чистой оригинальности. Некоторые художники зарекомендовали себя как независимые мыслители, выходя за рамки того, что считалось приемлемыми формами «высокого искусства» в то время, которые были одобрены традиционными государственными академиями и покровителями изобразительного искусства высшего класса.Эти новаторы изображали предметы, которые многие считали непристойными, противоречивыми или даже совершенно уродливыми.

Первым современным художником, который, по сути, сам по себе выступил в этом отношении, был Гюстав Курбе, который в середине 19, ^-х,-х гг. Стремился развить свой собственный стиль. В значительной степени это было достигнуто благодаря его картине 1849-1850 годов «Похороны в Орнане, », которая шокировала мир французского искусства, изображая похороны простого человека из крестьянской деревни. Академию возмутило изображение грязных сельскохозяйственных рабочих вокруг открытой могилы, поскольку только классические мифы или исторические сцены подходили для создания такой большой картины.Первоначально Курбе подвергался остракизму за свои работы, но в конечном итоге он оказал большое влияние на последующие поколения современных художников. Этот общий образец отторжения и последующего влияния был повторен сотнями художников в современную эпоху.

Движения современного искусства

Дисциплина истории искусства имеет тенденцию классифицировать людей на группы единомышленников и исторически связанных художников, обозначенных как различные движения и «школы». Этот простой подход к установлению категорий особенно уместен, поскольку он применим к централизованным движениям с единственной целью, таким как импрессионизм, футуризм и сюрреализм. Например, когда Клод Моне выставил свою картину « Впечатление, Восход » (1872) в рамках групповой выставки в 1874 году, картина и выставка в целом были плохо приняты. Тем не менее, Моне и его коллеги-художники были в конечном итоге мотивированы и объединены критикой. Таким образом, импрессионисты создали прецедент для будущих художников, мыслящих независимо друг от друга, которые стремились объединиться на основе единого объективного и эстетического подхода.

Такая практика группирования художников в движения не всегда полностью точна или уместна, поскольку многие движения или школы состоят из самых разных художников и способов художественной репрезентации.Например, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Жорж Сёра и Поль Сезанн считаются главными художниками постимпрессионизма, движения, названного так из-за отклонений художников от импрессионистских мотивов, а также их хронологического места в истории. Однако, в отличие от своих предшественников, постимпрессионисты не представляли собой сплоченное движение художников, объединенных под одним идеологическим знаменем. Более того, можно утверждать, что некоторые художники не вписываются ни в какое конкретное движение или категорию.Ключевые примеры включают таких, как Огюст Роден, Амадео Модильяни и Марк Шагал. Несмотря на эти сложности, несовершенное обозначение движений позволяет разбить обширную историю современного искусства на более мелкие сегменты, разделенные контекстными факторами, которые помогают в изучении отдельных художников и произведений.

Авангард и прогресс современного искусства

Авангард — это термин, происходящий от французского «авангард», ведущая дивизия, идущая в бой, буквально авангард, и ее обозначение в современном искусстве очень много. как его военный тезка.Вообще говоря, большинство успешных и творческих современных художников были авангардистами. Их цель в современную эпоху состояла в том, чтобы продвигать практики и идеи искусства и постоянно оспаривать то, что составляет приемлемую художественную форму, чтобы наиболее точно передать опыт художника современной жизни. Современные художники постоянно исследуют прошлое и переоценивают его по отношению к современному.

Искусство модерна, современности и постмодерна

Вообще говоря, современное искусство определяется как любая форма искусства в любой среде, которая создается в наши дни.Однако в мире искусства этот термин обозначает искусство, созданное во время и после эпохи пост-поп-арта 1960-х годов. Рассвет концептуализма в конце 1960-х годов стал поворотным моментом, когда современное искусство уступило место современному искусству. Современное искусство — это широкое хронологическое определение, охватывающее широкий спектр движений, таких как искусство Земли, искусство перформанса, неоэкспрессионизм и цифровое искусство. Это не четко обозначенный период или стиль, это конец периодизации модернизма.

