Картины эпохи Возрождения, ТОП-30 знаменитых картин

В Италии с XIV века началась эпоха Ренессанса, вслед за духовным Возрождением, начавшимся от Мартина Лютера, лидера протестантизма в Германии. Дух протеста против всеобщего порабощения религиозной верхушкой всех сфер жизни вскоре коснулся и искусства. В то время и были написаны многие знаменитые картины эпохи Возрождения.

Новый уровень внутреннего раскрепощения отразился на манере живописцев, появились новые способы изображения обнаженной натуры, игры светотени, подачи объема и перспективы. Итальянский Ренессанс оставил богатейшее наследие в виде живописных и скульптурных шедевров. На этих примерах можно судить о новаторских подходах в изображении лиц, фигур и сюжетных композиций.

«Мона Лиза» Леонардо да Винчи

Самой известной картиной эпохи Возрождения считается «Джоконда» да Винчи, которую еще называют «Мона Лиза» (1503). Знаменитое полотно выставлено в Лувре, но в 1911 году его похитили. Через время шедевр вернулся, но администрация музея в Париже тратит миллионы на охрану полотна.

Многие спорят о красоте безбровой девушки Лизы дель Джокондо с полуулыбкой. Тонкую линию бровей не смогли восстановить реставраторы 18-го века. Леонардо поспорил с учеником, что изобразит взгляд, который будет следить за каждым, стоящим в любой точке зала, и выиграл пари. Сегодня принято делать пародии и фотошопить один из лучших портретов эпохи Возрождения. Самая актуальная тема – всемирная пандемия.

«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи

Этот шедевр нужно отнести не к картинам эпохи Возрождения, а к монументальным изображениям в виде фрески. Толпы туристов спешат в Доминиканский монастырь Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, чтобы увидеть легендарный библейский сюжет накануне предательства Христа (1497) кисти великого Леонардо.

Существует поверье, что любое желание сбудется, если увидеть эту сцену в Пасхальную неделю в этом месте. Фреска осталась нетронутой при бомбежке во времена Второй мировой войны (другие стены трапезной были разрушены).

«Дама с горностаем» Леонардо да Винчи

Среди наиболее известных картин эпохи Возрождения самой спорной считается «Дама с горностаем» (1490). Некоторые утверждают, это не горностай, а фуро. Да и портрет писал не Леонардо да Винчи, а один из талантливых последователей, хотя манера очень сходная.

Скорее всего, правду никто не узнает. Но этим полотном очень гордится Краковская национальная галерея живописи.

«Мадонна в скалах» Леонардо да Винчи

Существует две версии одной из самых загадочных картин эпохи Возрождения. Одна «Мадонна в скалах» (1508) экспонируется в Национальной галерее Лондона, другая – алтарный образ Братства Непорочного Зачатия доминиканцев в Милане (1483 – заказ).

Авторство документально подтверждено экспертами, но из-за репродукции у Леонардо были трудности из-за судебного разбирательства с заказчиком. Но, согласитесь, «Мадонна в гроте с Ангелами» (другое название) здесь действительно девственно прекрасна!

«Сикстинская Мадонна» Рафаэль Санти

В Дрезденской галерее хранится шедевр, который затмевает другие знаменитые картины эпохи Возрождения. Картину Рафаэля «Сикстинская Мадонна» (1514) все знают – это хрестоматийный образ из учебников истории. Мадонна с младенцем – любимая тема знаменитого художника. У него много подобных работ, но эта, безусловно, лучше других шедевров!

Написано по заказу Папы Римского Юлия II, как алтарный образ монастыря Св.Сикста II в Пьяченце. Здесь всё прекрасно – Мать Иисуса Мария с младенцем на руках, Облако Свидетелей на заднем плане, Святые Сикст и Варвара (покровители церкви), а также тщательная прорисовка драпировок и облаков.

«Афинская школа» Рафаэль Санти

Никто из знаменитых художников на картинах эпохи Возрождения не смог освоить изображение перспективы, как делал Рафаэль. Его фреска в «Зале указов» Апостольского дворца в Ватикане визуально расширяет пространство (1511).

Одна из работ для комнат (стансов) дворца, которые олицетворяют 4 сферы духовного развития – мудрость, философию, поэзию и теологию.

«Донна Велата» Рафаэль Санти

«Женщина под покрывалом» или «Донна Велата» Рафаэля (1516) – одно из лучших примеров портретной живописи великих художников Возрождения.

На полотне – Форнарина, возлюбленная Рафаэля. Восхитительное изображение слегка повернутой головы, тонких пальцев, складок одежды и покрывала головы. Несомненно, это вариация темы изображения мадонны.

«Преображение» Рафаэль Санти

Пинакотека Ватикана – одно из самых богатых собраний знаменитых картин эпохи Возрождения. «Преображение» Рафаэля (1520) – одно из изображений, наиболее почитаемых в христианском мире (Зал VIII).

Иисус на горе преобразился перед своими ближайшими учениками, Иаковом, Иоанном и Петром. Народ внизу не понимает происходящего. Иисуса посетили ветхозаветние пророки – Моисей и Илия.

«Весна» Сандро Боттичелли

Все картины эпохи Возрождения отличаются особой манерой письма. Шедевры многих художников трудно спутать, благодаря особой технике живописи. Некоторые мастера долго развивали свой дар, совершенствуя мастерство, чтобы достичь такого уровня.

Ранние работы многих художников не вошли в мировую сокровищницу. Зато изображения зрелого периода безупречны, как эта «Весна» (1482, дворец Медичи во Флоренции), с ее мастерски прорисованными фигурами в полупрозрачных платьях.

«Рождение Венеры» Боттичелли

В галерее Уффици, во Флоренции, выставлена одна из самых знаменитых картин эпохи Возрождения – «Рождение Венеры» (1486). Сандро Боттичелли относится к плеяде самых ярких представителей Тосканской школы живописи, с их узнаваемой манерой и пристрастием к мифическим сюжетам.

Это образец женской красоты, согласно идеалам того времени. Живописцу позировала Симонетта Веспуччи из Лигурии.

Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою

«Сотворение Адама» Микеланджело

В числе самых знаменитых картин и фресок эпохи Возрождения обычно вспоминают «Сотворение Адама» Микеланджело (1511). О, эти руки! Над ними художник работал дольше всего. Заметно активное начало Бога-Отца и пассивное – Адама (вялый жест с загнутым пальцем).

Эта фреска находится в Сикстинской капелле Ватикана, куда ежедневно устремляются толпы туристов. Символ человечества, падшего после грехопадения, и Бога, желающего достичь погибающих душ.

«Страшный суд» Микеланджело

Картины эпохи Возрождения, преимущественно, на религиозную тематику, как этот «Страшный суд» (1541, Ватикан).

Чаще всего к знаменитым мастерам обращались очень обеспеченные заказчики – богатые вельможи, епископы, приближенные к Папе Римскому. Вероятно, их беспокоило грядущее возмездие, но они уповали на откуп по индульгенциям.

«Преображение (обращение) Святого Павла» Караваджо

Караваджо, несомненно, один из реформаторов, писавший непревзойденные шедевры. «Преображение Святого Павла» кисти Караваджо (1610, вторая версия) – известная тема из «Книги Деяний Святых Апостолов» (Библия).

Савл, имевший право преследования обращенных иудеев в эллинов, ставших Христианами, был повержен с коня и временно ослеплен Иисусом. Божий Сын устыдил его за неумеренную фарисейскую ревность, призвал служить и дал новое имя – Апостол Павел.

«Святой Иероним в раздумьях» Караваджо

Одна из картин с философским подтекстом о смысле бытия – «Святой Иероним в раздумьях» кисти великого Караваджо (1608). Художник проработал над шедевром около 7 лет, но считал его незавершенным.

Бесспорно, летописец с черепом – одна из лучших картин великих художников эпохи Возрождения. Она хранится в Соборе Святого Иоанна на Мальте, Валетта.

«Призвание Апостола Матфея» Караваджо

Удивительный луч света, проникшего в цокольный этаж, никто не смог так изобразить, как сделал Микеланджело Меризи да Караваджо. Другие мастера живописи пытались повторить тот же эффект, но на картинах художников Позднего Возрождения это выглядело лишь как слабое подражание, а этот заказ – подлинное украшение базилики Сан-Луиджи-деи-Франчези в Риме.

Очередной Библейский сюжет, где мытарь Левий, Старик и охранники «стяжателя налогов» в пользу Римской империи встретили Свет Истины. Христос призывает сборщика податей следовать за Ним (его будут знать как Апостола Матфея). Указующий жест копирует кисть руки Господа и Отца из «Сотворения Адама» Микеланджело.

«Взятие Христа под стражу» («Поцелуй Иуды») Караваджо

Развитие темы близкой дружбы и предательства можно увидеть на картинах эпохи Возрождения, но Караваджо превзошел мастеров прошлого.

Известный сюжет предательства Христа Иудой за 30 серебряных монет. Холст хранится в Национальной галерее Ирландии (Дублин).

«Успение Богородицы» Тициан

Любая картина Тициана эпохи Возрождения – подлинный шедевр. Это изображение – пик его творчества и первый крупный заказ в Венеции. Историки утверждают, что вельможа Карла V, видя недовольство францисканцев, оплатил работу, чтобы оставить яркие краски Тицина (состав неизвестен) в начальной версии.

Апостолы, замершие в разных позах, Ангелы, возносящие Мать Христа в красно-синей одежде, сверху наблюдает Господь Саваоф – краткое описание происходящего. Оно было написано для Санта-Мария-Глориоза-деи-Фрари, знаменитой церкви в Венеции (Италия).

Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою

«Тарквиний и Лукреция» Тициана и Рубенса – сравним

«Тарквиний и Лукреция» – популярный сюжет из истории Древнего Рима. Его можно встретить на картинах художников эпохи Возрождения. Сын римского царя намерен сдернуть покрывало с Лукреции, за ними наблюдают Амур и старая Фурия со змеей. У Тициана превосходно отражены эмоции и подобраны цвета, хотя полотно выглядит «недописанным» (музей Кембриджа, Великобритания).

Тот же сюжет с обнаженной натурой у Рубенса, который любил писать пышные бледные тела. В те времена полнота считалась признаком обеспеченной и вольготной жизни, отпечаток высокородного происхождения. Здесь меньше эмоций, но больше света (Эрмитаж).

«Венера Урбинская» Тициан

На картинах художников Возрождения редко можно видеть обнаженную натуру, расслабленно лежащую на ложе. Обычно художникам позволялось обнажать тела, если это оправдано сюжетом. Такое изображение считалось недопустимым, «скандальным» (1538, Галерея Уффици, Флоренция).

Это был заказ герцога Урбинского Гвидобальдо II делла Ровере. Его невеста-девственница Джулия Варано не имела права обнажаться до свадьбы. Позировала другая натурщица – одна из возлюбленных Тицина. Покои заказчика изображены со всей точностью, включая госпожу и служанку, подбирающую одежду в сундуках.

«Портрет молодой женщины перед зеркалом» Тициан

В музейной коллекции Лувра (Париж) представлено немало известных картин эпохи Возрождения, есть и полотна Тициана.

До сих пор не разгадан секретный состав его ярких красок, но именно они стали подтверждением авторства всех его оригиналов.

«Вознесение Девы Марии» Рубенс

Существует легенда, что не только Христос вознесся на Небо на виду у учеников, но и Мать Иисуса. Католики утверждают, что Мария была принята Ангелами на Небеса по факту телесной смерти.

Популярную в католицизме тему Рубенс обыграл по-своему. Хор Ангелов восхищает ее спиралевидным вихрем света. Двенадцать Апостолов находятся в благоговейном трепете. Одна из женщин держит цветок, которыми должна украсить гроб, но смертное ложе было пустым.

«Союз Земли и Воды» Рубенс

Узнаваемая манера Рубенса – воспеты обнаженные тела, взращиваемые в остатке, сытости и неге. Находящееся в Эрмитаже полотно «Союз Земли и Воды» (1618) символизирует эти стихии.

Взаимное притяжение женского и мужского начала – аллегорическая композиция. Немного развернутая фигура – влияние схематических изображений Древнего Египта. На картинах художников Возрождения этот поворот туловища отражен более натурально и привлекательно. Олицетворение плодородия – рог изобилия.

«Поклонение пастухов» Рубенс

Восхитительный шедевр, написанный 2-3 красками, изображающими «дивный Свет в ночи», исходящий от Сына Божьего, положенного в пелены в яслях (1608, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Здесь нечего сказать даже противникам Рубенса, которые не принимают его полнотелых фигур. На картине с Рождественским сюжетом все по-другому. Фигуры пастухов, волхвов и Ангелов, поклоняющихся Младенцу Христу, изображены не так, как на большинстве картин эпохи Возрождения.

