Ранний ренессанс — Архитектурные стили — Дизайн и архитектура растут здесь

Брунеллески

Раннее Возрождение в Италии — период, начиная приблизительно с 1400 г. и до конца XV в. Первая значительная фигура — Филиппо Брунеллески (1377-1446), флорентийский ювелир, впоследствии ставший скульптором, геометром и архитектором. Он являет собой образец «человека эпохи Возрождения». Приняв участие в конкурсе проектов купола Флорентийского собора, Брунеллески предложил построить огромный купол без контрфорсов и без деревянных кружал (в последнем случае потребовалось бы возвести дорогостоящие строительные леса, которые сами по себе являются громадным инженерным сооружением). В 1420 г. Брунеллески приступил к строительству грандиозного купола, который до сих пор возвышается над Флоренцией.

Купол Брунеллески отличается от римских куполов своей стрельчатой формой, которая прекрасно сочетается с готическим собором. Сооружение купола без наружных контрфорсов потребовало принципиально новых технологических решений. Каменные нервюры расположены в углах восьмиугольника, плюс по две дополнительные нервюры в каждой грани купола. Все пространство собора было задействовано в процессе строительства. Не видны огромные связи из камня, железа и дерева, которые соединяют купол с «кольцами растяжения» и гасят распор, вполне достаточный для того, чтобы разрушить всю конструкцию. В вершине купола находится круглое окно. Фонарь купола, фактически маленькое здание на крыше, был сооружен уже после смерти Брунеллески, но выдержан в его стиле и является единственной частью купола, которая выдержана в строго классическом стиле.

Хотя громадный купол — самое эффектное сооружение Брунеллески, другие проекты отражают его концепцию интерьера более полно. Во флорентийских церквях Сан-Лоренцо (начата ок. 1420) и Санто-Спирито (начата в 1435) Брунеллески предпринял попытку превратить базилику с трансептом, хором и боковыми нефами в нечто новое. План каждой церкви разбит на квадраты, один такой квадрат является модулем для всего сооружения в целом. Центральный неф отделен от боковых нефов римскими арками, которые поддерживают коринфские колонны. Боковые нефы перекрыты сводами. В римских постройках арка опирается не непосредственно на колонну, а на антаблемент. У Брунеллески мы видим то же: колонны всегда заканчиваются фрагментом антаблемента, квадратной плитой, которую иногда называют импостом.

Самой первой работой Брунеллески в церкви Сан-Лоренцо стала маленькая Сакристия (известная как Старая сакристия, есть еще Новая сакристия работы Микеланджело, обычно называемая Капелла Медичи). Это квадратная в плане комната, увенчанная куполом на парусах. Она соединяется с помещением меньшего размера, где находится алтарь (т.н. скарселла).

Маленькая капелла Пацци во внутреннем дворе церкви Санта-Кроче во Флоренции (1429-1461) обычно считается творением Брунеллески, хотя точно не установлено, каким был его вклад в строительство капеллы, которое завершилось после смерти зодчего, но она во многом напоминает Сакристию в церкви Сан-Лоренцо. Ее часто считают первым сооружением Раннего Возрождения, для которого характерны симметрия и классические элементы наряду с утонченностью и новаторскими решениями. Квадратное пространство перекрыто куполом на парусах, по направлению север-юг от подкупольного квадрата отходят рукава креста с цилиндрическими сводами, превращающие квадратный план в прямоугольный. Квадратная скарселла со своим куполом уравновешивает план. Капелла строилась как монастырский зал капитула, внутри до сих пор сохранились скамьи, опоясывающие помещение по периметру, предназначенные для принимающих участие в собраниях монахов. Стены украшены пилястрами из серо-зеленого мрамора, в верхней части стен расположены круглые ниши с рельефами Луки делла Роббиа (1400-1482). Помещение кажется небольшим, тогда как на самом деле оно имеет внушительные размеры. Это может быть обусловлено не совсем правильным использованием классических элементов.

Микелоццо

Дворец Медичи-Риккарди во Флоренции (начат в 1444), построенный по проекту Микелоццо ди Бартоломмео (1396-1472), с рустованными стенами и маленькими окошками, напоминает средневековый замок, но симметричный план и ордерные эелементы указывают на стиль Раннего Возрождения. Центральный вход ведет в небольшой квадратный дворик с выходом в сад. Двенадцать колонн коринфског ордера поддерживают арки, образуя открытую галерею. Арки опираются непосредственно на капители колонн, некрасиво соединяясь в углах, что говорит о не достаточном знании архитектором законов классической архитектуры. Интерьеры отличаются простотой и отсутствием декора, за исключением великолепных кессонированных потолков, наличников дверей и каминных досок в классическом стиле. Возможно, в главных комнатах висели гобелены, одновременно служившие украшением. В капелле сохранились фрески Беноццо Гоццоли (1420-1497), на которых изображено «Поклонение волхвов» — вереница пышно одетых людей движется по холмистой местности. Фреска напоминает гобелен. При последующей перестройке (1680) симметрия была сохранена, хотя первоначальная симметрия сейчас осталась только в левой части. Внутренний двор палаццо служит примером архитектуры Раннего Возрождения: полуциркульные арки опираются на тонкие колонны коринфского ордера, план строго симметричен.

Альберти

Леон Баттиста Альберти (1404-1472) был ученым, музыкантом, художником, теоретиком искусства и писателем. Его книга «De Re Aedificatoria» («О строительстве»), опубликованная в 1485 г., стала первым значительным произведением, посвященным архитектуре, со времен Витрувия. Книга оказала большое влияние на итальянскую архитектуру. В тексте изложены правила классических ордеров. Как и в музыке, отношения простых чисел 2:3, 3:4 и 3:5 (частота колебаний, соответствующая музыкальным аккордам) могут быть с успехом применены в архитектуре.

Церковь Сант Андреа в Мантуе (начата в 1471) — самое важное произведение Альберти, оказавшее большое влияние на архитектуру XVI столетия. План церкви крестообразный, над средокрестием возвышается купол, центральный неф, трансепт и алтарная часть перекрыты цилиндрическими сводами с кессонами. Боковые нефы отсутствуют; вместо них устроены большие и маленькие капеллы. Отдельно стоящие колонны заменены мощными пилонами с пилястрами. Пышная отделка интерьера появилась уже после смерти Альберти, в целом простая и величественная архитектура свидетельствует о том влиянии, которое на зодчего оказала римская архитектура, в частности императорские термы.

Сообщение о представителе эпохи раннего возрождения. Возрождение (Ренессанс), эпоха Возрождения

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV-XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность — человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан — титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. .

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

. 1503-1519 гг. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. . 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509-1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен. .

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников XIX века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения — это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

Вконтакте

Содержание статьи

ЭПОХА ВОЗРОЖДЕНИЯ, период в истории культуры Западной и Центральной Европы 14–16 вв., основным содержанием которого было становление новой, «земной», светской по своей сути картины мира, кардинально отличной от средневековой. Новая картина мира нашла выражение в гуманизме, ведущем идейном течении эпохи, и натурфилософии, проявилась в искусстве и науке, претерпевших революционные изменения.

Строительным материалом для оригинального здания новой культуры послужила античность, к которой обратились через голову Средневековья и которая как бы «возрождалось» к новой жизни, – отсюда название эпохи – «Возрождение», или «Ренессанс» (на французский манер), данное ей впоследствии. Родившись в Италии, новая культура в конце 15 в. переходит через Альпы, где в результате синтеза итальянской и местных национальных традиций рождается культура Северного Возрождения. В эпоху Возрождения новая ренессансная культура сосуществовала с культурой позднего Средневековья, что особенно характерно для стран, лежавших севернее Италии.

Искусство.

При теоцентризме и аскетизме средневековой картины мира искусство в средние века служило прежде всего религии, передавая мир и человека в их отношении к Богу, в условных формах, было сосредоточено в пространстве храма. Ни видимый мир, ни человек не могли быть самоценными предметами искусства. В 13 в. в средневековой культуре наблюдаются новые тенденции (жизнерадостное учение Св. Франциска, творчество Данте, предтечи гуманизма). На вторую половину 13 в. приходится начало переходной эпохи в развитии итальянского искусства – Проторенессанса (длилась до начала 15 в.), подготовившей Ренессанс. Творчество некоторых художников этого времени (Дж. Фабриано, Чимабуэ, С.Мартини и др.), вполне средневековых по иконографии, проникается более жизнерадостным и светским началом, фигуры приобретают относительный объем. В скульптуре преодолевается готическая бесплотность фигур, снижается готическая эмоциональность (Н.Пизано). Впервые отчетливо разрыв со средневековыми традициями проявился в конце 13 – первой трети 14 в. во фресках Джотто ди Бондоне , который ввел в живопись чувство трехмерного пространства, писал фигуры более объемными, больше внимание уделял обстановке и, главное, проявил особенный, чуждый экзальтированной готике, реализм в изображении человеческих переживаний.

На почве, возделанной мастерами Проторенессанса, возникло Итальянское Возрождение, прошедшее в своей эволюции через несколько фаз (Раннее, Высокое, Позднее).

Связанное с новым, по сути, светским мировоззрением, выраженным гуманистами, оно утрачивает неразрывную связь с религией, живопись и статуя распространяются за пределы храма. С помощью живописи художник осваивал мир и человека, как они виделись глазу, применяя новый художественный метод (передача трехмерного пространства при помощи перспективы (линейной, воздушной, цветовой), создание иллюзии пластического объема, соблюдение пропорциональности фигур). Интерес к личности, ее индивидуальным чертам сочетался с идеализацией человека, поиском «совершенной красоты». Сюжеты священной истории не ушли из искусства, но отныне их изображение было неразрывно связано с задачей освоения мира и воплощения земного идеала (отсюда так похожи Вакх и Иоанн Креститель Леонардо, Венера и Богоматерь Боттичелли). Ренессансная архитектура утрачивает готическую устремленность к небу, обретает «классическое» равновесие и пропорциональность, соразмерность человеческому телу. Возрождается античная ордерная система, но элементы ордера были не частями конструкции, а декором, украшавшим и традиционные (храм, дворец властей) и новые типы зданий (городской дворец, загородная вилла).

Родоначальником Раннего Возрождения считается флорентийский живописец Мазаччо , подхвативший традицию Джотто, добившийся почти скульптурной осязаемости фигур, использовавший принципы линейной перспективы, ушедший от условности изображения обстановки. Дальнейшее развитие живописи в 15 в. шло в школах Флоренции, Умбрии, Падуи, Венеции (Ф.Липпи , Д.Венециано, П. дела Франческо, А.Паллайоло, А.Мантенья, К.Кривели, С.Боттичелли и многие др.). В 15 в. рождается и развивается ренессансная скульптура (Л.Гиберти, Донателло , Я. делла Кверча, Л. делла Роббиа, Верроккьо и др., Донателло впервые создал самостоятельно стоящую, не связанную с архитектурой круглую статую, первым изобразил обнаженное тело с выражением чувственности) и архитектура (Ф.Брунеллески , Л.Б.Альберти и др.). Мастера 15 в. (прежде всего Л.Б.Альберти, П. делла Франческо) создали теорию изобразительных искусств и архитектуры.

Северное Возрождение было подготовлено возникновением в 1420-е – 1430-е на основе поздней готики (не без опосредованного влияния джоттовской традиции) нового стиля в живописи, так называемого «ars nova» – «нового искусства» (термин Э.Панофского). Его духовной основой, по мнению исследователей, стало прежде всего так называемое «Новое благочестие» северных мистиков 15 в., предполагавшее специфический индивидуализм и пантеистическое приятие мира. У истоков нового стиля стояли нидерландский живописцы Ян ван Эйк, усовершенствовавший к тому же масляные краски, и Мастер из Флемалля, за которыми последовали Г. ван дер Гус, Р. ван дер Вейден, Д.Боутс, Г. тот Синт Янс, И.Босх и др. (сер. – втор. пол. 15 в.). Новая нидерландская живопись получила широкий отклик в Европе: уже в 1430–1450-е появляются первые образцы новой живописи в Германии (Л.Мозер, Г.Мульчер, особенно К.Виц), во Франции (Мастер Благовещения из Экса и, конечно, Ж.Фуке). Для нового стиля был характерен особый реализм: передача трехмерного пространства посредством перспективы (хотя, как правило, приблизительно), стремление к объемности. «Новое искусство», глубоко религиозное, интересовалось индивидуальными переживаниями, характером человека, ценя в нем прежде всего смирение, благочестие. Его эстетике чужд итальянский пафос совершенного в человеке, страсть к классическим формам (лица персонажей не идеально пропорциональны, готически угловаты). С особенной любовью, детально изображалась природа, быт, тщательно выписанные вещи имели, как правило, религиозно-символический смысл.

Собственно искусство Северного Возрождения рождается на рубеже 15–16 вв. в результате взаимодействия национальных художественных и духовных традиций заальпийских стран с ренессансным искусством и гуманизмом Италии, с развитием северного гуманизма. Первым художником ренессансного типа можно считать выдающегося немецкого мастера А.Дюрера , непроизвольно, однако, сохранявшего готическую одухотворенность. Полный разрыв с готикой осуществил Г. Гольбейн Младший с его «объективностью» живописной манеры. Живопись М.Грюневальда , напротив, была проникнута религиозной экзальтацией. Немецкий ренессанс был делом одного поколения художников и истощился в 1540-е. В Нидерландах в первой трети 16 в. начали распространяться течения, ориентированные на Высокое Возрождение и маньеризм Италии (Я.Госсарт, Я.Скорель, Б. ван Орлей и др.). Самое же интересное в нидерландской живописи 16 в. – это разработка жанров станковой картины, бытового и пейзажного (К.Массейс, Патинир, Лука Лейденский). Наиболее национально-своеобразным художником 1550–1560-х был П.Брейгель Старший, которому принадлежат картины бытового и пейзажного жанра, а также картины-притчи, обычно связанные с фольклором и горько-ироничным взглядом на жизнь самого художника. Ренессанс в Нидерландах исчерпывает себя в 1560-е. Французский Ренессанс, носивший всецело придворный характер (в Нидерландах и Германии искусство больше было связано с бюргерством) был, пожалуй, самым классическим в Северном Возрождении. Новое ренессансное искусство, постепенно набрав силу под влиянием Италии, достигает зрелости в середине – второй половине столетия в творчестве архитекторов П.Леско, создателя Лувра , Ф.Делорма, скульпторов Ж.Гужона и Ж.Пилона, живописцев Ф.Клуэ, Ж.Кузена Старшего. Большое влияние на вышеперечисленных живописцев и скульпторов оказала «школа Фонтенбло», основанная во Франции итальянскими художниками Россо и Приматиччо, работавшими в стиле маньеризма, но французские мастера не стали маньеристами, восприняв скрытый под маньеристским обличьем классический идеал. Ренессанс во французском искусстве заканчивается в 1580-е. Во второй половине 16 в. искусство ренессанса Италии и других европейских стран постепенно уступает место маньеризму и раннему барокко.

Наука.

Важнейшим условием масштабности и революционности достижений науки Возрождения было гуманистическое мировоззрение, в котором деятельность по освоению мира понималась как составляющая земного предназначения человека. К этому нужно добавить возрождение античной науки. Немалую роль в развитии сыграли нужды мореплавания, применения артиллерии, создания гидросооружений и т.п. Распространение научных знаний, обмен ими между учеными были бы невозможны без изобретения книгопечатания ок. 1445.

Первые достижения в области математики и астрономии относятся к середине 15 в. и связаны во многом с именами Г.Пейербаха (Пурбах) и И.Мюллера (Региомонтан). Мюллером были созданы новые более совершенные астрономические таблицы (взамен альфонсианских таблиц 13 в.) – «Эфемериды» (изданы в 1492), которыми пользовались в своих путешествиях Колумб, Васко да Гама и другие мореплаватели. Существенный вклад в развитие алгебры, геометрии внес итальянский математик рубежа веков Л.Пачоли. В 16 в. Итальянцы Н.Тарталья и Дж. Кардано открыли новые способы решения уравнений третьей и четвертой степени.

Важнейшим научным событием 16 в. стала коперниковская революция в астрономии. Польский астроном Николай Коперник в трактате Об обращении небесных сфер (1543) отверг господствовавшую геоцентрическую птолемеевско-аристотелевскую картину мира и не только постулировал вращение небесных тел вокруг Солнца, а Земли еще вокруг своей оси, но и впервые подробно показал (геоцентризм как догадка родился еще в Древней Греции), как исходя из такой системы можно объяснить – гораздо лучше, чем ранее – все данные астрономических наблюдений. В 16 в. новая система мира, в целом, не получила поддержки в научном сообществе. Убедительные доказательства истинности теории Коперника привел только Галилей .

Опираясь на опыт, некоторые ученые 16 в (среди них Леонардо, Б.Варки) высказывали сомнение относительно законов аристотелевской механики, безраздельно господствовавшей до того времени, но своего решения проблем не предложили (позже это сделает Галилей). Практика применения артиллерии способствовала постановке и решению новых научных проблем: Тарталья в трактате Новая наука рассмотрел вопросы баллистики. Теорией рычагов и весов занимался Кардано. Леонардо да Винчи стал основоположником гидравлики. Его теоретические изыскания были связаны с устройством им гидросооружений, проведением мелиоративных работ, строительством каналов, усовершенствованием шлюзов. Английский врач У.Гилберт положил начало изучению электромагнитных явлений, опубликовав сочинение О магните (1600), где описал его свойства.

Критическое отношение к авторитетам и опора на опыт ярко проявились в медицине и анатомии. Фламандец А.Везалий в своем знаменитом труде О строении человеческого тела (1543) подробнейше описал тело человека, опираясь при этом на свои многочисленные наблюдения при анатомировании трупов, подвергнув критике Галена и других авторитетов. В начале 16 в. наряду с алхимией возникает ятрохимия – врачебная химия, разрабатывавшая новые лечебные препараты. Одним из ее родоначальников был Ф. фон Гогенгейм (Парацельс). Отвергая достижения предшественников, он, по сути, не ушел далеко от них в теории, но как практик ввел ряд новых лекарственных препаратов.

В 16 в. получили развитие минералогия, ботаника, зоология (Георг Бауэр Агрикола, К. Геснер, Чезальпино, Ронделэ, Белона), которые в эпоху Возрождения были на стадии собирания фактов. Большую роль в развитии этих наук играли отчеты исследователей новых стран, содержавшие описания флоры и фауны.

В 15 в. активно развивалась картография и география, исправлялись ошибки Птолемея, на основе средневековых и современных данных. В 1490 М.Бехайм создает первый глобус. В конце 15 – начале 16 вв. поиски европейцев морского пути Индию и Китай, успехи в картографии и географии, астрономии и судостроении увенчались открытием побережья Центральной Америки Колумбом, который полагал, что достиг Индии (впервые континент под названием Америка появился на карте Вальдземюллера в 1507). В 1498 португалец Васко да Гама достиг Индии, обогнув Африку. Идея достичь Индии и Китая западным путем была реализована испанской экспедицией Магеллана – Эль-Кано (1519–1522), обогнувшей Южную Америку и совершившей первое кругосветное путешествие (на практике была доказана шарообразность Земли!). В 16 в. европейцы были уверены, что «мир сегодня полностью открыт и весь человеческий род познан». Великие открытия преобразили географию, стимулировали развитие картографии.

Наука эпохи Возрождения слабо затронула производительные силы, развивавшиеся по пути постепенного совершенствования традиции. В то же время успехи астрономии, географии, картографии послужили важнейшей предпосылкой Великих географических открытий, приведших к коренным изменениям в мировой торговле, к колониальной экспансии и революции цен в Европе. Достижения науки эпохи Возрождения стали необходимым условием для генезиса классической науки Нового времени.

Дмитрий Самотовинский

Эпоха Возрождения (Ренессанс) — это период в истории Европы, начинающийся примерно в 14 веке после окончания Средневековья.

«Ренессанс» — это французское слово, означающее «возрождение». Этот период называется таким именем, потому что в то время люди начали интересоваться изучением древних времен, в частности, изучением наследия Древней Греции и Рима. Ренессанс рассматривался как «возрождение» этого обучения. Ренессанс часто называют началом «современной эпохи».

Во времена Возрождения было много известных художников, восхитительных писателей и гениальных философов. Многие люди стали изучать досконально математику и разные науки. Человека, эрудированного и обладающего глубокими знаниями в разных сферах, иногда называют «человеком эпохи Возрождения». Леонардо да Винчи, который был и художником, и ученым, и музыкантом, и философом, является самым известным человеком эпохи Возрождения.

Ренессанс начался в Италии, но вскоре распространился по всей Европе. В Италии это время делится на три периода:

• Ранний ренессанс.
• Высокий ренессанс
• Поздний ренессанс, который также называется маньеристским периодом.

После периода маньеристов в искусство пришел период барокко. Барокко стало распространяться по всей Европе примерно с 1600 года. За пределами Италии очень трудно определить, когда заканчивается эпоха Возрождения в искусстве, и начинается время барокко.

Многие ученые полагают, что причинами зарождения и такого быстрого распространения эпохи Возрождения послужили следующие факторы:

1. Развитие чтения и печати.

В средние века книг было очень мало. Книги, которые существовали почти все, принадлежали церквям, университетам или высшему классу. Они были написаны от руки и часто имели красивые картины с ручной росписью. Они были настолько дороги, что большинство людей не могли их себе позволить.

Большинство книг в то время были написаны на латыни, языке древних римлян, который использовался в католической церкви, и его понимали только священники и образованные знатные люди. Людям было запрещено законодательно переводить Библию на итальянский, английский, немецкий, французский или другие «местные» языки.

В 1423 году первые печатные книги появились в Европе. Способ печати быстро улучшался, так что большее книг можно было сделать быстро и продать дешево. Для печати одной Библии было нужно 300 шкурок теленка или 100 шкурок свиньи. Затем типографии начали печатать все, что, по их мнению, было интересно: — древнегреческие и римские писания, поэзию, пьесы, жизни святых, учебники по математике, медицинские учебники, христианские истории, книги о животных, советы князьям о том, как управлять своими людьми и карты мира.

До 1423 года все эти знания принадлежали священникам, монастырям и университетам. Внезапно вся эта лавина информации стала доступна тысячам людей.

2. Древнеримское культурное наследие.

Время Древней Греции и Рима, когда было много известных философов, писателей, живописцев, скульпторов, архитекторов и математиков, воспринималось людьми как золотой век истории мировой цивилизации. Поэтому Ренессанс и назван в честь изучения этого значительного наследия древних.

3. Деньги и политика.

В связи с появлением в итальянских городах больших денег от торговли, местная знать захотела ослабить влияние Папы Римского. А изучение новой информации и догматов, которые отрицаются церковью, ослабляло в глазах людей силу и мощь католической церкви. Больше всех помощь в развитии Ренессанса в Италии оказала богатая флорентийская семья Медичи.

4. Медичи.

Медичи были банкирами, но очень сильно поддерживали развитие искусства и науки. Благодаря своему банковскому капиталу, Медичи стали самой политически могущественной семьей из всех семей из Флоренции. Семью Медичи можно смело считать первыми меценатами и покровителями Ренессанса, так как главы этой семьи на протяжении столетий поддерживали писателей, художников, архитекторов и студентов. Козимо де Медичи основал во Флоренции «Платоническую академию», где студенты могли изучать произведения древнегреческих писателей и говорить о политике, религии и новых идеях. Козимо также призвал архитекторов проектировать здания в стиле Древнего Рима. Он собрал огромную библиотеку книг и отдал их в монастырь Сан-Лоренцо, для пользования ученикам. Его внук, Лоренцо продолжал дело дела и был прозван «Великолепный». Во время Лоренцо во Флоренции жили и творили такие великие художники мировой истории, как Боттичелли, Микеланджело и Леонардо да Винчи.

Вариант 2

Период средних веков условно занимает период между 4-5 и 13-14-15 веками новой эры. Собственно термин средние века появился именно в Ренессанс или Возрождение и стал обозначением промежуточного периода между античностью и собственно Возрождением (начинается в 14 веке).

Люди эпохи Ренессанса хотели вернуть античность и разнообразные античные идеалы в собственным мир. Эти идеалы казались более высокими и чистыми, достойными подражания. При этом могла рассматриваться и христианская и более древняя языческая античность, так или иначе, эти периоды воспринимались как более возвышенные.

Помимо этого некоторые преобразования в обществе, постепенное снижение роли религии тоже приводили к переменам. Если ранее нередко предметом изображений становились иконографические образы, а икона являлась чем-то наподобие окна в другой мир, то в эпоху Возрождения чаще художники обращаются к более повседневным сюжетам. Конечно, религиозная тематика остается превалирующей, но также изображаются и люди, на фоне природы, то есть изобразительное искусство становится как бы зеркалом, которое отражает не высший, но земной мир.

Довольно интересной тут является и концепция человека как венца творения, который стал лучшим созданием Господа и, соответственно, такое творение полно красоты и смысла. Поэтому люди эпохи Возрождения восхваляют природу и человека. Эти мотивы сочетаются с античными, к примеру культом человеческого тела и наслаждения его атлетичной красотой.

Эпоха Возрождения, как сказано ранее, не имеет четких границ и немного размыта, да и сама не однородна. Условно различают нижний, средний и высокий Ренессанс, который располагается хронологически ближе к 16 веку. Эти подпериоды отличаются, и отличи во многом обуславливаются историческими факторами, к примеру, на картинах высокого Ренессанса появляется больше пространства, пространство становится открытым и этот факт многие связывают с периодом великих географических открытий и, соответственно, пониманием людьми внушительных размеров мира и его освоения.

Весь Ренессанс основывается на идее высоких идеалов и воспевании красоты. Люди этой эпохи воспевали самостоятельность человека, его уникальность. Примерами таких работ являются многие великие творения и к наиболее существенным следует, конечно, отнести Джоконду.

Жизнь и творчество Марка Твена

Американский писатель, завоевавший своим неповторимым ироничным творчеством миллионы детских, взрослых сердец – это Марк Твен (Сэмюэл Клеменс). Он был не просто писателем, а также журналистом, общественным деятелем.

Тушканчик — сообщение доклад

В умеренно жарких полупустынях и степях Восточного полушария обитают очень мелкие грызуны – тушканчики. Эти существа отличаются характерной внешностью – укороченным туловищем и удлиненными задними

«Эпоха Возрождения»

Введение

То, что принято называть Возрождением, было утверждением преемственности великой античной культуры, утверждением новых идеалов. В эпоху Возрождения возникло экспериментальное естествознание, произошло открытие и изучение памятников античной культуры, развивались искусства и светское мировоззрение, ослабившее духовный диктат церкви, возникли литературы на новых современных языках и появился профессиональный театр.