Постмодернизм — это реакция или сопротивление проектам модернизма, начавшаяся с разрыва репрезентации, произошедшего в конце 1960-х годов. Модернизм стал новой традицией, присутствующей во всех институтах, против которых он первоначально восставал. Художники-постмодернисты стремились выйти за рамки, установленные модернизмом, деконструируя великий нарратив модернизма, чтобы исследовать культурные коды, политику и социальную идеологию в их непосредственном контексте. Именно это теоретическое взаимодействие с идеологиями окружающего мира отличает постмодернистское искусство от современного искусства, а также определяет его как уникальную грань современного искусства.Особенности, часто связанные с постмодернистским искусством, — это использование новых медиа и технологий, таких как видео, а также техника бриколажа и коллажа, столкновение искусства и китча и присвоение более ранних стилей в новом контексте. Некоторые движения, обычно называемые постмодерном: концептуальное искусство, феминистское искусство, искусство инсталляции и искусство перформанса.

История искусства | изобразительное искусство

история искусства , также называемая историография искусства , историческое исследование изобразительного искусства, занимающееся выявлением, классификацией, описанием, оценкой, интерпретацией и пониманием произведений искусства и историческим развитием областей живописи, скульптуры, архитектуры , декоративно-прикладное искусство, рисунок, эстамп, фотография, дизайн интерьера и т. д.

У исследований в области истории искусства есть две основные задачи. Во-первых, (1) выяснить, кто создал конкретный арт-объект (атрибуция), (2) подтвердить подлинность арт-объекта, определить, действительно ли он был сделан художником, которому он традиционно приписывается, (3) определить, на каком основании этап в развитии культуры или карьеры художника, о котором идет речь, (4) для анализа влияния одного художника на последующих в историческом прошлом и (5) для сбора биографических данных о художниках и документации (происхождение) о предыдущем местонахождении и владении отдельными произведениями искусства.Вторая основная задача исследования истории искусства — понять стилистическое и формальное развитие художественных традиций в широком масштабе и в рамках широкой исторической перспективы; в основном это включает в себя перечисление и анализ различных художественных стилей, периодов, движений и школ прошлого. История искусства также включает в себя иконографию ( q.v. ), которая представляет собой анализ символов, тем и предметов в изобразительном искусстве, особенно значения религиозной символики в христианском искусстве.

Подробнее по этой теме

Классическая стипендия: Развитие археологии и истории искусств

Основание Instituto di Correspondenza Archeologica в Риме в 1829 году стало международным центром археологических исследований …

Искусство исторической науки во многом зависит от обширного опыта, интуитивного суждения и критической чувствительности ученого в правильной атрибуции.Также необходимы обширные знания исторического контекста, в котором художник жил и работал, а также сочувствие и понимание идей, опыта и взглядов конкретного художника. Атрибуция играет ключевую роль в искусствоведческих исследованиях, потому что, когда один арт-объект может быть окончательно аутентифицирован (с помощью подписи, современных отчетов или других форм происхождения), другие произведения аналогичного или тесно связанного характера могут быть сгруппированы вокруг него и назначены этому конкретному художнику или периоду.Этот и другие методы использовались для формирования у современных ученых детального и всестороннего понимания произведений искусства и традиций, уходящих в далекое прошлое.

Искусство — Обзор — «Эпоха искусства» — Изображение, реликварий, Фой и Леонардо

В преддверии своего монументального исследования средневековой иконы, Bild und Kult, переведено Подобие и присутствие в американском издании, Ханс Белтинг объясняет довольно любопытный подзаголовок книги — История изображения до эры искусства — в терминах, которые сразу же фокусируются на вопросах, связанных с идеей изобразительного искусства, особенно на том, что они собой представляют и как они действуют в культуре в целом:

Искусство, в том виде, в каком оно изучается сегодня историей искусств, существовало в средние века не меньше, чем после.Однако после Средневековья искусство приобрело иное значение и стало признанным само по себе — искусство, изобретенное известным художником и определенное соответствующей теорией. В то время как древние образы были уничтожены иконоборцами в период Реформации, образы нового типа начали заполнять коллекции произведений искусства, которые только что формировались. Эпоха искусства, уходящая корнями в эти события, длится по сей день. С самого начала для нее характерна особая историография, которая, хотя и называется историей искусства, на самом деле имеет дело с историей художников.(стр. xxi)