«Похищение дочерей Левкиппа» Рубенс

Драматический сюжет о Касторе и Поллуксе (сыны Зевса и Леды) в момент похищения Гилайры и Фебы, дочерей царя Левкиппа.

Рубенс долго работал над колористикой и композицией. В итоге – шедевр, где показано, как сильные юноши пересаживают девушек, растерявших свои покрывала, на своих коней. Великолепную картину времен Ренессанса можно увидеть в Пинакотеке Мюнхена (1618).

«Поцелуй Иуды» Джотто

Втрое название изображения, находящегося в Капелле Сокровеньи – «Лобзание Иуды в Гефсиманском саду». Этот сюжет неоднократно впечатлял до глубины души простых людей и гениальных художников прошлого.

Сцена, где люди с мечами, палками, копями и факелами пришли взять Христа под стражу. «Агнец Божий» добровольно сдался, хотя у Него была сила – стража первосвященника упала от Его слов: «Я ЕСМЬ!». Не зная Иисуса в лицо, фарисеи просили Иуду указать на Учителя приветственным поцелуем, а потом переспросили, тот ли это Человек? С тех пор любое предательство дружбы называют «поцелуй Иуды».

«Сад земных наслаждений» – Триптих Иеронима Босха

Удивительная аллегория в трех частях, как сегодня принято называть, «модульных картин». Искусствоведы и толкователи разных времен так и не пришли к единому толкованию каждого фрагмента изображения (1510). Но музей Прадо в Мадриде очень гордится уникальным творением Иеронима Босха.

Это одна из самых загадочных картин эпохи Возрождения с тематикой символизма, о которой можно рассуждать часами.

«Триумф Венеры» Козимо Тура

Козимо Тура отличался особой манерой живописи и выбором холодной гаммы для своих гениальных полотен. Сложно понять смысл загадочной картины эпохи Возрождения, с ее лебедями и зайцами, странными одеждами на многочисленных персонажах.

«Триумф Венеры» (ок. 1490), языческой Богини, не вписывался в рамки католической ментальности, зато принимался без разногласий в светском обществе. «Бесспорно, шедевр!»

«Христос передает ключи Петру» Перуджино

Мало тех, кто знает художника Пьетро Перуджино, зато многим известна еще одна библейская сцена – «Христос передает ключи Петру» (1482, Ватикан).

Судя по текстам Евангелия, Христос говорил о передаче духовной власти. Но многие картины великих художников эпохи Возрождения дают версию прочитанного более буквально.

«Брак в Кане Галилейской» Веронезе

Библейские сюжеты были наиболее востребованными, судя по картинам художников Возрождения. Эксперты утверждают, что у Веронезе получилась наиболее масштабная, многолюдная и правдоподобная версия сцены превращения Иисусом воды в вино (1563, Париж, Лувр).

Судя по Библии, это было первое чудо, которое сотворил Спаситель, придя с учениками на свадебный пир. В водоносы налили воду, а оттуда слуги разливали «лучшее вино».

«Пир в доме Левия» Веронезе

Очередной шедевр Паоло Веронезе – «Пир в доме Левия» (1573). Масштабный холст 555х1280 см продолжает тему посещения массовых собраний Иисусом. В нем есть отголоски «Тайной вечери», если внимательно рассмотреть центральные фигуры. Это вызвало определенный скандал, поэтому ее переделали и переименовали. Галерея Академии художеств в Венеции очень ценит эту картину эпохи Возрождения с уникальным для того времени 3D изображением архитектурных форм.

Картины эпохи Возрождения заложили основание для европейской культуры XIV – ХХ в. Эти живописцы оказали мощное влияние на современное искусство, скульптуру, архитектуру и литературное творчество. Указанные шедевры украшают лучшие музейные собрания. Представленный ТОП-30 – далеко не полный перечень шедевров времен Ренессанса.

Эпоха Возрождения.

Фотография до фотографии Очевидно, что эпоха Возрождения самоопределилось прежде всего в сфере художественного творчества. При этом особенно изобразительное искусство понимается теперь как универсальный язык, позволяющий познать тайны «божественной Природы». Подражая природе, воспроизводя ее не по-средневековому условно, а именно натурально, художник вступает в соревнование с Верховным Творцом. Попытки сделать картины документально-реалистичными предпринимались ещё в античности, но массово приблизились к цели художники только в позднем Средневековье, а окончательно достигли результата — в эпоху Ренессанса. Появление сверхреалистичных картин связывают с изобретением камеры-обскуры и камеры-люциды. Оба устройства позволяют проецировать изображение в специальный прибор и затем срисовывать его: только в первом случае используется зеркало под углом, во втором — четырёхгранная призма.

Для художников камера-обскура стала приносить большую практическую пользу. Такой прибор надежно служил для механической зарисовки предметов внешнего мира и изучения законов перспективы.

Перевернутое изображение достаточно было с помощью зеркала поставить прямо и обвести карандашом на листе бумаги. Стало возможным пользоваться камерой-обскурой на природе, и для этой цели в семнадцатом веке были модифицированы закрытые кресла и тенты. Это была «фотография до фотографии» .

Судя по всему, первым использовать камеру-обскуру для зарисовок с натуры стал Леонардо да Винчи, а изобразительное искусство шестнадцатого столетия, особенно в Венеции и Северной Италии, отразило огромный интерес к оптическим явлениям, и в семнадцатом столетии он стал почти всеобщим. Архитекторы, сценографы, скульпторы стали жертвами любви к иллюзии. Фантазия видения художников была безгранична. Некоторые голландцы — Карел Фабрициус, Ян Вермеер, Сэмуэль ван Хугстратен — и испанец Веласкес шли даже дальше воспринимаемых возможностей невооруженного глаза и рисовали явления, которые можно было видеть лишь с помощью зеркала или линз.

Особенность творческого процесса Вермеера заключалась в том, что он не пользовался подготовительными рисунками, а создавал композицию сразу на холсте. О том, что художник сознательно стремился достичь совершенной уравновешенности, фотографической точности и ясности композиции, говорят многочисленные — и весьма существенные! — исправления, обнаруженные почти в каждой его картине при рентгеновском или радиографическом исследовании. Вермеер был сумасшедшим перфекционистом, буквально помешанным на совершенстве, — писал по две картины в год.

Живопись Вермеера отличает особая сила впечатления стереометричности интерьеров, повышенная осязаемость фактуры предметов, необычайная чистота цветов, четкость силуэтов, созданных сильным контрастом света и тени. Этих оптических эффектов художник добивался, используя камеру-обскуру. Чтобы точнее провести сокращающиеся в перспективе линии (плиток пола, оконных рам и пр.), художник сначала намечал их по натянутым нитям, крепившимся к иголке в точке схода — маленькие проколы в этих местах в разных картинах указали на такую практику.

Ян Вермеер Дельфтский (1632-1675).Молочница. 1658.Астроном. 1668. Свет, его взаимодействие с предметами, фигурами и пространством — вот ведущая художественная тема творчества Вермера, и на этом пути он выступил истинным новатором. Художник писал картины с натуры при естественном дневном освещении и стал использовать технику цветных теней и рефлексов (в то время как его голландские современники предпочитали полутемные интерьеры и изображали тени или темные оттенки, используя разведенную черную или коричневую краску). Стремясь достичь тончайших эффектов мерцания и бликов света на разных поверхностях, Вермер прибегал к нанесению краски отдельными точечными капельками. Эти приемы значительно отличались от техники эмалево-гладкого письма, характерного для других голландских живописцев. Картина Вермеера «Девушка в красной шляпе», например, представляется нам так, будто сделана фотокамерой, которая дает «беспорядочные круги» вокруг ярко освещенных мест, когда не каждый луч в потоке света четко сфокусирован. Можно с уверенностью сказать, что камера-обскура помогла художнику в исследовании особенностей освещения и игры света и тени при работе над этой картиной.

В его колорите доминируют любимые лимонно-желтый и сине-голубой, причем последний он писал, широко используя натуральный ультрамарин, получаемый из ляпис-лазури. Этот пигмент, представлявший растертый в порошок полудрагоценный минерал, был очень дорогим, и огромное большинство голландцев его вообще не использовали в своей палитре. Противопоставление теплых и холодных оттенков на свету и в тени является одним из важных качеств реалистической живописи. В комнате обращенные к окну стороны предметов всегда освещаются холодным светом. Теневые стороны приобретают более теплый оттенок, отраженный от стен и потолка. Под открытым небом предметы освещаются теплым солнечным светом, а тени отражают холодные оттенки синего неба. Этим приемом пользуются и сейчас фотографы при обработке цифровых фотографий.

Применяя камеру-обскуру в своих городских видах, Вермер достигает удивительной, почти фотографической объективности, соединив ее с привычной своей мягкой поэзией.

Девушка в красной шляпе. 1665-1667.Вид Дельфта. 1661.Маленькая улочка. 1657-1661. «Вид Делфта» по праву считается одним из шедевров пейзажной живописи. Автор отважился здесь на очень опасный шаг — он погрузил в тень передний план пейзажа. На ближний к зрителю ряд домов падает тень от свинцовых облаков, плывущих по небу. Только художник, в совершенстве владеющий искусством создавать эффекты освещения, может заставить такую композицию «заиграть». Вермер уверенно ведет взгляд зрителя к фокальной точке композиции — шпилю Новой церкви, на которую падает пробивающийся сквозь облака солнечный луч. Интересно решены также и отражения зданий в воде. Они слишком велики, но это-то и требовалось мастеру. Без этих отражений передний план оказался бы изолированным от остального пространства картины, с точными деталями, но при этом словно дистиллированного, из которого убрано все ненужное, весь хаос и вся бестолковая суета вещного мира.

Что касается содержательной стороны произведений, то одним из самых распространенных способов расширить смысловой контекст сцены у Вермера выступает прием изображения «картины в картине».

Интересно отметить, что все такие картины на полотнах Вермера (как, например, «Улочка в Делфте») отождествляются с реально существующими или позволяют указать на их реальные прототипы, и в свое время они находились в доме художника.

В XVIII веке в европейской живописи становиться популярным жанр ведуты (ит. veduta, букв. — «увиденная»), представляющий собой картину, рисунок или гравюру с детальным изображением повседневного городского пейзажа. Величайшим ведутистом считается итальянец Джованни Антонио Канале, по прозвищу Каналетто.

Мир, созданный Каналетто, поражает своим колоритом, топографической точностью и ароматом «живой» жизни. Но особое очарование полотнам художника придает искусно написанный свет. Они, эти полотна, словно светятся изнутри. Современники Каналетто считали художника непревзойденным реалистом. Для любого воспитанного в классических традициях художника высшим достижением было умение правдиво изобразить реальность, даже если при этом приходилось прибегать к иллюзионистским приемам.

Поклонники Каналетто объясняют его небывалый реализм тем, что он пользовался камерой-обскурой. Он применял этот аппарат в целях точного копирования «реальности». Позже подобную практику сочли не слишком уместной, утверждая, что она свидетельствует о недостаточности художественного дарования.

Джованни Антонио Канале (1697-1768).Рио деи Мендиканти: вид с юга, 1725.Венеция, Праздник Св. Рока, ок. 1735. Но поначалу камера-обскура вызывало сплошные восторги, но Каналетто, впрочем, обращался с ней творчески. Известно, что он не очень доверял техническим новинкам. Рисунки художника свидетельствуют о том, что он часто использовал линейку и циркуль, явно предпочитая их громоздкой камере. Кроме того, камера-обскура работала лишь при ярком свете; сам же художник при этом должен был сидеть с накрытой одеялом головой. Условия, таким образом, были не самыми идеальными для копирования контуров очередной ведуты. Каналетто прибегал к помощи камеры-обскуры весьма осторожно. И эта практика предполагала, что техническое новшество не должно ограничивать творческую волю художника. Как только тут намечался конфликт, выбор тут же делался в пользу художнической свободы. Площадь ди Риальто, ок. 1758-63.Набережная Рива дельи Скьявоне, 1730.Площадь Сан Марко, 1730. Композиции Каналетто часто составлены из видов, взятых под разными ракурсами. Это своеобразное мозаичное зрение бросается в глаза в его панорамах, скомпонованных под «невозможным» углом в 180°, что вызывает дополнительный элемент сходства с панорамной фотографией. Еще заметнее эта особенность перспективы Каналетто в обычных (не панорамных) видах. Так, на картине «Рио деи Мендиканти: вид с юга» фасад церкви Сан-Лаззаро развернут вверх так, словно художник смотрит на него с точки, отнесенной вправо от центра композиции. Подобные тонкие манипуляции с перспективой можно обнаружить в работе «Венеция, Праздник Св. Рока» (ок. 1735). Написанная площадь не превышает в ширину двадцати метров, и для того чтобы увидеть ее такой, какой она изображена на картине, художнику пришлось бы висеть на стене здания. Обманывают нас и здешние тени. Праздник, ставший темой картины, происходит в августе, а в этом месяце солнечный свет не может падать с той стороны, с которой он падает на полотне. Выполнение подобных художественных трюков доступно только живописцу, отлично знающему все тонкости обращения с перспективой и умеющему «лепить» в целое несколько изображений.

