Серия статей: «Титаны ХХ века. Эпоха модернизма.» Автор: Варвара Байрамова

Вольвганг фон Кемпелен был выдающимся изобретателем своего времени и его многочисленные изобретения сыграли большую роль в развитии технической мысли XVIII и последующих веков.

Пьетро Порчинаи (Pietro Porcinai), выдающийся итальянский архитектор середины прошлого века отлично понимал Ле Корбюзье и поэтому в числе его работ значатся два висячих сада, один из которых был им построен над обширной автостоянкой, второй – на крыше арт-галереи.

Пьетро Порчинаи. Сады виллы Оттоленги. Граф Артуро Оттоленги и его жена Герда, известные итальянские меценаты, в начале 20-х годов прошлого столетия создали   виллу «процветания искусств», где могли бы жить и работать художники.

Габриэль Гуэврикян. Молодой архитектор, заразившийся идеями с Ле Корбюзье, любивший и понимавший творчество художников-кубистов, стал известен благодаря своим неординарным работам, и в первую очередь благодаря своему саду, созданному на вилле Ноай на Лазурном побережье Франции.

Лоуренс Халприн, ученик и соратник Томаса Долливера Чёрча, в 1949 году открывает проектное бюро Lawrence Halprin & Associates, чтобы сказать свое веское слово в ландшафтной архитектуре эпохи модернизма.

Дэн Кайли. В 1955 году, благодаря своим работам Дэн Кайли (Daniel Urban Kiley) стал известен во всей Америке, а позже и в мире. На его счету более 900 проектов общественных и частных пространств, высокие награды от различных ландшафтных ассоциаций и американская Национальная премия искусств.

Флетчер Стил (Fletcher Steele). Автором бестселлера «Сады и люди». Единственной аннотацией к этой книге стала фраза самого Флетчера – «Это книга об искусстве гармонии между человеком и землей, на которой он живет».

Роберто Бурле Маркс. Даже если вы никогда не гуляли по набережной пляжа Копакабана, что в Рио-де-Жанейро, то вы наверняка видели его при трансляции Олимпийских игр 2016 года, а значит немного знакомы с творчеством бразильского ландшафтного архитектора Роберто Бурле Маркса.

Расселл Пейдж (Russell Page) с уверенностью можно назвать крупнейшим европейским ландшафтным архитектором XX века. За свою более чем полувековую карьеру Пейдж построил множество садов — от небольших частных двориков, до парков развлечений и садов-выставок во всех частях земного шара. Но сам о себе он говорил куда как более скромно: «… я самый известный дизайнер, о котором никто никогда не слышал».

Кадзуо Сигэмори  был и художником, и ученым. Начиная с 1938 года, он создал более 200 садов, а в 1971 году опубликовал еще один фундаментальный труд, посвященный японскому садовому искусству уже XX века. В этой книге он утверждал, что необходимо изучать творческие методы старых мастеров прошлых эпох и использовать этот опыт, чтобы научиться внедрять новые технологии и эстетику нового времени в традиционный сад.

Джеймс Роуз. Всю жизнь Джеймс Роуз (James C. Rose) проработал над проблемой слияния в ландшафтной архитектуре двух культур – Востока и Запада. Архитектурные грани западного мировосприятия тесно переплетались в его творчестве с восточной традицией отношения к первозданной красоте растений.

Герберт Байер. В 1979 году Герберта Байера (Herbert Bayer) пригласили в г. Кент, что находится в округе Кинг, штат Вашингтон. Ему предстояло создать проект пространства, которое должно было совмещать функции плотины, защищающей город от наводнений, водоотведения и общественного парка.

Теодор Осмундсон. Его ландшафтному бюро принадлежит авторство более десяти висячих садов как на западном, так и на восточном побережье Соединенных Штатов Америки. В 1999 году Теодор Осмундсон (Theodore Ole Osmundson) выпустил книгу «Roof Gardens, History, Design and Construction”, которая и по сей день является наиболее востребованной при создании висячих садов.

Корнелия  Оберландер.  Свое творчество, по собственным словам Корнелии, она подчинила правилу «Five-P»  — patience, persistence, politeness, passion and professionalism — терпение, настойчивость, вежливость, страсть и профессионализм.  Среди ее работ частные резиденции, общественные пространства, висячие сады на крышах административных центров, студенческие города и важнейшие культурные центры во многих городах североамериканского континента, а также в Иерусалиме. Современный «зеленый» облик Ванкувера сложился в основном благодаря работе Корнелии Оберландер.

Рут Шеллхорн. Она проектировала и строила частные и общественные сады, парки развлечений и жилые массивы. Она стала первой женщиной в профессии. В конце жизни в одном из интервью Рут призналась: «Если вы беретесь за работу, то вы беретесь как человек, а не как мужчина или женщина. По большому счету пол не имеет значения. Все, что нужно для работы – это решить проблему».

Жак Вирц.  Когда Жаку Вирцу (Jacques Wirtz) в 2006 году вручали Золотую медаль фламандской академии искусств, то в приветственной речи его творчество сравнили с работами Андре Ленотра, Уильяма Кента и Ланселота Брауна. Он действительно работал в садах, созданных этими гениями ландшафтной архитектуры. И тогда, на вручении, Вирц ответил, что для него главным было сохранить в этих садах дух места, а не оставить свою собственную подпись.

Тадао Андо. В 1995 году Притцкеровскую премию, высшую награду в области архитектуры, еще называемую «архитектурной нобелевской», получил японец Тадао Андо (安藤 忠雄 Andō Tadao). Всю премию, в размере 100 тысяч долларов, Тадао Андо отдал в фонд помощи пострадавшим от землетрясения на Авадзи.

Сесар Манрике. Объехав полмира, принимая участия в самых ярких Биеннале, проводимых в Венеции и Гаване, он, в конце концов, создал свое направление, которое назвал «тотальным искусством».   Отныне главным принципом его творчества стал синкретизм – объединение его творений и окружающей природы, перетекание одного в другое, без четких и видимых границ.

Предметный мир модерна

Петропавловская крепость, Никольская куртина (2-й этаж)

Экспозиция, объединившая более 200 экспонатов из собрания Государственного музея истории Санкт-Петербурга, представляет лучшую часть музейной коллекции декоративно-прикладного искусства: мебель, осветительные приборы, изделия из фарфора и стекла, бытовые предметы из металла, витражи, выполненные в стиле модерн.

Экспозиция посвящена одному из самых интересных периодов в истории петербургской культуры  —  рубежу Х1Х – начала ХХ века, который называют эпохой модерна.  Модерн — художественный стиль, пришедший в Россию из Европы и получивший широкое распространение в самых  разных областях художественного творчества.  В новом стиле, провозглашавшем обязательное сочетание красоты и функциональности, отказывавшемся от любой  подражательности прошлому и ориентированном на эстетику природных форм и мотивов,  выполнялись проекты зданий и интерьеров, предметы мебели и осветительные приборы, костюм и украшения, бытовые предметы самого разного назначения.

Целый пласт петербургской городской культуры конца XIX – начала ХХ века оказался связан с новым стилем. Напоминает об этом экспозиция в Никольской куртине, демонстрирующая  богатейшее собрание произведений декоративно-прикладного искусства в стиле модерн.

Основу новой экспозиции составляет коллекция мебели. В эпоху модерна на смену грузной, тяжеловесной мебели периода эклектики пришли практичные гарнитуры легкой конструкции. Такую мебель часто делали из светлых пород дерева и украшали резным растительным орнаментом, который подчеркивал изогнутые контуры предметов. Появилась многофункциональная, комбинированная мебель. В моду вошли диваны, составляющие единое целое с боковыми шкафчиками и с верхней надстройкой в виде зеркала с полочкой для различных безделушек. Большое распространение в интерьерах получили небольшие столики и этажерки.

Особого внимания  здесь заслуживает продукция известной петербургской фабрики «Ф. Мельцер и К°», которая одной из первых в России наладила массовое производство мебели в новом стиле. В экспозиции можно увидеть три мебельных  гарнитура из сосны, грушевого дерева, и клена, предположительно изготовленных этой фирмой.

Рядом с предметами мебели демонстрируются настольные и каминные часы и рамы для картин, декорированные в стиле модерн.

Широко представлены осветительные приборы рубежа XIX –ХХ веков. В это время начало использоваться  электричество, и впервые за всю историю осветительной арматуры появилась возможность направлять свет в любую сторону, в том числе вниз, добиваясь оригинальных оптических эффектов («живой» огонь можно было направлять только вверх). Это  открыло перед мастерами эпохи модерна новые художественные возможности. 

Люстры, настольные лампы, торшеры и канделябры поражают обилием используемых материалов: металла, разноцветного стекла, фарфора и фаянса, бисера, стекляруса. Также впечатляют разнообразием и декоративные приемы оформления светильников: фигурные плафоны, съемные детали-подвески, вставки из смальты и грубо обработанного стекла, имитирующего самоцветы, окантовка бисером и стеклярусом, стилизованные дамские фигуры — все это служило единым художественным задачам.

Оригинальную и узнаваемую манеру оформления светильников выработал американский художник-дизайнер Луис Комфорт Тиффани. Первые настольные лампы, оборудованные «витражными» (набранными из стеклянной мозаики) абажурами или украшенные переливающимся стеклом, появились в 1893 году. Продукция фабрики Тиффани породила массу подражаний. Подобные светильники, выполненные, вероятно, мелкими российскими фабриками или мастерами-кустарями, представлены в экспозиции.

Изысканностью и гармоничностью отличаются изделия из фарфора и стекла. В экспозиции широко представлены изделия российских  и западноевропейских фарфоровых и стекольных предприятий: отечественных Императорского фарфорового, Гусь-Хрустального заводов,  Товарищества М. С. Кузнецова, завода братьев Корниловых;  датских Копенгагенской королевской фарфоровой мануфактуры и фабрики «Бинг и Грёндаль», французских фирм «Мануфактура Эмиля Галле», «Братья Дом»,  «Легра и К°», «Братья Мюллер и К°»,   немецких фабрик «Фасольд и Штаух». , «Карл Энс»,  «Виллерой и Бох» и других.

Интересны вазы из  многослойного разноцветного стекла с растительными, пейзажными и морскими мотивами, выпущенные «Мануфактурой Эмиля Галле» (Нанси). Использование техники резьбы и травления плавиковой кислотой позволяло добиваться выразительных декоративных эффектов: перспективы, рельефности рисунка, изысканного сочетания тонов и полутонов.

Стилистика произведений Галле и разработанная им технология производства оказали огромное влияние на продукцию большинства европейских производителей художественного стекла. Ближайшим последователями Галле были братья Огюст и Антонен Дом (Нанси). На Галле ориентировались в своей продукции французские фирмы Огюста Легра́ (Сен-Дени) и «Братья Мюллер» (Люневиль). В той же технике травления выполнена представленная в экспозиции ваза с растительным орнаментом, изготовленная на Гусевском хрустальном заводе.

Ведущее место в производстве фарфора эпохи модерна занимала Копенгагенская королевская фарфоровая мануфактура, где под художественным руководством Арнольда Эмиля Крога была освоена техника подглазурной росписи и приглушенная, напоминающая акварель серо-синяя гамма изделий, ставшие  отличительными чертами «копенгагенского стиля». В качестве сюжетов росписи чаще всего использовались мотивы флоры и фауны, а также пейзажные зарисовки. Вазы, созданные на Копенгагенской королевской фарфоровой мануфактуре по формам А. Э. Крога, можно увидеть в экспозиции. Под влиянием произведений датской мануфактуры выполнены представленные здесь же  вазы «Морской вид» и «Совы на снегу», изготовленные на Императорском фарфоровом заводе в Петербурге.

Модным атрибутом многих интерьеров начала XX века были небольшие фарфоровые фигурки зверей и птиц. Их коллекционированием занимались как представители среднего класса, так и члены императорской семьи. Известно, например, что фигурка лежащего поросенка, выполненная по модели датского скульптора Эрика Нильсена, находилась в кабинете вдовствующей императрицы Марии Федоровны в петергофском Коттедже.

Особого внимания заслуживают скульптурные композиции из фарфора, созданные на Императорском фарфоровом заводе по моделям известных художников: «Дама, снимающая маску» К. А. Сомова (модель 1905 года) и В. А. Серова «Похищение Европы» (модель 1910 года).

Внимание нового стиля к простым, повседневным вещам демонстрируют многочисленные бытовые изделия из металла: подсвечники, письменные, курительные  принадлежности, всевозможные подставки, подносы, столовые приборы.      

Ярким дополнением экспозиции являются  оконные и дверные витражи начала ХХ века, некогда украшавшие петербургские дома.                    

Архитектура советского модернизма — что это? — Журнал

Архитектурный модернизм — это не просто стиль, но масштабное явление, в середине прошлого века завоевавшее весь мир. Вне зависимости от идеологий и культур, архитекторы всего мира «заговорили» на общем языке. Не зря на западе, где под термином модернизма понимают вообще всю современную архитектуру, стиль принято называть интернациональным. Днем рождения же советского модернизма неформально считают 4 ноября 1955 года. Тогда в СССР приняли постановление «Об устранении излишеств в проектировании и строительстве», жестко раскритиковавшее насыщенную декором сталинскую архитектуру. Некоторые архитекторы, ранее получившие за свои работы высокие премии, были с позором лишены их. Но постановление — не единственное событие, определившее рождение нового стиля в стране Советов. Еще в 1954 году было начато активное развитие заводов железобетонных изделий, определившее курс на индустриализацию и типизацию строительства. Тогда же Хрущев провел Всесоюзное совещание, на котором напрямую озвучил архитекторам и строителям свои идеи и претензии. 