Изменения коснулись всех сторон духовной жизни. Эти явления казались возрождением науки, философии, литературы и искусства, существовавших в античном мире, особенно у греков. Сам термин «Возрождение» возник как следствие убеждения, что только через возрождение античной культуры после тяжкого средневековья можно прийти к истинному познанию и изображению самой природы.

Искусство становится неотъемлемой частью общественной жизни. В эпоху средневековья художник считался ремесленником, его место было на низших ступенях социальной иерархии, а личность стушевывалась перед заказчиком. Во времена Возрождения, когда человеческая личность была высоко вознесена во всеобщем сознании, творческая индивидуальность художника стала привлекать внимание всех, кто интересовался его творчеством.

Культура Возрождения нашла свое выражение прежде всего в произведениях итальянских живописцев, скульпторов, поэтов. Но в отличие от идеалов античного мира, где человек представляется игрушкой рока, они возвеличивают человека, считают его властелином своей судьбы, отдают должное его качествам (личным) и воле. В этом заключается основное величие эпохи Возрождения, совершившей переворот в сознании людей.

Культура итальянского возрождения XIV-XV вв.

Осознание духовной ценности земного человека привели к яркому расцвету искусства, оплодотворенного новым взглядом на мир. Это движение в области культуры, стремившееся выйти за рамки средневековья и получившее название Проторенессанса, во многом подготовило почву для возрождения и обогатило мировое искусство такими явлениями, как скульптура Никколо Пизано, живопись Джотто, поэзия Данте.

Латинский язык был основным литературным языком средневековья. На рубеже XIII-XIV вв. его постепенно стал заменять современный народный язык. Знаменитое произведение болонского юриста Гвидо Гвиницелли «Любовь гнездится в сердце благородном» написано на тосканском диалекте. Стихотворное мастерство Гвидо получило дальнейшее развитие во Флоренции. Это направление получило название «сладостный новый стиль». К нему примкнули Гвидо Кавальканти, Чино де Пистойя и Данте Алигьери.

Творчество Данте имеет огромное значение для всего последующего развития литературы. Произведения Данте написаны на итальянском языке. Его ранний цикл стихотворений «Новая жизнь» воспевает его любовь к Беатриче. Здесь впервые в литературе чувство любви рассматривается в развитии. Оно перестает быть неподвижной характеристикой «благородного сердца», как у предшественников Данте.

В своем неоконченном произведении «Пир» Данте пытается изложить всю схоластическую ученость своего времени в виде 14 канцон и прозаического комментария к ним. Во введении он касается вопроса о необходимости применения итальянского языка в своем произведении.

В произведении «О народной речи» Данте указывает на 3 новых литературных языка: старофранцузский, провансальский и итальянский. В последнем он различает много диалектов и доказывает, что наибольшими возможностями стать общелитературным языком в Италии обладает тосканский диалект.

Величайшим произведением Данте является «Комедия», где автор обратился к более широкому языковому материалу, чем в труде «О народной речи». Он воспользовался не только языком поэтов «сладостного нового стиля», но и поэзией, близкой к разговорной речи.

В «Комедии» итальянский язык приобрел такое богатство, получил такую законченность и устойчивость, какой не знал ни один западноевропейский язык того времени. Данте считается творцом итальянского литературного языка.

Проторенессансные веяния проявились в итальянской культуре и в общем мироощущении уже в XIII в. В 1316 г. в Болонье были прочитаны лекции по анатомии человека – первые в средневековье на тему, от которой, согласно церковному вероучению, следовало отворачиваться.

В Пизе, где уже в романскую пору был создан знаменитый архитектурный ансамбль, выражающий особые, радужные устремления итальянского художественного гения, скульптор Никколо Пизано. В рильефах, украшающих кафедру, он создал изображения не столько евангельских сцен, сколько чисто светских событий. Н. Пизано считается зачинателем Проторенессанса в итальянской пластике. Его сына Ждовани также следует признать одним из ваятелей Проторенессанса. Его творчество исполнено пафоса и динамизма.

Зачинателем проторенессанса в живописи считается Кавеллини. Он старался оживить светотенью свои фигуры, передать в них не абстрактную идею, а зрительное впечатление. Примером может служить фреска «Страшный Суд», где образ Христа уже не символ не лик, а исполненный достоинства прекрасный муж с открытым лицом.

Джотто-живописец. Угадана им высшая простота: ничего лишнего никаких узоров, никакой детализации. Все внимание художника сосредоточено на главном, и дается синтез, грандиозное обобщение. Он отказался от плоскостного характера византийских иконописных изображений, от их условных фонов и старался передать глубину пространства. Изображение человека было для него главной задачей. Все действующие лица в картинах Джотто делаются участниками одного драматического события, все они способствуют раскрытию единого замысла. Это хорошо видно в сцене «Поцелуй Иуды», в фресках в Капелле дель Арена в Падуе.

Решительный шаг в построении светской культуры был сделан гуманистами, идеологами Возрождения. Гуманисты подчеркивали ценность человеческой личности самой по себе. Поэтому у них на первый план выдвигается интерес к человеческим делам – человеческая, а не религиозная точка зрения на все явления жизни и в особенности защита человеческой личности.

Франческо Петрарко был одним из тех гуманистов. В стихах, в которых он воспевал свою возлюбленную при жизни и после ее смерти, поэт с невиданной дотоле тонкостью описывает свои переживания. В отличие от Беатриче в «Божественной комедии» Данте, Лаура – земная женщина, а не символ.

Начало новой науке – эпиграфике дал купец банкир Джонацо Манетти, который во время своих путешествий на Восток стал собирать сохранившиеся античные надписи. Он же признал необходимым изучение третьего древнего языка – еврейского, нужного для понимания книг Ветхого завета. Тем самым он лишал церковь ее многовековой привилегии: изучение «священного писания» переходило в руки светских ученых-философов.

Итальянское искусство XV века.

Художники XV в. входили в объединения по профессиональному признаку – живописцы, скульпторы, ювелиры, архитекторы, и состояли в виде самостоятельных корпораций в одном из официально признанных цехов. В большинстве случаев художники строили, украшали статуями и расписывали фресками храмы и общественные учреждения по договору с заказчиками.

Одним из величайших итальянских зодчих XV в. был Филиппо Брунеллески, создавший новый тип здания, имевшего светское значение (Воспитательный дом). Пропорции, ритм, членение, обработка деталей служили для выявления конструктивных особенностей, а своей гармоничностью и простотой ориентировались на человека, поднимая его значение.

Искусство Брунелески основывалось на логике, подтвержденной математическими расчетами. Он первым из художников Возрождения понял, какую помощь искусству может оказать математика. Он был одним из основателей научной теории перспективы, открывателем ее основных законов, имевших огромное значение для развития всей тогдашней живописи.

Возрождение античного зодчества давало в руки архитекторов новую систему, принципиально отличную от готики.

Донателио первый добивается в рельефе истинного впечатления пространства. В соблюдении девяти законов перспективы он сближает раннеренессансную пластику с живописью и окончательно отходит от принципов и форм готики.

Гигантский скачек в истории европейской живописи знаменует творчество друга Брунеллески и Донателио живописца Мазаччо. Он считался первым художником после Джотто. Он понял суть его творчества и развил его.

Его фреска «Троица» как бы раздвигает стены храма, создавая иллюзию углубленного пространства с соблюдением научно обоснованных законов перспективы. Вся композиция покойна и торжественна. В умении распределить свет и тени, в создании четкой пространственной композиции, в силе, с которой он передает объемность, Мазаччо намного превосходит Джотто.

Кроме того, он первый в живописи изображает обнаженное тело и придает человеку героические черты, прославляя человеческое достоинство. Он первый ввел в религиозную композицию портретные изображения заказчиков, как, например в «Троице».

Активно утверждал ренессансные тенденции в североитальянском искусстве А. Мантенья. Воспитанный в гуманистических кругах, он внес в свою суровую по духу живопись подлинную страсть к римской античности, вдохновляясь которой создал свой обобщенно-героизированный образ человека, как например в капелле Оветари церкви Эреметани в Падуе.

Творчество Монтекье оказало отчасти прямое, отчасти косвенное влияние на всю североитальянскую живопись второй половины XV в., способствуя становлению ренессансных принципов в искусстве Ломбардии, Лигурии и Венеции. Венецианские художники уделяли особое внимание проблеме колорита, ставшей в их живописи одним из главных выразительных средств. В отделке зданий цветная штукатурка и различных оттенков кирпич сочетались с облицовкой из цветного мрамора, тончайшей резьбой и инкрустацией. Строители с любовью относились к самым скромным архитектурным элементам города, начиная с разных чаш колодцев и кончая причалами.

Культура Высокого и Позднего Возрождения.

Конец XV в. и первые 30 лет XVI в. – культура Высокого Возрождения – одно из самых ярких явлений в истории европейской культуры. XVI столетие – золотой век итальянской литературы, изобразительного искусства, натурфилософии, великих открытий в области естествознания. В это время закладываются основы нового мировоззрения, в центре которого находились природа и человек.

В период с 30-х годов до конца XVI века формируется искусство позднего возрождения, которое представляет собой сложную картину борьбы различных течений. Воинствующая католическая церковь понимала какое большое значение имело искусство в глазах общества, и поэтому старалась использовать его в своих целях. Постановления Тридентейского собора прямо указывали на стремление церкви присвоить себе контроль над художественными произведениями. Поэтому на виду оказались те художники, которые связывали свое творчество с обслуживанием нужд церкви или же отражали в своем творчестве настроения подавленности и внутреннего надлома. Эти художники получили название «маньеристов», потому что они стремились не изучить природу и ее законы, а внешне усвоить манеру великих мастеров: Леонард, Рафаэля и главным образом Микеланджело. Многие из них были хорошими рисовальщиками, среди них было немало крупных портретистов (Понтормо, Бронзио), поскольку портрет теснее других живописных жанров связан с натурой, но их картины независимо от сюжета, надуманны, искусственны, фальшивы по замыслу и по исполнению (Вазари, ????). Эти художники не останавливались перед деформацией человеческого тела, в результате появились такие картины, как «Мадонна с длинной шеей» (Пармеджанико). Микеланджело сказал однажды, видя как художники копируют его «страшный суд»: «Многих это мое искусство сделает дураками».

На развитие художественной культуры Высокого Возрождения огромное влияние оказал Леонардо да Винчи – живописец, скульптор.

Одна из первых самостоятельных работ, выполненных им после оставления мастерской Верроко – «Мадонна Бенца». Художник отказался от традиционной трактовки образа мадонны – величавой, грустной, создал образ радостной, исполненной чисто земной прелести. Исследуя законы оптики впервые применил светотень как средство «оживления» персонажей своих картин. Леонардо ставил знак равенства между внешним и внутренним обликом человека. «Если душа беспорядочна и хаотична – утверждал Леонардо, — то беспорядочно и хаотично само тело, в котором эта душа обитает». Леонардо был и изобретателем. Среди его изобретений были и усовершенствованные орудия труда.

Художественная и научная деятельность Леонардо сделали его основоположником нового типа в развитии итальянского искусства – Высокого Возрождения.

Крупным мастером эпохи позднего Возрождения был Бенвенто Челлини – реалистическое искусство. «У нас нет других книг, чтобы поучать нас искусству, кроме книги природы» — заявляет Челлини. Его большая бронзовая статуя Персея изображает прекрасное человеческое тело, изваянное с глубоким знанием анатомии. Неистовые страсти Челлини, его суеверия, откровенное стремление к славе, наивное хвастовство, неистребимая жажда жизни и любовь к искусству делает его одним из наиболее типичнейших представителей этого бурного и противоречивого времени.

Возникновение профессионального театра.

В Италии были широко распространены карнавальные маски, где каждый веселился как умел, но там же выступали и профессиональные «забавники». Такие забавники, как-то пародировали известных людей, птиц, животных – становились профессионалами. Они переезжали из города в город, т.к. карнавалы устраивались в разных местах. В 60-х г. XV в. они стали организовываться в группы, в актерские коллективы. Так возникла «профессиональная комедия». У этого театра были свои своеобразные черты: каждый актер «выполнял одну маску». Эта народная комедия не имела писанного текста, у нее не было своей драматургии. У актеров был только сценарий, где излагался вход и выход на сцену и общий ход событий. В третьих, для придания большего комизма эта комедия пользовалась диалектами – венецианских, падуанских. Обязательной принадлежностью спектакля были трюки – акробатические номера, мизансцены.

Заключение

Творчество ренессансного периода отличается пафосом, динамичностью. Художник сводил в своих фантазиях, чувствах (это касается не только художников, но и литераторов, скульпторов и других представителей искусства). Например Петрарко, он не скован, он не держит свои чувства, эмоции при себе, он ими делится, описывает их. Для Возрождения важен эмоциональный мир человека. Та ренессансный период характеризуется свободой: уходом от церковных рамок в светскую жизнь, где простор, свобода, где главенствует личность (человек) и интересы. Строят большие, просторные, объемные колоритные здания – все для человека, для удовлетворения его потребностей, для возвеличивания его значения.

Искусство периода Ренессанса расчетно, точно. Расчеты делались с помощью математики, следовательно оно было еще и практичным, поскольку расчеты делались для удобства, опят того человека.

Литература

1. Л.М. Баткин. Итальянское Возрождение в поисках индивидуальности. М., 1989.

2. Всемирная история: Возрождение и Реформация. под ред. Алябьева и др. М., 1996. Т.9-10

XIV-XV век. В странах Европы начинается новая, бурная эпоха – эпоха Возрождения (Ренессанса – от французского Renaissanse). Начало эпохи связано с освобождением человека от феодально-крепостнической зависимости, развитием наук, искусств и ремёсел.

Эпоха Возрождения началась в Италии и продолжила свое развитие в странах северной Европы: Франции, Англии, Германии, Нидерландах, Испании и Португалии. Позднее Возрождение датируется серединой XVI – 90-ми годами XVI века.

Влияние церкви на жизнь общество ослабело, возрождается интерес к античности с её вниманием к личности человека, его свободе и возможностям развития. Изобретение книгопечатания содействовало распространению грамотности среди населения, росту образованности, развитию наук, искусств, в том числе художественной литературы. Буржуазия не удовлетворилась религиозным мировоззрением, которое господствовало в средние века, а создала новую, светскую науку, основанную на изучении природы и наследия древних писателей. Так началось «возрождение» античной (древнегреческой и римской) науки и философии. Ученые стали разыскивать и изучать древние памятники литературы, хранившиеся в библиотеках.

Появились писатели и художники, осмелившиеся выступить против церкви. Они были убеждены: самую большую ценность на земле представляет человек, и все его интересы должны быть сосредоточены на земной жизни, на том, чтобы прожить ее полно, счастливо и содержательно. Таких людей, посвятивших свое искусство человеку, стали называть гуманистами.

Для литературы Возрождения характерны гуманистические идеалы. Эта эпоха связана с появлением новых жанров и с формированием раннего реализма, который так и назван, «реализм Возрождения» (или ренессансный), в отличие от более поздних этапов, просветительского, критического, социалистического. Произведения эпохи Возрождения дают нам ответ на вопрос о сложности и важности утверждения человеческой личности, ее творческого и действенного начала.

Для литературы Возрождения характерны различные жанры. Но определенные литературные формы преобладали. Джованни Боккаччо становится законодателем нового жанра – новеллы, который так и именуется новеллой Возрождения. Этот жанр рожден характерным для Возрождения ощущением удивления перед неисчерпаемостью мира и непредсказуемостью человека и его поступков.

В поэзии становится наиболее характерной формой сонет (строфа из 14 строк с определенной рифмовкой). Большое развитие получает драматургия. Наиболее выдающимися драматургами Возрождения являются Лопе де Вега в Испании и Шекспир в Англии.

Широко распространена публицистика и философская проза. В Италии Джордано Бруно в своих работах обличает церковь, создает свои новые философские концепции. В Англии Томас Мор высказывает идеи утопического коммунизма в книге «Утопия». Широко известны и такие авторы, как Мишель де Монтень («Опыты») и Эразм Роттердамский («Похвала глупости»).

В числе писателей того времени оказываются и коронованные особы. Стихи пишет герцог Лоренцо Медичи, а Маргарита Наваррская, сестра короля Франции Франциска I, известна как автор сборника «Гептамерон».

В изобразительном искусстве эпохи Возрождения человек предстал самым прекрасным творением природы, сильным и совершенным, гневным и нежным, задумчивым и весёлым.

Наиболее ярко мир человека эпохи Возрождения представлен в Сикстинской капелле Ватикана, расписанной Микеланджело. Библейские сюжеты образуют свод капеллы. Основной их мотив – сотворение мира и человека. Эти фрески полны величия и нежности. На алтарной стене находится фреска «Страшный суд» , которая была создана в 1537–1541 гг. Здесь уже Микеланджело видит в человеке не «венец творения», а Христос представлен гневным и карающим. Потолок и алтарная стена Сикстинской капеллы представляют собой столкновение возможности и реальности, возвышенности замысла и трагизма осуществления. «Страшный суд» считается произведением, завершившим в искусстве эпоху Возрождения.

Урок 4. Эпоха Возрождения: Ренессанс в искусстве

Этот урок, посвященный эпохе Возрождения или Ренессансу, будет для вас легким, понятным и изящным, если вы хорошо изучили урок №2, где мы разбирали искусство Древней Греции и Древнего Рима. Эпоха потому и получила такое название, что в этот период истории началось возрождение античных традиций в искусстве.

Разумеется, культура и искусство обогатились новыми стилями и веяниями, появились новые, характерные данному историческому периоду черты. И если античное искусство нашло отклик в вашей душе, с высокой степенью вероятности искусство Ренессанса точно так же затронет ваше сердце и разум.

Цель урока: изучить основные тренды искусства эпохи Возрождения.

 Изучив материал урока, вы узнаете, как развивались архитектура, скульптура, живопись и литература данного периода, познакомитесь с наиболее знаковыми памятниками культуры, именами творцов и произведениями искусства.

Содержание:

Итак, какой же отрезок времени мы имеем в виду, когда говорим о Ренессансе?

Периодизация эпохи Возрождения

Из материала прошлого урока вы уже знаете, что эпоха раннего Возрождения примерно совпадает по времени с периодом позднего Средневековья, а хронологические границы Ренессанса условны и весьма усреднены, т.к. в разных странах культурно-исторические процессы имели свои черты и особенности и свой темп развития. В целом же периодизация Ренессанса выглядит следующим образом:

• Раннее Возрождение – 15 век.
• Высокое Возрождение – начало 16 века.
• Позднее Возрождение – 20-е годы – конец 16 века.

Кроме того, историки часто в качестве самостоятельного периода выделяют Проторенессанс, включая туда вторую половину 13 века и 14 век полностью. Ввиду того, что этот период имел самостоятельное значение только в Италии, где и зародился Ренессанс, мы его не включаем в общую таблицу периодов, однако, безусловно, упомянем деятелей искусства того времени, когда будем изучать тренды в разных его сферах.

И еще одна ремарка: искусство Ренессанса имеет общие черты, свойственные каждому из периодов, а процесс развития отличается гармонией и высокой степенью преемственности на протяжении всей эпохи.

По этой причине будет удобнее рассматривать каждое направление в искусстве – архитектуру, скульптуру, живопись и т.д. – единым блоком, чтобы можно было нагляднее оценить как преемственность традиций, их большую или меньшую выраженность, так и некоторые отличия периодов. Чтобы было понятнее, о чем речь, мы начнем с общей характеристики эпохи Ренессанса.

Общая характеристика Ренессанса

Ренессанс – это, прежде всего, возрождение интереса к человеку как к центральному субъекту искусства, его личности как высшей ценности. Такой подход получил название гуманизма. Идеями гуманизма пропитано все искусство Ренессанса, все стили и направления, зародившиеся в данный период. Тому было несколько предпосылок.

Во-первых, это рост и развитие городов-республик, где формировались принципиально новые, отличные от феодальных, социально-экономические отношения. Там не было землевладельцев и крестьян, зато были торговцы, ремесленники, банкиры и прочие группы населения, без которых городская жизнь и городская инфраструктура невозможны как таковые. Вполне логично, что у них были свои взгляды на жизнь, изрядно отличавшиеся от взглядов консервативного и набожного сельского населения.

Вторым важным фактором, повлиявшим на идеологию Ренессанса, стало падение Византийской империи. Оно сопровождалось массовым исходом населения из охваченных военными конфликтами земель. Бывшие подданные Византии оседали в Европе, знакомили местное население с достижениями своей культуры, усваивали нормы и правила городской жизни, в результате чего рождался уникальный симбиоз культур, ставший основой новой эпохи в искусстве.

Возможно, что и переселенцы, пережившие стресс, связанный с военными действиями у себя на родине и кардинальной сменой привычного образа жизни, тоже стали носителями запроса на новые веяния в культуре и искусстве. Так или иначе, Ренессанс – это принципиально новое явление в искусстве, с которым мы и познакомимся в данном уроке. Начнем, как обычно, с архитектуры.

Архитектура

В архитектуре Ренессанса с самого начала эпохи четко прослеживаются черты античного зодчества: симметричность, рациональность, практичность, более светский характер строений и их оформления, внимание к инженерным деталям. В этом заключается принципиальное отличие как от тяжеловесных строений романского периода, так и от мрачноватой готики.

Исследователи архитектуры эпохи Возрождения часто пользуются такими терминами, как «ордерная архитектура» и «тектоника». Если в двух словах, ордерная архитектура означает использование элементов конструкций в определенном порядке и соблюдение пропорций, предписанных для того или иного стиля.

Под тектоникой понимается качество формы и ее соответствие внутреннему содержанию. Другими словами, строение должно «быть прочным» и «выглядеть прочным», оба компонента должны быть в гармонии, для чего должны быть выбраны адекватные художественные средства оформления.

Более подробно термины разъяснены в книге «Теория архитектурной композиции» [Г. Леденева, 2008]. Мы же дали краткое пояснение их сути с одной целью: показать, что стремление к гармонии стало превалирующим трендом эпохи и нашло свое отражение, в том числе, в новых архитектурных решениях. Кстати, в эпоху Возрождения наблюдается подъем в развитии теории архитектуры и формирование профессионального словаря терминов архитекторов. Итак, как же развивалась архитектура Ренессанса?

Проторенессанс

Считается, что предтечей новой эпохи в архитектуре стали творения художника и архитектора Джотто ди Бондоне (1266-1337). В частности, спроектированная им церковь Санта-Кроче во Флоренции:

Конечно, там еще просматриваются элементы готики, однако в целом здание визуально легче, чем традиционные готические образцы архитектуры.

Архитектура раннего Ренессанса

Сразу скажем, что в качестве типичных образцов ренессансной архитектуры мы рассмотрим творения итальянских зодчих. Во всех остальных государствах Европы еще нестойкие традиции Ренессанса смешивались с местными особенностями национального зодчества. Поэтому неискушенному читателю будет сложно вычленить элементы ренессансной архитектуры и отделить их от национальных особенностей.

Одним из первых образцов архитектуры раннего Средневековья считается

Оспедале дельи Инноченти или Воспитательный дом во Флоренции, спроектированный архитектором Филиппо Брунеллески (1377-1446):

Поясним, что Воспитательный дом – это некое подобие приюта для бездомных детей, где им оказывают медицинскую помощь и пытаются адаптировать к нормальной жизни. Данный проект Филиппо Брунеллески воплотил в жизнь в самом начале своей карьеры.

В числе прочих заслуг Филиппо Брунеллески стоит назвать открытие перспективы в архитектуре, что позволяло представить объект в трехмерном пространстве со всеми возможными искажениями зрительного восприятия еще до начала его строительства.

Он же первым возвратил к жизни элементы античной архитектуры, тщательно изучая и замеряя развалины строительных конструкций античного периода, коих в Риме предостаточно, и вписывая их в свои проекты.

Архитектура высокого Ренессанса

В эпоху высокого Ренессанса центром итальянской архитектуры становится Рим, и наличие наглядного материала в виде останков конструкций сыграло в этом немалую роль, став источником вдохновения многих мастеров эпохи. Заимствование идей идет полным ходом, светские и культовые здания становятся все больше похожи на образцы античной архитектуры, впрочем, изрядно осовремененные по меркам того времени.

В качестве примера приведем темпьетто (ротонду) во дворе римского монастыря Сан-Пьетро-ин-Монторио, которую построил в 1502 году итальянский архитектор Донато Браманте (1444-1514):

Архитектуру высокого Ренессанса часто называют «римским классицизмом» и считают апогеем традиций Возрождения. За пределами Италии традиции Ренессанса ощущаются все больше, хотя местные архитектурные традиции по-прежнему сильны. В качестве наиболее яркого воплощения Ренессанса можно назвать фасад Лувра в Париже (Франция).

Архитектура позднего Ренессанса

По мере развития архитектура строений эпохи Возрождения все больше усложнялась. Появлялось множество разнородных деталей, фасады начали всячески украшать и расписывать, чего не наблюдалось в массовых масштабах в предыдущие отрезки времени, а сами строительные конструкции становились все более изощренными. В качестве образца вычурности и избыточности часто приводят Палаццо дель Те в Ломбардии, спроектированный Джулио Романо (1492-1546): 

Дворец (палаццо) принадлежал одному из представителей местной знати, а страсть богатых людей к украшательству зашкаливала всегда. К слову, данный тренд полностью сохранился и в наше время. Как бы там ни было, но поздний Ренессанс дал жизнь сразу двум направлениям в архитектуре. Это, во-первых, маньеризм (от итальянского maniera – манера, манерность), который как раз и символизировал избыточность форм и украшений.

Во-вторых, это стиль барокко, которые получил развитие уже в последующие периоды истории. К слову, из барокко со временем ответвился свой «маньеризм». Стиль, которому свойственна избыточность с налетом безвкусия при сохранении общих признаков барокко, получил название рококо. Более подробно об этом мы расскажем в наших следующих уроках.

Вот такой путь прошла архитектура Ренессанса. Узнать больше можно из книги «Архитектура эпохи Возрождения: Италия» [В. Лисовский, 2007]. А мы продолжаем наше путешествие в Ренессанс и поговорим теперь о скульптуре данного периода.

Скульптура

Как вы помните из предыдущего урока, скульптура в период Средневековья в силу разных причин претерпела упадок. Там, где скульптурные традиции сохранились, они были в большей степени дополнением к архитектурной практике, нежели самостоятельным направлением в искусстве. Пионером в деле возрождения скульптурных традиций античности стала Италия.