Сохранившиеся рисунки Каналетто позволяют проследить процесс создания описанной искаженной перспективы. Художник рисовал для этого один и тот же объект с разных точек, а затем как бы «суммировал» их, творя собственное головокружительное пространство. Но при этом он, разумеется, не был пустым фантазером и не экспериментировал ради самого экспериментаторства. У Каналетто все нарушения логики строго мотивированы. Острота и точность его взгляда, а может, и камера-обскура, фиксирует говорящие детали — блики на фасаде каменного здания, строительные леса на крыше, обвалившуюся штукатурку, водную рябь на поверхности канала. Он писал не абстрактный образ Венеции, но живой, меняющийся у него на глазах город. Сегодня камера-абскура художника хранится в Венеции в городском музее Коррера.

Современники Микеланджело Меризи да Каравджо были поражены его талантом. Он рисовал очень реально, его картины были наполнены драматизмом и были весьма оригинальны. Он рисовал вопреки религиозным стандартам, которые существовали в то время. Конечно же, находились и противники его творчества, которые считали, что он изображает святых очень приземленно. Так, его картина «Святой Матфей и ангел» была отвергнута служителями церкви как недостойная.

Микеланджело Меризи да Каравджо.Блаженство святого Франциска, 1595.Шулеры, 1596. Хотя не сохранилось прямых свидетельств, ученые давно подозревали, что знаменитый итальянский художник Караваджо при создании своих удивительных реалистических полотен пользовался техникой фотографии. Недавно на его холстах были обнаружены следы соли ртути, которая, как известно, является светочувствительным веществом и используется при изготовлении фотопленки.

Исследователи творчества великого живописца с большой уверенностью заявляют, что Караваджо был одним из первых живописцев, использовавших технику «камеры-обскуры». Он проделал в потолке своей мастерской дыру, свет из которой освещал его модель. Потом изображение проецировалось на холст с помощью линз и зеркал.

Маленький больной Вакх, 1593.Медуза Горгона, 1598-1599.Давид и Голиаф, 1601. Недавно исследователь из флорентийского Института SACI Роберта Лапуччи заявила, что Караваджо покрывал холст «пленкой» из светочувствительных материалов для того, чтобы запечатлеть на ней изображение. «Фотография» исчезала через тридцать минут, и живописцу было необходимо за это время сделать набросок. Для этого художник использовал смесь свинцовых белил с различными химикатами и минералами. Эти вещества светились в темноте, что помогало ему писать полотна в своей «камере-обскуре». Ученый сделала предположение, что Караваджо добавлял в смесь порошок из светлячков. В те годы такой порошок использовался для создания спецэффектов в театрах.

Одним из главных составляющих флуоресцирующей смеси была ртуть. Известно, что это ядовитое вещество оказывает пагубное воздействие на здоровье человека, в том числе на работу центральной нервной системы. Люди, чей организм постоянно подвергается воздействию ртути, часто бывают очень раздражительными, и Караваджо не был исключением. Художник славился своим буйным темпераментом. Он постоянно устраивал драки, а однажды даже убил одного из своих врагов, молодого человека по имени Рануччо Томассони.

Роберта Лапуччи считает, что идею создавать «фотографии» художнику подсказал его друг — известный физик Джованни Баттиста делла Порта. Караваджо много общался с учеными, занимающимися вопросами оптики. По мнению Лапуччи, новое открытие объясняет тот факт, что Караваджо не оставил предварительных набросков. Кроме того, ее теория дает основания предположить, почему многие персонажи картин художника являются левшами. Как говорит исследователь, это объясняется тем, что при создании своих произведений он использовал зеркала.

Отдельно стоит отметить, как художник с помощью света решают чисто фотографические задачи. Свет на большинстве картин направлен на объект сверху, при этом каждый раз создается присущий только этому направлению света теневой рисунок, влияющий на восприятие картины зрителем. Караваджо использует образующуюся тень как композиционный элемент картины, чтобы соединить в единое целое её разрозненные части и придать ей композиционную завершенность.

Художники Эпохи Возрождения. 6 великих итальянских мастеров

 

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV—XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность — человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет ! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов.

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан — титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267—1337).

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. Лувр, Париж.

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275—1280. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302—1305). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент. 

Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле  Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303—1305. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401—1428).

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425—1427. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425—1427. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426—1427. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.

Также Мазаччо добавил выразительности не только лицам, но и телам. Эмоции людей мы уже читаем по позам и жестам. Как, например, мужское отчаяние Адама и женскую пристыженность Евы на самой знаменитой его фреске.

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426—1427. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

О фреске мастера читайте в статье “Изгнание из Рая” Мазаччо. Почему это шедевр”.

3. Леонардо да Винчи (1452—1519).

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489—1490. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503—1519. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье “Мона Лиза Леонардо да Винчи. Загадка Джоконды, о которой мало говорят”.

4. Микеланджело (1475—1564).

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции . Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г. 

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483—1520).

Рафаэль. Автопортрет. 1506. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509—1511. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен.

О самых знаменитых картинах Рафаэля читайте в статье “Портреты Рафаэля. Друзья, возлюбленные, покровители”.

6. Тициан (1488-1576).

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562. Музей Прадо, Мадрид. 

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515—1518. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника Рубенса. И техника художников XIX века: барбизонцев и импрессионистов. Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье “Венера Урбинская Тициана. 5 необычных фактов”.

Художники эпохи Возрождения — это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

Английская версия статьи

Facebook

Twitter

Вконтакте

Одноклассники

Pinterest

Похожее

25 современных фотографий, которые тяжело отличить от картин эпохи Возрождения

Искусство — это не только то, что можно увидеть на стенах галерей и музеев. Вся наша жизнь — искусство! И иногда так случается, что некоторые из современных фотографий выглядят точь-в-точь, как картины эпохи Возрождения. Если бы эти фотографии висели в какой-нибудь галерее, то вы бы точно не стали рассматривать их дважды, потому как у вас просто не возникло бы никаких подозрения, что это современные фото. Если бы современные вещи существовали в эпоху Возрождения, то картины художников тех лет выглядели бы именно так. Они драматичны, эмоциональны, с характерным освещением и полны людей в действии, ну в общем полный Ренессанс!

 

На тот случай, если вы вдруг забыли (или не знали), как выглядят картины эпохи Возрождения

 

Все характерные черты ренессансной живописи, за исключением мобильников

 

Так много всего происходит на этом фото, но отдельное внимание стоит уделить лицам его героев

 

Действительно жуткий образ диснеевского замка с драматическими молниями на фоне

 

Граф упал. Особую драматичность фотографии добавляют бегущие парни на фоне

 

[region:bone:inline_1]

 

«Возрождение» на музыкальном фестивале

 

Комики, ожидающие своего выхода на сцену

 

Мама у огня

 

Фотографии собаки в лесу, которая выглядит как картина

 

Драматические тени возле деревенского домика

 

[region:bone:inline_2]

 

Если бы художники прошлого побывали в ночном Вегасе, то сегодня у нас было бы на пару тысяч картин больше

 

Ну чем не «Сотворение Адама»?

 

Нам пришлось долго смотреть на это фото, чтобы убедиться, что это не картина

 

Курт Кобейн, который запросто мог бы стать героем картины Рембранта

 

Фото из Инстаграма, которое выглядит, как картина

 

[region:bone:inline_3]

 

Фотография, которую можно даже услышать

 

Если бы метро существовало в эпоху Возрождения, художники рисовали бы его именно так

 

Эмоции на этом фото настолько взрывные, что это похоже на картину

 

Невероятно выразительный тост

 

Мы не знаем, что происходит, на этом фото, но мы абсолютно уверены, что видели эту картину раньше

 

[region:bone:inline_2]

 

Урок бильярда

 

Так много эмоций! Так много людей!

 

Человек в драматической позе на лестнице

 

Фотография рыбаков, выглядящая точь-в-точь как живопись

 

[region:bone:inline_2]

 

Цвета, ракурс, эмоции.

. Буквально всё на этом фото напоминает картину эпохи Возрождения

 

Мягкость этого фото и тени делают это фото действительно похожим на картину

 

Толпа зрителей после того, как бейсбольная бита улетела на трибуны

 

Фотография, напоминающая картины распятия Иисуса

 

Кто сказал, что героями картин эпохи Возрождения могут быть только люди?

Не пропустите также 25 раз, когда случайное искусство было лучше, чем намеренное.

Поделиться в соц. сетях

Скульптура эпохи Возрождения: описание и фото

   Скульптура Возрождения прошла долгий и непростой путь от робких попыток Бенедетто Антелами внести в свои работы индивидуальность, характерность и нестандартность, до блестящих и безупречных работ «создателя Ватикана» Микеланджело Буонаротти.

   Если в средние века скульптура была неразрывно связана с архитектурой и как отдельное искусство даже не рассматривалось, то с началом эпохи возрождения начинается медленный, но верный процесс отделения скульптуры, высвобождение его от зависимости от архитектурных задумок. Скульптуры постепенно «отодвигаются» от стен храмов, от рельефов и портиков, становясь самостоятельным, самодостаточным искусством.

   Эпоха Возрождения делится на три периода, первый из которых берет свое начало еще в 13 веке, а последний заканчивает 16 век.

   Творчество Бенедетто принадлежит романской эпохе. Однако в его работах (рельефы Пармского собора) уже угадывается стремление вырваться из тесных рамок канонического средневековья. Его скульптуры еще непропорциональны, просты, но в лицах можно разглядеть попытку передать интеллект, творческое начало и красоту человека.

   Традицию подхватили скульпторы Пизано и ди Камбио. Их скульптуры — это не просто поиски новой эстетики, искания связаны с лучшими образцами античной древности, стремление вернуться к которым и породило революцию во взгляде на красоту.

   Скульптуры Верроккьо и Донателло окончательно «оторвались» от стен и представляют собой самостоятельные произведения искусства.
Библейский Давид в исполнении учителя великого Леонардо (Андреа Верроккьо) — нескладный, угловатый подросток, изумленный своей собственной победой над великаном, гордо попирает ногой голову поверженного врага. На лице героя едва уловимая улыбка, а детские кудри и нарочито «героическая» поза вызывает умиление. Мастер изобразил юношу с непростым подростковым характером. Самоуверенного, бунтарского склада. Работа получилась реалистичной как по внешнему виду, так и по внутреннему содержанию. Здесь нет и тени средневекового пафоса, патетики. Здесь автор любуется обычным мальчиком, который оказался героем.

   Именно Донателло первым создал обнаженную скульптуру Возрождения. До него ни один мастер не осмеливался так близко подойти к античным образцам, привнеся в них христианскую добродетель. Давид Донателло — также нескладен и несколько угловат. Пропорции тела трактуются достаточно мягко, герой лишен выраженной мускулатуры. Выбранная автором поза героя свободна, расслаблена. Это поза скорее греческого бога, нежели библейского персонажа. Известно, что для своего времени скульптура была настолько смела, что заказавшие ее Медичи предпочли установить ее во дворе своего дома, подальше от чужих глаз.

   Стремительное развитие искусства, и скульптуры в частности, происходило на рубеже 15 и 16 веков, когда большое строительство развернулось в Риме, Флоренции, Венеции и других крупных городах Италии. Этот период, который носит гордое название «Высокого Возрождения», связан, в первую очередь, с именем Микеланджело.

   Работы гениального мастера восхищали современников ничуть не меньше, чем современного зрителя. После того, как публика увидела скульптуру «Умирающий раб», в обществе поползли слухи, что был замучен натурщик, чтобы страдания можно было изобразить вернее.

   Микеланджело прославился своими скульптурами, украшающими Ватикан, Рим, Флоренцию. Его работа «Пьета» — вершина мировой скульптуры, проявление гениальных способностей. Герои гения страдают, размышляют, ликуют. В них столько содержания, энергии и глубины, что любование великолепными работами гения не прекратится, вероятно, никогда. Подробнее с работами мастера можно ознакомиться здесь.