В целом они заключались в недостаточности темпов строительства жилья. За несколько десятилетий его дефицит лишь увеличился, и все больше людей жили в бараках. Поэтому решение жилищного вопроса было поставлено во главу угла, и символом новой архитектурной эпохи на первых порах, безусловно, стала хрущевка. Если раньше архитекторы создавали фасады зданий, комбинируя окна, стены, арки, колонны и прочие элементы декора, то теперь масштаб проектирования изменился: из отдельных типовых зданий, как из кирпичиков, архитекторы складывали «фасады» целых районов.

Индивидуальные проекты стали ужасной редкостью и были доступны лишь узкому кругу архитекторов. Но даже при их реализации строители часто настаивали на изменении отдельных ключевых деталей, искажая общий замысел и обесценивая все старания автора. И все же чудеса случались, появлялись заказы и конкурсы на проектирование зданий, в которых изголодавшимся по творчеству архитекторам позволяли переступить через принципы сборности и типизации. Именно такие проекты стали настоящими символами эпохи советского модернизма, в последние годы завоевывающими внимание публики по всему миру. 

Конец 1950-х — начало 1960-х — время покорения космоса, развития науки, техники, автомобилизации… Появился запрос не просто на новую архитектуру для привычных объектов, но на разработку с нуля сооружений для ранее не существовавших институций. Подобные эксперименты были своеобразной территорией свободы, цена ошибки на которой была очень высока. Например, проектирование дворца бракосочетания требовало создания сценария для будущих торжеств, которые будут происходить в его стенах в течение долгих лет. При этом опираться на храмовую архитектуру, которая являлась единственным прообразом для подобного сооружения, было по идеологическим соображениям опасно.

Вычислительные центры были еще более неведомой планетой для архитекторов, ведь раньше им приходилось заниматься проектированием зданий для людей, исходить из их особенностей и размеров. Здесь же стояла задача создания дома не для людей, но для машин. То же можно сказать и об инфраструктуре для автомобилей, массовость производства которых стремительно наращивалась в те годы. Станции техобслуживания, АЗС, и даже такие привычные сооружения, как надземные и подземные паркинги — требовали от архитекторов отступления от привычных принципов мышления. Советским первопроходцем в этих областях архитектуры стал Леонид Павлов, начинавший творческий путь еще в эпоху авангарда 1920-х.
© Константин Антипин Тогда в Москве было создано училище ВХУТЕМАС, в стенах которого, как единое целое, сосуществовали все виды искусств, взаимодействуя и проникая друг в друга. Архитекторы вдохновлялись «архитектонами» Малевича, художники восхищались графикой Чернихова. Но под нарастающим в 1930-х давлением власти многие выпускники ВХУТЕМАСа были вынуждены изменить свои творческие принципы: вместо создания передовой архитектуры, обращенной в будущее, следовало осваивать «классическое наследие»; вместо отвергавшей прежние догмы живописи супрематизма и кубизма, нужно было создавать произведения, понятные пролетариату, не погруженному в актуальные проблемы искусства. И вот спустя несколько десятилетий у отвергнутого искусства вновь появился шанс… Наследие авангарда наряду с современной зарубежной архитектурной стало источником вдохновения для архитекторов-шестидесятников. 

Запрещенная после посещения Хрущевым выставки в Манеже абстракция незаметно для власти проникает на самое видное место — фасады зданий. «Синтез искусств» в эпоху модернизма набирает новые обороты и активно пропагандируется в прессе. Художники-монументалисты становятся активными участниками архитектурного творчества, внося ключевые акценты в знаковые объекты именитых архитекторов или придавая индивидуальность типовым постройкам, но иногда и полностью подчиняя здания своим замыслам. К последней категории можно отнести мозаичные панно на фасадах ташкентского телецентра и библиотеки института имени Пирогова в Москве.
© Константин Антипин Но в эпоху модернизма создавались не только отдельные здания и комплексы — это время строительства с нуля целых городов. И советские архитекторы не были одиноки в необходимости и желании решения подобных задач, поэтому у них была возможность черпать вдохновение не только в наследии авангарда, работах Леонидова и Ладовского, но и в современной зарубежной архитектуре, ушедшей вперед за время поворота СССР к освоению классики. Тольятти, Набережные Челны, Старый Оскол — при проектировании промышленных гигантов советские архитекторы с завистью любовались фотографиями построенных по проектам Оскара Нимейера общественных и административных зданий в Бразилиа. И по аналогии с ними особое положение отводили комплексам центров. Но шло время, города застраивались типовым жильем, а на строительство дорогих индивидуальных объектов их центров так и не находилось средств.
© Константин Антипин Подобное развитие событий на закате СССР стало заурядным, и потому те редкие случаи, когда архитекторам все же удавалось перенести свои замыслы с бумаги в реальность, обретают особую ценность. Локальная часть экспозиции выставки «Город завтрашнего дня» как раз посвящена тем проектам, которые были реализованы не в богатой Москве или столичных городах союзных республик, а в регионах России. Но, как ни странно, иногда именно там, вдали от взоров центральной власти, архитекторам удавалось преодолевать сковывающие их рамки и создавать интересную самобытную архитектуру. И именно она окажется в центре внимания посетителей выставки, на которой будут представлены архивные фотографии около ста зданий со всех концов страны: от Архангельска до Поволжья, Кубани и Ставропольского края, от Тулы до Урала, Сибири и Дальнего Востока. В каждом из них можно увидеть свои уникальные черты, связанные с почерком их авторов, климатическими, сейсмическими и другими особенностями мест, для которых проектировались. Но все они объединены желанием создавать качественную современную архитектуру — желанием, не имеющим идеологического окраса и географических границ.
 

Автор

Константин Антипин

Перевод: Анна Брикса
Copyright: Гёте-Институт в Москве

Идеальный гений эпохи модернизма – Weekend – Коммерсантъ

30 сентября на Лондон обрушится Поль Гоген. Выставки этого художника такого размера и качества в британской столице не было полвека, и, похоже, всегда готовая к переоценке любых культурных величин лондонская публика получит первоклассную пищу для деконструкции. Двусмысленное название — «Гоген: создатель мифа» — интригу только разжигает. О чем тут пойдет речь — о художнике как создателе мифа о самом себе или о художественной мифологии, созданной Гогеном в его работах? Судя по именам кураторов, среди которых первые лица мирового гогеноведения, выставка будет и о том и о другом, благо материала для размышлений на эти темы Гоген оставил в избытке.

Биография Поля Гогена на первый взгляд представляется канонической: родился в семье француза и полуперуанки, отец был радикальным журналистом, из-за политических неурядиц семья решила уехать в Перу, но до Латинской Америки глава семьи не доехал — умер на борту парохода. Далее — разноцветное и спокойное детство в поместье перуанского дяди, возвращение во Францию, смерть матери, служба матросом на торговом судне, работа по протекции опекуна в богатейшей биржевой конторе Парижа, женитьба в 25 лет, пятеро детей, отличный дом в богатом предместье, солидный ежегодный доход… И вдруг уход от всего и вся ради карьеры художника, обреченного быть нищим до конца своих дней. Картины, неофициальные выставки, бесконечные исчезновения со столичной сцены — то в Бретань и Прованс, то на Мартинику, Таити или немыслимые какие-то Маркизские острова. Нищета, тропические болезни, сифилис, алкоголь, депрессии, смерть в 54 года и сумасшедшая посмертная слава.

Все примерно так и было. Но история идеального гения эпохи модернизма — благополучного буржуа, отказавшегося от всех благ и даже от самой цивилизации ради прихоти (или призвания) быть Художником,— при ближайшем рассмотрении требует многих и многих оговорок. Гоген далеко не единственное имя в истории модернистского искусства, на котором романтический миф о художнике-бессребренике, ведомом исключительно сердцем, а не разумом, терпит крах. Но он был один из первых, кто осознал ценность этой мифологии.

В письмах, воспоминаниях, оговорках, проговорках людей, знавших Гогена при жизни, он предстает кем угодно, только не человеком не от мира сего. «Я инстинктивно чувствую, что Гоген — человек расчета»,— писал брату пригласивший Гогена в Арль Ван Гог. «Если бы ты знал, как низко вел себя Гоген, чтобы его произвели (именно произвели!) в гении, и как ловко он добивался этого»,— сетовал в письме к сыну тишайший Писсарро, сам бывший не в состоянии отказать Гогену в помощи. Пиратом называл его мизантроп Дега. И он же иронично приписал алкавшего признания собрата к парижской ярмарке тщеславия: «Бедный Гоген! Там, на своем острове, он все время должен думать об улице Лафитт». Да уж, отшельнику и беглецу от цивилизации думы о главном центре парижского художественного рынка — улице Лафитт явно были не к лицу.

«Предки Техаманы», 1893 год

Фото: © Art Institute of Chicago, USA

Но именно этот образ был востребован публикой и, как оказалось, потомками. Именно отшельника и беглеца готовы были пожалеть и попытаться понять только-только принявшие куда более традиционных импрессионистов завсегдатаи вернисажей и редкие покупатели. Гоген-художник не убил в себе удачливого маклера. Только теперь он жаждал не столько денег (деньги все остались в биржевом прошлом), сколько славы. Он был настолько уверен в себе как художнике и настолько ценил свои работы, что то тут то там самовольно производил себя в главы школ и направлений, выторговывал лучшие места и наибольшую квоту на коллективных выставках, ставил себя в позицию учителя по отношению к равным, очаровывал влиятельных критиков и слишком быстро забывал прежних друзей.

Какое все это имеет отношение к его искусству? С одной стороны, никакого. Гоген, безусловно, великий художник. Но виртуозность исполнения проекта по созданию мифа о себе дает нам некоторые ключи к пониманию того, как сочинены его произведения. Искусство Гогена, как, впрочем, и большинства так называемых символистов, не есть искусство сердца. Под ним лежат сложносочиненные тексты и идеи, оно нарративно по определению. Гогену была чужда восторженность и пафосность символистов-поэтов, но недаром же он так чтил невинную, но кривоватую кисть Пюви де Шаванна, через которого он соединял себя не с кем иным, как с гением классицистического текста Пуссеном. Смешивая христианскую и языческие цивилизации, вываливая на истонченных импрессионистическими нежностями парижан буйство таитянских красок и страстей, он, однако, говорил на совершенно понятном им языке — языке классического французского искусства. Равнять себя с гениями прошлого — это тоже своего рода акт тщеславия. Выставка в Tate Modern расскажет и об этом: одним из главных привезенных на нее шедевров станет «Автопортрет в виде Христа в Гефсиманском саду» из Музея Нортон во Флориде. Вещь роскошная, но невозможная для понимания современниками. Хотя, если вдуматься, такие игры с автопортретами уже позволяли себе некоторые, Рембрандт там или Леонардо. Неплохую компанию выбрал себе таитянский беглец.

Tate Modern, с 30 сентября по 16 января

Эпоха модерна. Часть I — Статьи

(Продолжение публикаций о петербургских архитектурных стилях) 

Краток век модерна, может быть, это был самый недолгий стиль искусства из всех когда-либо существовавших (и тем дороже он нам!). Зажатый между академической эклектикой и эпохой кубизма, авангардизма и конструктивизма, он вспыхнул, взмахнул бичом, расцвёл ярким подсолнухом и был подкошен машиной первой мировой войны. 
Но что же такое модерн? Мы много слышали про его западных «однофамильцев» — ар нуво, сецессион, югендстиль, либерти или его одно из первоначальных мрачных определений в России – декадентство. 
Все мы знаем, что модерн – это художественное направление в искусстве, пришедшее на смену эклектике, и пионеры и мастера нового стиля искали, соответственно, новые приёмы взамен изживших себя «академических».  

Наиболее заметной особенностью модерна стал отказ от прямых углов и линий в пользу более плавных, изогнутых линий в подражание природным формам растений. В формах модерна преобладал отказ от симметрии, вертикальные, стремящиеся ввысь доминанты, перетекание форм одна в другую. Преобладающими цветами являлись приглушенные оттенки — цвет увядшей розы, табачные цвета, жемчужно-серые, серо-голубые, пыльно-сиреневые тона. Характерными элементами интерьера модерна являлось сочетание плоскостей, гнутая мебель. В отделке наличие мозаики, эмали, золотых фонов, чеканка по меди и латуни. Конструкции стиля — часто каркасные (несущим элементом является стальной каркас). Окна — прямоугольные, удлиненные вверх, часто с богатым растительным декором, иногда арочные, «магазинные окна» — широкие, наподобие витрин. Двери стиля модерн — прямоугольные, часто арочные. Чаще всего плоской формы, с мозаичным орнаментом, декорированные. 

Несмотря на упорные поиски архитекторов новой эпохи найти новые методы, архитектура модерна постоянно возвращалась к многостилью, ретроспективизму (историзму). Поэтому найти так называемый «чистый» модерн оказывается сложной задачей, русло эпохи оказалось настолько насыщенным разнообразными течениями, что для упрощения эту эпоху некоторые авторы предпочитают называть «политкорректно» «эпохой модерна» или модерном (в широком смысле). 

В связи с этим условно выделяются следующие течения эпохи модерна: неоромантизм, иррационализм, неоклассицизм, неоренессанс, рационализм и др. 