Тут наблюдаются два тренда. С одной стороны, мастера стремятся воссоздать античные скульптурные традиции в плане соблюдения пропорций и придания статуям общего гармоничного вида. С другой, творцы эпохи Возрождения стремятся избавиться от избыточного монументализма скульптуры, который нередко наблюдался в более ранние периоды.

Скульптура раннего Ренессанса

В отличие от прочих жанров искусства, в скульптуре есть вполне однозначная дата, с которой начинается Ренессанс. Это 1401 год, когда прошел открытый конкурс на лучшее украшение для северных ворот баптистерия (здания, где совершали обряд крещения) во Флоренции. Конкурсным заданием было обыграть сюжет «Жертвоприношение Авраама» в рельефе, а победила работа молодого скульптора Лоренцо Гиберти (1378-1455):

В дальнейшем деление рельефа на пространства станет классикой жанра. В изготовлении статуй наблюдаются два тренда: подражание классике и стремление к реализму. В качестве материала используется как мрамор, так и бронза. Интересна статуя Георгия Победоносца в исполнении скульптора Никколо Донателло (1386-1466):

Как видим, здесь наблюдается явное сходство со скульптурами периода античности. Однако и Донателло, и другие скульпторы практикуют изображение людей в одежде, а не только обнаженной натуры, как в античные времена.

Скульптура высокого Ренессанса

В период расцвета Ренессанса мы наблюдаем все те же тенденции, что зародились в ранний период Возрождения. Однако техника исполнения достигла величайших высот. Из образцов скульптуры высокого Ренессанса достаточно вспомнить статую Давида работы Микеланджело (1475-1564):

Здесь мы видим лучшее воплощение античных традиций в скульптуре. Кроме того, здесь ясно прослеживается контрапост. Это прием, усиливающий визуальное впечатление от композиции путем умышленного контрастного противопоставления правой и левой части композиции.

Скульптура позднего Ренессанса

В отличие от архитектуры, в скульптуре позднего Ренессанса не наблюдалось упадка. Непревзойденный Микеланджело продолжал творить, подрастало новое поколение скульпторов, предопределивших портрет эпохи. Среди них стоит отметить Бенвенуто Челлини (1500-1571), получившего известность как скульптора, художника, ювелира и музыканта. Он в совершенстве освоил технику бронзового литья и делал много скульптур на заказ. Среди них наиболее известна скульптура «Персея», держащего в руках голову поверженной им Медузы Горгоны:

Некоторые исследователи все же считают «Персея» образцом маньеризма, однако внятно назвать, какие детали у этой композиции являются лишними, не берется никто.

Живопись

Как и в прочих жанрах искусства, в живописи наблюдается заимствование художественных приемов Античности. Даже в библейские сюжеты постепенно проникает тема красоты человеческого тела и совершенства его форм. Впрочем, это произошло не одномоментно.

Проторенессанс

Что касается темы живописи, здесь самое время вновь вспомнить о Проторенессансе и величайшем художнике этого периода Джотто ди Бондоне. Дело в том, что его наработки послужили источником вдохновения и были позаимствованы главными фигурами эпохи Возрождения в живописи: Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело (1475-1564) и Рафаэлем (1483-1520). Эти наработки вряд ли сможет обнаружить глаз человека, не имеющего художественного образования, поэтому в этот раз мы сначала расскажем, а потом покажем.

Особенности творчества Джотто ди Бондоне:

• Тщательная проработка деталей.
• Тесная взаимосвязь деталей между собой.
• Зависимость визуального восприятия деталей от освещения.
• Ощущение чувства пространства на изображении.
• Смещение оптической перспективы с возможностью перенаправить взгляд на зрителя.
• Активное использование светлых тонов для фресок.
• Достижение визуальных эффектов за счет градации оттенков цвета.

Оценить воочию эти нюансы можно, посмотрев живописные работы Джотто ди Бондоне. Возьмем для примера «Полиптих Барончелли» – одну из его росписей в построенной им церкви Санта-Кроче:

Живопись раннего Ренессанса

В искусство живописи раннего Ренессанса огромный вклад внес уже упоминавшийся нами художник и архитектор Филиппо Брунеллески. Напомним, он открыл перспективу в архитектуре и живописи, что стало новым словом в этой области. Это хорошо заметно в работах художников данного периода. Например, в работе Сандро Ботичелли (1445-1510) «Мадонна Евхаристии»:

Живопись высокого Ренессанса

Расцвет Ренессанса предопределен творчеством таких великих художников, как Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело (1475-1564) и Рафаэль Санти (1483-1520).

«Сикстинская мадонна» Рафаэля является одной из самых узнаваемых работ в истории живописи. Кроме того, он прославился как мастер портретной и алтарной живописи, мастер многофигурной композиции, гравировщик и стихотворец. Рафаэль Санти часто сопровождал сонетами свои рисунки. Так, один из рисунков сопровождался прекрасными строками:

Амур, умерь слепящее сиянье

Двух дивных глаз, ниспосланных тобой…

О литературе Ренессанса мы поговорим позже, а сейчас предлагаем оценить пример многофигурной композиции в работе Рафаэля «Афинская школа»:

Наиболее известной картиной Леонардо да Винчи является, безусловно, «Мона Лиза», она же «Джоконда». Все, кто видел картину, заметили, что Джоконда как бы «следит» взглядом за зрителем. Это как раз пример смещения оптической перспективы с возможностью перенаправить взгляд на зрителя. В творчестве Леонардо да Винчи были тесно связаны наука и искусство. Так, он предметно изучал анатомию и делал множество рисунков, точно передающих анатомические особенности человеческого тела. Примером может служить работа Леонардо да Винчи «Витрувианский человек»:

Микеланджело прославился своей росписью Сикстинской капеллы. Единственная законченная картина его авторства, дошедшая до нашего времени, это «Мадонна Дони»:

Живопись позднего Ренессанса

В живописи в эпоху позднего Ренессанса явно заметны черты маньеризма: изогнутость фигур, неестественность положений, нарушенные пропорции. Классикой жанра считается картина Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей»:

Мы охватили лишь малую часть шедевров эпохи Возрождения. Тут, как говорится, лучше один раз увидеть, чем сто раз прочитать, поэтому рекомендуем вам книгу «Живопись эпохи Возрождения» [Н. Василенко, Е.Яйленко, 2014]. Кроме того, весьма интересно исследование «Вокруг Леонардо да Винчи: модернизм, террор, грезы и метаистория» [А. Рыков, 2015]. А мы переходим к литературному наследию Ренессанса.

Литература

Литература эпохи Возрождения насквозь пронизана идеями гуманизма, воспевает красоту и достоинство человека, утверждая человеческую личность как высшую ценность. В противовес церковным догматам, щедро популяризируемым литературными средствами в Средневековье, литература Ренессанса воспевает идею раскрепощения человека.

Именно человек в литературе Ренессанса выступает творцом своего счастья, а вовсе не какое-то предопределение свыше, и это принципиальное отличие светской литературы от религиозной. Это был весьма радикальный по тем временам подход к жизни и искусству. Считается, что предвестником появления новой литературы стали творения Данте Алигьери, написанные еще в начале 14 века.

Проторенессанс

В какой-то степени «переходной» можно считать литературу Проторенессанса. В частности, Франческо Петрарка (1304-1374) в своих произведениях старался балансировать между светской направленностью своего творчества и церковной доктриной. Это особенно заметно в его трактатах «О презрении к миру», «Об истинной мудрости» и других. А вот сонеты Петрарки, благодаря которым он и прославился, носят уже исключительно светский характер [Ф. Петрарка, 2018].

Литература раннего Ренессанса

В полной мере гуманистической можно считать литературу раннего Ренессанса. Деятели этой эпохи воплотили все идеи гуманизма в своих произведениях. Так, «Декамерон» Джованни Бокаччо стилистически исполнен в соответствии с традициями античной литературы, а роль творца мира в этом произведении отводится человеку, а не Богу.

Литература высокого и позднего Ренессанса

Расцвет Ренессанса в литературе предопределен творчеством целой плеяды талантливых авторов из самых разных стран. Это английский поэт и драматург Уильям Шекспир (1564-1616), создавший такие поистине бессмертные произведения, как «Ромео и Джульетта», «Гамлет», «Король Лир» и другие.

Это романтичный Мигель Сервантес (1547-1616), испанский писатель, известный нам по своему задушевному роману «Дон Кихот» и новеллам «Театр чудес», «Лабиринт любви» и прочим. Это французский писатель, мастер утонченной сатиры Франсуа Рабле (1494-1553), известный по произведению «Гаргантюа и Пантагрюэль».

А еще это английский писатель Томас Мор (1478-1535) и его «Утопия», итальянский писатель и политический деятель Никколо Макиавелли (1469-1527) и его «Государь». Это талантливейший нидерландский сатирик Эразм Роттердамский (1456-1536) и его величайшая «Похвала глупости». И это далеко не весь список литераторов эпохи Возрождения.

В связи с вышесказанным у многих может возникнуть вопрос: а был ли упадок, свойственный эпохе позднего Ренессанса, в литературе? Ответим кратко: маньеризм не пощадил никого.

Маньеризм в литературе

Справедливости ради стоит сказать, что образцы маньеризма в литературе просто померкли на фоне блестящих успехов по-настоящему талантливых литераторов той эпохи. С другой стороны, любое творчество имеет право на жизнь, и маньеризм вовсе не всегда синоним слова «плохо».

Лучше, если вы сами познакомитесь с образцами литературы, которые относят к маньеризму, и составите собственное впечатление. Так, к примерам маньеризма традиционно относят роман «Эвфуэс» английского писателя Джона Лили (1553-1606), поэму «Освобожденный Иерусалим» итальянского поэта Тассо Торквато (1544-1595), сонеты португальского поэта Луиша де Камоэнса (1524-1580).

Обратите внимание, что применительно к литературе отнесение к тому или иному периоду происходит не столько на основе формальной периодизации истории искусств, сколько на основе литературоведческого анализа произведений и выделения признаков, свойственных тому или иному стилю и направлению.

Музыка и зрелищные искусства

Эпоха Возрождения в музыке характеризуется расширением технических возможностей передачи музыкальных идей, появлением новых музыкальных инструментов. Помимо известных с древнейших времен ударных, духовых и струнных инструментов, традиционно изготавливаемых из доступных в регионе материалов, появляются струнные смычковые инструменты. Например, виола:

В эпоху возрождения появились клавишные инструменты, такие как клавесин, чембало, клавикорд, верджинел. Таким образом, возможностей для передачи богатства мелодических звуков стало заметно больше.

Содержание музыкальных произведений стало более светским, что, впрочем, не означает отказа от дальнейшего развития церковной музыки. Так, именно в эпоху Возрождения появилась Римская школа в музыке. Под Римской школой принято понимать творчество композиторов второй половины 16 – первой половины 17 веков, работавших в Сикстинской капелле и писавших церковную многоголосую музыку, ориентируясь на каноны, принятые на Тридентском католическом соборе (собрании).

В светской музыке появляются новые жанры. Например, в Италии появился мадригал – произведение любовного лирического характера. Наиболее известными авторами мадригалов считаются Лука Маренцио (1553-1599) и один из основателей жанра Якоб Аркадельт (1507-1568).

Эпохе Возрождения мы обязаны и возникновением баллады, прочно занявшей свое место в музыкальной культуре, и удерживающей свою нишу в искусстве по сей день. Кроме того, возникло бесчисленное множество жанров, имевших локальное или региональное значение, однако сохранявших свое влияние на протяжении многих десятилетий той эпохи. Например, вильянсико в Испании, фроттола в Италии и многие другие.

В наследие от Ренессанса нам достались сборники музыкальных произведений для различных музыкальных инструментов. Так, лютнист и композитор Эммануэль Адрианссен (1554-1604) составил сборник произведений для лютни Pratum Musicum:

В эпоху Ренессанса продолжает развиваться танцевальное искусство. В этот период явно заметно разделение танцев на народные и придворные. Технические танцевальные приемы эпохи Ренессансы систематизированы в трудах Доменико из Пьяченцы (1390-1470), Антонио Корнацано (1430-1484), кстати, тоже родившегося в Пьяченце, и Гульельмо Эбрео (1420-1484). Их работы имели большое значение как для историков, пытавшихся воссоздать культурный облик эпохи, так и собственно для развития хореографии.

Как и прочие жанры искусства, в музыке имело место влияние маньеризма. К таковым относят поздние мадригалы Карло Джезуальдо (1560-1613) из-за их избыточной эмоциональности. При этом его вклад в развитие музыки был высоко оценен следующими поколениями композиторов, в частности, Стравинским в его «Диалогах» [И. Стравинский, 1971].

Вот такой путь прошло искусство Ренессанса. Заинтересовавшимся рекомендуем дополнительную литературу, книгу «Искусство итальянского Ренессанса. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок» [Р. Томан и др., 2005]. А сейчас самое время пройти проверочный тест и перейти к следующему уроку.

Проверьте свои знания

Если вы хотите проверить свои знания по теме данного урока, можете пройти небольшой тест, состоящий из нескольких вопросов. В каждом вопросе правильным может быть только один вариант. После выбора вами одного из вариантов система автоматически переходит к следующему вопросу. На получаемые вами баллы влияет правильность ваших ответов и затраченное на прохождение время. Обратите внимание, что вопросы каждый раз разные, а варианты перемешиваются.

Как и следует полагать, за периодом Возрождения наступает эпоха Нового времени.

Ольга Обломова

ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 1. Портретная живопись от возникновения до Раннего Ренессанса.

«Любите живопись, поэты!
Лишь ей, единственной, дано
Души изменчивой приметы
Переносить на полотно.»
Николай Заболоцкий. «Портрет»

Портретная живопись — очень обширная тема, портретный жанр в исторической ретроспективе является самым ранним, самым значимым проявлением в искусстве. Уже ранние наскальные рисунки первобытного человека, представляющие собой обведенные теневые силуэты профиля, можно считать портретами эпохи. А уж «фаюмские портреты», погребальные портреты, созданные в I-III веках в Египте и продолжающие видоизмененную под греко-римским влиянием местную традицию посмертных масок на мумии, поражают воображение своей выразительностью и реалистичностью.

Ранние фаюмские портреты выполнены в технике энкаустики (восковая живопись расплавленными красками) с обильным использованием сусального золота на древесной основе. Позже стали использовать загрунтованное полотно и темперную технику, с применение яичного желтка или животного клея.

По этим погребальным маскам (а их обнаружено в разных местах более 900) мы можем судить о том, как выглядели люди той эпохи, какой была мода, что они носили, какие у них были прически и украшения…
Следующим этапом в развитии портретной живописи было раннее средневековье, когда художник был скован строгими религиозными правилами и надуманными церковными канонами. Живопись как таковая была ограничена религиозными сюжетами и изображениями всевозможных святых. Средневековое искусство не знало портрета в современном значении этого понятия, художники не преследовали цели создать живое сходство с образом оригинала. Материальный мир с его индивидуальными формами не обладал важностью и оставался всего лишь отражением, тенью мира духовного, поэтому художественную форму можно определить как «символический портрет» в иконографии и скульптуре.

Зарождение настоящего портретного жанра в живописи происходит в период поздней готики благодаря духовному пробуждению Европы, достигая своего расцвета в эпоху, именуемую Северным Ренессансом (об этом периоде поговорим отдельно позже).
Постепенно художники начали придавать святым черты лица реально существовавших людей, иногда используя даже автопортреты.

Этот период и стиль в живописи принято называть «Проторенессансом» (дученто и треченто — 1200-1300 годы), возникшим в Италии, представителями которого были такие художники, как Томазо да Модена, Симоне Мартини, Тадео ди Бартотло, но самым известным его представителем считается Джотто ди Бондоне (1266- 1337).

Джотто можно назвать основателем итальянской школы живописи, сумевшим преодолеть иконописный стиль, использовать трехмерное пространство, светотень и иллюзию глубины. Основоположник современного искусствознания и художник Джо́рджо Ваза́ри (1511 — 1574) писал о Джотто: «И поистине чудом величайшим было то, что век тот, и грубый, и неумелый, возымел силу проявить себя через Джотто столь мудро, что рисунок, о котором люди того времени имели немного или вовсе никакого понятия, благодаря ему полностью вернулся к жизни.»

«Интерес Джотто к сложным пространственным и оптическим эффектам изменил историю живописи больше, чем какие-либо живописные приобретения его современников.»
Можно сказать, что он был провозвестником взлета итальянской живописи вообще и портретной в частности, выразившегося уже в эпоху Раннего Возрождения (Кватроченто: 1420-1500). В этот период создавали свои шедевры Гирландайо, Гоццоли, Козимо Роселли , Мантенья, Бальдовинетти, Филиппино Липпи, Перуджино, Пьеро делла Франческа и Мазаччо. Реалистический портрет, родившийся в эпоху Ренессанса, обязан своим появлением зарождению гуманистической философии, признанию ценности внутреннего мира отдельного человека и распространению станковой живописи. Портрет очень быстро завоевывает популярность в придворной среде, где становится средством прославления государей и приближенных ко двору, великих людей страны или города.

В этот период часто можно видеть проникновение портрета в монументальную живопись на религиозную тему в качестве «скрытого» портрета, где в образе святых и библейских персонажей, изображались разные известные люди, так например, в «донаторских» портретах можно видеть лица донаторов (донатор -заказчик произведений изобразительного искусства или архитектурного сооружения), которые хотели быть запечатленными на память о своих благодеяниях, изображались они обычно коленопреклоненными и молящимися, чаще — строго в профиль.

Обычно портретные изображения располагались по краям картины или фрески, и их прототипами были выдающиеся современники, родственники правителей или сами художники, как на этом портрете Мазаччо.

Постепенно в «ренессансный»метод внедряется портретирование с натуры, и благодаря схожести с оригиналом все сильнее проявляется индивидуальность образа в произведении на религиозную тему. Савонарола (итальянский монах и реформатор 1494—1498 годов) в одной проповеди упрекал художников, за то, что они в храмах изображают святых с лицами реальных людей, а молодые люди, видя тех на улицах, говорят: «эта — Магдалина, тот — Сан Джованни, вон та — Дева Мария».

Иногда, как например, в росписи Беноццо Гоццоли в капелле волхвов в Палаццо Медичи, можно увидеть мастерство в натуралистичной передаче лица, так как каждая голова на этой фреске соответствует кому-либо из членов семьи Медичи.

Еще одним важным новшеством в станковой портретной живописи стало появление пейзажного или интерьерного фона, в отличие от более ранних портретов на одноцветном, обычно черном, фоне. Этот прием особенно ярко проявился в период Высокого Возрождения, но впервые использовался именно в Раннем.

Наряду с появлением живописного фона меняется и положение фигуры или лица — привычное профильное изображение все чаще уступает место полуобороту и полному фронтальному положению, со взглядом, устремленным вдаль или на смотрящего.

Период Раннего Возрождения имеет решающее значения для развития портретной живописи, хотя и считается, что портреты эпохи Высокого Возрождения являются более важным этапом в развитии европейского портретного искусства. «Позже портретный образ будет богаче, сложнее и тоньше, иметь больше остроты и драматизма, но в нём будет не доставать радостного и сильного чувства первого открытия ценности человеческой личности, выражение в ней безмятежной гармонии индивидуального начала и типических черт». ( Гращенков В. Н.). Портрет в итальянской живописи Раннего Возрождения.)

Продолжение следует. Ссылки:
1. https://gallerix.ru/lib/portretnaya-zhivopis/
2. https://paintingromanti.jimdo.com/%D0%B6%D0%B8%D0%B2%D0%BE%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C-%D1%8D%D0%BF%D0%BE%D1%85%D0%B8-
3. http://dic.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/1327392
4.https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%BE%D1%80%D1%82%D1%80%D0%B5%D1%82_%D0%9F%D1%80%D0%BE%D1%82%D0%BE%D1%80%D0%B5%D0%BD%D0%B5%D1%81%D1%81%D0%B0%D0%BD%D1%81%D0%B0
5. http://smallbay.ru/protorenessans.html
6. https://en.wikipedia.org/wiki/Renaissance.

Проторенессанс, раннее, высокое и позднее Возрождение

За время своего существования человеческая цивилизация проходила несколько эпох, которые оказали большое влияние на все ее развитие. Некоторые вехи истории были печальными и кровавыми, они откинули человечество на несколько десятков лет назад. А вот другие принесли с собой духовный свет и поспособствовали небывалому творческому всплеску, затронувшему абсолютно все сферы жизни и искусства. Такое важное значение в истории человечества имеет Ренессанс — эпоха Возрождения, подарившая миру великих скульпторов, живописцев и поэтов.

Что значит термин «эпоха Возрождения»?

Ренессанс невозможно охарактеризовать сухой статистикой либо кратким перечислением великих людей, рожденных в этот период времени. Но необходимо понимать, что включает в себя это название.

В переводе с итальянского термин «Ренессанс» — это название, созданное слиянием двух слов «снова» и «родиться». Поэтому понятия «Ренессанс» и «эпоха Возрождения» являются тождественными. Их можно одинаково применять в объяснении периода европейской истории, который породил массу гениев и шедевров искусства.

Изначально эпохой Возрождения называли конкретный временной промежуток, когда художниками и скульпторами было создано самое большое количество шедевров. Этот период характеризуется появлением новых видов искусства и изменением отношения к ним.

Ренессанс: годы эпохи Возрождения

Долгие годы историки спорили о том, какой именно период истории относить к эпохе Возрождения. Дело в том, что Ренессанс является некоторым переходным этапом от Средневековья к новому времени. Он был связан со множеством перемен, имеющих под собой основу из сплава старых понятий и возникающих новых течений в философии, науке и искусстве.

Все это проявлялось в каждой европейской стране в разное время. Например, в Италии Ренессанс начал проявлять себя в конце тринадцатого века, а вот Франция оказалась под влиянием новой эпохи практически спустя целый век. Поэтому сегодняшнее научное сообщество понимает под эпохой Возрождения период с тринадцатого по шестнадцатый век. Многие историки с нежностью называют его «осенью Средневековья».

Философия эпохи Ренессанса: основы нового течения

Средневековье характеризуется распространением идей о преобладании духовного над земным. В этот период было принято отвергать все потребности своего тела и стремиться только к тому, чтобы очищать душу от греха, дабы подготовить ее к жизни на Небесах. Человек не стремился запечатлеть свое земное существование в ярких красках, ведь оно являлось всего лишь ожиданием чего-то необыкновенного в будущем.

Эпоха Возрождения существенно изменила мировоззрение людей. Историки связывают это с определенным экономическим подъемом, который затронул страны Европы в начале четырнадцатого века. Человек получил возможность взглянуть на мир под другим углом и оценить его красоту. Небесная жизнь отошла на второй план, и люди стали с восхищением относиться к каждому новому дню, наполненному красотами обычной повседневной жизни.

Многие искусствоведы считают, что Ренессанс — это возвращение к идеям античности. В некотором смысле это так. Ведь в эпоху Возрождения стали распространяться идеи гуманизма и достижения равновесия между человеком и природой. Античность также апеллировала к этим идеям, человеческое тело являлось предметом изучения и восхищения, а не чем-то постыдным, как в период Средневековья.

Но несмотря на подобное сходство, эпоха Возрождения являлась абсолютно новым этапом в искусстве и науке. Появлялись не только новые научные идеи, но и многочисленные приемы в живописи и скульптуре, позволяющие сделать изображение трехмерным и реалистичным. Человек вышел на абсолютно иной уровень восприятия окружающего мира, что заставило его пересмотреть все теории и догмы прошлых веков.

Где зародился Ренессанс?

В понимании искусствоведов Ренессанс — это в первую очередь Италия. Именно здесь зародились новые веяния, распространившиеся по всей Европе через несколько веков. Даже термин «Ренессанс» был введен в обиход итальянцем, заменившим им на некоторое время обозначение эпохи античности.

Если задуматься, то трудно представить, что эпоха Возрождения могла зародиться где-то еще кроме Италии. Ведь все в этой стране пронизано духом красоты и поклонения этой красоте. Римская империя когда-то оставила множество исторических памятников, которые вдохновляли своим совершенством скульпторов и живописцев. Считается, что Флоренция — город купцов и богемы — дала жизнь Ренессансу и стала его колыбелью.

До сих пор именно в этом городе можно отыскать самые яркие работы эпохи Возрождения, которые прославили своих создателей на весь мир. К ним относятся шедевры Леонардо да Винчи и Микеланджело. Параллельно с искусством развивалась и итальянская философия. За несколько десятилетий было написано множество научных трудов, посвященных новому времени и гуманистическим идеям.

Итальянское и французское Возрождение

Так как Ренессанс — это довольно длительный исторический период, то искусствоведы делят его на итальянский и французский. Вдохновленная и питаемая едиными идеями Эпоха Возрождения проявилась в этих странах по-своему, оставив в конечном итоге абсолютно различные по своей сути памятники архитектуры и живописи.

Даже в Италии принято разделять Ренессанс на несколько периодов:

• Раннее Возрождение.
• Высокое Возрождение.
• Позднее Возрождение.

В некоторых источниках указан еще один период — Проторенессанс, ставший самым первым этапом становления новой философии. Но это — весьма спорный момент, который до сих пор опровергается некоторыми учеными, включающими период с тринадцатого по конец четырнадцатого века в Раннее Возрождение.

Стоит отметить, что на итальянское Возрождение существенно влияло наследие античности. Но вот французский Ренессанс является абсолютно самобытным, он представляет собой смешение итальянских теорий с вольнодумством французских философов, породивших новый виток развития искусства. Эпоха французского Ренессанса характеризуется большим числом именно архитектурных сооружений. Особенно ярко представляют эту эпоху замки в долине Луары, построенные по велению французских королей.

Стиль Ренессанс: внешний вид людей и костюм

Неудивительно, что эпоха Возрождения оказала влияние на все сферы жизни людей. Конечно, необычные веяния были подхвачены знатью и аристократами, стремящимися воплотить в свою жизнь все новое. В первую очередь среди людей полностью изменилось отношение к красоте. Мужчины и женщины стремились максимально украсить себя, одновременно стараясь подчеркнуть естественность и выделить свои достоинства, данные от природы. Это очень ярко характеризует Ренессанс. Стиль, принятый в этот период, породил массу правил по созданию причесок и нанесению макияжа. Женщина должна была выглядеть сильной, нежной и удивительно земной.