Историография, на которую ссылается Бельтинг, иллюстрируется работой Джорджо Вазари (1511–1574). Сам по себе художник, он был, по общему мнению, первым серьезным коллекционером рисунков — он считал, что они открывают самый момент художественного вдохновения. Его страсть к рисованию также привела его к основанию Accademia del Disegno (Академия дизайна) во Флоренции в 1562 году. Он предположил, что design in цвет »), потому что первое было упражнением интеллекта, а второе обращалось только к чувственным аппетитам.На Реликварийное изображение святого Фоя (золото и серебро на деревянной основе, усыпанное драгоценными камнями и камеями), в основном 983–1013 гг., С более поздними дополнениями. Созданный, чтобы содержать череп ребенка-мученика, казненного за опровержение языческого поклонения, художественная сила изображения заключается не в его сходстве с реальным ребенком, а в его предназначении как сосуда, в котором хранятся священные останки. © ЖИРАУДОН / АРТ-РЕСУРС, Нью-Йорк Accademia он поощрял художников развивать свои таланты, не стесняясь ограничений традиций и условностей, утверждая, что гений легче всего реализовать в изобретении.

Все увлечения Вазари отражены в его « жизнях самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов», , впервые опубликованном в 1550 году, а затем значительно переработанном и расширенном в 1568 году. Книга Вазари знаменует собой исторический момент, когда то, что люди сегодня так охотно думают, как изобразительное искусство, превратилось из предметов, отражающих ручные навыки отдельного мастера, в отражение интеллектуальных и творческих способностей художника. До «эры искусства» изображение, каким бы художественным оно ни было, выполняло определенные культурные, религиозные или политические функции.В буквальном смысле этого слова требовалось исполнить. По словам Белтинга, «подлинные изображения казались способными к действию, казалось, обладали динамичностью, или сверхъестественной силой» (стр. 6). Они творили чудеса, отражали опасность и исцеляли больных. Если в «эпоху искусства» изображения утратили эту силу, они приобрели значительную выразительность. Они стали средством, с помощью которого художники — в эпоху искусства их называют «художниками» — выражают свои собственные идеи и чувства и проявляют свой индивидуальный талант или гений.

Разница между изображением до эпохи искусства и изображением после него становится очевидной, если мы сравним изображение реликвария святого Фоя в Конке во Франции и знаменитую «Мону Лизу » Леонардо да Винчи (1452–1519). Св. Фой был паломнической церковью, построенной в 1050–1120 годах для размещения паломников на пути в Сантьяго-де-Кампостела, на северо-западе современной Испании, излюбленное место паломничества, потому что тело апостола Св. Иакова Великого, которые покоились там, имели репутацию совершать неоднократные чудеса.В Сент-Фой хранились мощи святой Фой («святая вера» на английском языке), ребенка, которая приняла мученическую смерть, когда ее сожгли заживо в 303 году за отказ поклоняться языческим богам. Ее череп был помещен в этот тщательно украшенный драгоценностями реликварий, который стоял в хоре церкви, откуда паломники могли видеть его из амбулатории, которая окружала пространство. Голова реликвария была спасена из позднеримского лицевого щитка и парадного шлема и использовалась здесь повторно. Многие драгоценные камни, украшающие реликварий, были подарками самих паломников.Настоящий череп святой был помещен в углубление, вырезанное в задней части реликвария, а под ним, на задней стороне ее трона, было изображение Распятия, указывающее на связь между мученической смертью святого Фоя и Христа.

Итак, изображение святого Фоя, сделанное из античной римской маски, не имеет никакого реального сходства с самой святой. Его ценность заключается не в каком-либо подобии, а в его близости с черепом, находящимся внутри. Он буквально «касается» физических останков ребенка, сожженного заживо, хотя бы символически, солдатом, лицо которого когда-то охраняла эта маска.Таким образом, римский артефакт полностью трансформировался — из языческого в христианский, из мужского орнамента, символизирующего войну, в женскую форму, символизирующую веру. И, кроме того, он символизирует преобразование, которое ожидает верующих, от физических ограничений тела к духовному царству души. Паломники украсили реликварий не только для покаяния в своих грехах, но и потому, что чувствовали в его присутствии необходимость пожертвовать своим материальным богатством в символическом повторении принесенной святой в жертву своей личности.В одном из наиболее важных рассказов из первых рук об отношениях между культовой статуей и паломниками, пришедшими поклониться ей, Бернар Анжеский, совершивший три поездки в Конк, начиная с 1013 года, описывает, как он сначала скептически относился к реликварию. сила: «Я посмотрел с насмешливой улыбкой на [его товарища] Бернье, поскольку так много людей бездумно направляли свои молитвы на объект без языка и души… и их бессмысленные разговоры исходили не из просвещенного ума». Но вскоре передумал:

Сегодня я сожалею о своей глупости по отношению к этому другу Бога.… Ее образ — не нечистый идол, а святой момент, вызывающий благочестивую преданность… Точнее говоря, это не что иное, как шкатулка, в которой хранятся почтенные мощи девы. Ювелир по-своему придал ему человеческий облик. Статуя так же известна, как когда-то была ковчегом завета, но имеет еще более ценное содержание в виде полного черепа мученика. Это одна из лучших жемчужин небесного Иерусалима, и, как никакой другой человек в нашем веке, она творит самые удивительные чудеса благодаря своему заступничеству перед Богом.