Скульптура эпохи возрождения: описание и фото

Скульптура Ренессанса — один из важнейших видов искусства Возрождения, достигший в это время расцвета. Основным центром развития жанра была Италия, главным мотивом — ориентация на античные образцы и любование человеческой личностью. Находившаяся в эпоху средневековья в состоянии полной зависимости от архитектуры, скульптура эпохи Возрождения вновь обретает самостоятельное значение.

Как равноправный компонент она входит в архитектурные ансамбли на основе содружества, но не подчинения архитектуре. Освобождаясь от сковывающего ее религиозно-мистического содержания, она обращается к жизни, к реальным образам действительности, человеку.

Наряду с сохраняющими свое значение образами христианства и античности объектом изображения скульпторов оказываются теперь и живые люди, герои современности. Развитие получает жанр портрета, создаются конные статуи, украшающие площади городов.

Значительно изменяется характер декоративного рельефа, образные возможности которого расширяются в связи с использованием приемов живописно-перспективного изображения и новых материалов, в частности полихромной керамики.
Скульптура раньше живописи прочно встает на новый путь развития, что объясняется тем местом, которое она занимала в средневековых культовых сооружениях.

При больших постройках создавались мастерские, которые готовили скульпторов-декораторов, проходивших здесь хорошую подготовку, знакомясь с архитектурой, со строительным и ювелирным делом. Все эти познания помогали в работе над монументальной пластикой, отличавшейся особой тщательностью исполнения.

Проторенессанс.

Новые художественные искания в скульптуре наметились  прежде всего в пизанской школе, основателем которой был Никколо Пизано (1220-1278 или 1284)
Шестигранная мраморная кафедра (1260), выполненная им для баптистерия в Пизе, стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла не ее дальнейшее формирование.  Кафедра из трех видов (оттенков) мрамора  представляет собой целое архитектурное сооружение. По средневековой традиции на парапетах (стенках) представлены сюжеты из жизни Христа.  Между ними — фигуры пороков и аллигорических добродетелей. Колонны опираются на спины лежащих львов.

Кафедра баптистерия в Пизе

Главное достижение в том, что он сумел придать формам объемность и выразительность, а каждое изображение обладает телесной мощью.

Особое место в итальянской скульптуре принадлежит Джованни Пизано (сын Никколо Пизано) (1245-1314). Он создает кафедры для соборов и церквей, статуи святых, пророков, Мадонн.

 Стиль Джованни Пизано отличается большей свободой и динамичностью, он показывает фигуры в движении и использует различные средства драматизации, его скульптурам присущи резкие повороты и угловатые очертания.

Совместно с отцом и Арнольфо ди Камбио он создает фонтан Маджоре в Перудже. Грани и ребра верхней чаши украшены 24 скульптурами. На гранях нижней — 50 барельефов. Чаши выполнены из белого и розового мрамора. Над ними возвышается третья чаша, отлитая из бронзы. Фонтан обнесен металлической решеткой.

Фонте Маджоре в г.Перуджа (1275-1278)

С 1287 по 1296 гг. Джованни  исполнял должность главного архитектора кафедрального собора в г.Сиена. Полные динамики и драматизма фигуры скульптурной композиции фасада собора свидетельствуют о значительном влиянии на Пизано французской готической пластики. Из всех готических итальянских фасадов сиенский собор имеет самое роскошное скульптурное убранство.

Фасад кафедрального собора в Сиене

Одним из величайших достижений Джованни Пизано считается кафедра для церкви Сант-Андреа в Пистойе (1297-1301). Тематика украшающих кафедру рельефов также сходна с пизанскими. Однако лица персонажей более выразительны, их позы и жесты, более драматичны. Особенной экспрессией отличаются сцены «Распятие» и «Избиение младенцев».

Кафедра церкви Сант-Андреа в Пистойе

XV век был периодом глобального изменения в искусстве. Художники стараются возродить традиции прошлого, основы их программы — открытая перспектива и законы пропорций. Античность воспринимается не как набор образцов для подражания, а как историческое осознание прошлого и его неизбежной связи с настоящим. Ренессансный человек желал отринуть наслоившиеся традиции (готические, византийские) и вернуться к древнеримской доблести, древнему классическому источнику.

Раннее Возрождение.

Настоящим реформатором итальянской скульптуры был Донателло. Его скульптуры «оторвались» от стен (до этого в основном скульптура была представлена, как рельеф и барельеф, как украшение здания).
Донателло (Флоренция) (около 1386 -1466) — итальянский скульптор эпохи Возрождения, основоположник индивидуализированного скульптурного портрета. Донателло придерживался реалистических принципов, иногда кажется, что он нарочно отыскивал некрасивые стороны природы.

Святой Марк.

Давид. 1440г. Флоренция

 Этот первый конный памятник в искусстве Возрождения, посвященный выдающейся личности, получил совсем иную, чем в античности, трактовку. Уверенно сидит на могучем коне кондотьер, держа в руке жезл командующего. В его лице, умном и суровом, — черты несомненного портретного сходства, выражение непреклонной воли и энергии

Статуя Гаттамелаты (1447-1453). Падуя

Андреа дель Верроккьо (1435- 1488) — итальянский скульптор и живописец эпохи Возрождения, один из учителей Леонардо да Винчи. Имя позаимствовал у своего учителя, ювелира Верроккьо. Скульптура Давид — фигура не застыла, наоборот, характеризуется полной раскованностью. Тело слегка повернуто, тяжесть перенесена на одну ногу.

Давид, 1473

Верроккио было уже пятьдесят лет и он работал над своей последней и самой значительной скульптурой — конным памятником кондотьеру Бартоломео Коллеони, который и доныне стоит в Венеции. Всадник, на лице которого, по словам Шелли, застыла «усмешка холодного превосходства», легко касается рукой поводьев и, кажется, сдерживает животное только могучей силой своей воли. Мускулы ног коня так напряжены и вырисовываются таким выпуклым рельефом, что кажется, будто с него содрана шкура, — свидетельство интереса Верроккио к новой науке — анатомии, которая начинала расцветать как раз в это время. Верроккио работал над своей замечательной статуей, наверное, лет десять, но так и не увидел ее на пьедестале: он умер в Венеции, когда ему было всего пятьдесят три года. Отливку его шедевра закончил Алессандро Леопарди, добавивший статуе несколько декоративных деталей и свою подпись.

Конный памятник кондотьеру Бартоломео Коллеони

___

Высокое Возрождение («Чинквеченто»).

Стремительное развитие искусства, и скульптуры в частности, происходило на рубеже 15 и 16 веков, когда большое строительство развернулось в Риме, Флоренции, Венеции и других крупных городах Италии. Этот период связан, в первую очередь, с именем Микеланджело.

Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони (1475- 1564)- итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель.

Микеланджело прославился своими скульптурами, украшающими Ватикан, Рим, Флоренцию. Герои гения страдают, размышляют, ликуют.

В них столько содержания, энергии и глубины, что любование великолепными работами гения не прекратится, вероятно, никогда.

Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его работы прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире. По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов.
Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения — статую «Давид», ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела.

Давид. 1501-1504

В Риме самая известная  скульптурная композиция «Пьета́» (1498-1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. «Пьета» — вершина мировой скульптуры, проявление гениальных способностей.

Работы гениального мастера восхищали современников ничуть не меньше, чем современного зрителя. После того, как публика увидела скульптуру «Умирающий раб», в обществе поползли слухи, что был замучен натурщик, чтобы страдания можно было изобразить вернее.

Умирающий раб

 Статуя пророка Моисея, предназначавшаяся для одного из папских надгробий Ватиканского собора, одна из самых любимых работ самого скульптора.

Известно, что автор постоянно возвращался к ней и доделывал на протяжении 30 лет. Фигура пророка обладает секретом, чтобы полностью понять задумку автора, нужно разглядеть фигуру со всех сторон.

В этом случае зритель чувствует некое напряжение и энергию, исходящую изнутри скульптуры

Особенностью работ Микеланджело было то, что он участвовал в создании своих скульптурных шедевров на всех стадиях, начиная с выбора мраморной глыбы и перевозки ее до мастерской. Мастер никому не доверял даже простейших транспортировочных и погрузочных работ. Он словно уже в огромной глыбе видел свое произведение и уже относился к ней, как к хранилищу будущего шедевра.

Искусствоведы постоянно «находят» все новые работы скульптора, который никогда не считал нужным подписывать свои работы (подписал лишь одну). На сегодняшний день известно о 57 скульптурах Микеланджело, из которых около 10 безвозвратно утрачены.

Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Возрождения, но и на всю дальнейшую мировую культуру.

Оглавление.

Источник: http://mansa-uroki.blogspot.com/2015/04/blog-post_16.html

Скульптуры эпохи Возрождения: фото и описание

Начало эпохи Возрождения приходится на первую четверть XIV века. На протяжении трех последующих столетий культура Ренессанса развивалась бурными темпами и только в последние десятилетия XVI века наметился ее упадок.

Отличительный признак эпохи Возрождения в том, что культура во всех своих ипостасях носила светский характер, при этом в ней доминировал антропоцентризм, то есть на первом плане находились человек, его интересы и деятельность как основа существования. В период расцвета Ренессанса в европейском обществе наблюдался интерес к античности.

Наиболее заметным проявлением ренессансной культуры стал стиль «Возрождение» в архитектуре. Основы зодчества, формировавшиеся веками, обновлялись, зачастую принимая неожиданные формы.

Ренессанс в архитектуре

Скульптуры эпохи Возрождения первоначально никак не о себе не заявляли. Их роль сводилась к убранству архитектурных ордеров: барельефы на карнизах, капителях, фризах и порталах.

Начало Ренессанса характеризовалось влиянием романского стиля на оформление архитектурных сооружений, а поскольку этот стиль неразрывно связан с настенными изображениями, то скульптуры долгое время использовалась преимущественно для украшений фасадов. Таким образом, возник стиль «Возрождение» в архитектуре, единение классических контуров с новой эстетикой.

В период Ренессанса фасады домов облагораживались скульптурными композициями. Живопись и скульптура эпохи Возрождения стали неотъемлемой частью архитектурных сооружений. Художественные фрески размещались среди изваяний из мрамора и бронзы.

Архитектура Высокого Возрождения

Появление Ренессанса в культурных сферах в первую очередь затронуло зодчество. Архитектура Высокого Возрождения получила свое развитие в Риме, где на фоне предшествующего периода стал складываться общенациональный стиль.

В постройках появились величественность, сдержанное благородство и признаки монументальности. Дома в Риме стали строить по принципу центрально-осевой симметрии.

Основоположником нового стиля являлся Донато д’Анджело Браманте, талантливый архитектор, создавший Собор Святого Петра в Ватикане.

Взаимодействие стилей

Со временем скульптуры эпохи Возрождения стали принимать все более самостоятельные формы.

Начало таким изображениям положил итальянский ваятель Вилиджельмо, который, создавая рельефы для собора в Модене, значительно углубил изображения скульптурной группы на стене, и, таким образом, возникло самостоятельное произведение искусства, связанное со стеной только опосредовано. Цельное скульптурное изображение опиралось на стену, но не более того.

Появилась динамическая ритмика, расположение статуй между контрфорсами добавляло впечатления независимости от окружающей среды. Архитектурные постройки и скульптуры Возрождения все больше отдалялись, не теряя взаимосвязи. При этом они органично дополняли друг друга.

Затем скульптуры эпохи Возрождения и вовсе отделились от плоскости стены. Это был закономерный процесс поиска нового. Постепенное освобождение пластических форм от архитектурной плоскости закончилось появлением нескольких направлений самостоятельного скульптурного искусства.

Знаменитые ваятели эпохи Ренессанса

В исторический период, который назывался «Возрождение», скульптура получила статус высокого искусства. Историческое значение обрели XVI ваятелей европейского происхождения, а именно:

• Андреа Верроккьо;
• Бесерра Гаспар;
• Нанни ди Банко;
• Башелье Николя;
• Санти Гуччи;
• Никколо ди Донателло;
• Джамболонья;
• Дезидерио да Сеттиньяно;
• Якопо делла Кверча;
• Арнольфо ди Камбио;
• Микеланджело Буонаротти;
• Ян Пфистер;
• Лука Делла Роббиа;
• Андреа Сансовино;
• Бенвенуто Челлини;
• Доменико Фанчелли.

Наиболее известные скульпторы эпохи Ренессанса — это:

• Микеланджело Буонаротти;
• Донателло;
• Бенвенуто Челлини.

Самые значимые скульптуры эпохи Возрождения вышли из-под резца этих непревзойденных мастеров.

Знаменитый флорентиец

Никколо ди Бетто Барди Донателло, основоположник скульптурного портрета, считается самым реалистичным ваятелем своего времени, отвергающим надуманные «красивости» в изобразительном искусстве.