Неоромантизм 
К неоромантическому направлению мы относим те явления в рамках нового движения архитектуры, которые опирались на традиции средневековой и народной архитектуры. В отличие от формальной изощренности декоративистских течений модерна неоромантическая архитектура тяготела к грубоватой упрощенности формы. Подчеркнутая простота и обобщенность деталей, стремление к целостности композиции отличали произведения представителей этого направления и от предшествующей эклектической архитектуры. Как и для всей архитектуры модерна, для неоромантического направления характерно стремление к синтезу с другими видами искусства, и прежде всего с изобразительным и декоративно-прикладным. Взаимному сближению архитектуры с другими видами искусств способствовало то обстоятельство, что и в этих видах искусства возникали направления, близкие по своему характеру неоромантизму в архитектуре. 
Архитектура модерна в России, как и в большинстве стран, отличалась стилистическим многообразием. Из широкого спектра ее источников, кроме национальных, следует выделить архитектуру Германии, Австро-Венгрии и Финляндии. В меньшей степени в русской архитектуре проявилось влияние французского и бельгийского «ар нуво».- 

Важнейшим источником русского модерна была деятельность художников абрамцевского кружка, который возник в 70-е годы и сыграл в русском искусстве роль, подобную роли группы Морриса в английском искусстве. Влияние абрамцевского кружка в наибольшей степени проявилось в деятельности московских художников. В середине 90-х годов в Москве было 
создано «Московское товарищество художников», творческая программа которого во многом была близка эстетике модерна. Некоторые известные русские художники, примыкавшие к этому объединению, такие как К. А. Коровин, С. В. Малютин, М. А. Врубель, внесли заметный вклад и в архитектуру русского модерна. 

В Петербурге с начала 90-х годов оформилась группа художников, позже создавшая объединение «Мир искусства» и издававшая журнал того же названия. Это объединение возникло в тесной связи с новыми европейскими течениями в искусстве, прежде всего с мюнхенским Сецессионом, и может рассматриваться как русская составляющая этого движения. Прежде всего, благодаря представителям «Мира искусства» оказался столь значительным русский вклад в европейскую художественную культуру эпохи модерна. Деятельность одного из организаторов и активнейших участников объединения «Мир искусства» С. П. Дягилева по пропаганде русского искусства за рубежом получила международное признание и высокую оценку современников. 

В неоромантизме Петербурга можно выделить несколько направлений: мотивы византийского и древнерусского зодчества, мотивы европейского средневековья, северный модерн.  

Мотивы византийского и древнерусского зодчества, неорусский стиль 

Византийский стиль в русской архитектуре периода модерна был продолжением тех поисков национального стиля, которые шли еще в русле эклектизма. Источником национально-романтического направления в русском модерне становится русская архитектура XIII —XV вв., архитектура домонгольского периода и византийская. 

Наиболее известным русским архитектором, работавшим в византийском стиле был выдающийся мастер русского модерна В. А. Косяков. Не менее известны архитекторы, работавшие в древнерусском стиле – исследователь древнего Киева, Пскова и Новгорода В.А.Покровский, В 1912 году (награждён орденом Св. Анны 3-й степени за работы по Федоровскому собору в Царском Селе), С.С. Кричинский (Фёдоровский городок в Царском Селе) и другие. 

В этом стиле строились не только православные храмы, но и некоторые доходные дома (характерный пример — дом Купермана, построенный архитектором А. Л. Лишневским на Плуталовой улице).

В следующих статьях мы продолжим разбираться в переплетеньях эпохи модерна.

Экскурсии «ЭКЛЕКТИКИ», посвященные стилю модерн в Петербурге, см. ниже.

Эпоха модерна — это… Что такое Эпоха модерна?

Эпо́ха моде́рна, моде́рнити, иногда моде́рн (от англ. modernity — современность; modern — современный) — понятие, означающее общество, изменённое в результате утверждения капиталистического общественного строя, индустриализации, урбанизации, секуляризации, развития институтов государства. Такое общество противопоставляется традиционному обществу.

Модерные общества

При этом в русскоязычной литературе термин модернити используется для того, чтобы не путать его, во-первых, с современностью как таковой (как указанием на настоящее время, без ценностных коннотаций), а во-вторых — с эпохой модерна (периодом развития европейского искусства на рубеже XIX—XX вв., когда возник и получил развитие модернизм).

Термин используется для описания весьма широкого временного спектра. Он может означать всё относящееся к послесредневековой истории Европы в контексте выделения трёх исторических эпох:

В более узком смысле термин используется для обозначения исторического периода, начавшегося между 1870 и 1910 годами, продолжающегося до настоящего времени, а также в еще более узкой интерпретации: периода между 1910 и 1960 годами (приблизительно соответствует новейшему времени)^{[источник не указан 547 дней]}.

Можно выделить следующие признаки модернизированного общества^[1][2]:

• В модернизированном обществе люди начинают во всех областях жизни действовать рационально, в то время как в традиционном обществе люди действуют так, как поступали их отцы и деды.

• В модернизированном обществе достаточно высока как физическая, так и социальная мобильность населения. В традиционном обществе его члены обычно живут так же, как их отцы и деды. В модернизированном обществе человек зачастую живет не в том месте, где он родился, имеет иную профессию, чем его отец, и принадлежит к иной социальной группе.

• В модернизированном обществе человек должен обладать способностью приспосабливаться к изменяющейся среде. Оно задает новый ритм жизни. Так, крестьяне обычно напряженно работают лишь при выполнении сезонных сельскохозяйственных работ, сами определяют время труда и отдыха. Но когда крестьянин перебирается в город и становится наемным рабочим, то ему приходится напряженно работать каждый день в одном и том же темпе. Политики и предприниматели вынуждены быстро реагировать на происходящие во внешней среде изменения. Человек вынужден приспосабливаться к новой среде обитания, если на старом месте он потерял источник средств к существованию, ему необходимо устанавливать контакты с незнакомыми для него людьми, привыкать к новым духовным ценностям, характерным для того общества, в которое он влился.

• В модернизированном обществе имеются механизмы, которые обеспечивают возобновление экономического роста после любого кризиса. В традиционном же обществе экономический рост либо вообще отсутствует, либо происходит столь медленно, что в течение жизни многих поколений уровень доходов и образ жизни людей остаются практически неизменными.

• Модернизированное общество отличается от традиционного достаточно высоким уровнем гражданской культуры широких масс, что создает предпосылки для демократии. В традиционных же обществах типичной является авторитарная власть. Хотя демократические общества имелись и в античности (Древняя Греция, Древний Рим), и в Средние века (городские коммуны), но в них в политической жизни обычно участвовала лишь меньшая часть населения, они были неустойчивыми, постоянно подвергались ударам со стороны поддерживаемых народными массами тиранов-популистов.

См. также

Примечания

Эпоха модерна

Проект «Эпоха модерна». 26 апреля – 08 сентября 2019. Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева

В Государственном музее архитектуры имени А. В. Щусева проходит выставочный проект «Эпоха модерна»: первая за длительное время инициатива о необходимости постоянной экспозиции. Ее закрыли после возвращения в 1990 году всех зданий Донского монастыря Московской патриархии. Экспонаты перевезли на Воздвиженку – в городскую усадьбу Талызиных.

Музей архитектуры обладает значительной коллекцией предметов, созданных на рубеже XIX — XX веков – в эпоху модерна. Наследие стиля модерн сложно, многолико, его характеризуют как «переход от эстетизации истории – к новым принципам эстетизации современности». Словом, период развития русского искусства насыщенный необычными творческими решениями и противоречивостью, синтетическим художественным мышлением и «прорывом» к XX веку.

Экспозиция выставки позволяет проследить эволюцию стиля модерн от 2-й половины XIX века до революции 1917 года. В основной части выставочного пространства представлены разнообразные постройки эпохи модерна – городские особняки и доходные дома, музеи и театры, банки, церковное зодчество.

Работы именитых архитекторов во всей полноте и разнообразии представляют московскую архитектурную школу этого времени. Роскошный дом в стиле модерн, названный по имени хозяйки «особняком Дерожинской» (с 1959 года там располагается посольство Австралии) построен в 1901-1903 годы по проекту Ф.О. Шехтеля (1859-1926) с участием его помощника А.А. Галецкого. Шехтель разработал концепцию интерьера и использование новых инженерных технологий: паровое отопление, вентиляция, канализация, водопровод, электричество, телефон.

Илларион Иванов-Щиц (1865-1937), построил на Малой Дмитровке Клуб Московского купеческого собрания для промышленников и деловых людей. С 1930-х в здании размещается знаменитый Ленком. Также он строил санатории и больничные комплексы в Москве, Барвихе, в Крыму, на Кавказе, в 1933-1934 возглавил перестройку Андреевского и Александровского залов Большого Кремлевского дворца в зал заседаний Верховного Совета СССР.

Сегодня невозможно представить себе Москву без здания Музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, созданного по проекту архитектора Р.И. Клейна (1858-1924), удостоенного за это звания академика архитектуры. И без торгового дома «Мюр и Мерилиз» – ЦУМа, также построенного по проекту Клейна и инженера, изобретателя, ученого В.Г. Шухова (1853-1939). Кроме работ отечественных зодчих, посетители смогут познакомиться с творчеством архитектора и дизайнера Эктора Гимара (1867-1942), известного представителя искусства Art Nouveau.

Один из приоритетов проекта «Эпоха модерна» – привлечение к общественной дискуссии и обмену мнениями о возможностях, функциях, задачах музея архитектуры в современном мире.

Для каждого посетителя Государственного музея архитектуры имени А.В. Щусева доступна обширная культурно-образовательная программа: пешеходные прогулки по Москве, лекции, экскурсии, творческие занятия для семейной аудитории, музыкальные концерты и театральные постановки.

Расцвет модернизма | Безграничная история искусства

Расцвет модернизма

Модернизм был философским движением конца 19-го и начала 20-го веков, в основе которого лежала вера в прогресс общества.

Цели обучения

Обобщить идеи, составляющие модернизм

Основные выводы

Ключевые моменты

• Среди факторов, сформировавших модернизм, были развитие современных индустриальных обществ и быстрый рост городов, за которым последовал ужас Первой мировой войны.
• Модернизм, по сути, был основан на утопическом видении человеческой жизни и общества и на вере в прогресс или движение вперед.
• Модернистские идеалы пронизывали искусство, архитектуру, литературу, религиозную веру, философию, социальную организацию, повседневную деятельность и даже науки.
• В живописи модернизм определяется сюрреализмом, поздним кубизмом, Баухаусом, Де Стиджлом, Дада, немецким экспрессионизмом и Матиссом, а также абстракциями таких художников, как Пит Мондриан и Василий Кандинский, которые характеризовали европейскую художественную сцену.
• Конец модернизма и начало постмодернизма — это горячо обсуждаемый вопрос, хотя многие считают, что он закончился примерно в 1940 году.

Модернизм — это философское движение, которое, наряду с культурными тенденциями и изменениями, возникло в результате огромных преобразований в западном обществе в конце 19-го и начале 20-го веков. Среди факторов, сформировавших модернизм, были развитие современных индустриальных обществ и быстрый рост городов, за которым последовал ужас Первой мировой войны.
Модернизм был по существу основан на утопическом видении человеческой жизни и общества и на вере в прогресс или движение вперед. Он предполагал, что определенные абсолютные универсальные принципы или истины, такие как сформулированные религией или наукой, могут быть использованы для понимания или объяснения реальности.

Модернистские идеалы были далеко идущими, пронизывающими искусство, архитектуру, литературу, религиозную веру, философию, социальную организацию, повседневную деятельность и даже науки. Приказ поэта Эзры Паунда 1934 года «Сделайте это новым!» был пробным камнем подхода движения к тому, что оно считало устаревшей культурой прошлого. В этом духе его нововведения, такие как роман о потоке сознания, атональная (или пантональная) и двенадцатитоновая музыка, разделенная живопись и абстрактное искусство, имели предшественников в 19 веке.

В живописи 1920-х и 1930-х годов и Великой депрессии модернизм определяется сюрреализмом, поздним кубизмом, Баухаусом, Де Стиджлом, Дада, немецким экспрессионизмом, а также модернистами и искусными художниками цвета, такими как Анри Матисс, а также абстракциями художников. как Пит Мондриан и Василий Кандинский, которые характеризовали европейскую арт-сцену.В Германии Макс Бекманн, Отто Дикс, Джордж Гросс и другие политизировали свои картины, предвещая приближение Второй мировой войны, в то время как в Америке модернизм виден в форме американской живописи, а также в движениях соцреализма и регионализма, которые содержали и то, и другое. политические и социальные комментарии доминировали в мире искусства.

Модернизм определяется в Латинской Америке художниками Хоакином Торресом Гарсия из Уругвая и Руфино Тамайо из Мексики, в то время как движение художников-монументалистов с Диего Риверой, Дэвидом Сикейросом, Хосе Клементе Ороско, Педро Нель Гомес и Сантьяго Мартинес Дельгадо, а также картины символиста Фриды , положил начало возрождению искусства в регионе, характеризующемуся более свободным использованием цвета и акцентом на политические сообщения. Конец модернизма и начало постмодернизма — это горячо обсуждаемый вопрос, хотя многие считают, что он закончился примерно в 1940 году.

Les Desmoiselles D’Avignon Пикассо, 1907 : Пикассо — вездесущий образец модернистского художника.

Постимпрессионизм

Post-Impression относится к жанру, который отверг натурализм импрессионизма в пользу использования цвета и формы в более выразительных манерах.

Цели обучения

Сравните и противопоставьте техники постимпрессионизма и импрессионизма

Основные выводы

Ключевые моменты

• Постимпрессионисты расширили использование ярких цветов, густого нанесения краски, характерных мазков кисти и реальных предметов, и были более склонны подчеркивать геометрические формы, искажать формы для выразительного эффекта и использовать неестественные или произвольные цвета в своих композициях.
• Хотя они часто выставлялись вместе, художники-постимпрессионисты не пришли к согласию относительно единого движения, и молодые художники в начале 20-го века работали в географически разрозненных регионах и в различных стилистических категориях, таких как фовизм и кубизм.
• Термин «постимпрессионизм» был введен британским художником и искусствоведом Роджером Фраем в 1910 году для описания развития французского искусства со времен Мане.