Как если бы, говорит он, «люди могли прочитать по блеску этих глаз, были ли услышаны их мольбы» (стр. 536–537). Это действенность реликвий внутри, которую люди читают во внешнем взгляде статуи.

Отношения между изображением и его смотрящим совершенно другие в Леонардо Мона Лиза (1503–1506). Во-первых, образ — это, прежде всего, подобие. Вазари был первым, кто использовал имя, под которым картина теперь известна, что привело к предположению, что натурщик — Лиза Герардини, которая вышла замуж за флорентийского купца Франческо Бартоломео дель Джокондо в 1495 году, но другие свидетельства противоречат этому тезису, и ее личность остается тайна. Эта загадка, конечно же, придает картине большую известность, поскольку без каких-либо соответствующих биографических знаний любые подсказки относительно того, о чем она может думать, являются чистым предположением. Как выразился Дэвид Саммерс в своем важном вкладе в глобальную и межкультурную историю искусства, Real Spaces (2003), «Она — индивидуальная маска ее собственного внутреннего мира, разума и сердца, подсказанная нам ее знаменитой улыбкой». Саммерс напоминает нам, что цель Леонардо заключалась в том, чтобы сделать «невидимые (движения души) видимыми в движениях тела», даже в таком небольшом движении, как поворот губ натурщика вверх.Но сам Леонардо узнал

, что художники рискуют сделать изображения похожими на самих себя, потому что та же самая индивидуальная душа, которая сформировала физический облик художника, также оценивает красоту и правильность фигур, которые художник создает. Леонардо рекомендовал художникам изучить пропорции, которые дадут им средства противодействовать этой искажающей нарциссической тенденции. Его аргумент предполагает совпадение индивидуальной внешности и индивидуальной души, внешнего и внутреннего.Это также говорит о том, что трудно отличить восприятие другого от самого себя. (стр. 331)

Таким образом, существует устойчивый миф о том, что Мона Лиза на самом деле является автопортретом, откровением Леонардо о его «женской стороне». Но что еще важнее, Саммерс разъясняет здесь то, каким образом изобразительное искусство в эпоху искусства удаляется из культурной динамики, которая определяет средневековую икону. Точно так же, как значение статуи реликвария в Сент-Фойе находится «внутри» ее маски, так и значение Моны Лизы находится под ней. Мона Лиза (1503–1506), автор Леонардо да Винчи. Дерево, масло. Шедевр да Винчи — это исследование внутреннего мира и того, что существует прямо под поверхностью, и поклонники потратили столетия, пытаясь расшифровать тонкие подсказки на лице объекта, чтобы указать, какие мысли у нее в голове. © АРХИВ BETTMANN внешний вид. Но ее смысл частный, личный, несущественный. Она вечно медитативна, вечно загадка, саморефлексивная душа. Люди посещают Лувр в начале двадцать первого века процессией, мало чем отличавшейся от средневековых паломников, потому что в пространстве между изображением и смотрящим саморефлексия, которую изображает этот образ, воссоздается в его отражении.Как выразился Денис Донохью: «Таинственность искусства присуща всему искусству;… оно заполняет пространство между изображением и его референцией» (стр. 32).

Чикагский институт искусств

Открытие современного крыла в 2009 году не только расширило пространство музея, но и позволило ему пересмотреть то, как мы представляем нашу коллекцию, предоставив редкую возможность отступить, изучить и изменить предлагаемые нами повествования. Пристройка площадью 264 000 квадратных футов увеличила общий размер музея почти на 35 процентов, что позволило каждому из наших кураторских отделов продемонстрировать больше своих постоянных фондов. Летом 2010 года пространство, ранее посвященное современному искусству, стало новым домом для галерей, посвященных индейскому и доколумбовскому искусству, а также галерей, посвященных искусству со всего континента Африки, представляющих богатое разнообразие этих превосходных коллекций. в значительно больших помещениях. Осенью 2010 года открылись Крыло Роджера Л. и Памелы Уэстон и галереи японского искусства, элегантно переосмыслившие отображение древних через современные произведения японского искусства.Осенью 2012 года появились галереи греческого, римского и византийского искусства Марии и Майкла Джахарис, набор галерей, окружающих двор МакКинлока, с произведениями искусства, прослеживающими развитие западного искусства с начала третьего тысячелетия до нашей эры до времен великого византийца. Империя. А весной 2017 года открылись Семейные галереи средневекового и ренессансного искусства, оружия и доспехов, предлагающие захватывающий опыт этого периода с помощью более чем 700 объектов в различных средствах массовой информации.