Наряду с реалистическим стилем он в совершенстве владел канонической классикой. Одним из шедевров Донателло является деревянная статуя Магдалины (1434 год, Флорентийский баптистерий). Исхудавшая длинноволосая старуха изображена с пугающей достоверностью.

Тяготы жизни отражены на изможденном лице отшельницы.

Еще одна скульптура работы великого мастера — «Царь Давид», которая находится на фасаде башни Джотто во Флоренции. Статуя из мрамора Святого Георгия продолжает библейскую тему, начатую ваятелем с изображения Святого апостола Марка также в мраморе. Из той же серии скульптура Святого Иоанна Крестителя.

С 1443 по 1453 годы Донателло прожил в Падуе, где создал конную скульптуру «Гаттамелата» с изображением кондотьера Эразмо де Нарни.

В 1453 году он вернулся в родной город Флоренцию, где и жил вплоть до своей кончины в 1466 году.

Бенвенуто Челлини

Придворный скульптор Ватикана Бенвенуто Челлини родился в 1500 году в семье мастера-краснодеревщика. Он считается последователем маньеризма — течения, отражающего стиль претенциозных форм в искусстве. Преимущественно работал с бронзовым литьем. Наиболее известные скульптуры Челлини:

• «Нимфа Фонтенбло» — бронзовый рельеф, отлитый в 1545 году, в настоящее время находится в Парижском Лувре.
• «Персей» — Флоренция, Лоджия Ланци.
• Бюст Козимо Медичи — Флоренция, Барджелло.
• «Апполон и Гиацинт» — Флоренция.
• Бюст Биндо Альтовити — Флоренция.
• «Распятие» — Эскориал, 1562 год.

Великий скульптор Бенвенуто Челлини занимался изготовлением государственной символики, наград и монетных образцов. Он, помимо всего прочего, был весьма талантливым и успешным ювелиром при Ватикане. Папа Римский заказывал Бенвенуто драгоценные украшения.

Микеланджело Буонарроти

Гениальный скульптор эпохи Возрождения, автор бессмертных творений в мраморе и бронзе Микеланджело Буонарроти родился в 1475 году в небольшом Тосканском городе Капрезе.

Владеть скульптурным инструментом мальчик научился раньше, чем писать и читать. В 13 лет Микеланджело попал на обучение к художнику Гирландайо Доменико. Затем о его таланте узнал Лоренцо де Медичи, знатный флорентиец.

Вельможа стал покровительствовать подростку.

В двадцатилетнем возрасте Буонарроти создал несколько скульптур для Арочного проема церкви Святого Доминика в Болонье. Затем он изваял две скульптуры («Спящий Купидон» и «Святой Йоханнес») для доминиканского проповедника Джироламо Савонаролы. Спустя год Микеланджело получает приглашение от кардинала Рафаэля Риарио для работы в Риме. Там скульптор создает «Римскую пьету» и «Вакха».

В Риме Буонарроти выполняет несколько заказов для разных соборов и церквей, а в 1505 году римский папа Юлий II предлагает ему ответственную работу — изготовить гробницу для его святейшества. В связи со столь ответственным заказом Микеланджело отбывает в Каррар, где проводит более полугода, выбирая подходящий мрамор для папской усыпальницы.

Для гробницы скульптор изготовил четыре мраморных изваяния: «Умирающий раб», «Лия», «Моисей» и «Связанный раб». С 1508 и до конца 1512 года Буонарроти работает над фресками Сикстинской капеллы. В 1513 году, после кончины Юлия Второго, скульптор получает заказ от Джованни Медичи на изготовление статуи Христа с крестом.

Великий скульптор эпохи Возрождения Микеланджело Буонарроти скончался в 1564 году в Риме. Похоронен во Флорентийской базилике Санта-Кроче.

«Чинквиченто»

В общую картину Ренессанса органично вписался период Высокого Возрождения. Тогда же появился термин «чинквиченто», что означает «превосходство». Этот период взлета продолжался около сорока лет.

Он дал миру шедевры, которые навечно вписаны в скрижали высокого искусства.

Портрет Моны Лизы и «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи,»Сикстинская мадонна» Рафаэля Санти, «Давид» Микеланджело Буонарроти — эти и другие произведения украшают залы престижных музеев.

Итальянский скульптор Андреа Сансовино (1467-1529 гг.) — один из наиболее заметных представителей эпохи Высокого Возрождения.

Первой работой Сансовино стало алтарное терракотовое украшение для церкви Санта-Агата с изображениями Св. Себастьяна, Роха и Лаврентия. Аналогичную скульптурную группу Андреа изваял для алтаря церкви Сан-Спирито во Флоренции.

Скульптура Высокого Возрожденияотличается выраженной духовностью и какой-то особой проникновенностью.

Вероккьо Андреа

Это знаменитый скульптор эпохи Раннего Ренессанса, учитель Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли и Пьетро Перуджино. Главным предметом творчества Верроккьо было ваяние, на втором месте — живопись. Андреа был прославленным постановщиком придворных балов и талантливым декоратором. Скульптура Высокого Возрождения фактически началась с работ Верроккьо.

Художник долгое время творил, находясь во Флоренции. Им было создано надгробие для флорентийского вельможи Козимо Медичи, затем более двадцати лет скульптор работал над композицией «Уверение Фомы». Знаменитая статуя Давида была создана Верроккьо в 1476 году.

Бронзовое изваяние предназначалось для украшения виллы Медичи, однако Джулиано и Лоренцо сочли себя недостойными столь высокой чести и предали скульптуру в Палаццо Синьории во Флоренции. Великолепная скульптура Раннего Возрождения, таким образом, обрела свое место. В частных домах старались не держать уникальные художественные произведения.

Не менее ценным с точки зрения высокого искусства было также и позднее Возрождение. Скульптура Бенвенуто Челлини «Персей» считается непревзойденным шедевром Позднего Ренессанса.

Источник: https://autogear.ru/article/161/303/skulpturyi-epohi-vozrojdeniya-foto-i-opisanie/

Изобразительное искусство Возрождения

• Италия  XIV век
• при создании полотен традиционной религиозной тематики художники начали использовать новые художественные приёмы:
• построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане,
• что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными.

2. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

Renaissance

эпоха интеллектуального и художественного расцвета, который начался в Италии в 14 веке, достигнув пика в 16 веке и оказав значительное влияние на европейскую культуру.

Термин «Возрождение», означавший возврат к ценностям античного мира (хотя интерес к римской классике возник ещё в 12 веке), появился в 15 веке и получил теоретическое обоснование в 16 веке в трудах Вазари, посвящённых творчеству знаменитых художников, скульпторов и зодчих.

• В это время сложилось представление о царящей в природе гармонии и о человеке как венце её творения. Среди выдающихся представителей этой эпохи —
• художник Альберти;
• архитектор, художник, учёный, поэт и математик Леонардо да Винчи.

Живописцы Ренессанса создали цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира, наполнили традиционные религиозные сюжеты земным содержанием (Никола Пизано, конец 14 века; Донателло, начало 15 века).

1. Реалистическое изображение человека стало главной целью художников Раннего Возрождения, о чем свидетельствуют творения Джотто и Мазаччо.
2. Изобретение способа передачи перспективы способствовало более правдивому отображению действительности.
4. Одной из главных тем произведений живописи Ренессанса
5. (Жильбер, Микеланджело)
6. были трагическая непримиримость конфликтов, борьба и гибель героя.

Художники Ренессанса: 

Леонардо да Винчи, Ботичелли, Тициан, Микеланджело, Рафаэль.

Около 1425 г. Флоренция стала центром Ренессанса (флорентийское искусство), но к началу 16 века (Высокое Возрождение) ведущее место заняли Венеция (венецианское искусство) и Рим.

• Культурными центрами являлись дворы герцогов Мантуи, Урбино и Феррады.
• Главными меценатами были Медичи и римские папы, особенно Юлий II и Лев Х. Крупнейшими представителями «северного Ренессанса» были
• Дюрер, Кранах Старший, Хольбейн.
• Северные художники в основном подражали лучшим итальянским образцам, и только немногие, например Ян ван Скорел, сумели создать свой стиль, который отличался особой элегантностью и грацией, названной в последствии — маньеризм.

1. Известные картины художников Ренессанса (Эпохи Возрождения)
2. можно посмотреть
3. здесь
4. здесь
5. здесь

Источник: https://li-ga2014.livejournal.com/347601.html

Скульптура эпохи возрождения

Этот нелегкий путь скульптуры эпохи Возрождения… От Бендетто Антеллами — одного из немногих известных нам скульпторов Средневековья, до Микеланджело Буонаротти — великого мастера, получившего признание и при своей жизни, и в настоящее время. Давайте немного окунемся в ту эпоху, проследим за развитием скульптуры как искусства.

Скульптура в начале Возрождения

В Средневековье скульптура не считалась искусством. Дело в том, что она была ремеслом, зависимым от архитектуры, и как искусство не воспринималось. Все стало меняться в эпоху Возрождения, когда скульптура постепенно выходит из рамок архитектуры. Скульпторы медленно, но уверенно начинают работать самостоятельно, без привязки к строительству и связанными с ним барельефами, колоннами и другими архитектурными изысками того времени.

Скульптор Бендетто Антеллами работал в романском стиле, характерном для его времени, но уже в его работах видно желание вырваться из узких границ зодчества средних веков. Его работы довольно просты, но заметно стремление автора передать изящество и красоту людей, вне зависимости от места расположения или назначения работы.

Его опыт продолжили мастер Никколо Пизано и его ученик — Арнольфо ди Камбио. Работая над своими произведениями, эти скульпторы задавались целью изменить общепринятые в то время идеалы красоты. Их скульптуры – это поиск нового в забытых работах античности.

Работы Андреа дель Веррокьо, учеником которого был Микеланджело, и Донателло — уже вполне самостоятельные произведения, которые совершенно вышли из рамок архитектуры средних веков.

Середина эпохи-развитие скульптуры как искусства

Этот же библейский персонаж, но работы уже другого итальянского скульптора – Донателло. Давид изображен легким ,расслабленным. Поза больше подходит для античного бога, чем пастушка из Библии.

Это был первая обнаженная статуя в то время. Семья Медичи, покровительствующая художникам и архитекторам Возрождения, и бывшая заказчиком этой скульптуры, увидев результат работы Донателло, «спрятала» скульптуру подальше от любопытных глаз соседей и знакомых, во дворе своего дома.

Скульптуры Микеланджелло

Скульптурами этого мастера восхищались в его эпоху так же, как и в настоящее время. Ходили слухи, что для своих работ автор замучил живого натурщика, чтобы натуральнее изобразить осанку и пластику скульптуры. Это говорили те, кто видел его «Умирающего раба», работу из целого цикла скульптур, предназначенных для установки в гробнице Папы Римского Юлия II.

Этот автор известен своими работами, которые украшают Рим, Флоренцию, Ватикан. На его произведения приезжают смотреть и ценители искусства, и люди, далекие от этого. Работы его не могут оставить равнодушными никого.

Единственная работа мастера, которую он подписал, и которая является вершиной его творчества — «Оплакивание Христа», изображение Мадонны, держащей на руках безжизненного Иисуса. Микеланджело выполнил эту скульптуру, одновременно и цельной и показывающей нам противоположности: живое и мертвое, горизонтальное и вертикальное, обнаженное и закрытое.

Очень кратко мы прошлись по основным представителям искусства скульптуры этого времени, проследили за становлением скульптуры как самостоятельной категории, вышедшей за рамки архитектуры. Безусловно, одним из величайших мастеров считается Микеланджело, художник и скульптор, гений своего времени. Любоваться его работами можно бесконечно.

Источник: https://gogetart.art/blog/311-skulptura-epokhi-vozrozhdeniya

Художники Эпохи Возрождения. 6 великих итальянских мастеров

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV—XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность — человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет ! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов.

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан — титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267—1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. Лувр, Париж.

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275—1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302—1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент. 

Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле  Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303—1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401—1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425—1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425—1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426—1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.

Также Мазаччо добавил выразительности не только лицам, но и телам. Эмоции людей мы уже читаем по позам и жестам. Как, например, мужское отчаяние Адама и женскую пристыженность Евы на самой знаменитой его фреске.

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426—1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

Проверьте свои знания, пройдя онлайн-тест «Художники Эпохи Возрождения».

3. Леонардо да Винчи (1452—1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489—1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503—1519 гг. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье “Мона Лиза Леонардо да Винчи. Загадка Джоконды, о которой мало говорят”.

4. Микеланджело (1475—1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции . Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г. 

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483—1520 гг.)

Рафаэль. Автопортрет. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509—1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен.