Ключевые термины

• Постимпрессионизм : (Искусство) жанр живописи, который отверг натурализм импрессионизма, используя цвет и форму в более выразительных манерах.
• Постимпрессионизм : французское искусство или художники, принадлежащие к жанру после Мане, которые расширили стиль импрессионизма, отвергая его ограничения; они продолжали использовать яркие цвета, густое нанесение краски, характерные мазки кисти и реальные предметы, но они были более склонны подчеркивать геометрические формы, искажать форму для выразительного эффекта и использовать неестественные или произвольные цвета.
• Стойка и перемычка : простой метод строительства с использованием заголовка или архитрава в качестве горизонтального элемента над пустотой здания (перемычкой), поддерживаемой на концах двумя вертикальными колоннами или столбами (столбами).

Переход от натурализма

Post-Impression относится к жанру живописи, который отвергает натурализм импрессионизма в пользу использования цвета и формы в более выразительных манерах. Термин «постимпрессионизм» был придуман британским художником и искусствоведом Роджером Фраем в 1910 году для описания развития французского искусства со времен Мане. Постимпрессионисты расширили импрессионизм, отвергнув его ограничения. Например, они продолжали использовать яркие цвета, густое нанесение краски, характерные мазки кисти и реальные предметы, но они также были более склонны подчеркивать геометрические формы, искажать формы для выразительного эффекта и использовать неестественные или произвольные цвета в их композиции.

Выдающиеся художники постимпрессионизма

Постимпрессионизм развился из импрессионизма. Начиная с 1880-х годов, несколько художников, в том числе Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Жорж Сёра и Анри де Тулуз-Лотрек, представляли различные принципы использования цвета, узора, формы и линии, выводя эти новые направления из примера импрессионистов. . Эти художники были немного моложе импрессионистов, и их работы одновременно стали известны как постимпрессионизм.Некоторые из первых художников-импрессионистов также отважились на эту новую территорию. Камиль Писсарро кратко писал в пуантилистской манере, и даже Моне отказался от строгой картины en пленэр . Поль Сезанн, участвовавший в первой и третьей выставках импрессионистов, разработал в высшей степени индивидуальное видение, подчеркнув изобразительную структуру; его чаще всего называют постимпрессионистом. Хотя эти случаи иллюстрируют сложность присвоения ярлыков, работы первых художников-импрессионистов по определению можно отнести к категории импрессионизма.

Пшеничное поле с воронами Ван Гог, 1890 : Винсент Ван Гог использовал вращающиеся мазки кисти во многих своих постимпрессионистских работах.

Разнообразный поиск направлений

Постимпрессионисты были недовольны тривиальностью сюжета и потерей структуры в картинах импрессионистов, хотя и не пришли к единому мнению о дальнейших действиях. Жорж Сёра и его последователи, например, интересовались пуантилизмом, систематическим использованием крошечных цветных точек.Поль Сезанн намеревался восстановить чувство порядка и структуры в живописи, уменьшая объекты до их основных форм, сохраняя при этом яркие свежие цвета импрессионизма. Винсент Ван Гог использовал яркие цвета и кружащиеся мазки кисти, чтобы передать свои чувства и душевное состояние. Следовательно, хотя они часто выставлялись вместе, художники-постимпрессионисты не пришли к согласию относительно единого движения, а молодые художники в начале 20-го века работали в географически разрозненных регионах и в различных стилистических категориях, таких как фовизм и кубизм.

Воскресный полдень на острове Гранд Жатт Жоржа-Пьера Сёра, 1884–86 : Работы Жоржа Сёра — пуантилисты, в которых используются систематические цветные точки для создания формы и структуры.

Сезанн

Сезанн был французским художником-постимпрессионистом, чьи работы освещают переход от 19 века к началу 20 века.

Цели обучения

Обсудить эволюцию и влияние стиля живописи Сезанна во время постимпрессионистского движения

Основные выводы

Ключевые моменты

• Ранние работы Сезанна часто связаны с фигурами в пейзаже, часто изображая группы больших, тяжелых фигур.В зрелом творчестве Сезанна есть твердый, почти архитектурный стиль живописи. С этой целью он структурно упорядочил свои восприятия в простых формах и цветовых плоскостях.
• Это исследование визуализировало несколько разные, но одновременные визуальные восприятия одних и тех же явлений, чтобы дать зрителю другой эстетический опыт.
• «Темный период» Сезанна с 1861 по 1870 год содержит работы, для которых характерны темные цвета и интенсивное использование черного.
• Легкость его работ импрессионистов резко контрастирует с драматической смиренностью, обнаруженной в его заключительном периоде продуктивности с 1898 по 1905 год.Эта отставка сообщает о нескольких натюрмортах, в которых черепа изображены в качестве предмета.

Ключевые термины

• Сезанн : Поль Сезанн (1839–1906) был французским художником и художником-постимпрессионистом, чьи работы заложили основы перехода от концепции художественного творчества 19-го века к новому и радикально иному миру искусства 20-го века. век.
• Импрессионизм : художественное направление XIX века, зародившееся группой парижских художников.Характеристики живописи импрессионистов включают относительно небольшие, тонкие, но видимые мазки кисти, открытую композицию, акцент на точном изображении света в его изменяющихся качествах (часто с акцентом на эффекты течения времени), обычный, обычный предмет, включение движения как объекта важнейший элемент человеческого восприятия и опыта, а также необычные углы обзора.
• Постимпрессионизм : (Искусство) жанр живописи, который отверг натурализм импрессионизма, используя цвет и форму в более выразительных манерах.

Введение

Поль Сезанн (1839–1906) был французским художником и живописцем постимпрессионизма, чьи работы положили начало переходу от концепции художественного творчества XIX века к новому и радикально иному миру искусства. Часто повторяющиеся мазки Сезанна очень характерны и легко узнаваемы. Он использовал цветные плоскости и мелкие мазки, чтобы сформировать сложные поля и передать интенсивное изучение своих предметов.

Ранняя работа

Ранние работы Сезанна часто связаны с фигурами в пейзаже, часто изображая группы больших, тяжелых фигур.Позже он стал больше интересоваться работой с позиций прямого наблюдения, постепенно развивая легкий, воздушный стиль живописи. Тем не менее в зрелом творчестве Сезанна есть развитие твердого, почти архитектурного стиля живописи. С этой целью он структурно упорядочил все, что он воспринимал, в простые формы и цветные плоскости.

Сезанн интересовался упрощением естественных форм до их геометрической сущности, желая «рассматривать природу посредством цилиндра, сферы, конуса.Например, ствол дерева можно представить как цилиндр, а яблоко или апельсин — как сферу. Кроме того, его желание запечатлеть правду восприятия привело его к изучению бинокулярного графического зрения. Это исследование визуализировало несколько разные, но одновременные визуальные восприятия одних и тех же явлений, предоставляя зрителю другое эстетическое ощущение глубины.

Темный период

«Темный период» Сезанна 1861–1870 гг. Состоял из работ, для которых характерны темные цвета и интенсивное использование черного.Они резко отличаются от его ранних акварелей и эскизов в École Spéciale de dessin в Экс-ан-Провансе в 1859 году. В 1866–1867 годах, вдохновленный примером Курбе, Сезанн написал серию картин мастихином. Позже он назвал эти работы, в основном портреты, une couillarde (грубое слово, обозначающее показную мужественность). Всего в произведениях Темного периода есть несколько эротических или насильственных сюжетов.

Черные мраморные часы, 1869–1871 : Черные мраморные часы с интенсивным использованием черного и темного цветов служат примером того, как Сезанн работал в «темный период» в начале своей карьеры.

После начала франко-прусской войны в июле 1870 года полотна Сезанна стали намного ярче и больше отражали импрессионизм. Сезанн перемещался между Парижем и Провансом, участвуя в первой (1874 г.) и третьей выставках импрессионистов (1877 г.). В 1875 году он привлек внимание коллекционера Виктора Шоке, чьи заказы принесли некоторое финансовое облегчение. Однако в целом выставленные картины Сезанна вызывали веселье, возмущение и сарказм.

Жас де Буффан , 1876 г.: Под влиянием Писсарро работы Сезанна стали намного ярче и импрессионистами.

Легкость его импрессионистских работ резко контрастирует с его драматической отставкой в ​​последний период его продуктивности с 1898 по 1905 год. Эта отставка сообщает о нескольких натюрмортах, в которых черепа изображены в качестве предмета.

Пирамида Черепов , ок. 1901 : Драматическое смирение со смертью характерно для нескольких натюрмортов Сезанна, созданных между 1898 и 1905 годами.

Исследования Сезанна геометрического упрощения и оптических явлений вдохновили Пикассо, Брака, Гриса и других на эксперименты со все более сложными множественными взглядами на один и тот же предмет. Таким образом, Сезанн положил начало одной из самых революционных областей художественного поиска 20-го века, которая должна была повлиять на развитие современного искусства. В его память учрежден приз за особые достижения в искусстве. «Медаль Сезанна» вручается французским городом Экс-ан-Прованс.

Завихрение

Вортицизм, ответвление кубизма, был кратковременным модернистским движением в британском искусстве и поэзии начала 20 века.

Цели обучения

Опишите недолговечное движение вортицизма в Великобритании

Основные выводы

Ключевые моменты

• Движение вортицизма отвергло популярные в то время типичные пейзажи и обнаженную натуру в пользу геометрического стиля, имеющего тенденцию к абстракции.
• Движение было объявлено в 1914 году в первом выпуске официального литературного журнала Vorticism BLAST, который провозгласил манифест движения.
• Вортизм расходился с кубизмом и футуризмом.Он пытался запечатлеть движение на изображении. В картинах вортицистов современная жизнь представлена ​​множеством смелых линий и резких цветов, привлекающих взгляд зрителя к центру холста.

Ключевые термины

• Промышленная революция : Крупные технологические, социально-экономические и культурные изменения в конце 18-го и начале 19-го века, когда экономика перешла от экономики, основанной на ручном труде, к экономике, в которой доминирует машинное производство.
• Vorticism : ответвление кубизма; недолговечное модернистское движение в британском искусстве и поэзии начала 20-го века, базирующееся в Лондоне, но международное по макияжу и амбициям.

Вортицизм был кратковременным модернистским движением в британском искусстве и поэзии в начале 20 века. Он базировался в Лондоне, но был интернациональным по внешнему виду и амбициям. Как движение, вортицизм отказался от типичных пейзажей и обнаженной натуры того времени в пользу геометрического стиля, имеющего тенденцию к абстракции.

Группа вортицизма началась с Центра искусства повстанцев, основанного Виндхемом Льюисом как разрыв с другими традиционными школами, и имела свои интеллектуальные и художественные корни в группе Блумсбери, кубизме и футуризме.Льюис видел вортицизм как независимую альтернативу кубизму, футуризму и экспрессионизму. Хотя этот стиль вырос из кубизма, он более тесно связан с футуризмом в его объятиях динамизма, машинного века и всего современного. Однако вортицизм расходился как с кубизмом, так и с футуризмом в том, как он пытался уловить движение в изображении. В картинах вортицистов современная жизнь представлена ​​множеством смелых линий и резких цветов, привлекающих взгляд зрителя к центру холста.

Озеро : Лоуренс Аткинсон, один из подписантов BLAST, написал «Озеро» (перо и акварель на бумаге) около 1915–2020 годов, вдохновленный вортицизмом.

The Vorticists опубликовали два выпуска литературного журнала BLAST под редакцией Льюиса в июне 1914 года и июле 1915 года. В нем содержались работы Эзры Паунда, Т.С. Элиота и самих вортицистов. Его типографская авантюрность была названа Эль Лисицким одним из главных предвестников революции в графическом дизайне 1920-х и 1930-х годов.

BLAST Обложка : Обложка BLAST 1915 года демонстрирует использование движения вортицистов геометрического стиля и острых углов в печати и дизайне.

Картины и скульптуры, показанные в Rebel Art Center в 1914 году, до образования Vorticist Group, считались «экспериментальной работой» Льюиса, Уодсворта, Шекспира и других, которые использовали угловое упрощение и абстракцию в своих картинах. Эта работа была современна и сопоставима с абстракцией художников континентальной Европы, таких как Кандинский, Франтишек Купка и Русская группа Райистов. В 1915 году вортицисты провели только одну официальную выставку в лондонской галерее Доре.После этого движение распалось, во многом из-за начала Первой мировой войны и апатии общественности к их работе.

Символизм

Символизм был художественным движением конца 19 века французского, русского и бельгийского происхождения.

Цели обучения

Обсудить использование символизма в произведениях искусства для поиска абсолютных истин

Основные выводы

Ключевые моменты

• Символизм был в значительной степени реакцией на натурализм и реализм, антиидеалистические стили, которые были попытками представить реальность в ее суровой особенности и возвысить скромное и обычное над идеальным.С другой стороны, символизм благоприятствовал духовности, воображению и мечтам.
• Символисты считали, что искусство должно представлять абсолютные истины, которые можно описать только косвенно. Таким образом, они писали и рисовали в очень метафорической и наводящей на размышления манере, наделяя определенные изображения или объекты символическим значением.
• Художники-символисты подчеркивали силу личной субъективности, эмоций и чувств, а не полагались на реализм, чтобы предложить более широкие истины.
• Символизм выражал сцены из природы, человеческой деятельности и всех других явлений реального мира, которые изображены не сами по себе, а как воспринимаемые поверхности, созданные для представления их эзотерической близости с изначальными идеалами.

Ключевые термины

• символизм : Символизм был художественным движением конца 19 века французского, русского и бельгийского происхождения в поэзии и других искусствах. Символизм — это практика представления вещей символами или наделения вещей символическим значением или характером. Символ — это объект, действие или идея, которые представляют собой нечто иное, чем он сам, часто более абстрактного характера. Символизм создает качественные аспекты, которые делают литературу, такую ​​как поэзия и романы, более значимой.