К примеру, женский костюм эпохи Возрождения отличается некоторой объемностью, подчеркивающей приятные формы и прелести. Он декорировался множеством мелких деталей и украшений. Представительницы прекрасного пола, с восторгом принимающие Ренессанс, стиль которого диктовал неуемное стремление к красоте, носили глубокое декольте, имеющее обыкновение съезжать на одно плечо или внезапно обнажать грудь. Прически тоже становились объемными с большим количеством кудрей и вплетенными нитями. Часто на волосах закреплялась тонкая сетка с жемчужинами и драгоценными камнями, иногда она спускалась до плеч и полностью закрывала волосы сзади.

Мужской костюм эпохи Возрождения имел некоторые элементы, пришедшие из античности. Представители сильной половины человечества носили некое подобие туники с плотными чулками. Дополнением к костюму стал служить длинный плащ с воротником. В современном мире он часто используется в качестве официальной одежды на научных симпозиумах и других мероприятиях. И это неудивительно, ведь именно Ренессанс — эпоха Возрождения — заложил основы интеллигенции как социального класса. Впервые за всю историю человечества умственный труд стал цениться и позволял безбедно существовать.

Живопись Возрождения

Особенно много шедевров создали художники эпохи Ренессанса. Они породили новое отношение к изображению человеческого тела, которое представало на полотнах во всей своей красе. Но для этого необходимо было в мельчайших подробностях знать все анатомические особенности человека. Поэтому все знаменитые и успешные художники эпохи Ренессанса были одновременно и учеными, находящимися в постоянном поиске новых знаний и моделей.

Самым яркими представителем мира искусства является Леонардо да Винчи. Этот необыкновенно одаренный человек был одновременно художником, ученым, скульптором и архитектором. Многие из его идей значительно опередили свое время, что дает право называть его еще и изобретателем. Самыми знаменитыми полотнами Леонардо да Винчи являются «Тайная вечеря» и «Джоконда». Многие ученые современности смело называют гениального да Винчи «универсальным человеком», который с лихвой воплотил в себе все основные идеи Ренессанса.

Говоря об эпохе Возрождения, нельзя не упомянуть великого Рафаэля, написавшего огромное количество мадонн. В начале шестнадцатого века он был приглашен в Ватикан и принимал участие в росписи Сикстинской капеллы, где написал несколько библейских сюжетов. Одной из самых знаменитых его работ стала так называемая «Сикстинская мадонна».

Ренессанс: литература

Литературный жанр претерпел большие изменения, которые принес Ренессанс. Литература эпохи Возрождения характеризуется обличением церкви, человек становится главным действующим лицом всех сюжетов. Уже немодно использовать библейские притчи и восхваления церковнослужителей. На первый план выходят отношения людей и их чувства.

Среди жанров становятся популярными новеллы и сонеты. Эти стишки в несколько строк вмещали в себя огромный смысл и эмоциональный посыл. Появились первые публицисты, пишущие о реалиях жизни в философском жанре. Большое значение приобретает драматургия. В эпоху Возрождения творили Шекспир и Лопе де Вега, которые до сих пор считаются величайшими представителями своего времени.

Научная мысль Эпохи Возрождения

Идеи гуманизма серьезно повлияли на науку Ренессанса. Естественно, огромное значение оказало книгопечатание. С этого мгновения распространять свои идеи на широкую аудиторию становится гораздо проще. И теперь все новые веяния быстрее проникают в умы обычных людей.

Научные деятели Ренессанса были, скорее, не просто учеными, а представляли собой сплав философов, общественных деятелей и писателей. Петрарка и Макиавелли, например, стремились познавать человека целиком во всех его проявлениях. Героем их трудов становился обычный горожанин, который должен был получить от научного прогресса массу плюсов.

Архитектура эпохи Ренессанса

Для архитектуры Возрождения характерно стремление к симметрии и соблюдению пропорций. В моду входят арки, купола и ниши. Архитекторы создают здания, которые словно парят в воздухе. Они, несмотря на свою монументальность, кажутся легкими и очаровательными.

Больше всего памятников эпохи Возрождения сохранилось во Флоренции и Венеции. Достаточно просто один раз взглянуть на собор Санта-Мариа-дель-Фьоре в городе купцов, чтобы понять все те идеи новой эпохи, которые вдохновили архитектора на создание подобного шедевра.

О Ренессансе можно говорить бесконечно долго. Этот период в истории человечества можно назвать одним из самых ярких и продуктивных. До сих пор творения многих представителей того времени современные искусствоведы изучают с большим трепетом и восхищением. Можно с уверенностью говорить о том, что деятели эпохи Возрождения опередили свое время на несколько столетий.

Возрождение возникло в Италии - его первые признаки появились ещё в XIII-XIV вв. Но твёрдо оно установилось с 20-х годов XV в., а к концу XV в. достигло своего наивысшего расцвета.

В других странах Возрождение началось значительно позже. В XVI в. начинается кризис идей Возрождения, следствие этого кризиса - возникновение маньеризма и барокко.

Периоды эпохи Возрождения

Периоды истории итальянской культуры принято обозначать названиями столетий:

• Проторенессанс (дученто)  - 2-я половина XIII в.-XIV в.
• Раннее Возрождение (треченто) -  начало XV-конец XV в.
• Высокое Возрождение (кватроченто) -  конец XV-первые 20 лет XVI в.
• Позднее Возрождение (чинквеченто) -  середина XVI-90-е годы XVI в.

Для истории итальянского Возрождения решающее значение имел глубочайший перелом в сознании, взглядах на мир и человека, который относится к эпохе коммунальных революций 2-й половины XIII века.

Именно этот перелом открывает новый этап в истории западноевропейской культуры. Связанные с ним принципиально новые тенденции нашли свое наиболее радикальное выражение в итальянской культуре и искусстве так называемой «эпохи Данте и Джотто»  - последней трети XIII века и двух первых десятилетий XIV-го.

В становлении Возрождения свою роль сыграло падение Византийской империи. Перебравшиеся в Европу византийцы привезли с собой свои библиотеки и произведения искусства, не известные средневековой Европе. В Византии никогда не порывали и с античной культурой.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма - общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. В середине XV в. было изобретено книгопечатание, которое сыграло важную роль в распространении новых взглядов по всей Европе.

Человек эпохи Возрождения

Человек эпохи Возрождения резко отличается от средневекового человека. Для него характерна вера в мощь и силу разума, преклонение перед необъяснимым даром творчества.

Гуманизм выставляет в центр внимания мудрость человека и ее достижения, как высшее благо для разумного существа. Собственно это и приводит к бурному расцвету науки.

Гуманисты считают своим долгом активно распространять литературу античных времен, ведь именно в познании они видят подлинное счастье.

Одним словом, человек эпохи Возрождения пытается развиваться и улучшать «качество» индивида посредством изучения античного наследия, как единственного основания.

А интеллект в этом преобразовании занимает ключевое место. Отсюда возникновение различных антиклерикальных идей, часто выступающих необоснованно враждебно к религии и церкви.

Проторенессанс

Проторенессанс является предтечей Возрождения. Он ещё тесно связан со средневековьем, с византийскими, романскими и готическими традициями.

Делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию.

Для искусства проторенессанса характерно появление тенденций к чувственному, наглядному отражению реальности, светскость (в отличие от искусства Средневековья), появление интереса к античному наследию (свойственного искусству эпохи Возрождения).

У истоков итальянского Проторенессанса стоит работавший во второй половине XIII века в Пизе мастер Никколо. Он стал основателем школы скульптуры, просуществовавшей до середины XIV века и распространившей свое внимание по всей Италии.

Конечно, многое в скульптуре пизанской школы еще тяготеет к прошлому. В ней сохраняются старые аллегории и символы. В рельефах отсутствует пространство, фигуры тесно заполняют поверхность фона. И все же реформы Никколо значимы.

Использование классической традиции, акцентировка объема, материальности и весомости фигуры, предметов, стремление внести в изображение религиозной сцены элементы реального земного события создали основу для широкого обновления искусства.

В 1260–1270 годах мастерская Никколо Пизано выполняла многочисленные заказы в городах средней Италии.
Новые веяния проникают и в живопись Италии.

Подобно тому, как Никколо Пизано реформировал итальянскую скульптуру, Каваллини заложил основу нового направления в живописи. В своем творчестве опирался на позднеантичные и раннехристианские памятники, которыми в его время был еще богат Рим.

Заслуга Каваллини состоит в том, что он стремился преодолеть плоскостность форм и композиционного построения, которые были присущи господствовавшей в его время в итальянской живописи”византийской” или”греческой” манере.

Он вводил заимствованную у древних художников светотеневую моделировку, достигая округлости и пластичности форм.

Однако со второго десятилетия XIV века художественная жизнь в Риме замерла. Ведущая роль в итальянской живописи перешла к флорентийской школе.

Флоренция в течение двух столетий была чем-то вроде столицы художественной жизни Италии и определяла главное направление развития ее искусства.

Но самым радикальным реформатором живописи был Джотто ди Бондоне (1266/67–1337).

В своих работах Джотто подчас достигает такой силы в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств, которая позволяет видеть в нем предшественника величайших мастеров Возрождения.

Трактуя евангельские эпизоды как события человеческой жизни, Джотто помещает его в реальную обстановку, отказываясь при этом от соединения в одной композиции разновременных моментов. Композиции Джотто всегда пространственны, хотя сцена, на которой разыгрывается действие, обычно не глубока. Архитектура и пейзаж в фресках Джотто всегда подчинены действию. Каждая деталь в его композициях направляет внимание зрителя к смысловому центру.

Еще одним важным центром искусства Италии конца XIII века - первой половины XIV века была Сиена.

Искусство Сиены отмечено чертами утонченной изысканности и декоративизма. В Сиене ценили французские иллюстрированные рукописи и произведения художественных ремесел.

В XIII-XIV столетиях здесь был воздвигнут один из изящнейших соборов итальянской готики, над фасадом которого работал в 1284–1297 годах Джованни Пизано.

Для архитектуры проторенессанса характерны уравновешенность и спокойствие.

Представитель: Арнольфо ди Камбио.

Для скульптуры этого периода характерны пластическая мощь и наличие влияния позднеантичного искусства.

Представитель: Никколо Пизано, Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио.

Для живописи характерно появление осязательности и материальной убедительности форм.

Представители: Джотто, Пьетро Каваллини, Пьетро Лоренцетти, Амброджо Лоренцетти, Чимабуэ.

Раннее Возрождение

В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный перелом. Возникновение мощного очага Ренессанса во Флоренции повлекло за собой обновление всей итальянской художественной культуры.

Творчество Донателло, Мазаччо и их сподвижников знаменует победу ренессанского реализма, существенно отличавшегося от того”реализма деталей”, который был характерен для готизирующего искусства позднего треченто.

Произведения этих мастеров проникнуты идеалами гуманизма.Они героизируют и возвеличивают человека, поднимают его над уровнем обыденности.

В своей борьбе с традицией готики художники раннего Возрождения искали опору в античности и искусстве Проторенессанса.

То, что только интуитивно, на ощупь искали мастера Проторенессанса, теперь основывается на точных знаниях.

Итальянское искусство XV века отличается большой пестротой. Различие условий, в которых формируются местные школы, порождает разнообразие художественных течений.

Новое искусство, победившее в начале XV века в передовой Флоренции, далеко не сразу получило признание и распространение в других областях страны. В то время как во Флоренции работали Брунелесски, Мазаччо, Донателло, в северной Италии еще были живы традиции византийского и готического искусства, лишь постепенно вытесняемые Ренессансом.

Главным очагом раннего Возрождения была Флоренция. Флорентийская культура первой половины и середины XV века разнообразна и богата.

Для архитектуры раннего Возрождения характерна логика пропорций, форма и последовательность частей подчинены геометрии, а не интуиции, что было характерной чертой средневековых сооружений

Представитель: Палаццо Ручеллаи, Филиппо Брунеллески, Леон Баттиста Альберти.

Для скульптуры этого периода характерно развиватие свободно стоящей статуи, живописный рельеф, портретный бюст, конный монумент.

Представитель: Л. Гиберти, Донателло, Якопо делла Кверча, семья делла Роббиа, А. Росселлино, Дезидерио да Сеттиньяно, Б. да Майано, А. Верроккьо.

Для живописи характерно ощущение гармонической упорядоченности мира, обращение к этическим и гражданским идеалам гуманизма, радостное восприятие красоты и многообразия реального мира.

Представители: Мазаччо, Филиппо Липпи, А. дель Кастаньо, П. Уччеллo, Фра Анджелико, Д. Гирландайо, А. Поллайоло, Верроккьо, Пьеро делла Франческа, А. Мантенья, П. Перуджино.

Высокое Возрождение

Кульминация искусства (конец XV и первые десятилетия XVI века), преподнесшая миру таких великих мастеров как Рафаэль, Тициан, Джорджоне и Леонардо да Винчи именуется этапом Высокого Возрождения.

Сосредоточение художественной жизни Италии в начале XVI века перемещается в Рим.

Папы добивались под властью Рима объединить всю Италию, делая попытки обратить его в культурный и ведущий политический центр. Но, так и не став политической точкой отсчёта, Рим преображается на некторое время в цитадель духовной культуры и искусства Италии. Причиной этому послужила также и меценатская тактика пап, которые привлекали лучших художников в Рим.

Флорентийская школа и многие другие (старые локальные) теряли свою прежнюю значимость.

Единственным исключением стала богатая и независимая Венеция, демонстрирующая яркую оригинальность культуры на протяжении всего XVI.

За счёт постоянной связи с великими произведениями архаики, искусство освобождалось от многословия , зачастую столь характерному творчеству виртуозов кватроченто.

Художники Высокого Возрождения обрели способность опускать маленькие подробности, не влияющие на общий смысл и стремиться достичь в своих творениях гармонию и сочетание лучших сторон реальности.

Творчество характеризуется верой в неограниченность человеческих возможностей, в его индивидуальность и в рациональный мировой аппарат.

Главным мотивом искусства Высокого Возрождениявыступает образ гармонически развитого и сильного как телом, так и духом человека, который находится выше повседневной обыденности.

Так как скульптура и живопись избавляется от беспрекословного рабства зодчества, что и даёт жизнь к формированию новых жанров искусства таких как: пейзаж, историческая живопись, портрет.

В этом периоде архитектура Высокого Ренессанса набирает наибольшие обороты. Теперь все без исключения заказчики не желали видеть в своих домах и капли средневековья. Улицы Италии стали пестреть не просто роскошными особняками, а дворцами с обширными насаждениями. Надо отметить, что известные в истории сады эпохи Возрождения появились как раз в этот период.

Религиозные и общественные сооружения также перестали отдавать духом прошлого. Храмы новой застройки, как будто восстали из времен Римского язычества. Среди памятников архитектуры этого периода можно встретить монументальные здания с обязательным наличием купола.

Грандиозность данного искусства было почитаемо ещё и современниками, - так Вазари говорил о нём как о: «высшей ступени совершенства, которой ныне достигли наиболее ценимые и наиболее прославленные творения нового искусства».

Для архитектуры высокого Возраждения характерны монументальность, представительное величие, грандиозность замыслов (пришедшие из Древнего Рима), интенсивно проявившиеся в брамантовских проектах собора святого Петра и перестройки Ватикана.

Представитель: Донато Браманте, Антонио да Сангалло, Якопо Сансовино

Для скульптуры этого периода характерны героический пафос и, одновременно трагическое ощущение кризиса гуманизма. Ппрославляется сила и мощь человека, красота его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире.

Представитель: Донателло, Лоренцо Гиберти, Брунеллески, Лука делла Роббиа, Микелоццо, Агостино ди Дуччо, Пизанелло.

Для живописи характерна передача мимики лица и тела человека, появляются новые способы передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам.

Представители: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Тициан, Якопо Сансовино.

Позднее Возрождение

В это время происходит затмение и появление новой художественно культуры. Не вызывает потрясений и тот факт, что творчество данной поры крайне сложно и отличается преобладанием противоборства различных направлений. Хотя если не рассматривать самый конец XVI века - время вступления на манеж братьев Карраччи и Караваджо, то можно сузить всё разнообразие искусства к двум основным тенденциям.

Феодально-католическая реакция нанесла смертельный удар Высокому Возрождению, но не смогла убить мощную художественную традицию, которая формировалась на протяжении двух с половиной столетий в Италии.

Только богатая Венецианская республика, свободная и от власти Папы, и от господства интервентов, обеспечила развитие искусства в этом регионе. Возрождение в Венеции обладало своими особенностями.

Если говорить о творениях известных художников второй половины XVI века, то им ещё присущ ренессанский фундамент, но уже с некоторыми изменениями.

Судьба человека уже не рисовалась столь беззаветной, хотя отголоски темы героической личности, которая готова сражаться со злом и ощущение реальности всё же до сих пор присутствуют.

Основы искусства XVII столетия были заложены в творческих поисках этих мастеров, благодаря которым были созданы новые выразительные средства.

К данному течению относятся немногие художники, но зато именитые мастера старшего поколения, пойманные кризисом на кульминации их творчества, такие как Тициан и Микеланджело. В Венеции, которая занимала неповторимое положение в художественной культуре Италии XVI века, это направленность присуща и для художников младшего поколения - Тинторетто, Бассано, Веронезе.

Представителями второго направления являются совершенно разные мастера. Их объединяет лишь субъективность в восприятии мира.

Данное направление получает своё распространение во второй половине XVI века и, не ограничиваясь Италией, перетекает и в большинство европейских стран. В искусствоведческой литературе конца прошлого столетия именуясь «маньеризмом ».

Пристрастие к роскоши, декоративности и нелюбовь к ученым изысканиям задерживали проникновение в Венецию художественных идей и практики флорентийского Возрождения.

Пришедшая на смену Средним векам и предшествующая Просвещению и Новому времени . Приходится — в Италии — на начало XIV века (повсеместно в Европе — с XV-XVI веков) — последнюю четверть XVI веков и в некоторых случаях — первые десятилетия XVII века. Отличительная черта эпохи Возрождения — светский характер культуры, её гуманизм и антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Расцветает интерес к античной культуре , происходит её «возрождение» — так и появился термин.

Термин Возрождение встречается уже у итальянских гуманистов , например, у Джорджо Вазари . В современном значении термин был введён в обиход французским историком XIX века Жюлем Мишле . В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета.

Общая характеристика [ | ]

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях : мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма — общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировоззрение обратилось к античности , видя в ней пример гуманистических, неаскетичных отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Периоды эпохи Возрождения [ | ]

Возрождение делят на 4 этапа:

1. Проторенессанс (2-я половина XIII века — XIV век)
2. Раннее Возрождение (начало XV — конец XV века)
3. Высокое Возрождение (конец XV — первые 20 лет XVI века)
4. Позднее Возрождение (середина XVI — 1590-е годы)

Проторенессанс [ | ]

Проторенессанс тесно связан со средневековьем, собственно и появился в Позднем средневековье, с византийскими , романскими и готическими традициями, этот период явился предтечей Возрождения. Он делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию. В конце XIII века во Флоренции возводится главное храмовое сооружение — собор Санта Мария дель Фьоре , автором был Арнольфо ди Камбио , затем работу продолжил Джотто, спроектировавший кампанилу Флорентийского собора .

Раньше всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре (Никколо и Джованни Пизано , Арнольфо ди Камбио , Андреа Пизано). Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции (Чимабуэ , Джотто) и Сиены (Дуччо , Симоне Мартини). Центральной фигурой живописи стал Джотто . Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло её развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.

Раннее Возрождение [ | ]

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с по 1500 года . В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого (Средних веков), но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием всё сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп , а также в Испании , Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится приблизительно до середины следующего века.

Высокое Возрождение [ | ]

Третий период Возрождения — время самого пышного развития его стиля — принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с по 1527 год . В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II — человека честолюбивого, смелого, предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла : в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античность изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они с большой находчивостью и живостью фантазии свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.

Творчество трех великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это — Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело Буонарроти (1475-1564) и Рафаэль Санти (1483-1520).

Позднее Возрождение [ | ]

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия пишет , что «Возрождение, как целостный исторический период закончилось с падением Рима в 1527 году». В Южной Европе восторжествовала Контрреформация , которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий — маньеризм . В Парму , где работал Корреджо , маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х годов там работали Тициан и Палладио , чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.

Северное Возрождение [ | ]

Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до г. После г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко .

Само понятие «Возрождение» (rinascita) возникло в Италии в XIV веке как некий итог осмысления новаторства эпохи. Традиционно родоначальником эпохи Возрождения в литературе считают Данте Алигьери. Именно он впервые обратился к человеку, его страстям, его душе в своем произведении под названием «Комедия», которое впоследствии будет названо «Божественной комедией». Именно он был первым поэтом, который четко и непреклонно возродил гуманистическую традицию. Северное Возрождение — термин, использующийся для описания эпохи Возрождения в северной Европе, или более обобщающее — во всей Европе за пределами Италии, к северу от Альп. Северное Возрождение тесно связано с итальянским Возрождением, но имеется ряд характерных отличий. Как таковое, Северное Возрождение не являлось однородным: в каждой стране оно имело определённые специфические черты. В современной культурологии общепринято считать, что именно в литературе Возрождения наиболее полно выразились гуманистические идеалы эпохи, прославление гармонической, свободной, творческой, всесторонне развитой личности.

Период Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение» .

Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.

Возрождение в России [ | ]

Тенденции Возрождения, существовавшие в Италии и Центральной Европе, повлияли на Россию во многих отношениях, хотя это влияние было весьма ограничено из-за больших расстояний между Россией и основными европейскими культурными центрами с одной стороны, и сильной привязанности русской культуры к своим православным традициям и византийскому наследию с другой стороны.

Наука [ | ]

В целом, преобладающая в данную эпоху пантеистическая мистика Возрождения создавала неблагоприятный идейный фон для развития научных знаний. Окончательное становление научного метода и последовавшая за ней Научная революция XVII ст. связаны с оппозиционным Возрождению движением Реформации .

Философия [ | ]

Философы эпохи Возрождения

Литература [ | ]

Истинным родоначальником эпохи Возрождения в литературе принято считать итальянского поэта Данте Алигьери (1265-1321), который истинно раскрыл сущность людей того времени в своем произведении под названием «Комедия», которое впоследствии будет названо «Божественной комедией» . Этим названием потомки явили своё восхищение грандиозным созданием Данте. В литературе Возрождения наиболее полно выразились гуманистические идеалы эпохи, прославление гармонической, свободной, творческой, всесторонне развитой личности. Любовные сонеты Франческо Петрарки (1304-1374) открыли глубину внутреннего мира человека, богатство его эмоциональной жизни. В XIV-XVI веке итальянская литература пережила расцвет — лирика Петрарки, новеллы Джованни Боккаччо (1313-1375), политические трактаты Никколо Макиавелли (1469-1527), поэмы Лудовико Ариосто (1474-1533) и Торквато Тассо (1544-1595) выдвинули её в число «классических» (наряду с древнегреческой и древнеримской) литератур для других стран.

Литература Возрождения опиралась на две традиции: народную поэзию и «книжную» античную литературу, поэтому часто рациональное начало сочеталось в ней с поэтической фантастикой, а комические жанры получили большую популярность. Это проявилось в наиболее значительных литературных памятниках эпохи: «Декамероне» Боккаччо , «Дон Кихоте» Сервантеса , и «Гаргантюа и Пантагрюэле» Франсуа Рабле . С эпохой Возрождения связано появление национальных литератур — в отличие от литературы средних веков, создававшейся преимущественно на латыни. Широкое распространение получили театр и драма. Самыми известными драматургами этого времени стали Уильям Шекспир (1564-1616, Англия) и Лопе де Вега (1562-1635, Испания)

Изобразительное искусство [ | ]

Для живописи эпохи Возрождения характерно обращение профессионального взгляда художника к природе, к законам анатомии, жизненной перспективе, действию света и другим идентичным естественным явлениям.

Художники Возрождения, работая над картинами традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа как элемент сюжета на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чём проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении .

Архитектура [ | ]

Главное, чем характеризуется эта эпоха — возвращение в архитектуре к принципам и формам античного, преимущественно римского искусства. Особенное значение в этом направлении придаётся симметрии , пропорции , геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры . Сложная пропорция средневековых зданий сменяется упорядоченным расположением колонн , пилястр и притолок , на смену несимметричным очертаниям приходит полукруг арки , полусфера купола , ниши , эдикулы . Наибольший вклад в развитие ренессансной архитектуры внесли пять мастеров:

• Филиппо Брунеллески (1377-1446) — основоположник ренессансной архитектуры, разработал теорию перспективы и ордерную систему , вернул в строительную практику многие элементы античной архитектуры, создал впервые за многие столетия купол (Флорентийского собора), до сих пор доминирующий в панораме Флоренции .
• Леон Баттиста Альберти (1402-1472) — крупнейший теоретик ренессансной архитектуры, создатель её целостной концепции, переосмыслил мотивы раннехристианских базилик времён Константина , в палаццо Ручеллаи создал новый тип городской резиденции с фасадом , обработанным рустом и расчленённым несколькими ярусами пилястр .
• Донато Браманте (1444-1514) — зачинатель архитектуры Высокого Возрождения, мастер центрических композиций с идеально выверенными пропорциями; на смену графической сдержанности архитекторов кватроченто у него приходят тектоническая логика, пластичность деталей, цельность и ясность замысла (Темпьетто).
• Микеланджело Буонарроти (1475-1564) — главный архитектор Позднего Возрождения, руководивший грандиозными строительными работами в папской столице ; в его постройках пластическое начало выражается в динамичных контрастах как бы наплывающих масс, в величественной тектоничности, предвещающей искусство

Каждый период истории человечества оставил что-то свое – уникальное, непохожее на других. Европе в этом отношении повезло больше – на ее долю выпали многочисленные изменения в сознании человека, культуре, искусстве. Закат античного периода ознаменовал собой приход так называемых «темных веков» — средневековья. Признаемся, это было тяжелое время -церковь подчинила себе все аспекты жизни европейских граждан, культура и искусство находились в глубоком упадке.

Любое инакомыслие, противоречащее Священному Писанию, строго каралось инквизицией – специально созданных судом, преследующим еретиков. Однако любая беда рано или поздно отступает – так получилось и со средними веками. На смену тьме пришел свет – Ренессанс, или эпоха Возрождения. Ренессанс был периодом европейского культурного, художественного, политического и экономического «возрождения» после Средневековья. Он способствовал новому открытию классической философии, литературы и искусства.

Некоторые из величайших мыслителей, авторов, государственных деятелей, ученых и художников в истории человечества творили в эту эпоху. Совершались открытия в науках и географии, исследовался мир. Этот благословенный для ученых период длился почти три столетия с 14 по 17 века. Расскажем о нем более подробно.