О самых знаменитых картинах Рафаэля читайте в статье “Портреты Рафаэля. Друзья, возлюбленные, покровители”.

6. Тициан (1488-1576 гг)

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562 г. Музей Прадо, Мадрид. 

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515—1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника Рубенса. И техника художников XIX века: барбизонцев и импрессионистов. Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье “Венера Урбинская Тициана. 5 необычных фактов”.

***

Художники эпохи Возрождения — это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

статью «Английские художники. 6 мастеров, покоривших весь мир».

Проверьте свои знания, пройдя онлайн-тест «Мастера Эпохи Возрождения».

Оксана Копенкина

Источник: https://arts-dnevnik.ru/hudozhniki-epohi-vozrozhdeniya/

7 самых вдохновляющих памятников итальянского Возрождения

1. Вилла Медичи во Фьезоле

Виллы семейства Медичи, построенные в окрестностях Флоренции в период с XIV по XVII век, в 2013 году были внесены в список Всемирного культурного наследия ЮНЕСКО скопом. Всего их двадцать семь, и у каждой есть свои особенности: самая старая, самая маленькая…

Вилла во Фьезоле (1471) – самая “садовая”. Что же такого особенного в местном саду? В отличие от более парадных вилл Медичи, сад во Фьезоле, хотя и сделан регулярным, не слишком строг – то, что он расположен на сложном рельефе, разбивает композицию.

Прогулка по саду – наполненное разнообразными визуальными впечатлениями приключение, сцены сменяют друг друга, а вид на тосканские холмы оттеняет всё это, как грандиозный театральный задник.

Именно по такому принципу – разнообразие сцен на фоне более широкого фона – потом делались английские пейзажные сады, которые все родом из Фьезоле, где эффект возник почти случайно.

Вилла Ланте в местечке Баньяйя под Витербо построена в 1560-х годах для папского наместника в регионе, кардинала Джанфранческо Гамбары. Как это часто бывает с виллами той эпохи, главная ее прелесть – сад. В данном случае очень необычный: он почти лишен зелени, но украшен множеством фонтанов, в том числе шутих, созданных инженером Томмазо Гинуччи.

Эти шутихи плюс статуи знаменитого скульптора Джамболоньи заставили современников говорить о вилле Ланте как о месте, где природа стала рабой человеческих капризов, а историков архитектуры – отнести ее к стилистике маньеризма.

Нынешнее название вилла получила в XVII веке, когда ее купил герцог Бомарцо Ланте делла Ровере – его потомки владели домом до XIX века.

Вилла Ротонда, построенная величайшим архитектором эпохи Возрождения Андреа Палладио под Виченцей, – одно из самых знаменитых зданий в истории.

Во-первых, она воплощает все принципы палладианского стиля: важнейшая роль ордера, симметричная композиция с куполом, разбивка фасада по высоте на три пропорциональные части, – и ее многократно копировали по всему миру, от Англии до России. Во-вторых, это последняя постройка Палладио: он умер в 1580 году, когда отделка здания была еще не совсем завершена.

Достраивал лебединую песню мастера его ученик Винченцо Скамоцци. Ну и в‑третьих, вилла Ротонда просто головокружительно красива: она стоит на вершине холма, как миниатюрная шкатулка, вроде бы скромная, но выполненная с несравненным изяществом.

Еще одна вилла, оставившая глубокий след в мировом искусстве. Количество ее изображений бессчетно, подражаний ей – десятки, в том числе наш родной Петергоф: Петр I пытался в своем парке превзойти здешние фонтаны.

Сделанные в 1670-х годах при участии великого скульптора Лоренцо Бернини, они и правда сложны и прекрасны, но вилле, известной также под названием Тиволи (по городу, на окраине которого она стоит), и без них есть чем заинтересовать публику.

Например, первым ее владельцем был Ипполито д’Эсте – сын Лукреции Борджиа, а последним – эрцгерцог Франц Фердинанд, с убийства которого началась Первая мировая война.

5. Вилла Медичи в Пратолино

Еще одно здание из комплекса медицейских вилл под Флоренцией было построено в 1581 году Бернардо Буонталенти – знаменитым архитектором и театральным декоратором.

Сад в Пратолино может служить сценой для грандиозного спектакля на мифологический или героический сюжет (собственно, театральные представления тут и правда были нередки). Самый знаменитый фрагмент сада – пруд с огромной статуей “Аллегория Апеннин” работы Джамболоньи.

В 1821 году историческое здание виллы снесли и построили новое – в 1860 году его купил Павел Демидов (виллу иногда называют Villa Demidoff), во владении наследников которого, Абамелек-Лазаревых, имение и находилось до 1955 года.

Возможно, самый эксцентричный и загадочный памятник итальянского Возрождения расположен у подножия замка Орсини в городе Бомарцо и известен в мировой культуре под двумя именами: Священный лес и Сад чудовищ.

Известно, кто разбил сад – Пирро Лигорио (автор виллы д’Эсте), когда – с 1548 по 1580 год, и для кого – для кондотьера Вичино Орсини. Неясно только, зачем и почему он захотел уставить всю территорию жутковатыми аллегорическими скульптурами, среди которых Пегас, две сирены, Протей, слон Ганнибала, дракон, черепаха, гигант, пес Цербер, две Цереры, Афродита и врата преисподней.

Сюжет скульптур, как предполагается, восходит к сну из мистического романа “Гипнэротомахия Полифила” (1499): там упомянуты слон с обелиском на спине и прочие странности. Но версия эта спорная и на вопрос, зачем в парке такое иметь, не отвечает.

Зато сад эффектен неимоверно и повлиял на творчество многих людей – от Сальвадора Дали до Филиппа Старка (версия “Врат преисподней” служит камином в его интерьере московского ресторана Baccarat Cristal Room).

Вилла Альдобрандини во Фраскати под Римом строилась с 1598 по 1603 год для племянника папы Климента VIII сначала по проекту Джакомо делла Порта, а после смерти архитектора – Карло Мадерно, который занимался отделкой здания.

Кроме того, он спроектировал в саду фантастический “Водяной театр” – каменную экседру со статуями, точь‑в‑точь такую, как театральные декорации той эпохи.

Чтобы обеспечить водой садовый театр и каскад фонтанов, Мадерно построил акведук длиной 8 км от источника на горе Альджидо под Моденой до виллы Альдобрандини – она, к слову, до сих пор находится во владении потомков папского племянника.

Donata Mazzini/архив пресс-службы; diomedia; CORBIS/RPG; legion-media; архив пресс-службы; Florian Monheim/Bildarchiv-Monheim/arcaidimages.com; Herbert Monheim/Bildarchiv-Monheim/arcaidimages.com; getty images/Fotobank; Corbis/all over pressИталияРейтинг ADАрхитектура11 Июня 2014, Обновлено 31 Января 2019

Источник: https://www.admagazine.ru/architecture/7-samyh-vdohnovlyayuschih-pamyatnikov-italyanskogo-vozrozhdeniya

Художники эпохи возрождения и их картины

Эпоха возрождения зародилась в Италии. Свое название она приобрела благодаря резкому интеллектуальному и художественному расцвету, который начался в 14 веке и очень сильно повлиял на европейское общество и культуру. Ренессанс выражался не только в картинах, но и в архитектуре, скульптуре и литературе. Самые выдающиеся представители эпохи возрождения – это Леонардо да Винчи, Боттичелли, Тициан, Микеланджело и Рафаэль.

В эти времена главной целью живописцев было реалистичное изображение человеческого тела, поэтому в основном они рисовали людей, изображали разные религиозные сюжеты. Так же был изобретен принцип перспективы, что открыло перед художниками новые возможности.

Центром Ренессанса стала Флоренция, второе же место заняла Венеция, а позже, ближе к 16 веку – Рим.

Леонардо да Винчи

Леонардо известен нам, как талантливый живописец, скульптор, учёный, инженер и архитектор эпохи Возрождения. Большую часть своей жизни Леонардо проработал во Флоренции, где создал немало шедевров, известных во всем мире. Среди них: «Мона Лиза» (иначе – «Джоконда»), «Дама с горностаем», «Мадонна Бенуа», «Иоанн Креститель» и «Св. Анна с Марией и младенцем Христом».

Боттичелли

Этот художник узнаваем благодаря уникальному стилю, который вырабатывал годами. Он так же разрисовывал стены Сикстинской капеллы по личной просьбе папы Сикста IV. Известные картины Боттичелли писал на мифологическую тематику. К таким картинам относится «Весна», «Паллада и Кентавр», «Рождение Венеры».

Тициан

Тициан был главой флорентийской школы художников. После смерти своего учителя Беллини, Тициан стал официальным, общепризнанным художником Венецианской республики. Этот живописец известен своими портретами на религиозные темы: «Вознесение Марии», «Даная», «Любовь земная и Любовь небесная».

Микеланджело

Итальянский поэт, скульптор, архитектор и художник изобразил немало шедевров, из которых – знаменитая статуя «Давида» из мрамора. Эта статуя стала главной достопримечательностью во Флоренции. Микеланджело расписал свод Сикстинской капеллы в Ватикане, что являлось крупным заказом папы Юлия II. В период своего творчества он больше внимания уделял архитектуре, но подарил нам «Распятие Св. Петра», «Положение во гроб», «Сотворение Адама», «Предсказательницу».

Рафаэль

Его творчество формировалось под большим влиянием Леонардо да Винчи и Микеланджело, благодаря которым он обрел бесценный опыт и мастерство. Расписывал парадные залы в Ватикане, представляя человеческую деятельность и изображая разнообразные сцены из Библии. Среди известных картин Рафаэля – «Сикстинская Мадонна», «Три Грации», «Святой Михаил и дьявол».

Иван Сергеевич Церегородцев

]]>

10 самых известных картин эпохи Возрождения

Период с 14 по 17 век в Европе обычно называют Ренессансом, и он ознаменовал возрождение или возрождение классической учености и мудрости. Волна возрождения затронула многие области европейской цивилизации, особенно области искусства, религии, литературы и политики. Возрождение ознаменовало возросшее понимание природы, возрождение обучения, которое присутствовало в средневековый период, но стало заметным в 15 и 16 веках.Искусство эпохи Возрождения — это представление индивидуального взгляда на человека. В период Возрождения были замечены славные работы многих легендарных художников, которые почитаются до сих пор.

Вот некоторые из самых важных и известных картин эпохи Возрождения.

1. Мона Лиза:
   
   
   Картина «Мона Лиза» Леонардо да Винчи — одна из самых известных и признанных картин в истории. Бесспорно, это самая обсуждаемая картина из-за загадочной улыбки.Было много дискуссий об улыбке Моны Лизы, независимо от того, улыбается она или нет. Главная особенность этой картины в том, что да Винчи нарисовал ее глаза таким образом, что даже когда вы меняете угол обзора, кажется, что глаза Моны Лизы всегда следят за вами. Картина написана маслом на дереве и в настоящее время находится в собственности правительства Франции. Мона Лиза выставлена ​​в Лувре, Париж, и принадлежит публике, а это означает, что ее нельзя купить или продать.
2. Primavera :

   В переводе с итальянского это слово означает весна.Примавера — это картина Сандро Боттичелли, чье настоящее имя было Алессандро ди Мариано Филипепи. Картина также известна как «Аллегория весны». Считается, что Боттичелли создал это произведение искусства около 1482 года и считается одним из ярких образцов искусства эпохи Возрождения. Многие пытались интерпретировать картину, и многие придумали объяснения. Одни говорят, что это мифическая аллегория, другие — о смене сезона на весну. Эта картина популярна из-за использования цвета и различных объяснений.Примавера считается самой противоречивой картиной в мире.

3. «Сотворение Адама». Автор Микеланджело Буонарроти:

   Созданный в 1512 году, это одна из знаковых картин Микеланджело. Творением Адама является роспись на потолке Сикстинской капеллы. Несмотря на то, что это одна из самых тиражируемых картин всех времен, по популярности она уступает только Моне Лизе. Картина стала символом человечества, так как изображение изображает руки Бога и Адама на грани соприкосновения.

4. Тайная вечеря:

   
   «Тайная вечеря» считается лучшим произведением Леонардо да Винчи в 1498 году. Это важная картина эпохи Возрождения. Изображение показывает Иисуса с учениками на его последней вечере. Картина отличается умным использованием цвета, света и анатомии. Картина также является предметом множества дискуссий и домыслов. Многие предположили, что учеником, сидящим справа от Иисуса, является Мария Магдалина, и многие также задались вопросом о значении или значении V-образной формы между Иисусом и человеком справа.Несмотря на все домыслы, Тайная вечеря — один из шедевров Леонардо да Винчи.