Движение к смыслу

Символизм — это художественное направление конца 19 века французского, русского и бельгийского происхождения, которое проявилось в поэзии и других искусствах. Термин «символизм» происходит от слова «символ», которое происходит от латинского symbolum, символа веры, и symbolus, знака признания. Символизм был в значительной степени реакцией на натурализм и реализм, антиидеалистические стили, которые были попытками представить реальность в ее суровой особенности и возвысить скромное и обычное над идеальным. Символизм, с другой стороны, одобрял духовность, воображение, мечты, эмоции и личную субъективность художника как инструмент для иллюстрации больших истин. Тематически художники-символисты имели тенденцию сосредотачиваться на темах, связанных с оккультизмом, декадансом, меланхолией и смертью.

Самоубийство Дороти Хейл Фриды Кало, 1939 : Хотя эта картина была заказной, она все еще демонстрирует фирменное использование символизма Кало для выражения ее субъективной правды.

В поисках скрытой правды

Символисты считали, что искусство должно отражать абсолютные истины, которые можно описать только косвенно. Таким образом, они писали и рисовали в очень метафорической и наводящей на размышления манере, наделяя определенные изображения или объекты символическим значением. Жан Мореас опубликовал «Манифест символиста » (« Le Symbolisme ») в «Фигаро» 18 сентября 1886 года (см. 1886 в поэзии). Мореас объявил, что символизм враждебен «простым значениям, декламациям, ложной сентиментальности и прозаическим описаниям» и что его цель состоит в том, чтобы «облечь идеал в ощутимую форму», чья «цель не была в себе, но чья единственной целью было выразить Идеал. Другими словами, символизм выражал сцены из природы, человеческой деятельности и всех других явлений реального мира не ради них самих, а как воспринимаемые поверхности, созданные для представления их эзотерической близости с изначальными идеалами.

La mort du fossoyeur : La mort du fossoyeur («Смерть могильщика») Карлоса Швабе представляет собой визуальный сборник символистских мотивов. Смерть и ангелы, нетронутый снег и драматические позы персонажей — все это выражает символическое стремление к преображению «где угодно, за пределами мира».”

Символистский стиль часто путали с декадансом, и к концу 1880-х годов термины «символизм» и «декаданс» стали восприниматься как почти синонимы. Хотя эстетику стилей можно считать в некотором роде схожей, эти два стиля остаются разными. Символисты подчеркивали мечты, идеалы и фантастические предметы, в то время как декаденты культивировали précieux , орнаментированные или герметические стили и болезненные предметы. Художники-символисты оказали большое влияние на экспрессионизм и сюрреализм в живописи, два движения, которые происходят непосредственно от собственно символизма.

Арлекины, нищие и клоуны «Голубого периода» Пабло Пикассо демонстрируют влияние символизма, особенно Пюви де Шаванна. В Бельгии символизм стал настолько популярен, что его стали рассматривать как национальный стиль: статичная странность художников, таких как Рене Магритт, может рассматриваться как прямое продолжение символизма. Работа некоторых художников-символистов, таких как Ян Тороп, напрямую повлияла на криволинейные формы модерна.

The Caress : бельгийский символист Фернан Кнопф «Ласка»

Модерн

Ар-нуво — это международный стиль искусства и архитектуры, который был наиболее популярен в 1890–1910 годах.

Цели обучения

Опишите происхождение и характеристики стиля модерн

Основные выводы

Ключевые моменты

• Ар-нуво был международным стилем искусства и архитектуры, который был самым популярным в 1890–1910 годах. Название «ар-нуво» в переводе с французского означает «новое искусство». Истоки модерна лежат в сопротивлении художника Уильяма Морриса загроможденным композициям и тенденциям возрождения XIX века.
• Реакция на академическое искусство XIX века, модерн был вдохновлен естественными формами и структурами, примером которых являются изогнутые линии, асимметрия, природные мотивы и замысловатые украшения.
• Модерн считается «тотальным стилем», что означает, что он проник во многие формы искусства и дизайна, такие как архитектура, дизайн интерьера, декоративное искусство и изобразительное искусство. Согласно философии стиля, искусство должно стремиться быть образом жизни.

Ключевые термины

• Модерн : Модерн — это международная философия и стиль искусства, архитектуры и прикладного искусства, особенно декоративного искусства, которые были наиболее популярны в 1890–1910 годах.
• japonisme : Влияние японского искусства и культуры на европейское искусство.
• синкопировано : Множество неожиданных музыкальных ритмов.

Фон

Модерн — это международный стиль искусства и архитектуры, который был наиболее популярен в 1890–1910 годах нашей эры. Название Art Nouveau в переводе с французского означает «новое искусство». Реакция на академическое искусство XIX века, он был вдохновлен естественными формами и структурами не только в цветах и ​​растениях, но и в изогнутых линиях.Это также считается философией мебельного дизайна. Мебель в стиле модерн структурирована в соответствии со всем зданием и является частью повседневной жизни. Модерн был наиболее популярен в Европе, но его влияние было глобальным. Это очень разнообразный стиль с частыми локализованными тенденциями.

Стиль модерн: Барселона : Дом Бальо, построенный уже в 1877 году, был реконструирован Антони Гауди и Хосеп Мария Жухоль в стиле барселонского модерна в 1904–1906 годах.

До того, как термин «модерн» стал распространенным во Франции, более частым обозначением был le style moderne («современный стиль»). Maison de l’Art Nouveau — так называлась галерея, основанная в 1895 году немецким арт-дилером Самуэлем Бингом в Париже, в которой было представлено исключительно современное искусство. Слава его галереи возросла на Всемирной выставке 1900 года, где он представил скоординированные инсталляции современной мебели, гобеленов и предметов искусства. Эти декоративные экспозиции настолько прочно ассоциировались со стилем, что название его галереи впоследствии стало широко используемым термином для всего стиля.Точно так же Jugend (Молодежь) был иллюстрированным еженедельным журналом об искусстве и образе жизни Мюнхена, основанным в 1896 году Георгом Хиртом. Югенд сыграл важную роль в продвижении стиля модерн в Германии. В результате Jungenstil , или Молодежный стиль, стало немецким словом для обозначения стиля.

Истоки модерна

Истоки ар-нуво лежат в сопротивлении художника Уильяма Морриса загроможденным композициям и тенденциям возрождения XIX века.Его теории помогли начать движение в стиле модерн. Примерно в то же время плоская перспектива и яркие цвета японских гравюр на деревянных блоках, особенно Кацусика Хокусая, оказали сильное влияние на формулировку стиля модерн. Японизм, который был популярен в Европе в 1880-е и 1890-е годы, оказал особое влияние на многих художников своими органическими формами и отсылками к миру природы.

Хотя модерн приобрел отчетливо локализованные тенденции по мере увеличения своего географического распространения, некоторые общие характеристики указывают на его форму.В описании настенной подвески Германа Обриста Cyclamen (1894), опубликованной в журнале Pan, она описывалась как «внезапные резкие изгибы, вызванные ударом кнута», что стало хорошо известно во время раннего распространения ар-нуво. Впоследствии термин «хлыстовая травма» часто применяется к характерным кривым, используемым художниками в стиле модерн. Такие декоративные «хлыстовые» мотивы, образованные динамическими, волнистыми и плавными линиями в синкопированном ритме, встречаются в архитектуре, живописи, скульптуре и других формах дизайна в стиле модерн.

Модерн как целостный стиль

Модерн теперь считается «тотальным стилем», что означает, что его можно увидеть в архитектуре, дизайне интерьеров, декоративном искусстве (включая ювелирную мебель, текстиль, бытовое серебро и другую утварь и освещение) и в изобразительном искусстве. Согласно философии стиля, искусство должно стремиться быть образом жизни и, таким образом, охватывать все части. Многие европейцы могли жить в доме в стиле модерн с мебелью в стиле модерн, столовым серебром, посудой, украшениями, портсигарами и т. Д.Таким образом, художники хотели объединить изобразительное искусство и прикладное искусство даже для утилитарных предметов.

Письменный стол и стул. Автор Гектор Гимар, 1909–12. : Изогнутые, змеевидные изделия из дерева на этом столе характерны для стиля модерн, который часто черпал стилистическое влияние из мира природы.

Ар-нуво в архитектуре и дизайне интерьеров сторонился эклектичных стилей возрождения XIX века. Дизайнеры в стиле модерн выбрали и «модернизировали» некоторые из наиболее абстрактных элементов стиля рококо, такие как текстуры пламени и ракушек.Они также выступали за использование очень стилизованных органических форм в качестве источника вдохновения, расширяя свой естественный репертуар за счет использования морских водорослей, трав и насекомых.

Дверной проем на площади Этьена Перне, 24 (Париж 15e), 1905 год, автор — архитектор Альфред Вагон. : Асимметричное и криволинейное влияние природного мира снова проявляется в металлических изделиях этого дверного проема на площади Этьена Перне в Париже.

В живописи в стиле модерн, двумерные фигуры были нарисованы и напечатаны в популярных формах, таких как реклама, плакаты, этикетки и журналы.Японские гравюры на деревянных блоках с их изогнутыми линиями, узорчатыми поверхностями, контрастными пустотами и плоскостью визуальной плоскости также вдохновили живопись ар-нуво. Некоторые модели линий и кривых стали графическими клише, которые позже были обнаружены в работах художников из многих стран мира.

Юбка-павлин Обри Бердсли, 1893 год : Обри Бердсли — художник, известный своими плакатами и часто ассоциирующийся с модерном из-за использования сложного орнамента и широких криволинейных линий.

Британский модернизм — Восточный

Особая благодарность Екатерине Аллегретти из Eastern за написание этого полезного вступления!

Период 1901-1939 гг. Часто называют периодом модернизма. Викторианский период закончился смертью королевы Виктории и изменением политической стабильности, которую гарантировало ее правление. Модернизм отвечает на быстрые преобразования в западном обществе, включая урбанизацию, рост промышленности и Первую мировую войну.Сложно дать определение этому термину, но, по сути, это было авангардное движение в литературе и искусстве, которое стремилось оторваться от обычных социальных ценностей, коммерциализма и предшествовавших ему «благородных» литературных традиций. Такие мыслители, как Фридрих Ницше, Эрнст Мах и Зигмунд Фрейд, оказали большое влияние на это движение. Эти люди бросили вызов традиционному мышлению, что определило индивидуализм модернистского движения. Пессимизм модернизма был отчасти продуктом разрушений Первой мировой войны, которые многие писатели лично испытали на поле боя.Большая часть модернистской литературы на самом деле антимодерна, считая современность переживанием утраты. Художник-модернист был критиком искусства, существовавшего до него / нее, а также культуры, частью которой он / она был. В основе модернистского искусства лежала вера в то, что ранее поддерживаемые элементы человеческой жизни, такие как религиозные верования, социальные нравы и художественные убеждения, были разрушены или оказались ложными или хрупкими. Это чувство фрагментации привело к созданию литературы, построенной из фрагментов мифа, истории, личного опыта или более раннего искусства.

ПРЕДВАРИТЕЛЬНАЯ МИРОВАЯ ВОЙНА

Хотя Первая мировая война оказала наибольшее влияние на многих поэтов в то время, некоторые поэты добились успеха гораздо раньше. Thomas Hardy и A.E. Housman являются двумя примерами этого. Оба написали несколько стихотворений о войне, в которых Харди запечатлел точку зрения и язык солдат, подробно описав ужас Бурских войн и, в конечном итоге, Первой мировой войны. Примером этого является стихотворение «Человек, которого он убил» (1902). На нем изображены двое мужчин в бою, один из которых сожалеет о том, что ему пришлось стрелять в другого.В этом стихотворении Харди рассказывает о том, как война может превратить потенциальных друзей во врагов. Хаусман уже добился успеха в написании своей публикации A Shropshire Lad (1896), сборника из 63 стихотворений, отражающих глубокий уровень эмоциональной уязвимости. После Первой мировой войны он начал писать еще один сборник стихов в память о погибших на войне.

ПЕРВАЯ МИРОВАЯ ВОЙНА

Первая мировая война знаменательна, потому что это была первая современная война. Это также создало социальные, политические и экономические проблемы для Великобритании, поскольку они взяли на себя большие долги, и Соединенные Штаты начали превращаться в новую национальную державу. Первая мировая война ознаменовала начало падения глобального статуса Великобритании. Поэзия того времени отражает это и показывает глубокий пессимизм этой послевоенной нации.

Поэты войны

Первая мировая война вызвала множество стихов как у солдат на поле боя, описывающих свой опыт, так и у сторонников войны дома, которые с энтузиазмом писали об усилиях Великобритании.Некоторые из этих поэтов, в том числе Уилфред Оуэн , Эдвард Томас и Руперт Брук , погибли на поле боя. Сонет Брука, «Солдат» (1914), представляет собой воспоминания умершего солдата. Это стихотворение, а также несколько стихотворений, написанных этими солдатами-поэтами, отражают смерть и достижения тех, кто сражался на войне. Для тех, кто выжил на поле боя, таких как Siegfried Sassoon , Ivor Guerney и Robert Graves , их опыт оказал непосредственное влияние на их поэзию.Часто в своих более поздних работах они сравнивали ужасы войны с мирным ландшафтом Англии, который они всегда знали.

ИЗМЕНЕНИЯ В ПОЭЗИИ

Модернистское письмо очень саморефлексивно, и стихи, написанные в то время, были намного короче и в большей степени основывались на свободном стихе . Кроме того, многие поэты использовали теорию имажизма в своих письмах, которая использовала краткий язык и стремилась запечатлеть образ.