Ренессанс

Ренессанс (от фр. Re – заново, снова, naissance – рождение) ознаменовал собой абсолютно новый виток истории Европы. Ему предшествовали средневековые периоды, когда культурное образование европейцев находилось в зачаточном состоянии. С падением Римской империи в 476 году и разделением ее на две части – Западную (с центром в Риме) и Восточную (Византия) пришли в упадок и античные ценности. С исторической точки зрения все логично – 476 год считается датой окончания античного периода. Но с культурной – такое наследие не должно было просто так исчезнуть. Византия шла по своему пути развития – столица Константинополь вскоре стала одним из самых красивых городов мира, где были созданы уникальные шедевры архитектуры, появлялись художники, поэты, писатели, создавались огромные библиотеки. В целом Византия ценила свое античное наследие.

Западная же часть бывшей империи подчинилась молодой католической церкви, которая, боясь потерять влияние на столь большую территорию, быстро запретила как античную историю и культуру, так и не давала развиваться новой. Этот период стал называться Средними веками, или Темными временами. Хотя, справедливости ради отметим, что не все было так плохо – именно в это время на карте мира появляются новые государства, процветают города, появляются торговые унии (профсоюзы), расширяются границы Европы. И самое главное – происходит всплеск развития технологий. В период средневековья было изобретено больше предметов, чем за предыдущее тысячелетие. Но, безусловно, этого было недостаточно.

Саму эпоху Возрождения принято делить на четыре периода – Проторенессанс (2 половина 13 в. – 15 в.), Раннее Возрождение (все 15-ое столетие), Высокое Возрождение (конец 15 в. – первая четверть 16 в.) и Позднее Возрождение (середина 16 в – конец 16 в.). Конечно, эти даты весьма условны – ведь для каждого европейского государства Возрождение было свое и по своему календарю и времени.

Появление и развитие

Здесь нужно отметить следующий любопытный факт – в появлении и развитии (в большей степени в развитии) Ренессанса сыграло свою роль роковое падение в 1453 году. Те, кому посчастливилось спастись от нашествия турок, бежали в Европу, но не с пустыми руками – люди брали с собой множество книг, произведений искусства, античных источников и рукописей, до сей поры неизвестных Европе. Родиной Возрождения официально считается Италия, но и другие страны также попали под влияние Ренессанса.

Этот период отличает появление новых течений в философии и культуре – например, гуманизм. В 14 веке, культурное движение гуманизма начал набирать обороты в Италии. Среди его многочисленных принципов гуманизм продвигал идею о том, что человек является центром своей собственной Вселенной, а разум обладал неимоверной мощью, способной перевернуть мир. Гуманизм способствовал всплеску интереса к античной литературе.

Философия, литература, архитектура, живопись

Среди философов появлялись такие имена, как Николай Кузанский, Николо Макиавелли, Томазо Кампанелла, Мишель Монтень, Эразм Роттердамский, Мартин Лютер и многие другие. Ренессанс дал им возможность создавать свои произведения, согласно новому веянию времени. Изучались более глубоко природные явления, появлялись попытки их объяснения. И в центре всего этого, конечно, находился человек – главное творение природы.

Литература также претерпевает изменения – авторы создают произведения, прославляющие гуманистические идеалы, показывающие богатый внутренний мир человека, его эмоции. Родоначальником литературного Возрождения стал легендарный флорентиец Данте Алигьери, создавший свой самый знаменитый труд «Комедия» (позже названный «Божественная комедия»). В довольно свободной манере он описал ад и рай, что совсем не понравилось церкви – только она должна знать это, чтобы влиять на умы людей. Данте легко отделался – его всего лишь выслали из Флоренции, запретив возвращаться назад. А могли и сжечь, как еретика.

Среди других авторов эпохи Ренессанса можно назвать Джованни Бокаччо («Декамерон»), Франческо Петрарка (его лирические сонеты стали символом раннего Возрождения), Уильяма Шекспира (в представлении не нуждается), Лопе де Вега(испанский драматург, самое знаменитое его произведение – «Собака на сене»), Сервантес («Дон Кихот»). Отличительной чертой литературы этого периода стали произведения на национальных языках – до Возрождения все писалось на латыни.

И, разумеется, нельзя не упомянуть техническую революционную вещь – печатный станок. В 1450 году в мастерской печатника Иоганна Гутенберга был создан первый печатный станок, позволивший издавать книги в большем объеме и сделать их доступными широким массам, таким образом повысив их грамотность. Что оказалось чревато для них самих — по мере того, как все больше людей учились читать, писать и интерпретировать идеи, они начали внимательно изучать и критиковать религию, в том виде, в каком они ее знали.

Живопись эпохи Возрождения известна на весь мир. Назовем лишь несколько имен, которые знает каждый – Пьетро делла Франческо, Сандро Ботичелли, Доменико Гирландайо, Рафаэль Санти, Микеландело Боунаротти, Тициан, Питер Брейгель, Альбрехт Дюрер. Отличительной чертой живописи этого времени является появление пейзажа на заднем фоне, придание телам реализма, мускулатуры (касается и мужчин, и женщин). Дамы изображены «в теле» (вспомним знаменитое выражение «Тициановская девушка» — полная, в самом соку девушка, символизирующая собой саму жизнь).

Меняется и архитектурный стиль –на смену готике приходит возвращение к римскому античному типу постройки. Появляется симметрия, вновь возводятся арки, колонны, купола. В целом архитектура этого периода дает начало классицизму и барокко. Среди легендарных имен можно назвать Филиппо Брунеллески, Микеланджело Боунаротти, Андреа Палладио.

Эпоха Возрождения закончилась в конце 16 века, уступив место новому Времени и его спутнику – Просвещению. В течение всех трех столетий церковь боролась с наукой, как могла, пуская в ход все, что можно, но окончательно победить так и не получилось – культура все равно продолжала процветать, появлялись новые умы, бросавшие вызов могуществу церковников. А эпоха Ренессанса до сих пор считается венцом европейской средневековой культуры, оставив после себя памятники-свидетелей тех далеких событий.

Поделись статьей:

Похожие статьи

Ренессанс (Возрождение) (Renaissance) , эпоха интеллектуального и художественного расцвета, который начался в Италии в 14 веке, достигнув пика в 16 веке и оказав значительное влияние на европейскую культуру. Термин «Возрождение», означавший возврат к ценностям античного мира (хотя интерес к римской классике возник ещё в 12 веке), появился в 15 веке и получил теоретическое обоснование в 16 веке в трудах Вазари, посвящённых творчеству знаменитых художников, скульпторов и зодчих. В это время сложилось представление о царящей в природе гармонии и о человеке как венце её творения. Среди выдающихся представителей этой эпохи — художник Альберти ; архитектор, художник, учёный, поэт и математик Леонардо да Винчи . Архитектор Брунеллески, новаторски используя эллинистические (античные) традиции, создал несколько зданий, не уступавших по красоте лучшим античным образцам. Очень интересны работы Браманте, которого современники считали самым талантливым архитектором Высокого Возрождения, и Палладио, создавших крупные архитектурные ансамбли, отличавшиеся цельностью художественного замысла и разнообразием композиционных решений. Здания театров и декорации сооружались на основе архитектурных работ Витрувия (около 15 г. до н.э.) в соответствии с принципами римского театра. Драматурги следовали строгим классическим канонам. Зрительный зал, как правило, напоминал по форме конскую подкову, перед ним находилось возвышение с авансценой, отделявшейся от основного пространства аркой. Это и было принято за образец театрального здания для всего западного мира на следующие пять столетий. Живописцы Ренессанса создали цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира, наполнили традиционные религиозные сюжеты земным содержанием (Никола Пизано, конец 14 века; Донателло, начало 15 века). Реалистическое изображение человека стало главной целью художников Раннего Возрождения, о чем свидетельствуют творения Джотто и Мазаччо. Изобретение способа передачи перспективы способствовало более правдивому отображению действительности. Одной из главных тем произведений живописи Ренессанса (Жильбер, Микеланджело) были трагическая непримиримость конфликтов, борьба и гибель героя. Около 1425 г. Флоренция стала центром Ренессанса (флорентийское искусство), но к началу 16 века (Высокое Возрождение) ведущее место заняли Венеция (венецианское искусство) и Рим. Культурными центрами являлись дворы герцогов Мантуи, Урбино и Феррады. Главными меценатами были Медичи и римские папы, особенно Юлий II и Лев Х. Крупнейшими представителями «северного Ренессанса» были Дюрер, Кранах Старший, Хольбейн. Северные художники в основном подражали лучшим итальянским образцам, и только немногие, например Ян ван Скорел , сумели создать свой стиль, который отличался особой элегантностью и грацией, названной в последствии — маньеризм . Художники Ренессанса: Известные картины художников Ренессанса (Эпохи Возрождения) Мона Лиза

Архитектура Флоренции эпохи Возрождения

Архитектура Ренессанса (Эпохи Возрождения)

Эпоха Возрождения, или Ренессанс – это период в истории европейских государств, охватывающий XIV — XVI века. Название этой эпохи возникло в Италии, где еще в конце тринадцатого века оживился интерес к античной культуре, с ее гуманизмом, культом красоты и стремлением к познанию.

Средневековье, предшествовавшее эпохе Возрождения, характеризовалось доминированием церковной власти над светской, противопоставлением духа и материи, приоритетом религиозной веры перед разумом. Архитектура Средневековья – это устремленные ввысь готические храмы, живопись и скульптура – это условные изображения святых, лишенные правильных пропорций.

Собор Санта-Мария-дель-Фьоре (итал. La Cattedrale di Santa Maria del Fiore) — кафедральный собор во Флоренции. Архитекторы: Филиппо Брунеллески, Джотто ди Бондоне.

Смена эпох – это не только новые стили в искусстве. Главное содержание перемен – изменение мировоззрения. Аскетизм и духовность Средневековья когда-то сменили распущенные нравы пришедшего в упадок античного общества. Но прошло несколько веков, и непреходящие ценности древней Эллады вернулись в Европу. Образцы античной культуры сохранились в Византии, и после ее разрушения беглецы наводнили Италию. Художники, архитекторы, артисты принесли в теплые южные города разноцветное жизнерадостное искусство, начало которого относилось к временам Трои и Афин. В Европу вернулись тексты античных мудрецов, а вместе с ними – изменение в понимании мира и человека.

Базилика Санто-Спирито (итал. Basilica di Santa Maria del Santo Spirito) — католическая церковь во Флоренции (Италия). Архитектор Филиппо Брунеллески.

Пришедшая в Европу новая эпоха характеризовалась гуманизмом, то есть утверждением ценности человека, и не только ценностью его души, но также его тела и разума. Это соответствовало античным традициям, поэтому новые тенденции получили названия Возрождения, возвращения, повторения. Это название стало общим для всех стран, вовлеченных в процесс культурных перемен, хотя в северных краях и в России новые веяния не означали возвращения к истокам.

Распространение культуры Возрождения по Европе

Говоря об этой эпохе, имеют в виду страны христианской культуры. Прежде всего католические, где религиозные догматы в эпоху Средневековья были наиболее суровы. Как известно, тенденции проявились прежде всего в итальянских городах, и распространились на территорию Франции, Нидерландов, Испании, Германии, и далее на север и восток, в православные земли. В России, во время правления Ивана Третьего, расцвело зодчество, и этому способствовало участие итальянских архитекторов. Формы Кремлевских покоев и храмов несут в себе печать итальянского Возрождения, вернее его синтеза с русскими архитектурными традициями.

Успенский собор Московского Кремля. Архитектор Аристотель Фьораванти.

Архитектура Ренессанса: в чем отличие от Средневековья?

Изобразительное искусство Ренессанса имеет яркие признаки, однозначно отличающие их от готической эпохи. Возвращение античных традиций привело к появлению светских, не религиозных сюжетов в искусстве. Вернулось изображение обнаженной натуры, вошли в моду портреты конкретных людей. Начался расцвет естественных наук. Знание, достигнутое логическим рассуждением и экспериментом, объявлялось не менее ценным, чем содержание религиозных книг.

Но как определить отличия эпохи Ренессанса от Средневековья в архитектуре? Сделать это непросто по нескольким причинам.

Создания шедевров архитектуры – длительный процесс, он не считается с границами эпох. Дворец Дожей в Венеции строился с 1309 до 1424 года, и потом более века его достраивали и украшали. Этот шедевр архитектуры относится к Средневековью, хотя его строительство завершилось во время Ренессанса. Нередко строительство готических храмов растягивалось на два, три века; начатое в 13 веке завершалось в 15 или 16 веках.

Дворец дожей (итал. Palazzo Ducale) в Венеции. Архитектор Филиппо Календарио.

Архитектура Средневековья – одно из величайших достояний культуры человечества, созданные в эту эпоху шедевры достойны восхищения, их трудно превзойти. В чем же заключается отличие эпохи Возрождения, было ли это шагом вперед или откатом назад?

В чисто архитектурном плане, никаких революций не произошло с наступлением новой эпохи. В сложном и ответственном искусстве зодчества сохранялась преемственность. Различия эпох коснулись социальных и личностных аспектов.

Во-первых, во времена Возрождения выдающиеся архитектурные проекты создаются для светских зданий, а не только для храмов. Первым архитектурным шедевром эпохи Возрождения стал Оспедале дельи Инноченти, или Воспитательный дом во Флоренции, имевший также название Приют невинных. Здание приюта было построено в рамках благотворительной акции, которую финансировали богатые флорентийские купцы. Архитектурный проект разработал Филиппо Брунеллески.

Оспедале дельи Инноченти (итал. Ospedale degli Innocenti — Приют невинных) или Воспитательный дом. Флоренция, Италия. Архитектор Филиппо Брунеллески.

«Флорентийский младенец», изображённый в тондо на фасаде здания, в некоторых странах стал символом педиатрии.

Оспедале дельи Инноченти отражает основные тенденции наступающей эпохи Ренессанса: изысканный архитектурный проект разработан для светского, а не религиозного здания; автор проекта не анонимен, напротив – его имя увековечено. Постройка соразмерна росту человека, не подавляет величием, как готические соборы, и не угнетает мрачностью и аскетизмом, как жилища бедняков, хотя построена для спасения бедных и обездоленных беспризорных детей. Горизонтальная структура, легкая колоннада, портики на фасаде – намек на античную архитектуру.

В настоящее время термин «Возрождение» превратился в метафору культурного расцвета

Стоит особо отметить, что в эпоху Возрождения работа архитекторов перестала быть анонимной. Во времена Средневековья человек объявлялся орудием Бога, исполнителем его воли, и произведения искусства отчуждались от авторов. На иконы, скульптуры, архитектурные шедевры никто не мог предъявить авторских прав: творцы обязаны были сохранять анонимность. Готический храм, устремляющий ввысь кружевные шпили, вмещал неисчислимое множество подлинных шедевров – от архитектурного замысла до мозаичного пола, до миниатюрных скульптур на стенах и фресок, и все это выполнялось анонимными авторами. В эпоху Возрождения шедевры архитектуры, живописи, скульптуры стали именными.

Наиболее известные архитекторы эпохи Возрождения:

• Филиппо Брунеллески (1377—1446) — основоположник архитектуры ренессанса, разработал теорию перспективы и ордерную систему, вернул в строительную практику многие элементы античной архитектуры.
• Леон Баттиста Альберти (1402—1472) — крупнейший теоретик архитектуры ренессанса, создатель её целостной концепции.
• Донато Браманте (1444—1514) — зачинатель архитектуры Высокого Возрождения, мастер центрических композиций с идеально выверенными пропорциями.
• Микеланджело Буонарроти (1475—1564) — главный архитектор Позднего Возрождения, руководивший грандиозными строительными работами в Риме.
• Андреа Палладио (1508—1580) — родоначальник первой фазы классицизма, известной как палладианство.

Архитектура Флоренции эпохи Возрождения

Архитектура Ренессанса впервые возникла во Флоренции в XV веке и представляла собой сознательное возрождение классических стилей. Архитектурный стиль возник во Флоренции не как медленная эволюция от предыдущих стилей, а скорее как развитие, приведенное в движение архитекторами, стремящимися возродить золотой век классической древности.

Этот стиль избегал сложных пропорциональных систем и неправильных профилей готических структур и акцентировал внимание на симметрии, пропорциях, геометрии и регулярности деталей.

Характеристика

Архитектура Флоренции 15 века отличалась использованием классических элементов, таких как упорядоченное расположение колонн, пилястр, перемычек, полукруглых арок и полусферических куполов. Филиппо Брунеллески был первым, кто разработал настоящую архитектуру эпохи Возрождения.

В то время как огромный кирпичный купол, который покрывает центральное пространство собора Флоренции, использовал готическую технологию, он был первым куполом, построенным со времен классического Рима, и стал повсеместной особенностью в церквях эпохи Возрождения.

Кватроченто

Этот термин обозначает 1400-е годы, которые также можно назвать итальянским периодом эпохи Возрождения XV века.

Он был отмечен развитием стиля архитектуры Флоренции эпохи Ренессанса, который представлял собой возрождение и развитие древнегреческих и римских архитектурных элементов. Правила архитектуры эпохи Возрождения были впервые сформулированы и претворены в жизнь во Флоренции XV века, здания впоследствии послужили вдохновением для архитекторов по всей Италии и Западной Европе.

Особенности

Ренессансная архитектура Флоренции была видением Филиппа Брунеллески, чья способность изобретать и интерпретировать идеалы Возрождения в архитектуре сделала его ведущим архитектором эпохи. Он отвечал за проекты раннего Ренессанса (до 1446 года, времени его смерти) и, следовательно, заложил основу для развития архитектуры в оставшуюся часть периода и за его пределами. Его самая известная работа – купол Санта-Мария-дель-Фьоре.

Одной из целей архитектуры Флоренции эпохи Возрождения было переосмысление изобретательности греческого и римского искусства примерно 1500 лет назад. Брунеллески рано отправился в Рим и тщательно изучал римскую архитектуру. Его проекты оторвались от средневековых традиций остроконечных арок, использования золота и мозаики. Вместо этого он использовал простые классические дизайны, основанные на основных геометрических формах. Его работы и влияние можно увидеть по всей Флоренции, но часовня Пацци и Санто-Спирито – два его величайших достижения.

Архитекторов этого периода спонсировали богатые покровители, включая могущественную семью Медичи и Шелковую гильдию. Они подходили к своему ремеслу с организованной и научной точки зрения, что совпало с общим возрождением классического обучения. Ренессансный стиль сознательно избегал сложных пропорциональных систем и неправильных профилей готических структур. Вместо этого архитекторы эпохи Возрождения акцентировали внимание на симметрии, пропорциях, геометрии и правильности деталей, что продемонстрировано в классической римской архитектуре. Они также широко использовали классические антикварные элементы.

Кафедральный собор Флоренции

Купол этого собора был спроектирован Филиппо Брунеллески (1377–1446), которому обычно приписывают происхождение стиля ренессансной архитектуры. Известный как Дуомо, он был спроектирован для того, чтобы покрыть остов в уже существующем соборе. Купол сохраняет готическую остроконечную арку и готические ребра в своем дизайне.

Он был создан под влиянием аналогичных элементов Древнего Рима, таких как Пантеон, и его часто называют первым зданием эпохи Возрождения. Купол сделан из красного кирпича и гениально построен без опор, с использованием глубокого понимания законов физики и математики. Он остается самым большим каменным куполом в мире.

Леон Баттиста Альберти (1402–1472)

Этот архитектор являлся другой ключевой фигурой в истории архитектуры Флоренции эпохи Возрождения. Это был теоретик-гуманист и дизайнер, чья книга по архитектуре De reedicatoria была первым архитектурным трактатом эпохи Возрождения. Альберти спроектировал два самых известных здания XV века во Флоренции: Палаццо Ручеллаи и фасад церкви Санта-Мария-Новелла.

Palazzo Rucellai, роскошный таунхаус, построенный в 1446–1451 годах, олицетворял новые особенности архитектуры эпохи Возрождения, включая классическое упорядочение колонн на трех уровнях и использование пилястр и антаблатур в пропорциональных отношениях друг с другом.

Фасад Санта-Марии-Новелла (1456–1470) также демонстрировал аналогичные инновации эпохи Возрождения, основанные на классической римской архитектуре. Альберти пытался привнести идеалы гуманистической архитектуры и пропорции в уже существующую структуру, создавая гармонию с существующим средневековым фасадом.

Его вклад включал в себя классический фриз, украшенный квадратами, четырьмя бело-зелеными пилястрами и круглым окном, увенчанным фронтоном с доминиканской солнечной эмблемой и окруженным с обеих сторон S-образными свитками.

В то время как фронтон и фриз были вдохновлены классической архитектурой, свитки были новыми и не имели прецедентов в древности, в конечном итоге стали очень популярной архитектурной особенностью в церквях по всей Италии.

В целом, архитектура Флоренции эпохи Возрождения выражала новое чувство света, ясности и простора, которое отражало просвещение и ясность ума, прославленную философией гуманизма.

Архитектура раннего Возрождения в Италии

Широкое строительство, развернувшееся во Флоренции, меняет облик города и прежде всего его центра, сохранившегося до настоящего времени. Основное внимание сосредоточивается на разработке центрально-купольной храмовой постройки и городского дворца богатеющей буржуазии и аристократии.

Новое направление в итальянской архитектуре при своем возникновении было связано с переработкой античных традиций и ордерной системы применительно к местным строительным материалам и конструкциям. В постройках этого времени вновь подчеркивается плоскость стены, ее материальность; четко ограничивается внутреннее пространство, приобретающее единство. Достигается и соразмерность пропорций опорных и давящих частей, в ритмическом членении здания устанавливается равновесие горизонталей и вертикалей.

Брунеллески. Родоначальником ренессансной архитектуры был Филиппо Брунеллески (1377–1446), уроженец Флоренции. Пройдя ученичество в ювелирном цехе, Брунеллески начал свою творческую деятельность как скульптор, приняв участие в конкурсе на создание рельефа для бронзовых дверей флорентийского баптистерия (крещальни). Разносторонне одаренный человек, сочетавший интерес к искусству с познаниями инженера, умом изобретателя, математика, он вскоре целиком отдается зодчеству. Его первой крупной работой был грандиозный восьмигранный купол (1420–1436) возведенный над построенным еще в 14 веке собором Санта-Мария дель Фьоре. Вытянутый вверх купол диаметром у основания 42 м перекрывает алтарную часть массивной базилики. Его мощный, четкий силуэт и теперь царит над городом, прекрасно воспринимаясь с далекого расстояния. Применив новые конструкции, каркасную систему, Брунеллески сумел обойтись без лесов, соорудив пустотелый купол с двумя оболочками. Он облегчил таким образом вес свода и уменьшил силу распора, действующую на стены восьмигранного барабана. Впервые в западноевропейском зодчестве Брунеллески дал ярко выраженный пластический объем купола, вздымающегося к небесам и осеняющего, по выражению архитектора Альберти, «все тосканские народы». Укрупненные масштабы форм купола, его мощные массы, члененные крепкими ребрами, подчеркнуты изяществом и тонкой проработкой декора завершающего его фонаря. В этом сооружении, воздвигнутом во славу города, нашло воплощение торжество разума, идея, определяющая основное направление культуры Возрождения.

Если при сооружении купола Брунеллески должен был учитывать характер ранее построенных частей собора, то полностью новое понимание архитектурного образа он дал в Воспитательном доме (Оспедале дельи Инноченти) во Флоренции (1419–1444) на площади Аннунциаты – первом гражданском сооружении эпохи Возрождения, отвечающем прогрессивным идеям времени. Двухэтажный фасад дома отличается простотой и легкостью пропорций, четкостью горизонтальных и вертикальных членений. В нижнем этаже он оформлен изящной лоджией, полуциркульные арки которой опираются на стройные колонны. Они подчеркивают приветливый, гостеприимный характер здания. В промежутках между арками размещены круглые керамические медальоны работы Андреа делла Роббиа с изображением спеленатых младенцев. Своей жизнерадостностью и ясностью, нежной прелестью образов детства эти рельефы тонко гармонируют с архитектурой сооружения и его предназначением.

Найденные в Воспитательном доме конструктивные и декоративные приемы были развиты Брунеллески в капелле Пацци при церкви Санта-Кроче во Флоренции (начата в 1430 году). Эта поразительная в своей гармонической целостности, небольшая по размерам капелла находится в глубине узкого монастырского дворика; прямоугольная в плане, она завершена легким куполом. Фасад ее представляет собой шестиколонный коринфский портик с большим средним пролетом, перекрытым аркой. Стройные пропорции колонн, высокий аттик над ними в сочетании с новыми элементами декора говорят о чувстве меры, о творческом применении античного ордера. С помощью ордерной системы решено и внутреннее пространство капеллы. Стены ее, расчлененные пилястрами на равные отрезки, украшены нишами и круглыми медальонами. Пилястры завершаются карнизом, несущим свод и полуциркульные арки. Скульптурная декорация и керамика, графическое изящество линий, контрастность цветового решения подчеркивают плоскость стен, сообщают цельность и ясность светлому просторному интерьеру.

Одной из важнейших проблем итальянской архитектуры 15 века явилась разработка основных принципов сооружения палаццо (городского дворца), послужившего прототипом общественных построек позднейшего времени. В это время создается тип величественного здания, прямоугольного в плане, с единым замкнутым объемом, со множеством помещений, расположенных вокруг внутреннего двора. С именем Брунеллески связывают сооружение центральной части палаццо Питти (начато в 1440 году) во Флоренции, выложенного из громадных, грубо отесанных каменных блоков (кладка блоками получила название руста). Шероховатость фактуры камня усиливает мощь архитектурных форм. Горизонтальные тяги-пояса подчеркивают членение здания на три этажа. Огромные восьмиметровые окна-порталы завершают впечатление горделивой суровой силы, производимое этим дворцом.

Альберти. Следующим этапом в развитии ренессансной архитектуры было творчество Леона Баттиста Альберти (1404–1472), энциклопедиста-теоретика, автора ряда научных трактатов об искусстве («Десять книг о зодчестве»). В спроектированном им палаццо Ручеллаи во Флоренции (1446–1451), трехэтажном ренессансном дворце с внутренним двором и помещениями, расположенными вокруг, Альберти вводит систему пилястр, поэтажно расчленяющих стену, антаблемент и облегченную рустовку с гладкой шлифованной поверхностью.