5. Афинская школа Рафаэля:
   
   

   Написанная в 1511 году, она стоит среди четырех основных фресок на стенах Апостольского дворца в Ватикане. Четыре фрески символизируют философию, поэзию, богословие и право. Картина символизирует философию, потому что, как говорят, картина представляет собой лучший период греческой философии, поскольку в центре картины можно найти Аристотеля и Платона.Эта картина прекрасно передала классический дух эпохи Возрождения.

6. Поцелуй Иуды:

   Написанная в 1306 году Джотто ди Бондоне, эта картина изображает момент предательства Иисуса Иудой Искариотом, который отождествляет Иисуса с римскими солдатами, целуя его. Часовня Скровеньи является домом для цикла фресок Джотто ди Бондоне, а «Поцелуй Иуды» — самая известная картина в этом цикле. Многие критики считают Джотто гением, и ни один художник не смог превзойти его работы.Его мастерство очевидно в том, как он запечатлел выражение лица Иисуса и Иуды в этой сцене предательства.

7. Страшный суд:

   Картина Микеланджело Буонарроти, выполненная в 1541 году, находится на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане. Картина рассказывает о втором пришествии Иисуса, о дне, когда Бог будет судить все человечество. Микеланджело изобразил Иисуса в центре в окружении святых. Верхняя часть картины показывает воскресение мертвых на небеса, а нижняя часть показывает сошествие грешников в ад.Использование цветов и превосходная манера письма делают эту картину самой почитаемой в мире.

8. Сикстинская Мадонна:

   Рафаэлло Санцио, широко известный как Рафаэль, написал Сикстинскую Мадонну в 1512 году. На картине изображена Мать Мария, держащая в руках младенца Иисуса, а также святые Варвара и святой Сикст по бокам и два херувима под ней. Это одно из самых известных произведений Рафаэля и важное полотно эпохи Возрождения.

9. Успение Богородицы:
   
   

   Главный алтарь в базилике Санта-Мария-Глориоза-деи-Фрари, где находится эта картина Тициано Вечеллио, также известного как Тициан.Эта картина была написана Тицианом в ранние годы, и он использовал яркие цвета в этой картине. «Успение Богородицы» — картина о восхождении Богородицы на небо. Тициан изобразил Мать Марию в красном платье, которая вознесена на небеса туда, где Бог смотрит на Марию, в то время как апостолы прощаются с ней с земли.

10. Рождение Венеры. Автор Сандро Боттичелли:

    
    

    
    Созданная в 1485 году картина изображает богиню Венеру, прибывающую на остров Кипр.Она изображена чистой и зрелой женщиной, стоящей на ракушке. Боттичелли уделял большое внимание каждой детали Венеры. Эта картина была написана в период, когда на картинах изображалась нагота, что делает ее важной картиной эпохи Возрождения.

В этом списке представлены 10 самых важных картин эпохи Возрождения, на которых возвышались многие художники. Возрождение, без сомнения, было культурным и художественным возрождением в истории, и эти картины стали синонимами периода Возрождения.
(Источник изображения: Википедия)

Вот как превратить свое лицо в картину

Я чувствую себя произведением искусства x

Возможно, вы недавно слышали шепот о приложении Twittesphere, которое может превратить ваше лицо в картину эпохи Возрождения. Возможно, вы даже видели, как люди делятся этим со своей историей, и были действительно сбиты с толку относительно того, как они справляются с этим.

Он берет ваше лицо и объединяет его с фильтром, который превращает вашу фотографию в картину эпохи Возрождения, и результат получается… интересным.Некоторые выглядят довольно энергично, а некоторые выглядят так, будто вы однажды не отказались от метамфетамина. Доступно десять фильтров, вроде камеры VSCO, и вы можете загружать столько изображений из камеры, сколько захотите. Это совершенно бесплатно, и я расскажу вам, как это сделать.

Что это?

На самом деле это не приложение, это веб-сайт. Сайт называется ai-art.tokyo/en, и это художник по искусственному интеллекту по имени «AI Gahaku», который создает для вас картины эпохи Возрождения на основе ваших фотографий.Он объединяет вашу фотографию с фотографией эпохи Возрождения, почти как фейслифтинг, но также и с фильтром.

Как мне это сделать?

Зайдите на сайт, загрузите фото и ждите. Затем вам будет предложено выбрать из множества фильтров. Некоторые делают вас похожими на изможденного старика, а другие на самом деле симпатичны. Возможно, вам придется попробовать несколько селфи и целую кучу различных фильтров, чтобы получить тот, который достоин IG, но в конце концов вы добьетесь своего.

Некоторые хорошие, некоторые… не очень

Почему все об этом говорят?

Это также недавно стало причиной драмы, потому что небелые люди утверждали, что сравнение фотографий в основном заставляет их выглядеть белыми, потому что ни один из фильтров не является цветным.Создатели признали это, с разделом перед преобразованием фотографии, в котором говорится: «В настоящее время мы подтверждаем, что работа художника AI была предвзятой. Мы надеемся использовать широкий спектр обучающих данных и увеличить разнообразие результатов в будущем ».

Связанные истории, рекомендованные этим писателем:

• Вот как получить фильтр 90-х для ваших фотографий в Instagram

• Вот как можно посмотреть чью-то историю в Instagram, а они не увидят, что вы видели ее

• Вот как вы можете узнать, сколько людей посещают ваш профиль в Instagram

29 фотографий, случайно похожих на картины эпохи Возрождения

Знаете фразу «Жизнь подражает искусству»? Что ж, это целая галерея картинок, которые доказывают, что эта фраза на самом деле, полностью соответствует действительности.Фотографии ниже случайно выглядят как картины эпохи Возрождения. Они были созданы не специально. Просто так и случилось. Но результаты потрясающие.

Это фотографии, которые, если бы вы видели их висящими в музее, вы бы не взглянули на них еще раз. Вы бы просто согласились с тем, что это были великолепные произведения искусства, и пошли бы дальше. Вам нужно действительно присмотреться, чтобы увидеть, что на самом деле происходит.

Вы узнаете картину эпохи Возрождения, когда видите ее.

Они драматичны и часто полны людей в действии. Они также могут быть смутными и эмоциональными. Наслаждайтесь шедеврами ниже.

Исполнитель

через: Reddit

Здесь есть все элементы живописи эпохи Возрождения, за исключением того, что если вы присмотритесь, то увидите, что это сотовые телефоны, которые люди держат в руках.

Букет

через: Reddit

На этой фотографии так много всего происходящего, так много удивительных лиц, на которые можно уцепиться.Я даже толком не вижу, куда делся букет, но это не имеет значения.

День Диснея

через: Reddit

Это невероятно. Эти драматические молнии на замке плюс призрачное качество людей в этих парках создают действительно жуткий образ.

Вниз по счету

через: Reddit

Было бы достаточно драматично, если бы спортсмен лежал на земле, но парни, убегающие на заднем плане, полностью справились.

Музыкальный фестиваль

через: Reddit

Музыкальные фестивали действительно похожи на сцены войны, и этот не исключение. Просто невероятное количество тел втиснуто в одно маленькое пространство.

Комедианты

через: Reddit

Композиция на этой фотографии стендап-комиков, болтающихся у открытого микрофона, просто невероятна.Но что действительно делает его для меня, так это знак «Я люблю пельмени».

Мама у огня

через: Reddit

Какой мирный, угрюмый образ. Это похоже на картину. Это почти напоминает «Мать Уистлера», которая не является картиной эпохи Возрождения, но является известным произведением искусства.

Собака в лесу

через: Reddit

Это невероятно.Такой неземной! Похоже, это может быть кадр из экранизации романа Джейн Остин.

В селе

через: Reddit

Это действительно драматические тени и вытянутое положение женщины, благодаря которым эта фотография так похожа на картину.

Азартная игра

через: Reddit

Бьюсь об заклад, в Вегасе каждую ночь за столиками случается так много подобных моментов, которые, если бы их сфотографировать, выглядели бы точно так же, как картины эпохи Возрождения.

Спящий

через: Reddit

Конечно, это надувной матрас. Конечно, это белый чувак 21-го века. Но на первый взгляд, вы так не думаете!

Спасение

через: Reddit

Это могло быть фото из списка, на которое мне пришлось смотреть очень долго, чтобы убедиться, что это не картина.Это потрясающе.

Музыкант

через: Reddit

Это Курт Кобейн, но это вполне мог быть портрет Рембрандта (который не совсем был эпохой Возрождения, но вы его понимаете).

Две женщины

через: Reddit

Вы не поверите, но это недавняя фотография, сделанная из Instagram-аккаунта друга этого автора.Это полностью инсценировано, как картина!

Музыка у стола

через: Reddit

Как устоять перед музыкальным стилем ресторанного ансамбля? Разве вы не можете слышать эту фотографию?

Метро

через: Reddit

Хорошо, но если бы поезда существовали во времена Возрождения, художники именно так их нарисовали бы.

Фехтовальщики

через: Reddit

Эмоции на этой картине настолько грубые и удивительные, что она полностью похожа на картину. Здесь есть пара спортивных сцен … Все они полностью соответствуют требованиям.

Тост

через: Reddit

Это похоже на действительно непринужденный радостный момент, и мне очень нравится это фото! Так на что посмотреть! Так много всего, чтобы увидеть!

Довольно Лошадь

через: Reddit

Я действительно не знаю, что происходит на этой фотографии, но мне кажется, что я уже видел эту картину раньше.Серьезно.

Урок в бассейне

через: Reddit

Тускло освещенные полосы похожи на типичную обстановку для сцен, похожих на рисование. Это красиво, и это просто дайв-бар!

Хоум бежать

через: Reddit

Столько эмоций! Так много людей! Я же говорил, спортивные сцены самые лучшие.

Лестница

через: Reddit

Да, драматическая поза на лестнице — это что-то, но сама лестница! С колоннами! И голуби впереди.Ну давай же.

Рыбак

через: Reddit

Эта фотография рыбаков наверняка похожа на живопись, но в ней есть еще кое-что необычное. Сидящая за столом женщина в бордовом свитере на самом деле юная Ангела Меркель!

Драгоценный котенок

через: Reddit

Кто сказал, что люди должны быть единственным предметом случайных картин эпохи Возрождения? Этот котенок — настоящая супермодель.

Студенты

через: Reddit

Цвета, углы, тени, выражения лиц … Все это составляет идеальную картину.

Невеста

через: Reddit

Сначала я полностью подумал, что это на самом деле картина, но я думаю, что это просто мягкие текстуры, созданные освещением и пушистым жилетом невесты.

Дрэг-шоу

через: Imgur

Это то, что я называю искусством Возрождения. Посмотрите на выражения всех их лиц. На самом деле, это очень по-шекспировски.

Летучая мышь

через: Reddit

Что за сцена. По-видимому, именно так выглядит часть толпы на бейсбольном матче, когда к ней летит летучая мышь.

Распятие

через: Imgur

Очевидно, распятие Иисуса — популярная тема в искусстве. Это в значительной степени воплощает это. Поделитесь этим с историком искусства в вашей жизни!

Приложение, превращающее ваши фотографии в картины эпохи Возрождения, стало настолько популярным, что разбилось

Если вы когда-нибудь хотели увидеть, как вы могли выглядеть глазами Рембрандта или Рафаэля, вот ваш шанс.

Через неделю после всплеска интереса к российскому фото-приложению FaceApp, когда наши новостные ленты пополнились более старыми версиями наших друзей, новое приложение для преобразования лица привлекает внимание.

Приложение под названием AI Portraits использует искусственный интеллект, чтобы изменить фотографию любого человека так, чтобы она напоминала старую картину, с особым акцентом на портретную живопись 15-го века.

Возможно, он не сломал Интернет, но он перерастает свой домен: в среду веб-сайт не работал в течение нескольких часов.

«Из-за огромной популярности сайта мы в настоящее время закрыты на техническое обслуживание», — говорится в сообщении на сайте.

Если вы когда-нибудь хотели увидеть актера Джейсона Момоа глазами классического художника, AI Portrait может сделать это за вас. Предоставлено: Getty Images / AI Portrait AR

Превратите свое лицо в искусство

AI Portraits использует данные из десятков тысяч картин, от эпохи Возрождения до современной эпохи.

Разработанный исследователями из лаборатории искусственного интеллекта Watson MIT-IBM, AI Portraits использует противоборствующие нейронные сети для создания генератора, который «смотрит на примеры и пытается имитировать их», согласно MIT Technology Review.

В данном случае сравниваются фотографии с 45 000 картин в программе старых мастеров, таких как Тициан и Рембрандт.

Технология также создает «дискриминатор», который определяет, является ли данный пример поддельным.