На протяжении всей истории музея наши богатые коллекции современного искусства во многом были результатом щедрости, дальновидности и непоколебимой защиты частных коллекционеров и других благотворителей.Среди самых выдающихся сторонников сегодня — Стефан Эдлис и Гаэль Нисон, чьи пожертвования в 2015 году 44 знаковых картины, скульптуры и фотографии — один из поистине революционных подарков в истории Института искусств — позволяет музею претендовать на самую важную коллекцию произведений искусства. современное искусство в любом энциклопедическом заведении мира. Прибытие коллекции Эдлиса Нисона, включающей работы Джаспера Джонса, Такаши Мураками, Роберта Раушенберга, Синди Шерман и Энди Уорхола, свидетельствует о непреходящей жизнеспособности выдающейся истории покровительства Чикаго в этой области.

В последние годы музей продолжал собирать и экспонировать современное и современное искусство, в том числе произведения, представляющие более широкую историю искусства. Наши галереи знакомят нашу аудиторию с новыми историями, демонстрируя недавно приобретенное современное искусство художников из таких стран, как Бразилия, Китай, Индия, Япония, Корея, Южная Африка, бывший Судан и Таиланд. Эти работы расширяют диапазон историй, которые мы видим, слышим и делимся в галереях, добавляя новые измерения и богатство нашему учреждению.Наряду с нашими проектами, основанными на галереях, мы провели глубокие и многогранные исследования наших коллекций, что привело к многочисленным повторным открытиям и новаторским публикациям, как печатным, так и цифровым. В результате получился поистине глобальный музей — музей, который стремится быть еще более доступным, — и наши коллекции, и наши подходы к их интерпретации отражают широкое культурное сознание.

Понимание истории средневекового искусства

Подобно тому, как человеческая жизнь проходила через разные эпохи, и люди получали новые впечатления, искусство развивалось вместе с ним. Средневековый период истории искусства начался во время падения Римской империи в 300 году нашей эры и продолжался до начала Возрождения в 1400 году нашей эры. В средневековом искусстве было три основных периода: раннехристианское, романское и готическое.

В эпоху раннего христианства католическая церковь набирала силу. К 350 г. н.э. у церкви было два основных центра власти: Рим и Константинополь. Средневековое искусство было популярно в молитвенных домах и использовалось как украшение для признания публики.Христианам нравились мозаики как тусклых, так и ярких, привлекающих внимание цветов. Римские мозаики составляли большую часть произведений искусства именно в этот период времени.

По мере того как в начале XI века богатство начало распространяться по Европе, то же самое произошло с церквями и зажиточными семьями. Это вызвало интерес к романской архитектуре. Полукруглые арки, тяжелые каменные стены и стабильные постройки в монастырях и церквях отметили рост европейского города.

Средневековое искусство продолжило свое развитие в двенадцатом веке, когда готический стиль был разработан в результате французской монархии.Угрожающие горгульи и аркбутаны были обычным явлением в готическом соборе. Хотя некоторые не понимали их красоты, эти соборы являются вневременными и потрясающими достопримечательностями той эпохи. Самым узнаваемым является Нотр-Дам в Париже.

Это 900-летнее движение может принести много пользы. Один из способов увидеть этот прорыв в искусстве — взглянуть на изменения в церковном убранстве. На протяжении трех эпох средневекового искусства эволюцию человеческого облика можно увидеть через такие элементы, как Мадонна с младенцем, от аномально больших голов на маленьких телах в эпоху раннего христианства до более естественных лиц в готическую эпоху.Со временем художники стали смелее изображать религиозных деятелей.

Так искусство подражает жизни, или жизнь подражает искусству? Независимо от того, что вы чувствуете лично, Центр искусств Markeim здесь, чтобы расширить ваши знания по предмету.