Росселлино. Античное наследие (римская архитектура) получило в его трактовке новую пластическую выразительность. Впервые в композиции фасада палаццо введены основные элементы ордерной архитектуры, выявлены несущие и несомые части, способствующие также выражению масштаба здания и включению его в окружающий ансамбль. Исполнение замысла Альберти принадлежит Бернардо Росселлино.

Бенедетто да Майано. Развитие типа раннеренессансного дворца в 15 веке завершает палаццо Строцци во Флоренции (начат в 1489 году) Бенедетто да Майано (1442–1497). Этот величественный дворец отличается гармонией основных масс. Ясный, правильный по композиции плана и объема, своими тремя рустованными фасадами он выходит па улицу и проезды. Венчающий его, великолепный по классической форме, богато профилированный карниз четко воспринимается по контрасту с суровой простотой стен. Внутренний двор, сообщающийся с уличной магистралью, утрачивает интимный характер и становится одной из парадных частей дворца.

Как техники живописи эпохи Ренессанса могут улучшить дизайн вашего интерфейса

Когда вы видите вдохновение, что именно вы ищете? Технику, цветовую палитру или конкретную форму?

Как дизайнер, я каждый день стараюсь выкроить время на поиск вдохновения. И когда я наблюдаю за тем, что меня вдохновляет, я пытаюсь уловить суть концепции или метода, лежащих в его основе, и думаю о том, как применить это в своем дизайне.

Я считаю, что лучший способ идти в будущее – это смотреть в прошлое, и именно так в эпохе раннего итальянского возрождения я обнаружил отличные приемы применимые к стилю моей иллюстрации и разработки пользовательского интерфейса. Это четыре известных техники живописи, которые характеризуют раннее современное итальянское искусство, так называемые «четыре канонические техники рисования эпохи Возрождения». Их называют сфумато (sfumato), унионе (unione), кьяроскуро (chiaroscuro) и кангьянте (cangiante).

Сфумато

Лучшие статьи, раз в неделю, с доставкой на почту

Сфумато – это живописная техника, в которой цвета смешиваются вместе. Это создает изображение, лишенное линий или краев вокруг фигур, создавая мягкий эффект размытия.

Слева: Рождение Венеры (1485) кисти Боттичелли; справа: Мона Лиза (1503) Леонардо да Винчи

Классический пример для понимания этого приема – сравнение двух великих картин Боттичелли и Леонардо да Винчи. Боттичелли не использует сфумато. На изображении присутствуют тонкие контуры, но мы можем ясно видеть черный контур, определяющий подбородок Венеры. Напротив, Леонардо использует сфумато, чтобы создать естественную градацию теней для своей Мона Лизы.

Леонардо был увлеченным наблюдателем природы и хотел воссоздать то, как мы воспринимаем мир. Мы не видим контуров вокруг предметов или людей. Поэтому Леонардо использует технику сфумато, чтобы представить мир так, как его видят наши глаза.

Если говорить о мире цифровых продуктов, то философия, которой мы придерживаемся в отделе дизайна фирмы Chama, заключается в том, что мы не вносим изменений в дизайн, мы улучшаем его. Это означает, что мы не начинаем с нуля, когда хотим создать что-то новое. Мы улучшаем то, что уже существует. Мы начинаем с того, что имеем, и добавляем исследования и знания, чтобы выбрать путь, по которому идти. Именно так я представил концепцию сфумато для улучшения наших иллюстраций и дизайна. Я начал использовать ее на персонаже, который хорошо известен нашим пользователям по имени Chamoso. Он является ключом к общению с потребителями в нашем интерфейсе, и, естественно, мы прежде всего, сосредоточили свое внимание на создании новой версии этого «парня».

Слева: старая версия Chamoso; Справа: новый Chamoso

Обратите внимание, что форма Chamoso одинакова в обеих версиях. Но, как и при сравнении Боттичелли и Да Винчи, я сначала отбросил контуры вокруг объекта. Несмотря на то, что я использовал плоский стиль, я применил оттенки, которые делают форму единой.

Это также относится к элементам интерфейса. Хороший пример – карточка. Очень часто можно увидеть карточку в обычном состоянии с ненужными контурами или тенями. Это не передает никаких сообщений и является дополнительной информацией в области, которая уже содержит много информации.

Используя контрастный фон в качестве элемента разделения карточек, мы опускаем визуальную информацию, чтобы привлечь внимание к актуальной информации.

Мы можем использовать тени и контуры для определения некоторых состояний пользовательского интерфейса.

Унионе

Второй прием называется унионе и очень похож на сфумато. Фактически, это ответ Рафаэля на сфумато Леонардо. Унионе также пытается создать медленную цветовую градацию, но в отличие от сфумато, использует яркие и более насыщенные цвета. Вы можете увидеть это ниже на картине Рафаэля. Как и Леонардо, Рафаэль не использует контуры, но в отличие от Леонардо, Рафаэль использует яркие цвета.

Слева: Мона Лиза (1503) кисти Леонардо да Винчи; справа: Святая Екатерина Александрийская (1508) кисти РафаэляПосмотрите на цвета каждой картины в отдельности и проверьте, насколько цветовая палитра Рафаэля насыщеннее, чем у да Винчи

Я использовал эту концепцию (правда не с такими яркими цветами, как в картинах Рафаэля), чтобы создать более унифицированный дизайн интерфейса, используя немного синей насыщенности в градации цветов. Из-за этой насыщенности изображения становятся более последовательными, и я также воспользовался возможностью, чтобы использовать цвета бренда во всей композиции.

Чтобы сделать это, я взял оттенки серого, которые составляли мою иллюстрацию, и насыщал их синим.

Правая сторона с синей насыщенностью

Я также создал эффект тумана, используя твердые формы. Это очень сложная деталь, которая сразу дала потрясающий результат, но она проявится еще сильнее, когда вы примените эту концепцию ко всей композиции.

Чтобы объяснить наше композиционное мышление, мне сначала нужно объяснить трехслойную концепцию:

Мне действительно нравится использовать эту концепцию, в которой интерфейс представляет собой трехмерную среду. Она основана на концепции повышения Google Material Design. Кроме того, используя 2D-элементы и плоский стиль, вы должны рассматривать интерфейс, как трехмерную среду, таким образом, вы можете определить 3 слоя, один из которых имеет функцию, полезную для других.

Первый слой – фон, и его основной функцией является выделение следующих слоев, как правило, путем использования цветов и форм, которые контрастируют с элементами второго слоя.

Второй слой – проводник к третьему. Обычно именно контент определяет решение, которое будет принимать пользователь.

И последний, третий слой, определяет взаимодействие и изменение или завершение сценария. Обычно это слой действий или слой, который будет подсвечивать информацию для пользователя, чтобы определить действие, которое он предпримет.

3 слоя – это тема для отдельной статьи, но дело в том, что, если вы внимательно посмотрите на окружающие нас интерфейсы, вы сможете легко определить эту концепцию. Это свидетельствует о высоком качестве информационной архитектуры и иерархии элементов. Но этот простой способ идентифицировать их – это то, что беспокоит меня, потому что, даже если слои связаны, у композиции нет единства.

По этой причине я почти не использовал в композиции чистый черный и белый цвета. Поскольку композиция имеет вариацию синего цвета, абсолютный белый выглядит как ледяной цвет из-за дополнительной иллюзии. Поэтому я использую в своей композиции синий, как основной цвет и его оттенки. Белый, черный и оттенки серого смешиваются с небольшим количеством синего, так что слои в моей композиции соединяются и становятся частью целого.

Кьяроскуро

Это одна из моих любимых техник и та, которая удивила меня больше всего, когда я увидел перед собой картину. Кьяроскуро – это техника, в которой художник создает высокий контраст между светом и тьмой.

Ночной дозор (1642) Рембрандт

Картина с использованием техники кьяроскуро имеет глубокие темные тени и яркие блики рядом друг с другом. Кьяроскуро создает драматический эффект, который иногда выглядит так, как будто на фигуру проецируется прожектор, а также делает фигуру более объемной. Эта техника широко использовалась в эпоху Возрождения и Барокко.

Караваджо станет известен благодаря использованию еще более драматического подхода к кьяроскуро, называемого тенебросо. Это тип кьяроскуро, который создает более интенсивный контраст света и тьмы.

Христос у колонны (1607) Караваджо

Очень впечатляет то, что этот режим обладает способностью направлять наш взгляд на информацию. Темный фон – это элемент, привлекающий внимание и создающий контраст для контента, который поможет вам получить доступ к информации.

«На самом деле этот интенсивный контраст является рассказчиком истории, находящейся за пределами полотна».

Может быть, когда вы увидели первую версию персонажа Chamoso, когда я говорил о технике сфумато, вы подумали, что его тело было чистого цвета для чистоты, а не для заметности. Это потому, что я использовал технику кьяроскуро. Это очень важно, потому что я создал глубокий контраст, и он защищает слой (который я назвал информационным) для более четкой передачи информации.

Слой за слоем

Все еще используя концепцию трех слоев, первый слой является фоном. Он должен быть привлекательным, чтобы удерживать внимание пользователя.

Второй слой создает пространство для четкого отображения информации. В дизайне это называется негативным пространством или пробелом, и в этом случае тело персонажа является пробелом. Оно не только определяет границы объектов, но и создает необходимые связи между ними в соответствии с принципами гештальт психологии и создает эффективную визуальную производительность.

Что касается последнего слоя, я смогу объяснить это лучше, рассказав о последней канонической технике рисования.

Кангьянте

Техника кангьянте характеризуется изменением оттенка или цвета, чтобы изобразить тени и блики. Фрески Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы являются отличным примером этой техники.

Пророк Даниил — Сикстинская капелла (приблизательно1508–1512) кисти Микеланджело

Посмотрите на одежду пророка Даниила. Вы можете видеть, что заштрихованная часть одежды окрашена в зеленый цвет, но выделенная часть – желтая.

Я использовал оттенки синего во всех иллюстрациях в композиции первого слоя (фон) и второго слоя (контент). Но я использовал другой цвет в третьем слое, потому что это информационный слой. Я подготовил поле для работы над этим последним слоем. Это важно, потому что я могу использовать его во многих ситуациях, чтобы информировать и создавать связь с пользователями.

Вот так появились на свет эти ребята, пожалуйста, поприветствуйте отряд Chamoso:

Я также использовал эту концепцию в интерфейсе. В карточках, которые я показывал вам ранее, ETA (расчетное время прибытия) и статус доставки являются основной информацией, которую пользователь должен знать, чтобы принять решение.

Вот несколько примеров финальной иллюстрации и дизайна интерфейса:

Если вы хотите увидеть больше, проверьте наш Dribble

Как видите, канонические техники эпохи Ренессанса включают не процесс творения, а процесс эволюции. Сфумато – это принцип «больше значит меньше». Унионе касается последовательности и согласованности. Кьяроскуро – негативного пространства. А кангьянте касается эффективного использовании противоположных цветов. Настойчивый поиск этих приёмов в процессе проектирования – это то, что заставит ваш дизайн вызвать у ваших пользователей эмоции.

Так же, как Дитер Рамс был вдохновителем для Джони Айва, великие живописцы прошлого могут вдохновить ваш дизайн. Секрет в том, что, когда вы смотрите на источник вдохновения, придерживаетесь не просто техники, а чистой концепции, лежащей в его основе.

Спасибо за прочтение

Искусство и архитектура раннего Возрождения

Купол Cattedrale di Santa Maria del Fiore (Флорентийский собор) (1420-36)

Художник: Филиппо Брунеллески

На этой фотографии изображен знаменитый восьмиугольный купол Брунеллески, венчающий Флорентийский собор. Его красный камень, символизирующий флорентийскую любовь к каменной кладке и красный цвет Медичи, возвышается над горизонтом с одним из самых узнаваемых и знаковых видов в мире. Состоящий из более чем четырех миллионов кирпичей, он остается крупнейшим каменным куполом в мире.

Архитектурный гений Брунеллески можно увидеть в ощущении плавучести конструкции с ее белыми ребрами, подчеркивающими вертикальный подъем и крутой сужающийся кверху изгиб. Брунеллески также спроектировал белый фонарь на его кончике, хотя его друг, архитектор Микелоцци, завершил его в 1461 году, через пятнадцать лет после смерти Брунеллески. Купол стал визуальным символом «Новых Афин», как называла себя Флоренция, поскольку он вызывал чувство классической сдержанности и пропорции, повторяя восьмиугольную форму собора внизу и тянущего его к небу.

Купол был революционным шедевром, поскольку архитектор отказался от внутренних строительных лесов и внешних опор (например, контрфорсов), которые ранее считались необходимыми. Вместо этого он создал купол внутри купола, таким образом, изобрел новую систему поддержки, в которой кирпичи лежат в перевернутой арке рисунка «елочкой», направленной наружу, а не вниз. Он также произвел технологию, необходимую для реализации своего проекта, в том числе первую механическую лебедку, а затем и castello , или горизонтальный кран.Другие структурные инновации включали использование цепной арки, типа остроконечной арки, для поддержки и внутренних деревянных, каменных и железных цепей, сформированных в восьмиугольниках, которые работали как обручи бочонка, чтобы удерживать купол вместе.

Эта работа основана на тщательном изучении Брунеллески Пантеона (113–125) и других древнеримских построек. Однако, как обычно, архитектор держал свои открытия при себе, работая без заметок и планов. Как он позже сказал, когда он подал заявку и получил первый современный патент на водный транспорт, «мы не должны раскрывать всем и каждому секреты вод, текущих в океане и реках, или устройств, которые работают на них. эти воды.Пусть будет созван совет экспертов и мастеров механического искусства, чтобы обсудить, что необходимо для создания и создания этих произведений ». Из-за его загадочной манеры работы многие критики поначалу считали его замыслы невозможными. Он должен был доказать, что они ошибочны. Как историк Пауло Галлузи писал о соборе: «Это одно из самых красивых и технически смелых зданий, когда-либо построенных. Он удивительно элегантно сочетает в себе технологии и эстетику. Он идеально символизирует союз науки и искусства.»

Все архитекторы следующего поколения находились под влиянием творчества Брунеллески, а Леонардо да Винчи был очарован как его архитектурой, так и изобретенными им технологиями.

Раннее Возрождение Искусство + Архитектура — История

Начало Раннего Возрождения

Прото-ренессанс 1300-х годов

Термин «проторенессанс» относится к художникам 14-го ^{-го и} -го веков, которые разработали натуралистический подход, который реализовался в эпоху Раннего Возрождения.Ранний историк искусства и художник Джорджо Вазари чувствовал, что в средние века художники Чимабуэ и Джотто поддерживали эстетические принципы классического искусства своими произведениями, которые заложили основу для следующего Возрождения.

Как и большинство художников своего времени, Ченна ди Пеппи, известный как Чимабуэ, создавал преимущественно религиозные произведения. Византийская иконография и стилизация доминировали в эпоху, изображая человеческие фигуры в двухмерной форме на плоских живописных плоскостях. И все же, напротив, в работах Чимабуэ подчеркиваются натуралистические элементы, как, например, в его Распятии Санта-Кроче (1287–1288).Работа, все еще находящаяся в византийской иконографии, новаторски опиралась на анатомические наблюдения, чтобы создать ощущение физических и эмоциональных страданий Христа.

Художники этого периода получали образование в мастерских, а самым известным помощником Чимабуэ был Джотто де Бендоне, известный просто как Джотто. Популярный анекдот повествует о том, как Чимабуэ обнаружил Джотто в детстве, когда он рисовал овец своей семьи и наблюдал за ними.

Джотто был пионером, и его важность была подтверждена тем, что в 1334 году он был назван Магнусом Магистром (Великим магистром) Флоренции.Отказавшись от византийской стилизации, фрески Капеллы Скровеньи (около 1303-10 гг.) Джотто в Падуе стали прорывом благодаря своей скульптурной фигуративной обработке. Изображенные натуралистически, его фигуры начали приобретать трехмерность, населяя реальное пространство и передавая настоящие эмоции. Это был радикальный отход от византийских стилей, которые все еще практиковались многими из его современников, и он оказал исключительное влияние не только на его современников, таких как Таддео Гадди, Бернардо Дадди и знаменитый Масолино, но и на художников раннего Возрождения, включая Фра. Анджелико, Пьеро делла Франческа и Мазаччо.

Определение термина: Возрождение

Джорджи Вазари в своей книге Жизни художников (1550) впервые ввел термин rinascita , что означает возрождение. Тем не менее, полученный из Франции термин «Возрождение» стал широко использоваться для обозначения исторического периода только позже, в середине 19 ^-го века, после работы историка Жюля Мишле « Histoire de France » (1855). Впоследствии модель периода Якоба Буркхардта, начиная с Джотто и кончая Микеланджело, определенная в его Цивилизация Возрождения в Италии (1860), получила широкое распространение.

Современная наука пересмотрела эти определения, так как в 1980-х историк Рэндольф Старн описал общее Возрождение как «… сеть разнообразных, иногда сходящихся, иногда конфликтующих культур, а не единую, привязанную ко времени культуру» и Стивен Гринблатт определил его как «ранний современный», описывая период как переход от средневековья.

Раннее Возрождение, основанное на гуманизме и классическом римском и греческом искусстве и архитектуре, возглавлялось Брунеллески, чьи работы в архитектуре и открытие линейной перспективы повлияли на эпоху, а также новаторские работы Донателло в скульптуре и Мазаччо в живописи .Вместе эти трое были названы «триумвиратом Раннего Возрождения» с центром во Флорентийской республике, поскольку растущая мощь Флоренции и покровительство богатых семей, таких как Медичи, создали благоприятную среду для движения.

Республика Флоренция и Медичи

Раннее Возрождение процветало в Республике Флоренция, которая назвала себя «Новые Афины», что указывает на то, что город-государство считал себя наследником классической традиции.Городом правили купцы и благородные семьи, в первую очередь семья Медичи, которая стала правящей династией, просуществовавшей до 1737 года. Семья Медичи нажила свое состояние в основном на торговле текстилем, управляемой Арте делла Лана, гильдией шерсти. во Флоренции, а в 1377 году Джованни ди Биччи ди Медичи основал банк Медичи во Флоренции. Его сын, Козимо ди Медичи, никогда не занимал эту должность, но использовал свое богатство и политические союзы, чтобы фактически стать правителем Флоренции. Он был исключительным покровителем искусства, тратя значительную часть своего состояния на заказ произведений искусства, сбор классических текстов и поддержку культурных проектов, таких как основание первой публичной библиотеки.Как он сказал: «Все эти вещи доставили мне величайшее удовлетворение и удовлетворение, потому что они предназначены не только для прославления Бога, но также и для моей памяти. В течение пятидесяти лет я ничего не делал, кроме как зарабатывал деньги и тратил деньги; и стало ясно, что трата денег доставляет мне большее удовольствие, чем их зарабатывание ». Впоследствии частное покровительство богатых семей стало важным двигателем художественного творчества, позволившим предметы и методы лечения, которые были запрещены для религиозных и гражданских комиссий.

Конкурс баптистерий

Утверждалось, что раннее Возрождение началось в 1401 году с конкурса, проведенного городом Флоренция на присуждение комиссии за новые бронзовые двери для баптистерия Святого Иоанна, и последствиями этой вражды. последовал. Двери будут содержать панели, представляющие сцены из Ветхого Завета, и семь скульпторов были выбраны для создания единой панели, изображающей жертвоприношение Исаака для конкурса. Сохранились только работы Лоренцо Гиберти и Филиппо Брунеллески, и обе работы отражают гуманистический и натуралистический стиль эпохи Возрождения.Восхищаясь обеими работами, судьи объявили о галстуке между Гиберти и Брунеллески и предложили двум художникам сотрудничать над проектом. Однако, уязвленный потерей, Брунеллески отказался, и Гиберти в одиночку взялся за проект, который сделал его знаменитым. Тем не менее, именно последующие работы Брунеллески стали основой раннего Возрождения, поскольку, горько разочаровавшись, когда его дизайн не выиграл конкурс, он отказался от скульптуры и обратил свое внимание на архитектуру.

Филиппо Брунеллески

Путь, который привел к открытию Брунеллески линейной перспективы, в которой относительный размер, форма и положение объектов определяются нарисованными или воображаемыми линиями, сходящимися в точке на горизонте, начался после его сокрушительного поражения для проект Баптистерий и радикально изменит искусство и архитектуру.Он продал свою небольшую семейную ферму и на вырученные деньги отправился в добровольное изгнание в Рим в сопровождении своего друга, художника Донателло. В течение нескольких лет, часто разбивая палатки в руинах, пока местные жители не приняли их за охотников за сокровищами, два художника измеряли здания, делали подробные записи и исследовали принципы классического дизайна. Отказавшись от скульптуры для архитектуры, Брунеллески разработал теорию и практику перспективы и математические принципы дизайна.

По возвращении во Флоренцию он принял участие в конкурсе 1418 года, организованном гильдией торговцев шерстью, на строительство купола для собора.Над собором работали несколько предыдущих архитекторов, в том числе Джотто, который спроектировал колокольню в 1330-х годах, и к 1418 году здание было почти завершено, за исключением зияющей дыры, ожидавшей купола, которую никто не знал, как построить. И снова основным конкурентом Брунеллески был Гиберти, который, будучи ведущим художником того времени, имел небольшой архитектурный опыт. Конкурс требовал, чтобы каждый архитектор попытался поставить яйцо вертикально на мраморную поверхность.

Решение Брунеллески стало легендарным, как писал Вазари, «ударив одним концом по плоскому куску мрамора, [он] заставил его встать вертикально… Архитекторы возразили, что они могли поступить так же; но Филиппо, смеясь, ответил, что они могли бы сделать купол, если бы увидели его дизайн ». На самом деле, Брунеллески уже создал технически совершенную модель купола. Чтобы создать свой дизайн, он провел дальнейшие эксперименты в перспективе. и создал несколько устройств с использованием зеркал и раскрашенных панелей. Он поделился своими открытиями только с такими друзьями, как Донателло и Мазаччо, поскольку, по его мнению, «раскрывать слишком много своих намерений и достижений — значит.… отказаться от плодов своей изобретательности ». Соответственно, именно Леон Баттиста Альберти написал ранние окончательные работы о перспективе и технике, хотя он признал лидерство Брунеллески во всех искусствах, посвятив ему On Painting (1435).

Донателло

Донато ди Никколо ди Бетто Барди, известный просто как Донателло, также участвовал в конкурсе на открытие дверей баптистерия, хотя в то время ему было всего 15 лет, и он тренировался в мастерской Гиберти. Его тесная дружба с Брунеллески началась примерно в то же время.У них было много общего: оба скульптора сначала получили образование ювелиров, и они должны были оставаться близкими на протяжении всей своей жизни, которых современники описывали как «неразлучные». В Риме Донателло изучал римскую скульптуру и процесс литья по выплавляемым моделям, который использовался для создания классической бронзы. Вернувшись во Флоренцию, его работы стали первыми произведениями искусства, в которых использовалась линейная перспектива, как это видно на его мраморе «Святой Георгий и Дракон» (ок. 1416 г.), где он использовал перспективу и впервые применил relie schiacciato , новый стиль мелкой резьбы. создать атмосферный эффект.Его бронзовый рельеф Пир Ирода (1423-1427) сочетал в себе эмоциональную выразительность и классическую форму с системой перспективы, основанной на ортогональных диагоналях и поперечинах, чтобы привлечь внимание зрителя к пустому пространству между двумя группами на обоих концах стола создавая таким образом чувство напряжения.

Мазаччо

Мазаччо, художник, чья карьера длилась всего семь лет, потому что он умер от чумы в возрасте 27 лет, также был назван «отцом Возрождения».«В его работах использовалась линейная перспектива и натуралистические образные трактовки новым способом, который произвел революцию в живописи. Мало что известно о его жизни и его художественном образовании, хотя к 1426 году он дружил с Донателло и Брунеллески. Работа Брунеллески над перспективой повлияла на Мазаччо, поскольку он консультировался более старый художник на его Святая Троица (1427-1428), который считается одним из самых ранних примеров перспективы в живописи. Нововведения Мазаччо в живописи включали использование одноточечной перспективы, подход trompe l’oeil , натуралистический моделирование человеческой фигуры и единый постоянный источник света, отбрасывающий точные тени.Он также первым использовал светотень , создавая таким образом иллюзию глубины и изображая свои фигуры с эмоциональной выразительностью, передавая их индивидуальность. Как писал историк искусства Марк Майкл Астарита Мазаччо, «отличительная черта oeuvre d’art олицетворяет отход от унылой готики … и постепенный переход к картинам, олицетворяющим возрождение или ренессанс классического искусства и архитектуры».

Леон Баттиста Альберти

Леон Баттиста Альберти был самым важным интеллектуальным теоретиком раннего Возрождения благодаря своим трём томам: De Statua ( On Sculpture ) (1435), Della Pittura ( On Painting ) (1435) и De Re Aedificatoria ( Об архитектуре ) (1452). На скульптуре ознаменовало первое использование терминов аддитивная скульптура, в которой материал добавляется для создания произведения, и субтрактивная скульптура, в которой материал вырезается или удаляется, чтобы показать произведение, при этом подчеркивая натуралистичность и классические пропорции.

Его О живописи , состоящий из трех томов, описывал живопись «как проекцию линий и цветов на поверхность». Он систематизировал одноточечную линейную перспективу Брунеллески, а также концепции композиции, пропорции и использования design or line и colorito , раскраски для создания живописной гармонии.Он опирался на современные практики таких художников, как Донателло, Гиберти, Лука делла Роббиа и Мазаччо, но полагал их в рамках теоретической основы, опирающейся на гуманистическую литературу и классические произведения римлян и греков.

Раннее Возрождение: концепции, стили и тенденции

Гуманизм эпохи Возрождения

Философски эпохи Возрождения руководил гуманизм, убеждение, которое поместило человеческую жизнь в центр вселенной. Широко распространенное культурное движение, начавшееся в 14 ^— веках, Италия выступало за изучение и изучение гуманитарных наук, как это видно в произведениях классического Рима и Греции.Многие гуманисты были священниками или церковными руководителями, которые чувствовали, что энтузиазм по отношению к науке и ее рациональным открытиям, интерес к геометрии и математике, понимание классической этики и логики, а также эстетическая оценка искусства и архитектуры классического периода обогатят христианское понимание. . В результате возникнет новое сложное общество, обширное по масштабам и знаниям.