Среди английских поэтов Нового времени двое из самых плодовитых не были писателями английского происхождения. Т.С. Элиот был британским поэтом американского происхождения, которого часто считают одним из самых влиятельных поэтов 20, ^-го, -го века. Его стихи навязывали то, что он считал необходимым отходом от мечтательности романтизма. Способность Элиота быть классифицированным как американский и британский поэт показывает интернационализм, который характеризует модернизм. Больше не было необходимости ограничивать писателей одной национальностью. Одним из первых его известных произведений была «Песня о любви Дж.Альфред Пруфрок » (1915). Это стихотворение является внутренним монологом и рассказывается с использованием потока сознания . Этот метод представляет собой попытку предоставить читателям письменный отчет о мыслях и чувствах рассказчика. Еще одно из его знаменитых стихотворений — The Waste Land (1922). Больше об Элиоте можно найти во вступлениях в американскую литературу.

Ирландский писатель W.B. Йейтс был еще одной важной фигурой в модернистской поэзии. Хотя первоначальная поэзия Йейтса была сосредоточена на кельтских ценностях и ирландском прошлом, напряженность вокруг ирландских революционеров заставила Йейтса писать более политически. Его публикация Easter (1916) показала это изменение отношения. Это стихотворение было написано как ответ на пасхальное восстание, когда тысячи ирландских республиканцев были убиты за их поддержку Ирландии, независимой от Великобритании. В этом стихотворении он описывает сердца повстанцев как неподвижные, как скала, и, хотя он прославляет героев, он также наказывает за упорство лидеров восстания. Возможно, его величайший сборник стихов — Башня (1928), в который вошли такие известные стихи, как «Леда и лебедь», «Среди школьников», и «Плавание в Византию» .Последнее показало нежелание Йейтса смириться со своей старостью и его неприятие обществом устоявшейся роли пожилых людей.

Помимо этих двух поэтов, W.H. Auden также приобрел известность в период модернизма. Он известен тем, что пишет стихи на самые разные темы, такие как любовь, политика, культура, психология и религия. Его стихотворения «Похоронный блюз», (1936) и «1 сентября 1939 года», (1939) относятся к одной из этих тем. Последнее из этих стихотворений отражает стихотворение Йейтса «Пасха » и фокусируется на начале Второй мировой войны.Как и Йейтс, он обсуждает исторические неудачи людей, вовлеченных в конфликт, но смотрит вперед на возможное примирение в будущем. В его стихотворении «Похоронный блюз» неизвестный рассказчик оплакивает смерть близкого ему человека. Он просит полной тишины, пока он скорбит.

РОЖДЕНИЕ СОВРЕМЕННОЙ НОВОСТИ

Художественная литература за это время сместилась с человека в его социальном кругу на человека как изолированную личность. Это изменение подчеркнуло мыслительные процессы и бессознательные импульсы человека.Хотя это стало новой тенденцией, все еще были писатели, придерживавшиеся традиционных тем о социальном классе. Одним из писателей, охватывавшим как викторианские, так и модернистские идеалы, был Э. М. Форстер . Хотя во многих его работах обсуждались классы и иерархия в социальном статусе, он также проявлял интерес к индивидуальным ценностям. Две его самые известные работы: Комната с видом (1908) и Путешествие в Индию (1924). Комната с прекрасным видом рассказывает историю романа Люси Ханичерч и Джорджа Эмерсона.Хотя Люси чувствует себя обязанной по социальному классу выйти замуж за своего богатого жениха Сесила, в конце концов она не может отрицать химию с Джорджем и признаки того, что им суждено быть вместе. Фильм Форстера A Passage to India вращается вокруг жизней четырех персонажей: доктора Азиза, мистера Сирила Филдинга, миссис Мур и мисс Аделы. Во время поездки в пещеры Марабар в Индии Адела считает, что доктор Азиз напал на нее. Последовавший за этим судебный процесс разоблачает расовые отношения того времени и движение за независимость Индии, имевшее место в 1920-х годах.

Романы Д. Х. Лоуренса посвящены взаимоотношениям между классами. Его роман Любовник леди Чаттерлей (1928) — один из самых известных и противоречивых. В нем обсуждаются отношения между мужчиной из рабочего класса и женщиной из высшего класса. Муж леди Чаттерлей, Клиффорд Чаттерли, парализован ниже пояса. Это, в сочетании с его эмоциональной дистанцией, приводит к тому, что леди Чаттерли заводит роман с егерем Оливером Меллорсом. Этот роман помогает леди Чаттерли осознать, что для успеха любви требуется как разум, так и тело.

Джеймс Джойс добился успеха со своим романом Улисс (1922). Ulysses разделен на 18 глав, каждая из которых посвящена темам и персонажам, относящимся к Odyssey . Роман вращается вокруг Стивена Дедала, Леопольда Блума и Молли Блум, которые представляют Телемаха, Одиссея и Пенелопу. Подобно путешествию Одиссея, Леопольд рассматривается как герой, путешествуя по Дублину. Фрагментарный и нелинейный сюжет этого романа был общей чертой художественной литературы модернистского периода.Роман Джойса также ссылается на греческую и римскую мифологию — еще одну особенность писателей-модернистов.

Хотя женщины прорвались на литературную арену, мужчины все еще преобладали в писательстве в то время. Единственным исключением из этого правила была писательница Вирджиния Вульф . Вульф писал прежде всего о женщинах из высшего среднего класса и их обязанностях. Среди ее известных работ: Mrs. Dalloway (1925), To the Lighthouse (1927), Orlando (1928) и A Room of One’s Own (1929).Ее роман Миссис Дэллоуэй рассказывается в потоке сознания и имеет две отдельные сюжетные линии. Одна из них — Кларисса Дэллоуэй, которая готовится к вечеринке и размышляет о своей молодости и выборе мужа. Другой рассказ о Септимусе Смите, ветеране Первой мировой войны, страдающем галлюцинациями о войне. Этот роман сигнализировал о движении к радикальному мышлению из-за оттенков гомосексуализма между Клариссой и подругой детства Салли. В книге A Room of One’s Вульф исследует роль женщин в художественной литературе и обращается к ограничениям, с которыми женщины сталкиваются при письме.В одном из разделов романа Вульф создает сестру Шекспиру, чтобы проиллюстрировать, что женщине с талантами Шекспира было бы отказано в тех же возможностях и успехе.

Рассказы

Кэтрин Мэнсфилд считается одной из самых выдающихся писательниц модернистского периода. Мэнсфилд писал по ряду тем, включая социальный класс, семейные отношения и социальные последствия войны. Ее рассказ «Кукольный домик» (1922) исследует, как класс влияет на социальные отношения между детьми.Когда детям Бернеллов дают кукольный домик, старший отказывается позволить гораздо более бедной семье увидеть его. Когда младшая из Бернеллов не следует этому классическому поведению, ее упрекают. Мэнсфилд использует детей-героев и темы класса во многих других своих рассказах, включая «Вечеринка в саду», (1922) и «Дочери позднего полковника», (1922).

Научная фантастика

Следуя примеру писателей Викторианской эпохи, таких как Х.Дж. Уэллс, писатель Олдос Хаксли написал свой роман-антиутопию О дивный новый мир (1931) в период модернизма. Действие романа происходит в футуристическом Лондоне, где людям не дают думать свободно и вместо этого обучают в соответствии с их ролью в кастовой системе. Хаксли также предвосхищает развитие репродуктивных технологий и подсознательного образования.

Следите за новостями от этих писателей

Некоторые авторы, писавшие в период модернизма, продолжат писать и в период постмодернизма.Двумя примерами этого являются Evelyn Waugh и Graham Greene . Эвелин Во известна своими сатирическими работами; Brideshead Revisted (1945) — один из самых известных. В этом романе рассматривается привлекательность более состоятельного общества, поскольку Чарльз встречает граждан высшего сословия во время его пребывания в Оксфордском университете. Во, обращенный в католическую веру, также включает католицизм в свой роман и заставляет главного героя подвергать сомнению религию несколько раз на протяжении всей истории.Романы Грэма Грина включают в себя приемы триллеров и криминальных историй и часто затрагивают серьезные социальные и моральные проблемы. Его роман Брайтон-Рок (1938) рассказывает о подростке-социопате Пинки и его убийстве человека, который угрожал его банде. История следует за его попытками скрыться от властей и скрыть свое преступление.

20 ^-е ДРАМА ВЕКА

В период, когда романы сохраняли высокий уровень популярности, Джордж Бернард Шоу все еще пользовался успехом в написании пьес.Его противоречивые идеалы были показаны во многих его произведениях и повлияли на писателей в последующие годы. Его пьеса Pygmalion (1912) была адаптирована и исполнена несколько раз. Пьеса сосредоточена на попытках профессора Генри Хиггинса обучить девушку из низшего сословия, Элизу Дулиттл, выдать себя за герцогиню. Эта пьеса представляет собой современный взгляд на греческую и римскую мифологию.

Многие из этих авторов продолжали писать в течение нескольких десятилетий; однако Вторая мировая война окажет влияние на литературу будущего.Эта война оказала глубокое влияние на статус Великобритании как мировой державы, и литература того времени отражала это.

Для этого введения я обратился к: Роберта Барнарда A Short History of English Literature, Stephen Coote The Penguin Short History of English Literature, Andrew Sanders ’ The Short Oxford History of English Literature.

Как мы сюда попали? Эволюция культуры

1.3 Как мы сюда попали? Эволюция культуры

Мы легко говорили о исторических эпохах. Можно ли говорить о культурных эпохах ? Это действительно может быть полезная концепция. Есть много способов разделить время на культурные эпохи. Но для наших целей культурный период — время, отмеченное особым способом познания мира через культуру и технологии. Это время, отмеченное особым способом познания мира через культуру и технологии. Изменения в культурные периоды отмечены фундаментальными изменениями в нашем восприятии и понимании мира.Например, вы могли читать о «Средневековье», маркере европейской истории с 5 по 15 века. В ту эпоху технологии и коммуникации находились в руках таких властей, как король и церковь, которые могли диктовать то, что было «правдой». Эпоха Возрождения, наступившая после Средневековья, обратилась к научному методу как к средству достижения истины с помощью разума. Это изменение культурного периода было вызвано печатным станком. (В 2008 году главный редактор журнала Wired заявил, что применение интернет-технологий через Google вот-вот сделает научный метод устаревшим. ) В каждой из этих культурных эпох природа истины не менялась. Изменилось то, как люди использовали доступные технологии, чтобы понять мир.

Используете технологии, чтобы понять мир? Вы, вероятно, можете предположить, что для целей изучения культуры и средств массовой информации эпохи модерна и постмодерна являются одними из самых захватывающих и актуальных для изучения, эпохи, в которых культура и технологии пересекались, как никогда раньше.

Современность — современность

Современная эпоха — постсредневековая эпоха; широкий период времени, отчасти отмеченный технологическими инновациями, урбанизацией, научными открытиями и глобализацией.Его еще называют современностью. Это постсредневековая эпоха, начавшаяся примерно после 14 века, широкий промежуток времени, отмеченный частично технологическими инновациями, урбанизацией, научными открытиями и глобализацией. Современный век обычно делится на две части: ранний и поздний современные периоды. Ученые часто называют современность современностью.

Период раннего Нового времени начался с изобретения Гутенбергом подвижного печатного станка в конце 15 века и закончился в конце 18 века.Благодаря прессе Гутенберга среди европейского населения раннего современного периода повысился уровень грамотности, что привело к реформе образования. Как отмечалось ранее, машина Гутенберга также в значительной степени способствовала распространению знаний и, в свою очередь, стимулировала Возрождение и протестантскую реформацию. В период раннего Нового времени транспорт улучшился, политика стала более секуляризованной, капитализм распространился, национальные государства стали более могущественными, а информация стала более доступной. Просвещенческие идеалы разума, рационализма и веры в научные изыскания постепенно начали заменять ранее доминирующую власть царя и церкви.

Огромные политические, социальные и экономические изменения ознаменовали конец 18 века и начало периода позднего Нового времени г. г. Промышленная революция, начавшаяся в Англии около 1750 года, в сочетании с Американской революцией 1776 года и Французской революцией 1789 года указала на то, что мир претерпевает огромные изменения. Промышленная революция имела далеко идущие последствия. Он не просто изменил способ производства товаров — он также коренным образом изменил экономические, социальные и культурные рамки своего времени.

У промышленной революции нет четких дат начала и окончания. Однако в 19 веке несколько важных изобретений — двигатель внутреннего сгорания, паровые корабли и железные дороги, среди прочего — привели к другим инновациям в различных отраслях промышленности. Внезапно появление пара и станков привело к резкому росту производства. Но некоторые из самых больших изменений, последовавших за промышленной революцией, носили социальный характер. Экономика, основанная на производстве, а не на сельском хозяйстве, означала, что все больше людей переезжало в города, где методы массового производства делали упор на эффективность как на фабрике, так и вне ее. У недавно урбанизированных фабричных рабочих больше не было навыков и времени для производства своей еды, одежды или принадлежностей, и вместо этого они обратились к потребительским товарам. Увеличение производства привело к увеличению благосостояния, хотя неравенство доходов между классами также начало расти. Рост благосостояния и нестандартный образ жизни привели к развитию индустрии развлечений. Жизнь быстро изменилась.

Не случайно, что Французская и Американская революции произошли в разгар промышленной революции.Огромные социальные изменения привели к изменениям в политических системах и мышлении. И во Франции, и в Америке революции были вызваны отказом от монархии в пользу национального суверенитета и представительной демократии. Обе революции также ознаменовали подъем светского общества в отличие от церковных систем власти. Демократия хорошо подходила для так называемой эпохи разума с ее идеалами прав личности и верой в прогресс.

СМИ были центральными в этих революциях. Как мы видели, сочетание энергии пара и печатного станка привело к взрывному распространению книг и газет. Уровень грамотности вырос, как и поддержка участия общественности в политике. Все больше и больше людей жили в городе, получали образование, получали новости из газет, тратили свою зарплату на потребительские товары и называли себя гражданами промышленно развитой страны. Урбанизация, массовая грамотность и новые формы средств массовой информации способствовали формированию чувства массовой культуры, объединяющей людей через региональные, социальные и культурные границы.