Алгоритм этого типа может использоваться для различных целей, например для обнаружения дипфейков, фальшивых видеороликов, которые выглядят как настоящие записи реальных людей.

У программы действительно есть основное слепое пятно, говорится в MIT Technology Review: поскольку улыбка была редкостью на портретах эпохи Возрождения, ИИ с трудом демонстрирует ваше ликование, если вы вставляете улыбающееся селфи.

Шедевр Караваджо продан таинственному покупателю перед аукционом

Проблемы конфиденциальности

AI Portraits работает иначе, чем FaceApp, который вызывал скепсис в отношении его политики конфиденциальности и того, что он был разработан в России. Политика конфиденциальности

AI гласит: «Ваше изображение будет отправлено на сервер IBM в США, обработано IBM с единственной целью создания портрета в стиле эпохи Возрождения на основе информации о пикселях из загруженного изображения, а затем будет немедленно удалено.»

Все технологические компании серьезно озабочены тем, как они обрабатывают пользовательские данные, и в момент его известности внимание орла обратилось к FaceApp.

У него было соглашение о конфиденциальности, которое, казалось, позволяло ему делать практически все, что угодно. с фотографиями, загруженными пользователями.

Но в заявлении для TechCrunch компания заявила, что «большинство изображений удаляются с наших серверов в течение 48 часов с даты загрузки». FaceApp также отметила, что 99% его пользователей не вошли в систему в приложение, чтобы их фотографии не могли быть связаны с их личными данными и чтобы их данные не передавались в Россию.

FaceApp и AI Portraits — не единственные приложения для преобразования фотографий, привлекающие внимание.

В прошлом году Google выпустил функцию в своем приложении Arts & Culture, которая использовала алгоритм сопоставления для анализа лиц людей и поиска двойников из истории искусства.

RENAISSANCE PICTURES LLP — Компания, директора и контактные данные

AAR-7496	ТОО «GHRIAN HOSPITALITY»	Участок № 57, H no D 4 Дорога № 78 Макет Бхарани, Юбилейные холмы Хайдарабад Хайдарабад TG 500033 IN
U55100TG2018PTC127438	LITEFARE FOODS & BEVERAGES PRIVATE LIMITED	УЧАСТОК № 45, КВАРТИРА № 101, ДОРОГА № 78 ADITYA SUDEEPTH PRISTINE BHARANI LAYOUT BANJARAHILLS, HYDERABAD Хайдарабад TG 500033 IN
U45209TG2008PTC059279	MEGHANA AVENUES PRIVATE LIMITED	КВАРТИРА № 201, УЧАСТОК №63, SRI ADITYA HOMES, ПЛАН БХАРАНИ, ДОРОГА № 72 JUBILEE HILLS, SHAIKPET HYDERABAD Хайдарабад TG 500033 IN
U70102TG2016PTC104006	JN VISWAS BUILD TECH PRIVATE LIMITED	Квартира № 201, Замок с видом на парк, Дорога № 78 Участок № 284, Падмалая Студия-роуд, Джубили-Хиллз ХАЙДАРАБАД TG 500033 IN
AAU-9611	MASS MOVIE MAKERS LLP	Квартира No.4 на участке 2-го этажа №12, планировка Ашвини, дорога №70, Д.К. Нагар, Джубили-Хиллз, Хайдарабад Хайдарабад TG 500033 IN
U15122TG2014PTC092463	НАПИТКИ SLUGLINE PRIVATE LIMITED	УЧАСТОК № 5657, КВАРТИРА № 102, КВАРТИРЫ ВАЛЛИВЬЮ, ПЛАН БХАРАНИ, ДОРОГА № 78, ФИЛЬМНАГАР ДЖУБИЛИХИЛЛС Хайдарабад TG 500033 IN
U45400TG2008PTC061451	TEXINDIA REALTORS PRIVATE LIMITED	Участок № 49, Планировка Бхарани, Дорога № 78, Джубили-Хиллз Хайдарабад Хайдарабад TG 500033 IN
U74999TG2018PTC126763	TEXINDIA HEALTHCARE PRIVATE LIMITED	Участок № 49, Планировка Бхарани, Дорога № 78 Ньяя Вихар, Джубили Хиллз ХАЙДАРАБАД Хайдарабад TG 500033 IN
U17291TG2011PLC074596	KAVERI SPINNING MILLS LIMITED	8-2-293 / 82 / bh / 21, д.21, Bharani Layout Road № 78, Jubilee Hills Хайдарабад Хайдарабад TG 500033 IN

фотографий, похожих на случайные картины эпохи Возрождения

Произведения искусства эпохи Возрождения мгновенно узнаваемы по таким характеристикам, как драматическая композиция и поразительный контраст между светом и тьмой. Иногда эти элементы неожиданно появляются на современных изображениях. Пользователи Reddit создали субреддит под названием Accidental Renaissance, чтобы делиться этими яркими фотографиями. Вот некоторые из лучших примеров случайных картин эпохи Возрождения.

Закутанный в покой человек

Через Reddit

Согласно Redditor, который поделился этой фотографией: «Друг сделал это фото, на котором я дремлю на днях, и мне сказали, что я должен опубликовать его здесь».

Селфи

Через Reddit

Если бы не женщина, держащая сотовый телефон, можно было бы с абсолютной уверенностью сказать, что это изображение действительно пришло из эпохи Возрождения.

«Страсть ломтика»

Через Reddit

Композиция и освещение (не говоря уже об экстазе на их лицах!) Делают его идеальным примером мема.

«Тринадцатая попытка прорвать блокаду Газы морем»

Через Reddit

Поза, запечатленная на этом фоторепортажном снимке, напоминает классические картины героев войны эпохи Возрождения.

«Святой папа, наш отец новорожденного»

Через Reddit

Родители повсюду узнают истощение, изображенное на этом изображении.

«Предательство»

Через Reddit

Мучение на лице хаски вечно.

«Посредничество конфет»

Via Imgur

Торговля конфетами на Хэллоуин — довольно современное занятие, но эта сцена выглядит положительно исторической.

«Подписание своей свадебной лицензии в баре»

Через Reddit

Все четверо людей на этой фотографии находятся в таких драматических позах, что сцена выглядит почти поставленной.

«Ужин на дому»

Через Reddit

Когда обычная домашняя еда становится произведением искусства.

«Балет»

Через Reddit

Синхронизированные движения этих футболистов — воплощение грации.

«Измученный парень в джунглях»

Через Reddit

Микеланджело вытаскивал свои кисти, чтобы запечатлеть эту сцену.

«Битва за Walmart»

Через Reddit

Это изображение Черной пятницы легко могло бы стать сценой массового сражения.

«Война дыни»

Через Reddit

Эти позы делают дыню самым ценным сокровищем в мире.

«Друзья помогают новобрачной паре после того, как кольцо упало в пруд»

Через Reddit

Этот неожиданный снимок для помолвки может оказаться самым уникальным фото в их свадебном альбоме.

«Викторианская мафия»

Через Reddit

Эта фотография настолько похожа на картину, что мы не виним вас в том, что вы сделали двойной дубль.

«Мы скоро будем дома»

Через Reddit

Классические кошечки никогда не выходят из моды.

«Современная Мона Лиза»

Через Reddit

Мона Лиза жива и здорова, все.

«Мы с сыном попали в шторм»

Через Reddit

Эта сцена с матерью и ребенком — это самое лучшее в эпоху Возрождения.

«Рассказчик»

Через Reddit

Художники эпохи Возрождения убили бы за такую ​​композицию.

«Хоумран мяч»

Через Reddit

Агония и экстаз игры в мяч.

«Падение башни»

Через Reddit

Дженга наконец-то заняла свое место на стенах художественного музея.

«Подводная борьба»

Через Reddit

Слава игры в водное поло.

«Растерзание картины»

Через Reddit

В этой захватывающей сцене посетители арт-аукциона становятся свидетелями того, как картину Бэнкси разрывают в клочья — сразу после того, как она была продана с аукциона за миллионы долларов.Их выражения вневременны.

Энди Уорхол Подробная информация о серии картин эпохи Возрождения, 1984

В 1984 году Энди Уорхол отошел от своих обычных портретов знаменитостей и инициировал серию «Детали картин эпохи Возрождения» . Для этой серии Уорхол обрезал изображения старых картин Мастера и придал этим портретам яркие цвета и китчевый стиль, которым он известен. Он лишает каждую работу ее первоначального замысла и вместо этого сосредотачивается на их ценности как символов популярной культуры.Кроме того, процесс шелкографии намеренно использует кропотливый процесс росписи оригинальных шедевров. Результатом является резкое заявление о массовом потреблении художественных шедевров.

Пьеро Делла Франческа, Мадонна Дука да Монтефельтро, ок. 1472

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Пьеро Делла Франческа, Мадонна дель Дука да Монтефельтро, ок. 1472), 1984 Шелкотрафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодный отжим), (F & S.II.316A)

Исходным изображением для этого оттиска является картина маслом, которая также носит название « Мадонна Брера ».Оригинальная картина находится в Пинакотеке Бера в Милане и была заказана Фредерико III да Монтефельтро, герцогом Урбино, в честь рождения его сына. На оригинальной картине изображена Дева Мария на троне с молодым Христом на коленях. Их окружают ангелы и святые. В правом углу герцог становится рядом с ней на колени. Над сценой апсида церкви представляет собой полукупол с висящим страусиным яйцом. Яйцо может быть символом вечной красоты, девственного зачатия и Творения.Купол — это центральный вид, на котором Уорхол сосредотачивается в своем скринпринте.

Сандро Боттичелли, Рождение Венеры, 1482

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры», 1482), 1984 Шелкотрафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F & S.II.316)

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Сандро Боттичелли, Рождение Венеры, 1482 г.), 1984 Шелкотрафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F&S.II.317)

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры», 1482), 1984 Шелкотрафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F & S.II.318)

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры», 1482), 1984, трафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F & S.II.319)

Оригинальное изображение этого скриншота взято из картины Сандро Ботичелли «Рождение Венеры» в 1482 году. В настоящее время картина хранится в галерее Уффици во Флоренции и когда-то принадлежала семье Медичи, которая была богатой меценатом во время итальянского Возрождения.На изображении обнаженная Венера выходит из раковины в море. Этот культовый образ был создан, чтобы символизировать красоту, девственность и чистоту. Даже сегодня репродукции этого изображения широко используются в произведениях искусства и повседневных предметах. Отпечаток Уорхола обрезает картину и вместо этого сосредотачивается на ее красивом лице и распущенных волосах.

Леонардо да Винчи, Благовещение, 1472

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Леонардо да Винчи, Благовещение, 1472 г.), 1984, Шелкотрафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F&S.II.320)

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Леонардо да Винчи, Благовещение, 1472 г.), 1984, трафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F & S.II.321)

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Леонардо да Винчи, Благовещение, 1472), 1984, трафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F & S.II.322)

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Леонардо да Винчи, Благовещение, 1472 г.), 1984, Шелкотрафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F&S.II.323)

Сюжет этой картины — библейская сцена, в которой ангел Гавриил объявляет Деве Марии, что она чудесным образом зачала и родила сына Божьего, Иисуса. Источник создания этой картины неясен, однако эта сцена была очень популярна в произведениях искусства и много раз изображалась во флорентийском искусстве. Адаптация Уорхола совершенно уникальна. На его снимке экрана мы видим только руки ангела и Богородицы. Их руки, жестикулятивные и символические, действительно представляют значение сцены.Обрезая изображение таким образом, Уорхол переносит зрителей в самый кульминационный момент на нем.

Пауло Уччелло, Святой Георгий и дракон, 1460

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Паоло Уччелло, Святой Георгий и дракон, 1460 г.), 1984, Шелкотрафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F & S.II.324)

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Паоло Уччелло, Святой Георгий и дракон, 1460 г.), 1984, Шелкотрафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F&S.II.325)

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Паоло Уччелло, Святой Георгий и дракон, 1460 г.), 1984, Шелкотрафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F & S.II.326)

Энди Уорхол, Детали картин эпохи Возрождения (Паоло Уччелло, Святой Георгий и дракон, 1460 г.), 1984, Шелкотрафарет на бумаге Arches Aquarelle (холодное прессование), (F & S.II.327)

На оригинальной картине изображена сцена из известной истории о святом Георгии и драконе.Справа Святой Георгий драматически пронзает дракона. Слева принцесса держит поводок на шее дракона. Позади Святого Георгия надвигающаяся буря символизирует присутствие божественного вмешательства. Уорхол обрезает изображение, чтобы показать только бледную принцессу и крыло пятнистого дракона. Это кадрированное изображение фокусируется не на жестокости, а на спокойных и контролируемых моментах сцены.

.