Ранним лидером гуманизма был великий поэт 14 ^-го -го века, которого называли Петраркой по-английски, которого называли «основателем гуманизма», а также «основателем эпохи Возрождения».»Известный ученый и собиратель классических текстов, он заново открыл для себя произведения классических авторов, таких как римский Цицерон. Его поэзия была революционной в том смысле, что он писал на итальянском языке, а не на латыни средневековой Европы, период, для которого он создал термин «темные века». Возрождение классических текстов стало ключом к гуманистической мысли. Поджио Браччолини, результаты которого включали повторное открытие книги Лукреция De rerum natura ( О природе вещей ) в 1417 году, был папским советником, работавшим под руководством семь пап в его жизни.Во Флоренции Никколо де Никколи стал лидером гуманистической мысли, прежде всего благодаря своей обширной библиотеке латинских и греческих классических текстов, которые стали заметной пищей для флорентийской интеллектуальной жизни. Он был тесно связан с Козимо ди Медичи.

Архитектура

Здания и конструкции Брунеллески широко использовались более поздними архитекторами. Его инновации включали использование круглых колонн с классическими капителями, круговых арок и сегментированных куполов, построенных с помощью математических соотношений.Его ранняя Ospedale degli Innocenti (1419–1427), или «Больница невинных», представляла собой декоративный мотив, сочетающий белые каменные стены с серыми архитектурными элементами, ставший известным как стиль pietra serena , или безмятежный камень. Его проекты для флорентийских церквей Сан-Лоренцо (ок. 1425 г.) и Санто-Спирито (ок. 1428 г.) положили начало использованию модульной конструкции и церкви в форме латинского креста. Для Санта-Мария-дельи-Анджели (1434 г.) он первым спроектировал централизованно планируемую церковь, получившую широкое распространение в эпоху Возрождения.

Другими известными архитекторами были Леон Баттиста Альберти и Микелоццо ди Бартоломео Микелоцци. Козимо ди Медичи поручил Микелоцци спроектировать свой дворец, Палаццо Медичи (1444–1484) во Флоренции. Микелоцци использовал трехстороннее разделение, чтобы придать массивному зданию вертикальный лифт и отразить классическое чувство гармонии и порядка. Получившийся в результате стиль стал известен как стиль палаццо и продолжал оставаться популярным в 19 и 20 веках.

В 1440-х годах Альберти начал активно заниматься архитектурой.Его De Re Aedificatoria ( Об архитектуре ) был получен от Брунеллески и De Architectura римского архитектора Витрувия, которые выступали за пропорциональную гармонию, основанную на золотой середине. В 1450 году он предпринял свой первый архитектурный проект, перепроектировав церковь Сан-Франческо в Римини, а затем получил заказ на проектирование и завершение фасада Санта-Мария-Новелла (1456-1470) во Флоренции. Как архитектора Альберти называют «архитектором-призраком», предпочитающим сосредоточиться на дизайне и редко занимающимся практическими вопросами строительства.Два из его самых известных мест, церковь Сан-Себастьяно в Мантуе и церковь Санта-Андреа во Флоренции, были завершены после его смерти, и его проекты, и особенно его письмо, повлияли на последующую архитектуру.

Живопись

Многие великие произведения Раннего Возрождения были религиозными фресками, начиная с фресок Мазаччо в капелле Бранкаччи, которые изучались последующими мастерами эпохи Возрождения. Многие из известных мастеров фрески, в том числе Фра Липпи, Фра Анджелико, Пьерро делла Франческа, Алессандро Боттичелли и Андреа Мантенья, сосредоточились на религиозной тематике, используя при этом новые техники перспективы, ракурса, флорентийского акцента на плавной линии, натуралистичности. и анатомическая деталь, и trompe l’oeil .

Также была представлена ​​масляная живопись, как видно из картины Антонелло да Мессины Sibiu Crucifixion (1454-1455). Другие художники, такие как Пьерро делла Франческа в его «Бичевание Христа » (ок. 1455), экспериментально сочетали масло с темперой на панелях. Некоторые художники привнесли новаторский акцент на цвет и текстуру в темперную живопись, что видно в пастельно-розовой и зеленой палитре картины Доменико Венециано «Алтарь Святой Люси» (1445–1447), созданной под влиянием Венецианской школы.

Также была представлена ​​новая тематика. На заказанной Андреа дель Кастаньо фреске «Цикл знаменитых мужчин и женщин » (около 1449–51) изображены портреты трех тосканских поэтов, трех известных женщин античности и трех военачальников из Флоренции. Его обработка также была новой, поскольку он рисовал их в архитектурных нишах, чтобы создать иллюзию скульптуры. Портреты знатных семей пользовались большим спросом, как видно из « портретов герцога и герцогини Урбино» Пьеро делла Франческа (1465–1472), в то время как Доменико Гирландайо первым создал портрет, сфокусировавшись на глубоко индивидуализированных, но обычных людях, как видно из его портрета . старика с внуком (1490).

Художник Паоло Уччелло первым изобразил батальную живопись в своей знаменитой картине « Битва при Романо » (1435–1460), изображающей битву 1432 года между Флоренцией и Сиеной. Уччелло был известным математиком, создавшим своеобразный стиль, сочетающий новаторское использование перспективы с элементами поздней готики. Его погребальный памятник (или Конный памятник ) сэру Джону Хоквуду (1436 г.), как и многие другие работы, представлял собой фреску, которая казалась почти скульптурной.

Скульптура

Самыми известными скульпторами раннего Возрождения были Донателло, Гиберти, а позднее Андреа дель Верроккьо. Натурализм и классические пропорции римской и греческой скульптуры вдохновляли их работы, хотя и интерпретировались через акцент эпохи на индивидуальности и гуманизме. Самые известные скульптуры этого периода были созданы с использованием процесса утраченного воска, также возрожденного с римской эпохи.

Гиберти должен был спроектировать два набора дверей для баптистерия во Флоренции, из которых второй, изображающий десять панелей сцен из Ветхого Завета, завершенный в 1452 году, стал самым известным.В них Гиберти усовершенствовал использование перспективы и фигуративного моделирования, чтобы создать работы, которые восхищали как своей классической красотой, так и эмоциональной индивидуальностью. Микеланджело назвал их «Вратами рая», так с тех пор стали называть двери высотой 17 футов, позолоченные золотом.

Донателло Gattamelata (1453), произведение реалистичного величия, было создано под влиянием бронзовой конной статуи Марка Аврелия (ок. 173–1776 гг. Н. Э.). Однако версия Донателло оживила этот предмет, подчеркнув индивидуальность Аврелия, анатомическую мускулатуру лошади и включив такие символические элементы, как копыто лошади, опирающееся на ядро.Ссылаясь на военную мощь Венеции, он стал характерным отражением эпохи Возрождения.

Донателло считался величайшим скульптором раннего Возрождения, отчасти из-за его разнообразия предметов и его способности к индивидуалистическому выражению каждого из них. Это можно увидеть в его новаторски эротизированной статуе Давида или в его мощно выразительной более поздней работе Кающаяся Магдалина (1453-1455). На Андреа дель Верроккьо заметно повлияли работы Донателло, как видно из его собственной бронзы Давида ( 1473-1475) и его Конная статуя Бартоломео Коллеони (1480-1488).

Более поздние разработки — после раннего Возрождения

Влияние раннего Возрождения невозможно переоценить, поскольку его инновации не закончились в конце 1400-х годов, а распространились из Флоренции по Италии и Европе. Работы художников раннего Возрождения легли в основу последующих периодов Высокого Возрождения, Североевропейского Возрождения, Маньеризма и Барокко. Сама Флоренция продолжала оставаться вдохновляющей художественной средой для следующего поколения, поскольку там жили и учились Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль.На Микеланджело особенно повлияли Мазаччо, его учитель Гирландайо и его обучение в мастерских семьи Медичи. Леонардо да Винчи обучал Андреа дель Верроккьо. Фреска Мазаччо « Изгнание из Эдемского сада , 1426–1427» оказала на него влияние, а его исследования « О живописи » (1435) Альберти, а также исследование перспективы Пьерро дель Франческа повлияли на его мысли и работу.

Рисунки Альберти, Микелоцци, Брунеллески и росписи потолка trompe l’oeil Мантеньи должны были сообщить различные архитектурные стили и дизайн 19 и 20 веков.Картины Боттичелли, заново открытые в 19 ^– годах, оказали заметное влияние на Братство прерафаэлитов и впоследствии стали одними из самых популярных и художественно переосмысленных произведений 20 ^– века.

Концепция гуманизма, которая так сильно определила период раннего Возрождения, остается важной моделью для процветающего сообщества и вневременным уроком о преимуществах интеллектуальных и творческих занятий, основанных на глубоких знаниях в области искусства и науки в конкретном обществе.

Раннее Возрождение во Флоренции

Обзор

Во Флоренции пятнадцатого века многие люди считали себя живущими в новом веке. Термин «Возрождение», введенный уже в шестнадцатом веке, описывает «возрождение» из темных веков интеллектуального упадка, которые последовали за блеском древней цивилизации. В Италии, особенно, Возрождение было вызвано возрождением греческой и римской учености. Были заново открыты произведения классических авторов, на протяжении веков утерянные для Запада, а вместе с ними и новое, гуманистическое мировоззрение, ставившее человека и человеческие достижения в центр всего.

Брунеллески, Донателло и Мазаччо

Гуманисты Флоренции назвали свой город «новыми Афинами». Это было отчаянно меркантильное государство, изо всех сил пытавшееся оставаться независимым и приверженное республиканским добродетелям, хотя на практике находившееся под контролем могущественной семьи Медичи. Ни один единственный фактор не может объяснить непревзойденный художественный расцвет, который он пережил в начале 1400-х годов, но вклад Брунеллески в архитектуру, Донателло в скульптуру и Мазаччо в живописи навсегда изменил западное искусство.Брунеллески измерил древние здания в Риме, чтобы понять гармонию классических пропорций, и повторно ввел такие элементы классической архитектуры, как аркада с колоннами. Он применил инженерный гений, чтобы спроектировать огромный купол собора Флоренции и изобрел систему одноточечной перспективы (см. Ниже). Донателло, сопровождавший Брунеллески в Рим, вырезал некоторые из первых крупномасштабных отдельно стоящих статуй со времен античности. Как и те древние фигуры, его иногда были обнаженными.В капелле Бранкаччи во Флоренции Мазаччо написал серию новаторских фресок, в которых использовался свет, сильно и последовательно исходящий из одного направления, для моделирования фигур с тенью и придания им надежной трехмерности. Он претворил в жизнь теории Брунеллески о том, как проецировать глубину за пределы плоской окрашенной поверхности, используя линии нарисованной архитектуры для создания убедительной иллюзии пространства.

Мазаччо , итальянец, 1401 — 1428, Мадонна смирения , ок.1423/1424, темпера (?) На панели, Коллекция Эндрю Меллона, 1937. 1..7

Раннее Возрождение | Введение в концепции искусства, SAC, ART100

Что такое Возрождение?

Эпоха Возрождения была периодом в европейской истории, примерно с 14 по 17 век, который считался культурным мостом между средневековьем и современной историей. Он зародился как культурное движение в Италии в период позднего средневековья, а затем распространился на остальную Европу, положив начало эпохе раннего Нового времени.

Интеллектуальной основой Возрождения была его собственная изобретенная версия гуманизма, возникшая в результате повторного открытия классической греческой философии, такой как философия Протагора, который сказал, что «Человек есть мера всех вещей». Это новое мышление проявилось в искусстве, архитектуре, политике, науке и литературе. Ранними примерами были развитие перспективы в масляной живописи и переработанные знания о том, как делать бетон. Хотя изобретение металлического подвижного шрифта ускорило распространение идей конца 15 века, изменения эпохи Возрождения не были одинаково ощутимы по всей Европе.

Как культурное движение, Ренессанс охватывал новаторский расцвет латинской и народной литературы, начавшийся с возрождения образования в 14 веке, основанного на классических источниках, которые современники приписывали Петрарке; развитие линейной перспективы и других техник передачи более естественной реальности в живописи; и постепенная, но широкомасштабная реформа образования. В политике Возрождение способствовало развитию обычаев и условностей дипломатии, а в науке — все большей опоре на наблюдение и индуктивное рассуждение.Хотя в эпоху Возрождения произошли революции во многих интеллектуальных занятиях, а также социальные и политические потрясения, он, пожалуй, наиболее известен своими художественными достижениями и вкладами таких эрудитов (людей с разносторонним образованием и знаниями), как Леонардо да Винчи и Микеланджело. , которые вдохновили термин «человек эпохи Возрождения».

Эпоха Возрождения началась во Флоренции в 14 веке. Были предложены различные теории, объясняющие его происхождение и характеристики, с упором на множество факторов, включая социальные и гражданские особенности Флоренции того времени: ее политическая структура; покровительство доминирующей семьи Медичи; и миграция греческих ученых и текстов в Италию после падения Константинополя турками-османами.Другими крупными центрами были города-государства северной Италии, такие как Венеция, Генуя, Милан, Болонья и, наконец, Рим во время папства эпохи Возрождения.

Некоторые обозреватели подвергли сомнению, был ли Ренессанс культурным «продвижением» средневековья, вместо этого рассматривая его как период пессимизма и ностальгии по классической античности, в то время как социальные и экономические историки вместо этого сосредоточили внимание на преемственности между двумя эпохами. , которые, как заметил один писатель, связаны «тысячей галстуков».

Слово «Возрождение», буквально означающее «Возрождение» на французском языке, впервые появилось в английском языке в 1830-х годах. Это слово также встречается в произведении Жюля Мишле 1855 года «Histoire de France». Слово «ренессанс» также было распространено на другие исторические и культурные движения, такие как Каролингское Возрождение и Возрождение XII века.

Эпоха Возрождения во Флоренции

Ренессанс действительно начинается в первые годы пятнадцатого века во Флоренции. В этот период, который мы называем ранним Возрождением, Флоренция не является городом единой страны Италии, как сейчас.Вместо этого Италия была разделена на множество городов-государств (Флоренция, Милан, Венеция и т. Д.), Каждый со своей формой правления.

Теперь мы обычно думаем о республике как о правительстве, в котором каждый голосует за представителей, которые будут представлять их интересы перед правительством (помните клятву верности: «и республике, за которую оно выступает…»). Однако Флоренция была республикой в ​​том смысле, что существовала конституция, которая ограничивала власть дворян (а также рабочих) и гарантировала, что ни один человек или группа не может иметь полный политический контроль (так что это было далеко от нашего идеала, касающегося каждого). голосование, на самом деле очень небольшой процент населения имел право голоса).Политическая власть находилась в руках торговцев из среднего класса, нескольких богатых семей (таких как Медичи, важных меценатов, которые позже правили Флоренцией) и могущественных гильдий.

Итак, почему Флоренция была крупным центром Возрождения?

Есть несколько ответов на этот вопрос: Необычайное богатство, накопленное во Флоренции за этот период среди растущего среднего и высшего класса торговцев и банкиров. С накоплением богатства часто приходит желание использовать его, чтобы наслаждаться радостями жизни, а не сосредоточиваться исключительно на потустороннем мире.
Флоренция считала себя идеальным городом-государством, местом, где была гарантирована свобода личности и где многие граждане имели право участвовать в управлении (это должно было сильно отличаться от жизни, например, в Миланском герцогстве. , которым управляла череда герцогов с абсолютной властью) В 1400 году Флоренция была вовлечена в борьбу с герцогом Миланским. Флорентийский народ опасался потери свободы и уважения к людям, которые были гордостью их республики.

К счастью для Флоренции, герцог Миланский подхватил чуму и умер в 1402 году. Затем, между 1408 и 1414 годами, Флоренции снова угрожала опасность, на этот раз король Неаполя, который также умер, не успев успешно завоевать Флоренцию. А в 1423 году флорентийский народ готовился к войне против сына герцога Миланского, который угрожал им ранее. И снова, к счастью для Флоренции, герцог потерпел поражение в 1425 году. Флорентийские граждане интерпретировали эти военные «победы» как знак Божьей милости и защиты.Они воображали себя «Новым Римом» — другими словами, наследниками Древней Римской республики, готовыми жертвовать ради свободы и свободы.

Флорентийский народ очень гордился своей формой правления в начале 15 века (как и мы — нашей демократией). В конце концов, республика — это место, где уважают мнение людей, и мы знаем, что индивидуализм был очень важной частью гуманизма, процветавшего во Флоренции в пятнадцатом веке.

Посмотрите эти два видео об искусстве и архитектуре раннего Возрождения.

Скульптура раннего Возрождения | Davis Publications

Я побывал во многих, многих церквях Швейцарии и нашел одни из самых удивительных (иногда) скульптур в натуральную величину, в том числе группу Lamentation в соборе во Фрибурге. Причина, по которой меня поразила эта голова от Олбрайт-Нокс, заключается в том, что искусство североевропейского Возрождения часто очерняют по сравнению с тем, что происходило в Италии во время этого «возрождения».«Как вы, наверное, уже знаете, я не большой поклонник итальянского искусства эпохи Возрождения, потому что оно используется многими историками искусства как« мерило »во всем остальном искусстве, включая незападное.

Фландрия , Неизвестный художник, Голова Христа , начало 1400-х годов. Ленточное и окрашенное дерево, 11 x 7 5/8 x 8 3/8 дюйма (27,9 x 19,4 x 21,3 см). © Albright-Knox Art Gallery, Буффало, штат Нью-Йорк (AK-800)

До 1500-х годов в Европе в период Возрождения в Европе не было сильной традиции отдельно стоящей скульптуры.Самая сильная традиция скульптуры в Северной Европе пришла в виде фигур косяков в северных церквях. Северные художники не были окружены скульптурой Древней Греции и Рима, как итальянские художники того периода. Северная скульптура, как правило, продолжала готическую традицию акцента на эмоциональном / духовном, а не на физическом.

При этом я считаю скульптуру северного Возрождения особенно привлекательной из-за эмоционального содержания, в отличие от итальянского возрождения, делающего упор на классический баланс и спокойствие.Эта голова распятого Христа, вероятно, из группы плачущих в натуральную величину, особенно поражает своей реалистичностью и поразительным пафосом (особенно в едва приоткрытых веках). Деревянные скульптуры, подобные этой, обычно окрашивались, часто с тонким слоем штукатурки или левкаса поверх дерева.

По иронии судьбы, такое нанесение краски копирует классическую греческую скульптуру больше, чем итальянское ренессансное воплощение их идей классицизма из чистого белого камня или мрамора. Независимо от религиозных убеждений, эта голова невероятно красива по резьбе, как я бы восхищался головой бодхисаттвы или Будды из Азии.

Tilman Riemenschneider (1460–1531, немецкий), Saint Stephen , 1502–1510. Крашеная и позолоченная липа, высота: 36 1/2 ”(92,7 см). © Кливлендский художественный музей. (CL-679)

В то время как итальянские художники сознательно пытались воспроизвести древнегреческий и римский акцент на физическом теле (у них было много обнаженных скульптур, которые можно было скопировать), северные художники подчеркивают своего рода экспрессионистскую духовную силу.Это особенно ярко проявилось в немецких работах в стиле Zackenstil (зигзагообразный стиль), который был одержим остроконечной, часто удивительно сложной драпировкой, которая эффективно скрывала большую часть ссылок на физическое тело под ним. Рименшнайдер — один из моих любимых, кто занимался этим. Обратите внимание на его Saint Stephen , где очень мало упоминаний о нижележащих частях тела под зигзагообразной драпировкой, хотя руки и лицо обработаны очень убедительно.

Лоренцо Гиберти (1378–1455, Италия), Аарон , от Врат Рая , Баптистерий, Флоренция, ок.1425–1452. Позолоченная бронза. Художественные изображения Дэвиса. (8С-12666)

Донателло (ок. 1386–1466, Италия), Святой Иоанн Богослов , 1408–1415. Мрамор, высота: 82 11/16 «(210 см). Museo dell’Opera del Duomo, Флоренция. (8S-5840)

Когда мы смотрим на итальянские работы того же периода, что и «Голова Христа » , мы видим поразительное сходство с «Рименшнейдером» столетия спустя.Гиберти определенно освоил позу Contra-posto (хипшот) с древних времен, а Донателло определенно указал массы тела под мантией, похожие на античные модели. Однако в работах обоих художников сохраняется пышная драпировка готического периода (ок. 1200–1400 гг.). И обратите внимание на схожесть обработки бород на двух итальянских образцах по сравнению с нашим Head of Christ . Интересно, нужно ли раздвинуть бородку и добавить бигуди, чтобы добиться такого вида?

Хотя фламандская скульптура определенно реалистична, итальянские образцы больше похожи на портреты, чем на интерпретацию черт лица.В общем, хотя я непоколебимо люблю североевропейскую скульптуру, не могу сказать, что она мне нравится больше, чем итальянские образцы того же периода. Во мне искусствовед ценит качества обоих стилей.

Связь с программами Дэвиса: Связь с сообществом: 3,2, Глобальное стремление: 4,4, Изучение истории искусства: 10,1, Визуальный опыт: 15,8, Начальная скульптура: 5

Искусство итальянского Возрождения (1400–1600) | Учебные материалы по истории искусств

Автоматически найденные изображения:

• Донателло, Давид, середина пятнадцатого века
• Брунеллески, Купол Флорентийского собора, 1420–35
• Брунеллески, Сан-Лоренцо, середина пятнадцатого века
• Мазаччо, Троица, ок.1425
• Мазаччо, Деньги дани, ок. 1427
• Леонардо да Винчи, Мона Лиза, г. 1505
• Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, ок. 1495
• Рафаэль, Афинская школа, ок. 1510
• Рафаэль, Мадонна Луговая, ок. 1505
• Микеланджело, Потолок Сикстинской капеллы и Сотворение Адама, ок. 1510
• Микеланджело, Давид, 1501–4
• Тициан, Венера Урбинская, 1538
• Пармиджанино, Мадонна с длинной шеей , 1534-1540
• Микеланджело, Страшный суд Сикстинской капеллы , 1537-1541
• Софонисба Ангиссола, Автопортрет у мольберта , 1556
• Софонисба Ангиссола, Портрет сестер художника , 1555
• Аннибале Карраччи, The Beaneater , 1584-1585
• Аннибале Карраччи, Мистический брак св.Екатерина , 1585-1587

Секция эпохи Возрождения иногда вызывает трудности по нескольким причинам. Часто мы оказываемся немного (или сильно) отстающими к этому моменту в семестре, и нам трудно быстро пройти через раздел эпохи Возрождения, потому что он обычно подробно освещается в традиционных текстах опросов, иногда две-три главы посвящены Это! Кроме того, учащиеся могут узнать эти работы и захотят потратить на них много времени. Имея в виду эти проблемы, нижеследующее предлагает способ эффективно ориентироваться в некоторых из самых известных произведений этого периода.Этот лекционный материал объединяет итальянское искусство пятнадцатого и шестнадцатого веков в одну лекцию с предложенными возможностями расширить материал, если у вас будет больше времени.

Глоссарий :

Ренессанс : означает «возрождение». Ренессанс относится к искусству Европы, созданному между 1300–1600 годами.

• Прото-ренессанс : 1300-е гг.
• Раннее Возрождение : 1400-е гг.
• Высокое Возрождение : 1500-е гг.

Другое название:

• Trecento : «300-е годы» по-итальянски, относится к 1300-м годам.
• Quattrocento : «400» по-итальянски, относится к 1400-м годам.
• Cinquecento : «500» на итальянском языке или 1500-е годы.

Affetti- человеческая страсть и чувства, переданные с помощью физических жестов и движений тела.

Непрерывное повествование — метод рассказа нескольких эпизодов истории в одном произведении искусства.

Контрреформация — ответ Римской церкви на протестантскую Реформацию, в которой верования были прояснены, подтверждены и оправданы.

ракурс — иллюзия, создаваемая на плоской поверхности, на которой фигуры и объекты кажутся отступающими или резко выступающими в пространство.

Одноточечная линейная перспектива — метод создания иллюзии трехмерного пространства на двумерной поверхности (созданной путем очерчивания линии горизонта и нескольких ортогональных линий, которые удаляются, чтобы встретить точку схода).

Ортогональный — любая линия, возвращающаяся в представленное пространство изображения перпендикулярно плоскости воображаемого изображения.

Маньеризм — примерно 1515-1600, стиль, отмеченный отходом от классицизма Высокого Возрождения.

Протестантская Реформация — движение, которое началось с критики Папы и Церкви и привело к развитию новой ветви христианства.

Несколько основных тем, которые могут направить ваше обсуждение всех основных произведений итальянского Возрождения, включают: возрождение классических стилей и идей (особенно гуманизма), возвращение к натуралистическому стилю (трехмерные объекты и пространство) и повышение статуса личности. (и художник, и меценат).

Донателло Давид служит хорошим введением в эпоху Возрождения, потому что он сигнализирует о растущем интересе к средствам, стилю и предметам классического искусства, но адаптирует этот словарь к христианским темам, поскольку эта религия теперь была доминирующей Европа. Он также показывает художников, которые развивают фирменные стили и, в случае Донателло, расширяют социальные границы.

Эта скульптура красиво контрастирует с романской и готической рельефной скульптурой, которая обычно украшала порталы больших соборов и среди которых есть ряд хороших примеров, таких как скульптуры косяка Шартрского собора или Страшный суд Гислеберта над дверью Святого Лазаря. Собор в Атуне, Франция.Важным контрастом здесь является тот факт, что ранее масштабная скульптура украшала архитектуру. Таким образом, была меньшая опасность того, что это приведет к поклонению идолам и нарушению третьей заповеди, запрещающей использование изображений на камне. В раннехристианском или раннесредневековом искусстве редко можно встретить натуралистическую скульптуру в натуральную величину. Лишь в эпоху Возрождения, когда Европа была твердо христианской и комфортно дистанцировалась от языческих идолов, натуралистическая круглая скульптура вернулась с большим размахом.

Гомоэротический характер этой работы — наиболее очевидным образом демонстрируемый тем, как перо от шлема Голиафа проходит по всей ноге Давида до верхней части задней части бедра — всегда обязательно вызовет оживленную дискуссию в классе. Я считаю, что сейчас хорошее время, чтобы подчеркнуть (или повторить) то, что общества строят разные представления о гендере, социальных ролях, идеалах красоты и т. Д., И что эти аспекты культуры находятся в постоянном изменении, и мы не можем применять наши современные представления. к нашему анализу других культур.

Донателло намеренно раздвигал социальные границы здесь своей провокационной позой и использованием наготы, то есть сочетанием отсутствия одежды и наличия сапог и шляпы, чтобы бросить вызов своим зрителям. Тот факт, что он возродил технику бронзы по выплавляемым моделям, также был очень новаторским для того времени и усиливал чувственность его текстуры поверхности. Донателло умел экспериментировать, потому что он пользовался поддержкой и защитой семьи Медичи, богатой и влиятельной банковской семьи, которая действовала как фактические правители Флоренции и считала себя великими покровителями искусства.