Последнее замечание по терминологии культурной эпохи Нового времени или современности: аналогичный термин — модернизм — также вошел в употребление. Однако модернизм — это термин для обозначения художественного, культурного движения, а не эпохи. Модернизм — художественное движение конца 19-го и начала 20-го веков, возникшее в результате широкомасштабных изменений, охвативших мир в тот период, и ставившее под сомнение ограниченность «традиционных» форм искусства и культуры. относится к художественному движению конца 19 — начала 20 веков, которое возникло в результате широкомасштабных изменений, охвативших мир в этот период.В частности, модернизм поставил под сомнение ограниченность «традиционных» форм искусства и культуры. Модернистское искусство было отчасти реакцией на уверенность Просвещения в прогрессе и рациональности. Он прославлял субъективность через абстракцию, экспериментализм, сюрреализм, а иногда и пессимизм или даже нигилизм. Яркие примеры модернистских работ включают романы Джеймса Джойса о потоке сознания, кубистические картины Пикассо, атональные композиции Дебюсси и абсурдистские пьесы Пиранделло.Это не слишком сбивает с толку — модернизм был художественным движением, имевшим место в современную эпоху.

Эпоха постмодерна

Если вы продолжите обучение в аспирантуре практически в любой области гуманитарных или социальных наук, вы в конечном итоге столкнетесь с текстами, обсуждающими постмодернистскую эпоху . В то время как точное определение и даты эпохи постмодерна — культурного периода, который начался во второй половине 20-го века и был отмечен скептицизмом, самосознанием, празднованием различий и переоценкой современных условностей.до сих пор обсуждаются теоретиками и философами в области культуры, по общему мнению, эра постмодерна началась во второй половине 20-го века и была отмечена скептицизмом, самосознанием, празднованием различий и переоценкой современных условностей. Современность — эпоха модерна — считала само собой разумеющимся научный рационализм, автономное «я» и неизбежность прогресса. Век постмодерна поставил под сомнение или отверг многие из этих предположений. Если эпоха модерна ценила порядок, разум, стабильность и абсолютную истину, то эпоха постмодерна упивалась случайностями, фрагментацией и нестабильностью.Последствия Второй мировой войны, Холокоста, холодной войны, оцифровки культуры, появления Интернета и многих других факторов способствовали скептицизму и самосознанию эпохи постмодерна.

Вера современности в объективную истину — одно из главных предположений, перевернутых с ног на голову в эпоху постмодерна. Постмодернисты вместо этого взяли свои реплики от Шредингера, квантового физика, который разработал знаменитый мысленный эксперимент, в котором кошку помещают в запечатанный ящик с небольшим количеством излучения, которое может убить или не убить его.(Помните, что это мысленный эксперимент, и он нереален.) Пока ящик остается запечатанным, Шредингер провозгласил, что кошка существует одновременно в обоих состояниях: мертвый и жив . Оба потенциальных состояния одинаково верны. Хотя мысленный эксперимент был разработан для изучения вопросов квантовой физики, он понравился постмодернистам своим утверждением о радикальной неопределенности. Что есть на самом деле? Статус реальности не был абсолютной объективной истиной, доступной с помощью рациональных процедур и экспериментов, а зависел от наблюдателя.

«Постмодерн» затронул области от философии до политологии и литературы. Например, писатели и поэты восприняли этот новый подход к реальности. В то время как викторианские романисты старались сделать свои книги более «настоящими», постмодернистские нарративы не доверяли профессиям «реальности» и постоянно напоминали читателям об искусственной природе истории, которую они читали. Упор был сделан не на всезнающего автора, а на читателя. Для постмодернистов смысл не вкладывался в произведение его создателем, а зависел от субъективного восприятия произведения читателем.

Еще одно отличие постмодерна от современности заключалось в отказе от того, что философ Жан-Франсуа Лиотар считал «грандиозными нарративами. Теории большого масштаба, которые пытаются объяснить целостность человеческого опыта». объяснить совокупность человеческого опыта, включая теории капитализма, марксизма, рационализма, фрейдизма, дарвинизма, фашизма и т. д. Но эпоха постмодерна поставила под сомнение те теории, которые претендовали на то, чтобы объяснить все сразу.Такое мышление, предупреждали постмодернисты, привело к тоталитарным режимам 20-го века, таким как гитлеровский Третий рейх и СССР при Сталине. Эпоха постмодерна, как теоретизировал Лиотар, была эпохой микронарративов, а не великих повествований, то есть множества маленьких, локализованных представлений о мире, ни одно из которых не может претендовать на окончательную или абсолютную истину. Разнообразие человеческого опыта также было отличительной чертой постмодернистского мира. Как заметил Лиотар, «эклектика — это нулевая степень современной общей культуры; человек слушает регги, смотрит вестерн, ест McDonald’s на обед и местную кухню на ужин, носит парижские духи в Токио и одежду в стиле ретро в Гонконге; знания — это вопрос телевизионных игр.”

Постмодернисты даже не доверяли идее оригинальности — предполагаемому высокомерию мысли, будто у человека есть «новая мысль» — и свободно заимствованной из разных культур и жанров. Уильям С. Берроуз радостно провозгласил своего рода призыв к оружию для своего постмодернистского поколения писателей в 1985 году: «Из туалетов в музеи, библиотеки, архитектурные памятники, концертные залы, книжные магазины, студии звукозаписи и киностудии. Мир. Все принадлежит вдохновенному и преданному вору.… Слова, цвета, свет, звуки, камень, дерево, бронза принадлежат живому художнику. Они принадлежат любому, кто может их использовать. Разграбьте Лувр! A bas l’originalité (долой оригинальность), бесплодное и напористое эго, которое заключает нас в тюрьму, когда оно создает. Vive le sol (да здравствует солнце) -чистый, бессовестный, общ. Мы не несем ответственности. Украсть все, что попадется на глаза. Слова Берроуза олицетворяли смешанный скептицизм и ликование, характерные для эпохи постмодерна. С началом нового тысячелетия альбом Боба Дилана «Love and Theft» продолжил традицию Берроуза.Его название и многие тексты взяты из многочисленных источников разных культур, эпох и областей.

Простое руководство по дизайнерским движениям: модернизм

С развитием технологий модернизм начал прорваться в конце 19 века в начало 20 века. Западное общество начало разрабатывать новые способы формирования человеческой культуры и улучшения созданной окружающей среды.

Модернизм охватывает множество творческих дисциплин, от дизайна и искусства до архитектурных, музыкальных и литературных влияний.Сила машин заставила художников стратегически переосмыслить свою практику, результаты были революционными и до сих пор влияют на дизайнеров. Эта новая технология дала возможность для массового производства, а сама машина стала темой модернизма.

Влиятельные дизайнеры этого периода от Вальтера Гропиуса из Баухауза до современного архитектора Ле Корбюзье, оба были очарованы всеми дисциплинами дизайна, и это во многом отразилось на их работе.

«Функция всегда должна диктовать форму»

Красивый плакат, посвященный использованию шрифта без засечек и белого пространства

Модернизм особенно вдохновил изобразительное искусство, он стал прорывом в мире «изма» — эти художественные стили включают Импрессионизм, кубизм, фовизм, футуризм, брутализм и сюрреализм. С влиянием, оказывающим такое влияние на множество творческих дисциплин, модернизм, возможно, является самым влиятельным движением 20-го века.

The Unité d’Habitation (Жилой блок) в Марселе — дизайн жилого дома, разработанный Ле Корбюзье

Графический дизайн и гарнитура

Модернизм особенно изменил процесс мышления в области коммуникаций, графического дизайна и типографики, стиль дизайна резко изменился с предшествующий подход 19 века.До того, как концепция модернизма, графический дизайн и типографика были «чрезмерно украшены» и проработаны, каждый возможный дюйм типичного плаката был заполнен изображениями и шрифтами.

Дизайнеры эпохи модернизма придерживались строгой структурированной системы сеток с акцентом на негативное пространство, не менее важным было использование чистого шрифта без засечек. Идея заключалась в создании сильной графики, противостоящей коммерциализму, жадности и дешевизне. Типичные шрифты, используемые в эпоху модернизма, включают Franklin Gothic, Monotype Grotesque, Futura и Helvetica Neue.

Ян Чихольд разработал этот плакат, чтобы продвигать фундаментальные принципы Die Neue Typographie (Новая типография).

Голландский художник Тео ван Дусбург занимался живописью, архитектурой и поэзией — он также оказал влияние на графический дизайн и считается «послом» движения. De Stijl. Он описал времена модернизма так: «Искусство должно иметь дело не с« полезным »или« красивым », а с« духовным »и« возвышенным ». Самые чистые формы искусства не вызывают декоративных изменений некоторых деталей из жизни, но внутренняя метаморфоза жизни, переоценка всех ценностей.»

Голландский De Stijl выступал за чистую абстракцию в сочетании с блочными первичными оттенками наряду с черным и белым.

Dutch De Stijl

Голландскую группу De Stijl возглавлял архитектор Тео ван Дусбург, который выступал за универсальную гармонию без эмоционального подтекста. Характерный вид De Stjil состоял из блочных основных оттенков, а также использования черного и белого. Никаких кривых не допускается.

слов : Аарон Китни

Аарон Китни — графический дизайнер-фрилансер и арт-директор из Лондона и Ванкувера.Он специализируется на брендинге, айдентике, веб-дизайне, дизайне публикаций, упаковке и дизайне книг. Следуйте за ним в Twitter: @aaronkitney .

Понравилось? Прочтите это!

Модернизм — По Движению / Школа

Модернизм относится к , реформирующему движение в искусстве , архитектуре , музыке , литературе и прикладном искусстве в течение конца 19 века и начала 20 века .В философии нет специфически модернистского движения, скорее модернизм относится к движению в искусстве , которое оказало влияние на более позднюю философскую мысль. Последующая реакция против модернизма дала начало постмодернистскому движению как в искусстве, так и в философии.

Модернизм был по существу задуман как восстание против академических и историцистских традиций 19 века традиций и против викторианского национализма и культурного абсолютизма на том основании, что «традиционные» формы искусства, архитектуры, литературы, религиозной веры, социальной организация и повседневная жизнь (в современном индустриальном мире ) становились устаревшими .Первоначально движение называлось «авангард» , что описывало его попытку ниспровергнуть какой-то аспект традиции или статус-кво . Сам термин «модернизм» происходит от латинского «modo», что означает «только что».

Он призвал к пересмотру каждого аспекта существования, от коммерции до философии, с целью найти то, что «сдерживает» прогресс , и заменить его новыми , прогрессивными и лучшими способами развития. достигнув того же конца.Модернисты считали, что отвергая традицию , они могут радикально открыть новых способов создания искусства и в то же время заставить аудиторию взять на себя труд задать вопрос своим собственным предубеждениям. В нем подчеркивается свобода выражения мнений , экспериментирование , радикализм и примитивизм , и его игнорирование общепринятых ожиданий часто означало поразительных и отчуждение аудиторий с причудливыми и непредсказуемыми эффектами (например.грамм. сюрреализм в искусстве, атональность в музыке, литература потока сознания).

Некоторые модернисты считали себя частью революционной культуры , которая также включала политическую революцию, в то время как другие отвергали общепринятую политику, а также художественные условности, полагая, что революция политического сознания имела большее значение, чем изменение фактического Политические структуры 907 28.

Первая волна модернизма как художественное движение зонтика разразилась в первые десятилетия или два 20-го века с новаторскими работами таких людей, как Артур Шенберг и Игорь Стравинский в музыке; Густав Климт , Пабло Пикассо , Анри Матисс , Марсель Дюшан , Василий Кандинский и Пит Мондриан в искусстве; Ле Корбюзье , Вальтер Гропиус и Мис ван дер Роэ в архитектуре; и Гийом Аполлинер , Джеймс Джойс , Т.С. Элиот и Вирджиния Вульф в литературе; упомянуть лишь некоторые из них. Движение достигло совершеннолетия в 1920-х годах с Баухаус , Сюрреализмом , Кубизмом , Фовизмом , Футуризмом и, возможно, самым нигилистическим из всех, Дада .

После Второй мировой войны центр внимания переместился из Европы в Соединенные Штаты , и Абстрактный экспрессионизм (во главе с Джексон Поллок ) продолжил импульс движения, за которым последовали такие движения, как Геометрическая абстракция , Минимализм , Process Art , Pop Art и Pop Music .

К тому времени, когда модернизм стал настолько институционализированным, и мейнстримом, что считался «пост-авангардом» , что указывало на то, что он утратил свою силу как революционное движение, он, в свою очередь, вызвал свою собственную реакцию , известную как Постмодернизм, который был одновременно ответом на модернизм и повторным открытием ценности старых форм искусства. Модернизм в большей степени остается движением в искусствах , чем в философии , хотя постмодернизм имеет специфически философский аспект в дополнение к художественному.

Все, что вам нужно знать о модернизме в изобразительном искусстве

Модернизм был международным движением во многих обществах, начавшимся в конце девятнадцатого века и продолжавшимся до середины двадцатого века. Его влияние и влияние на то, как мы сейчас живем, нельзя недооценивать. Отчасти модернизм был ответом на радикально изменившиеся условия жизни, окружавшие подъем индустриализации. В изобразительном искусстве художники работали, используя принципиально новые предметы, методы работы и материалы, чтобы лучше отразить эти изменения, а также надежды и мечты современного мира.

Статьи по теме: Футуризм Модернизм Конкретное искусство — Вы когда-нибудь задумывались, что такое оп-арт? — 13 женщин импрессионизма

Гюстав Курбе, Les raboteurs de parquet, холст, масло, 1875.