Легенда гласит (то есть легенда Джорджо Вазари), что Брунеллески и Донателло вместе отправились в Рим, и каждый вернулся, вдохновленный искусством классической античности. Очевидно, что Пантеон, о котором шла речь в предыдущей лекции о Древнем Риме, непосредственно вдохновил Брунеллески на создание купола Флорентийского собора ; однако, поскольку у итальянских художников эпохи Возрождения не было того же рецепта для бетона, Брунеллески необходимо было разработать несколько ключевых инновационных архитектурных методов, таких как: двойная оболочка для купола, уникальный способ укладки кирпича, чтобы они поддерживали следующий уровень кирпичи и система колец, скрепляющих купол.(Более подробные описания см. В указанном выше ресурсе National Geographic.)

Сравнивая купол Брунеллески Купол с Шартрским собором или другим готическим собором, студенты могут увидеть разницу между неземной, прозрачной и вертикальной природой готической архитектуры и архитектурой эпохи Возрождения, которая была вдохновлена ​​древнеримским примером и выражает идеи архитектура, которая прочно укоренилась в земном мире, реагируя на гравитацию и потребность в прочной опоре.Другие ссылки на классическую архитектуру включают использование колонн, минимального декора, симметрии и рационализированных пропорций. Эта работа также свидетельствует о растущем статусе художника, потому что Брунеллески должен был выиграть комиссию на конкурсе. Его идеи были его собственными — он держал их в секрете, пока не был награжден победой, — и его победа принесла с собой известность и известность.

• Если у вас есть дополнительное время: San Lorenzo Брунеллески (или Санто Спирито) может показать более реализованную версию его архитектурного стиля.В отношении купола собора Брунеллески пришлось пойти на определенные уступки. Ему пришлось сделать его слегка заостренным — урок, который он извлек из готической архитектуры, — чтобы он успешно стоял на существовавшем ранее барабане церковного перехода. В Сан-Лоренцо и Санто-Спирито у Брунеллески было больше возможностей использовать закругленные арки и реализовать комплексный план, основанный на классических идеалах, таких как симметрия и гармоничные пропорции. Ясность его архитектурного стиля проявляется в его подходе к материалам.Когда элемент является структурным, Брунеллески имел обыкновение сигнализировать об этом, используя местный серый камень, pietra serena . Кроме того, показав внутренний вид одной из его церквей, вы можете хорошо подготовиться к сравнению архитектуры Брунеллески и вымышленной архитектуры Trinity Мазаччо, обсуждаемой ниже.

Говорят, что Брунеллески, пытаясь узнать секреты купола Пантеона, сделал множество точных набросков древнего языческого храма.Считается, что эти попытки точно преобразовать трехмерное здание в двухмерную визуализацию вдохновили Брунеллески на новое открытие одноточечной линейной перспективы. Хотя две демонстрационные панели Брунеллески (подробнее о них см. Здесь) были первыми картинами, демонстрирующими эту технику, эти картины не сохранились, и, следовательно, Мазаччо Trinity заслуживает уважения. Вазари утверждал, что Брунеллески и Мазаччо были друзьями и что первый научил последнего технике перспективы.Доказательства этого сотрудничества обнаруживаются при сравнении архитектуры Брунеллески с фреской Trinity . Живопись Мазаччо явно включает стиль Брунеллески, определяемый его цветовой кодировкой структурных компонентов и использованием классической лексики.

После описания ключевых элементов объекта (Бог, Христос, Святой Дух, Мария и Иоанн и портреты доноров) и инструментов, используемых для создания линейной перспективы (точка схода, ортогонали, линия горизонта), я считаю полезным спросить студенты должны взять лист бумаги и нарисовать базовую перспективную визуализацию класса, пока я моделирую это на доске.Такое упражнение демонстрирует, как можно создать трехмерное пространство, просто заставив ортогонали (линии, перпендикулярные плоскости изображения) сходиться в точке схода.

Чтобы контекстуализировать картину Мазаччо Trinity , спросите студентов, почему посетители захотят такую ​​картину. Это поможет им осознать, что Trinity фактически является настоящим алтарем, изображающим вымышленную часовню, которая позволила человеку занять священное место внутри церкви и подготовиться к своей загробной жизни через художественное покровительство.Если смотреть со стороны нефа церкви, церковь Мазаччо Trinity казалась настоящей часовней. Художник передал нарисованный мир, соответствующий реальному миру зрителя.

Как и в случае со спонсорством Медичи Донателло, покровительство здесь также было важным вопросом. Портреты доноров дают возможность рассказать о росте портретной живописи, ее памятном аспекте и о том факте, что доноры надеялись, что позже посетители будут молиться от их имени, чтобы помочь им в загробной жизни.Здесь я показываю нижнюю часть фрески с изображением скелета, который является напоминанием о смертности каждого человека. Посредством надписи, которую можно рассматривать как нечто похожее на речевой пузырь, скелет провозглашает, что то, чем вы сейчас являетесь (живым), когда-то был, и тем, чем я являюсь сейчас (мертвым), вы однажды станете. Мне нравится проверять понимание учениками линейной перспективы, спрашивая, могут ли они определить ортогонали в этой нижней части фрески. Иногда студенты борются с этим, потому что укороченные края саркофага и капители очень малы и сходятся вверх к одной и той же точке схода, то есть сходятся противоположным образом, чем в верхней части фрески.

• Если у вас есть дополнительное время: Masaccio Tribute Money позволяет обсудить атмосферную перспективу и важные вопросы, связанные с повествовательным искусством. Многие христианские рассказы, встречающиеся в церквях, хотели «оживить» библейские истории для зрителя. Впоследствии можно наблюдать общую тенденцию обращаться к зрителю через натуралистические декорации и фигуры, разговорные детали и проявления психологического напряжения или драмы. Линейная перспектива предоставила художникам больше пространства и, как следствие, возможность передать более подробные истории.Еще одна художественная традиция, которая способствовала расширению повествовательных возможностей, — это непрерывное повествование, которое можно увидеть здесь. Мазаччо показал три события из одной истории в одном кадре, а не разделил сцены, как это делал Джотто. (Этот же анализ можно применить к первому набору дверей баптистерия Гиберти по сравнению с его вторым набором, если вы хотите вместо этого обсудить эту концепцию.) История была рассказана не по порядку, потому что художник хотел подчеркнуть роль Христа и, следовательно, его сцена показана посередине.Художник не обязательно рассказывал зрителю об этой истории. Скорее всего, зритель это уже знал, и Мазаччо мог воспользоваться художественной лицензией. Важность Христа также подчеркивается тем фактом, что точка схождения перспективной системы падает около его головы. В дополнение к линейной перспективе эта фреска использует атмосферную перспективу, чтобы показать глубину в естественной обстановке, делая объекты, которые находятся дальше, меньше, более голубоватыми и менее резкими. Художник также использовал освещение, чтобы привлечь зрителя к сюжету и сделать сцену более правдоподобной и интересной.Иллюзионное освещение внутри картины проникает справа и отбрасывает тени, падающие влево. Таким образом, освещение внутри картины соответствовало бы фактическому освещению в часовне, поскольку изначально на стене справа от картины была вдова.

Леонардо Мона Лиза прекрасно сочетается с работами Мазаччо, потому что показывает его подход к атмосферной перспективе, достигнутый с помощью живописных техник сфумато и светотени , а также демонстрируя рост интереса к портретной живописи. покровители.Сравнивая портрет Леонардо с более ранними портретами женщин, легко увидеть, что многие важные аспекты женского портрета и живописи в целом менялись (масляная краска, фронтальный вид, больший интерес к психологии объекта) в сторону гуманизма, натурализма и индивидуализм.

Леонардо Тайная вечеря позволяет продолжить изучение линейной перспективы и натурализма. Здесь художник не только использовал ортогонали, чтобы создать ощущение глубины, но и снова освещение сцены (падающее слева и отбрасывающее тень справа) выровнялось с фактическими окнами в комнате.Это заставило бы зрителей почувствовать, что нарисованная реальность была их собственным продолжением, аспектом работы, который усиливается, если учесть, как люди на самом деле использовали эту комнату. Это пространство функционировало как столовая для монахов, но расположение стульев сильно отличалось от типичного современного кафетерия. За большими столами в центре комнаты не было места. Скорее всего, в монастырях было обычной практикой располагать сиденья в один ряд спиной к стене и столиком перед ними.Такое расположение препятствовало разговорам во время еды и способствовало более медитативному, молитвенному опыту для монахов. Сидя таким образом, монахи могли созерцать сцену Тайной вечери перед ними, представляя, как бы они отреагировали, если бы были там. Композиция Леонардо, линейная перспектива и схема освещения помогли бы такой медитации, потому что стол апостолов появился бы как продолжение стола монахов, хотя и на более высоком уровне.

Здесь есть важные моменты, касающиеся техники и художника как новатора.Леонардо чувствовал себя ограниченным из-за быстросохнущей темперной краски, используемой в традиционной технике фрески. В этот момент он заинтересовался использованием качеств масляной краски и попытался включить это средство в свою фреску. Результаты были плачевными, и картина потребовала первой из многих реставраций при жизни Леонардо.

Это произведение также характерно для гуманизма эпохи Возрождения, поскольку исследует психологическое состояние изображенных. Каждый апостол по-разному реагирует на известие о том, что Христос будет предан, передан властям и распят.Леонардо пытался уловить реакцию и личность каждого человека через его внешние действия ( affetti ). Хаосу различных реакций противостоит спокойная, сосредоточенная позиция Христа. Он закрепляет композицию своей пирамидальной позой, и зритель тянется к нему, потому что точка схода направляет человека к нему.

Еще одна характерная черта этой работы для натурализма эпохи Возрождения заключается в том, что художник не изобразил святые фигуры с яркими золотыми дисками, символизирующими ореол.Вместо этого голова Христа обрамлена небом, видимым в пейзаже из окна. Такой подход к ореолу дает поучительное сравнение либо с ореолами Мазаччо в Tribute Money , которые он сокращает почти как шляпы, либо с ореолами Джотто в его Мадонна с младенцем , которые представлены в виде больших золотых дисков, окружающих лики святых. Хотя Джотто интересовался развитием натуралистических фигур и пространства, его изображение ореолов привело к тому, что он перекрыл некоторые лица, эффективно скрывая изображения соседних святых фигур.Леонардо разрешил это противоречие, отказавшись от символических элементов и выбрав более естественную сцену.

Рафаэля Афинская школа — это фреска, похожая на фреску Леонардо Тайная вечеря в том, что в ней используется линейная перспектива для создания большого декорации для многофигурной сцены. В отличие от работ Леонардо, Рафаэль изображает ученых, философов, математиков и мыслителей прошлого, а не библейских персонажей. Его также сделали в Риме для Папы Юлия II.Эти аспекты работы характерны для Высокого Возрождения, потому что они сигнализируют о переходе к более гуманистической тематике и указывают на то, что художественный центр переместился в Рим, где Папа был самым востребованным покровителем искусств. Работа на Папу в Ватикане была самым престижным заказом, который мог получить художник в то время, и обеспечивала им международную сцену для своих работ.

Эта художественная программа охватывает четыре стены личной палаты Папы и демонстрирует тот факт, что христианская церковь теперь объединяет знания из многих различных источников (даже языческих и мусульманских мыслителей, таких как Аристотель, Платон и Аверроэс).Такое представление наглядно представлено в том факте, что архитектура пространства, в котором собираются мыслители, была похожа на современный вид новой строящейся базилики Святого Петра.

Безусловно, возрождение возрождения, но не только для того, чтобы отдать дань уважения прошлому. Величайшие художники и мыслители Италии эпохи Возрождения стремились превзойти своих культурных предков. Этот аспект работы виден сквозь призму портретной живописи. Рафаэль основал фигуру Аристотеля на Леонардо, фигуру Гераклита на Микеланджело (который работал над Сикстинским потолком в нескольких минутах ходьбы, пока Рафаэль писал это), а Рафаэль написал свой автопортрет, смотрящий на зрителя с крайнего правого угла. .

• Если у вас есть больше времени: обсудите Рафаэля с Мадонна с младенцем , а затем попросите студентов сравнить ее с Джотто Мадонна с младенцем , чтобы продемонстрировать ключевые различия между прото-ренессансом и высоким ренессансом.

Микеланджело Сикстинский потолок с деталью Сотворение Адама был нарисован в часовне Папы в нескольких шагах от Афинской школы Рафаэля примерно в то же время, что снова демонстрирует студентам важность папского патронажа для развитие Высокого Возрождения.Однако, поскольку Микеланджело считал себя в первую очередь скульптором, а во вторую — художником, он не был доволен этим заказом. Он не хотел красить потолок часовни и даже написал стихотворение о том, что эта работа неприятна (подробнее об этом см. Слайды в PowerPoint).

Несмотря на его сопротивление, эта комиссия демонстрирует растущий статус художника не через автопортрет, а через идею художественной свободы. Микеланджело изобразил сцены из библейского повествования о сотворении мира в центре потолка часовни.Изображая Сотворение Адама , Микеланджело значительно изменил библейский сюжет в соответствии со своей художественной и идеологической позицией. Дав Адаму тело, Бог готовится дать ему душу. В библейском повествовании говорится, что Бог вдохнул в ноздри Адама, но Микеланджело изменил это, чтобы отразить Бога, даровавшего душу через свои руки, как это мог бы сделать художник, создающий свои собственные шедевры руками.

Детали Адам и Бог иллюстрируют жесткие контурные линии и четкую лепку Микеланджело, стиль, который является очень скульптурным и также отсылает к его привилегированному взгляду на скульптуру над живописью.Чтобы прочувствовать Микеланджело как скульптора, обратимся к одной из его самых известных работ — David .

Микеланджело Давид изначально предназначался для верхней части собора Флоренции, поэтому размер рук и выступающая линия волос были увеличены, чтобы их было видно с улицы. Другой аспект проекта, ограничивавший возможности Микеланджело, заключался в том, что ему был назначен блок мрамора, начатый другим художником.Микеланджело был очень разборчив со своими мраморными блоками, полагая, что дух скульптуры заключен в камне, и его художественная интуиция была необходима для выбора правильной части мрамора из карьера. То, что он все еще мог достичь своей идеальной формы, становится очевидным, если сравнить обнаженную мужскую обнаженную фигуру Адама с Сикстинского потолка и его скульптуру Давида . Эти формы ясно передают ощущение идеализированной героической обнаженной натуры Микеланджело, явно вдохновленной образцами классической античности.

Как и в случае с Сикстинским потолком, Микеланджело получил здесь художественную лицензию. Вместо того, чтобы следить за этой историей так же внимательно, как Донателло со своим David , Микеланджело не представлял Давида как юную и слабую фигуру. Микеланджело дал Давиду сильную, уверенную позу и телосложение, которое могло бросить вызов силе могущественного Голиафа. В то время как Донателло ясно дал понять, что Давид обязан своей победой божественному вмешательству, Микеланджело дал нам скульптуру человека, который могущественен, героичен и даже интеллектуален или стратег (в том смысле, что его выражение предполагает, что он, возможно, планировал свою атаку).Такой взгляд на личность, безусловно, резонировал бы с гуманистическим взглядом художника и идеалом Высокого Возрождения в целом.

Если у вас есть больше времени: Венера из Урбино Тициана создает приятный контраст с мужскими фигурами Микеланджело и прекрасно иллюстрирует то, как художники Венецианского Возрождения использовали масляную краску. Это также поднимает вопросы, связанные с полом и эволюцией женского обнаженного тела. Чтобы еще больше проиллюстрировать визуальные качества масляной краски и живописного стиля, вы можете сопоставить работу Тициана с более скульптурным вдохновением Боттичелли «Рождение Венеры».

В начале шестнадцатого века преобладали натурализм и идеализм так называемых старых мастеров (Микеланджело, Рафаэль, Леонардо), но в течение века художники экспериментировали с новыми стилями и предметами. Некоторые считают меняющиеся художественные стили отражением бурного социального ландшафта — периода, отмеченного интенсивными политическими и религиозными волнениями. Например, в 1517 году Мартин Лютер опубликовал свои 95 тезисов, положив начало протестантской Реформации, а затем, десятилетие спустя, войска императора Священной Римской империи Карла V напали на Рим и разграбили его.Однако, несмотря на изменения, вызванные этими событиями, некоторые константы остались. Например, статус художника продолжал подниматься до новых высот, порой даже до такой степени, что бросал вызов влиятельным покровителям, а также художественным нормам.

Мадонна с длинной шеей Пармиджанино 1534–1540 годов характерна для стиля маньеризм из-за его явного отклонения от художественных традиций Высокого Возрождения. Маньеризм был определен по-разному, но, возможно, будет полезно представить его, сравнив работы Пармиджанино и произведения Высокого Возрождения, такие как «Мадонна на лугу » Рафаэля.Студенты могут вести дискуссию здесь, указывая на странные аспекты работы: удлиненную шею, пальцы и ноги Богородицы; разная цветовая палитра; необычное ощущение пространства, особенно с точки зрения отношения переднего плана к фону; и неясное иконографическое значение, такое как большая незакрепленная колонна, маленькие неоднозначные фигуры на среднем плане и странный акцент на высокой одежде ангела и обнаженной ноге в дальнем левом углу изображения.

Маньеризм был определен как противоположность натурализму, своего рода «ненатурализм».Он охватывает искусственное, надуманное, чрезмерно стилизованное и искусство, основанное на других формах искусства, а не на природе. Некоторые искусствоведы интерпретировали этот странный новый стиль как намеренное отклонение от предыдущего поколения. Художникам поколения после Рафаэля нужно было найти новые способы выражения после того, как был достигнут апогей классицизма. Другие объяснения сосредоточены на приеме аудитории. К этому времени меценаты и коллекционеры стали сообразительными ценителями и стремились собрать новые произведения искусства, демонстрирующие их эрудированный вкус, художественные знания и религиозное понимание.Другая теория контекстуализирует художественные изменения в рамках социальных потрясений этого периода, обнаруживая корреляцию между социальными и художественными потрясениями. Обсуждение различных подходов к этому вопросу — хорошая возможность представить различные методологии в области истории искусства.

Попросите учащихся сравнить Микеланджело Страшный суд из Сикстинской капеллы (1537-1541) с фигурами из работы Микеланджело на Сикстинском потолке, что указывает на маньеристские черты более поздних работ этого художника.Искаженные, неустойчивые тела и напряженные, иногда ненормальные, выражения фигур в «Страшном суде » сильно контрастируют с чистыми, спокойными, идеализированными позами на потолке. Особенно интересная деталь обнаруживается в фигуре святого Варфоломея, с которого содрали кожу заживо и поэтому он держит орудия пыток: нож и содранную кожу. Говорят, что черты лица на содранной коже являются автопортретом художника, что делает потенциально интересный комментарий к психологии художника.Говорят, что художник также нарисовал на этой сцене других современников, наиболее примечательной из которых является фигура Миноса прямо над дверью в правом нижнем углу. Говорят, что это напоминает папского чиновника (Бьяджо да Чезена), критиковавшего чрезмерную наготу на картине Микеланджело. В некотором смысле последнее слово было за Бьяджо. После смерти Микеланджело Папа Пий IV нанял другого художника (Даниэле да Вольтерра), чтобы он покрыл некоторые из наиболее противоречивых отрывков с помощью стратегически размещенных драпировок.

Сразу после того, как Микеланджело закончил свой скандальный Страшный суд, было проведено первое заседание Тридентского совета (1545-1547), чтобы формализовать ответ церкви на критику протестантской Реформации.На этом соборе церковь разъяснила их убеждения относительно различных доктрин и таинств, а также изложила правила приличного религиозного искусства. Из-за усилий церкви Контрреформации искусство, созданное во второй половине века, имело тенденцию быть менее двусмысленным и более простым как визуально, так и иконографически.

Однако нельзя сказать, что ему не хватало инноваций. «Автопортрет у мольберта» Софонисбы Ангиссолы.Обращает на себя внимание четкий акцент на автопортрете. В отличие от автопортрета Рафаэля в The Школа Афин , Софонисба не включила себя в группу или в более крупный рассказ. Скорее, художник за работой является предметом произведения. Такая картина демонстрирует растущий статус художника как творческого гения, идея, поддержанная и опубликованная в книге Джорджо Вазари « жизней художников » (первое издание опубликовано в 1550 году, второе — в 1568 году). Вазари подчеркивает достижения Софонисбы, отмечая: «Софонисба Кремона, дочь мессера Амилкаро Ангищуолы, трудилась над трудностями дизайна с большим изучением и большей грацией, чем любая другая женщина нашего времени, и она не только преуспела в рисовании, раскраске. и копирование с натуры, и изготовление превосходных копий произведений другими руками, но также исполнила в одиночку некоторые очень отборные и прекрасные произведения живописи.”

• Если у вас будет больше времени: Софонисба Портрет сестер художника, играющих в шахматы демонстрирует растущий интерес к жанровым сценам, категориям, которая станет особенно популярной и ценимой в период барокко. Живость сцены усиливается за счет натуралистических выражений, предполагающих оживленную беседу. Позы также указывают на то, что деятельность группы была прервана на короткое время.

Расширяющийся диапазон приемлемых сюжетов и интерес к моменту реальности также демонстрируется в Аннибале Карраччи The Beaneater , написанном в конце века.В данном случае сцена гораздо более скромная, вероятно, вдохновленная картинами крестьянской жизни в северных традициях. Одним из самых инновационных аспектов этого изделия является его эскизное качество. Аннибале Карраччи нарисовал простую сцену свободной манерой, которая, кажется, передает подлинный, спонтанный момент и соответствует домашнему сюжету. Тот факт, что зритель находится почти за столом с натурщиком, помогает укрепить их связь с работой и стереть границы между нарисованным миром и реальным — еще один новый подход к созданию искусства в то время.Этот стиль является прямым результатом интереса Аннибале к возрождению натуралистического искусства и отказа от стиля маньеризма. С этой целью Аннибале вместе со своими братьями основал мастерскую и художественную академию в Болонье. Академия в очередной раз сделала упор на копирование работ великих мастеров, а также на зарисовки с натуры и уличные сцены.

• Если у вас есть больше времени: Аннибале Карраччи, Мистический брак Святой Екатерины , 1585-1587 дополняет The Beaneater , показывая, как Аннибал изменил свой стиль в соответствии со своим предметом.В соответствии с усилиями Тридентского совета в области художественной реформы, тема представлена ​​ясно, без чрезмерной наготы или богословской двусмысленности (эпизод основан на визионерском опыте Святой Екатерины). Классические идеалы Высокого Возрождения прочно заменили экспериментирование стиля маньеризма.

Произведения по стилю: Раннее Возрождение

Стиль

Идеи гуманизма и раннего Возрождения нашли выражение в искусстве, сначала в литературном, у Петрарки и Боккаччо в 14 веке, а затем, в 15 веке, в изобразительном искусстве.Интеллектуалы Раннего Возрождения стремились к детальному и строгому знанию, основанному на рациональных и очевидных основаниях, чтобы постичь мир вокруг них. Следуя этим интеллектуальным предложениям, Филиппо Брунеллески, самый влиятельный архитектор 15 века, задумал научный метод геометрической перспективы. Это позволило определить и рационально управлять пространством, выдержанным в человеческом масштабе.

Брунеллески, Донателло и Мазаччо, основатели Первого флорентийского Возрождения, поставили задачу переноса трехмерной реальности в плоскость двухмерного представления, сохраняя оптическую иллюзию пространственной глубины.Джотто нашел интуитивное решение. Эти новые художники используют геометрические и математические правила, теоретизированные Брунеллески, а затем завершенные Леоном Баттистой Альберти, другим великим флорентийским художником. Они построили перспективную клетку как основу для установки изображения. Донателло и Мазаччо черпают из этих теорий фундаментальную информацию, чтобы организовать свои композиции в единые и согласованные множества. Эти наборы были построены на основе перспективной структуры с единой и централизованной точкой схода в соответствии с геометрически выверенными пропорциями.

В художественных представлениях, которые придерживаются перспективного взгляда Брунеллески, таких как Донателло и Мазаччо, человеческое тело также соответствует рациональным и научным нормам, которые определяют его формы и пропорции, выведенные из изучения древней скульптуры и наблюдения за реальным человеком. фигурки, взятые за образец. Художники стремились достичь гармонии частей, чтобы целое выглядело как идеальное отражение внутренней гармонии.

Сначала Донателло применил перспективу Брунеллески в мраморной пределле с Сан-Джорджо , который освобождает принцессу (1415-17).Там он связал укороченный рельеф с укороченной перспективой: барельеф, который опускается, пока не достигает минимальной толщины для предметов, расположенных вдалеке. Десять лет спустя Мазаччо, вероятно, следуя совету Брунеллески, создал необычную церковь Тринита Санта-Мария-Новелла (около 1427 г.), где архитектурное сооружение построено в идеальном ракурсе. Вазари скажет: «Кажется, он пробил стену». Работа представляет собой манифест перспективной культуры, сформировавшейся во Флоренции в период с 1420-х по 1430-е годы.

Художники раннего Возрождения восхищались не только красотой человеческого тела, основанной на перспективе, анатомии и учении о пропорциях. Они также исследовали субъективность личности, выражение чувств перед фактами истории. Картины Мазаччо и скульптуры Донателло представляют реальное и в то же время героическое человечество, состоящее из людей с твердо сложенными телами, расположенными в пространстве, которые, принимая серьезные отношения или движимые сильными эмоциями, выражают моральную силу, энергию и достоинство.Это человечество, помещенное в рационально измеримое естественное пространство, воплощает идеалы гуманизма.

Великолепный идеал и пример художественного стиля раннего Возрождения — это классическое искусство в его способности имитировать естественное. Художники пятнадцатого века стремятся получить правдоподобное представление о пространстве, теле, движении и чувствах; таким образом, они становятся великими учеными и ценителями классического искусства. Художники могли узнать о древнем искусстве напрямую двумя способами: посетить антикваров или остаться в городах, где начались археологические раскопки.Донателло и Брунеллески, например, долго оставались в Риме. Как архитектор, Брунеллески изучал стиль, порядки, типы классической архитектуры, ее пропорциональные отношения и методы строительства. Донателло, как скульптор, пытался понять правила древнего скульптурного искусства, пропорции человеческого тела, выражение чувств, использование цвета и материалов, техники (стремясь к совершенству литья по выплавляемой восковой бронзе и терракоты) .

Маддалена Монгера

См.