В целом термин «современное искусство» относится к миллионам современных картин и других предметов искусства, созданных на всех континентах в течение примерно столетия. Современное искусство начали создаваться еще в 1860-х годах и, возможно, создавались еще в 1970 году.Обычно понимаемое значение современного искусства состоит в том, что это искусство отвергает исторические традиции искусства и принимает эксперименты. В течение этого периода было сделано несколько смен парадигм, художественных новшеств, включая переход от повествования и фигурации к абстракции.

Вид инсталляции картин Хильмы аф Клинт в музее Гуггенхайма в Нью-Йорке в 2019 году. Картины датируются началом 20 века и считаются первыми когда-либо созданными абстрактными картинами.

Исторический контекст:

Модернистское искусство было неразрывно связано с философскими образцами мышления, возникшими в результате последствий Просвещения. В их число входят такие влиятельные фигуры, как Эммануэль Кант. Многие мыслители рассматривают Французскую революцию 1789 года как основополагающую для начала современной эры из-за ее насильственного свержения и подвергания сомнению социальных институтов и взглядов, которые бесконтрольно существовали на протяжении веков.

Что касается модернистского искусства, и особенно модернистской живописи, существовало несколько ранних, новаторских движений, которые легли в основу всего последующего модернизма.В основном это были художники-импрессионисты, романтики и реалисты. К началу 20-го века существовало большее разнообразие движений, включая кубизм, символизм, футуризм и постимпрессионизм, которые существовали под рубрикой того, что мы сейчас называем модернистским искусством.

Стилистические и формальные влияния на этот массив ранних модернистских движений были разнообразными и глобальными. Например, Эдуард Мане, который был ключевым художником-импрессионистом, находился под сильным влиянием японских гравюр укиё-э.Это позволило ему создавать более плоские картины с меньшим упором на перспективу, в то же время сохраняя чувствительный мир вокруг себя. Художники-абстракционисты разных направлений, безусловно, находились под влиянием нововведений таких художников, как Делакруа и Тернер. Художники-реалисты, такие как Курбе, находились под влиянием повседневного изображения событий и избегали стилизованных и идеалистических изображений жизни, которые населяли традиционное академическое искусство.

Эдуард Мане, Портрет Эмиля Золя, холст, масло, 1868 год.

До начала Нового времени искусство в основном возникло по заказу мецената и, таким образом, было вовлечено в более широкое экономическое соглашение между агентами. На протяжении девятнадцатого века это изменилось, поскольку художники начали отказываться от этих ограничений и начали работать, исследуя субъективные точки зрения. Хотя работа Зигмунда Фрейда 1899 года «Толкование снов» не получила широкого распространения в то время, она сигнализировала о сдвиге понимания подсознательного разума и стимулировала исследования в этой области и имеет решающее значение для интерпретации этих меняющихся структур художественного производства.

Эскиз Зигмунда Фрейда Сальвадора Дали, 1938 год.

Модернизм за пределами визуального искусства:

Модернистское искусство было взаимосвязано с родственными ему движениями в других областях культурного производства, особенно в музыке, литературе и архитектуре.

В литературе стремление к точному изображению изменившегося индустриального мира было таким же, как и в изобразительном искусстве. В литературе, однако, хотя ряд авторов, включая Джозефа Конрада и Генри Джеймса, связаны с модернизмом, на самом деле современная литература начинает писать только в период после Первой мировой войны.Одним из пионеров современных литературных произведений стало стихотворение «Бесплодная земля», написанное в 1922 году английским писателем Т.С. Эллиот.

В музыке композиторы-новаторы, такие как Антон Веберн, Арнольд Шенберг и Игорь Стравинский, экспериментировали с новыми тональными аранжировками, создавая совершенно разные музыкальные композиции. То же самое относилось и к исполнительскому искусству и его использованию музыки: такие фигуры, как Лой Фуллер, полностью деконструировали традиционные формы танца, такие как балет, и создали то, что мы теперь понимаем как современный танец.

Та же история произошла и в архитектуре, и к концу девятнадцатого века начал преобладать совершенно новый подход, который охватил функциональность и инновации. В десятилетие после Первой мировой войны то, что сейчас известно как международный стиль, распространилось по всей Европе. В зданиях в этом стиле не было орнаментов и других исторических ссылок, а стены предпочитали неукрашенные. Ле Корбюзье и его заявление о том, что дом должен быть машиной для жизни, воплотили этот подход.

Дом Ле Корбюзье Weissenhof, 1927 год, Штутгарт с Mercedes Benz 1929 года выпуска.

Модернистские инновации:

Современная живопись характеризовалась множеством нововведений, которые позволили художникам по-новому взглянуть на мир и исследовать эстетические и чувственные эффекты в своей работе. Что касается художников-импрессионистов, они верили в попытку передать в свои картины такие чувства, как настроение, атмосферу и определенные оптические эффекты.Моне часто рисовал один и тот же вид несколько раз в течение одного дня, чтобы исследовать различные способы, которыми солнце и тени меняют внешний вид здания, неба и водоема. Для этого они часто рисовали снаружи: на пленэре.

Помимо технических новшеств, импрессионисты также проявили изобретательность в том, как они объединились в самоидентифицирующуюся группу, что позволило им проводить выставки. Они назвали свою группу Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs («Ассоциация художников, скульпторов и граверов») и следовали определенным методам работы.Было замечено, что это превосходит традиционную тогда модель национального стиля, и этому неоднократно следовали на протяжении всего современного периода.

Моне в своем саду в Гивени, Франция.

Ключевые, ранние движения модернизма:

Обсудив выше импрессионизм, важно исследовать широту других центральных модернистских стилей и движений, которые с тех пор определяли искусство. Их:

1. Кубизм:

Центральная фигура кубизма в массовом воображении — Пабло Пикассо: это слово почти стало описанием некоторых его работ.Жорж Брак, однако, также был основой чрезвычайно важного движения, и два художника работали вместе, чтобы создать этот геометрический стиль с упором на сглаживание живописного пространства и редукционные качества. Работы Пикассо и Брака в эпоху кубизма выглядят очень похожими и концептуально нацелены на то, чтобы подчеркнуть иллюзионистскую плоскость холста и сделать это на переднем плане при взгляде. Важной работой этого движения является картина Пикассо 1907 года «Авиньонские девицы» (1907), которая показывает влияние африканского племенного искусства через изображения фигур.Еще одним важным стилистическим нововведением была способность Брака и Пикассо использовать монохроматическую градацию, чтобы сосредоточиться на геометрии картин.

Пабло Пикассо, Les Demoiselles d’Avignon, холст, масло 1907.

2. Постимпрессионизм:

Название постимпрессионизма говорит о его истоках: он стремился пойти намного дальше, чем его уже новаторские предшественники, и снова базировался за пределами Франции, и в частности Парижа. К началу 20 века он получил широкое распространение, и одними из его главных представителей были художники Жорж Сёра, Поль Сезанн и Винсент Ван Гог.Далее они деконструировали то, что значит изображать чистое и субъективное выражение, и были радикальны в своей простоте и манере письма. Хотя теперь они обозначены как движение и несмотря на то, что многие из главных фигур знали о других членах и их действиях, они часто работали в одиночестве и без того же коммуникативного аспекта в своей трудовой жизни. Это произвело настоящее расхождение в работе, одним из крайних примеров является вышеупомянутый Жорж Сёра и его определяющая картина в стиле пуантилистов 1884-1886 годов, воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт.

Жорж Сёра, Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт, холст, масло, 1884-1818 гг.

3. Футуризм:

Футуризм был почти исключительно итальянским и одним из наиболее радикальных и политически мотивированных движений модернизма. В манифесте движения 1909 года, написанном Филиппо Маринетти, было заявлено, что «великолепие мира обогатилось новой красотой: красотой скорости», и он продолжил объяснение, почему традиционные культурные формы бесполезны для этого современного человека. и индустриальное общество: «ревущий автомобиль, который, кажется, управляется пулеметным огнем, прекраснее Победы Самофракии.«Движение рассматривало себя как целостную культуру, приглашая в свои ряды не только художников и скульпторов, но также писателей, танцоров и архитекторов. С тех пор футуризм вызвал споры из-за кажущейся поддержки насилия и женоненавистничества. Многие из наиболее характерных образов футуризма содержат машины, изображенные геометрическим способом, чтобы подчеркнуть движение, динамизм и скорость. Яркие и смелые цветные плоскости добавляли к общему эффекту. Несмотря на то, что оно твердо выступало за войну и разъясняло достоинства и изменения, которые может принести война, движение угасло с жестокой реальностью Второй мировой войны.

4. Завихрение:

Часто встречающийся параллельно с футуризмом, вортицизм также охватывал эстетику машин и идеологию автоматизации. Это было чисто английское движение, основанное Уиндемом Льюисом незадолго до Первой мировой войны при участии Эзры Паунда. У них была распечатка в виде журнала Blast, в котором публике предлагались их теории. Ключом к их мышлению было предположение, что только абстракция и ее возможности нового представления могут помочь нации уйти от доминирующей и клаустрофобной привязанности к морализирующей и устаревшей викторианской культуре, которая так сильно распространилась.Судьба вортицизма была похожа на судьбу футуризма, однако, с их пылкой про-машинной позицией, твердо связанной с провоенной перспективой. Смерть двух известных сторонников вортицистского движения, а именно Годлер-Бжеска и Т. Халм в Первой мировой войне был ударом, от которого он так и не оправился.

5. Конструктивизм:

Изображение памятника Татлину Третьему Интернационалу, смешанная техника, 1919-20.

Движение конструктивистов продемонстрировало, как модернизм распространился далеко за пределы Европы.Однако это движение находилось под сильным влиянием параллельных движений на континенте, и по мере того, как эстетика и идеология футуризма и кубизма распространялись дальше на восток, они смешались с революционным рвением России в то время, чтобы сформировать конструктивизм. Основным приверженцем движения было предложение строить произведения искусства из промышленных материалов, чтобы служить социальным целям, а не просто истолковывать абстракцию ради нее самой. Русскому, которому часто приписывают толчок к конструктивизму, является Владимир Татлин, который познакомился с кубизмом Пикассо во время учебы в Париже.Татлин вернулся в Россию и впоследствии, в 1920 году, написал Манифест реалистов, в котором, как и ранее обсуждалось, модернистские движения фетишизировали машины и технологии. Движение было сосредоточено вокруг искусства, служащего определенной цели, и поэтому акцент сместился с художников на графику и архитектуру. Неизменный образ конструктивизма остается дизайнерским предложением памятника, сделанным Татлиным. Названный памятником Третьему Интернационалу (1919–20), скульптурный объект никогда не был построен, но представляет собой футуристическую спираль здания, предназначенного для использования правительством.

Другие определяющие моменты модернизма:

Гюстав Курбе, Камнедробители, холст, масло, 1849.

На изображении выше изображена картина художника-реалиста Гюстава Курбе. Он считался одним из первых современных художников, которые исследовали реальность и стремились рисовать без идеологии или иллюзий. Каменные разрушители ничем не примечательны для современного восприятия, но противоречили привилегиям религиозной, мифологической и исторической живописи, существовавшей в то время во французских салонах.Выставка была признана шокирующей.

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 г. (копия).

Это изображение принадлежит дадаистскому художнику Марселю Дюшану. В высшей степени нетрадиционная группа была основана в Цюрихе, который был нейтральным городом среди ужасов Первой мировой войны. Его цели были преднамеренно абсурдными, но были политически радикальными и снова хотели выдвинуть на первый план совершенно новую эстетическую чувствительность, которая охватывала случай и бессмыслицу.

Джексон Поллок, Голубые полюса, холст, масло, 1952 год.

Это изображение принадлежит одному из более поздних, великих течений современного искусства, пришедших из Америки, известному как абстрактный экспрессионизм. Джексон Поллок вместе с другими титанами современного искусства Марком Ротко и Виллемом де Кунингом задумал крупномасштабное, смелое выражение чистой и непривязанной абстракции, которая была переплетена с американским индивидуализмом.

Было множество других движений, которые занимали центральное место в модернизме.Многие из них пришли из Америки в середине 20-го века, например, вышеупомянутый абстрактный экспрессионизм и минимализм. Появление в Америке художников поп-арта и неодада, таких как Роберт Раушенберг, стало началом конца модернизма. С визуальным ландшафтом, радикально измененным средствами массовой информации, и повисшими в воздухе общественными потрясениями 1960-х годов, эти художники начали сомневаться в роли художника в обществе и в том, какую роль образы играли в формировании повседневной реальности людей — в манере, неизвестной художникам-модернистам. .

Изображение на обложке: Жорж Сёра, Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт, холст, масло, 1884-6

По сценарию Макса Ланна

Следите за обновлениями в журнале Kooness, чтобы узнавать больше интересных новостей из мира искусства.

Make It New: The Rise of Modernism

Расцвет модернизма

21 октября 2003 г. — 7 марта 2004 г.

Техасский университет в Центре Гарри Рэнсома в Остине представит потрясающий массив из более чем 400 объектов доминирующего культурного движения 20-го века на своей выставке «Сделай это новым: расцвет модернизма».«

Центр выкупа хранит одну из самых богатых и разнообразных коллекций модернистского искусства и литературы в мире. «Make It New» предлагает студентам и публике редкую возможность увидеть творения этого замечательного взрыва в искусстве и идей, которые помогли изменить видение целого века. Даже наше представление о себе было радикально изменено; как писала Вирджиния Вульф, примерно в 1910 году человеческий характер изменился.

Модернизм, процветавший с 1890-х по 1939 год, возник в результате ряда событий — культурных, научных и материальных — которые изменили природу современной жизни.Модернизм изменил восприятие, захватив воображение покровителей и издателей и обеспокоив приверженцев истеблишмента. Некоторые из его наиболее ярких творений заинтриговали, разочаровали, вдохновили и даже взбесили публику.

Модернисты реформировали все виды искусства — архитектуру, танец, литературу, музыку и живопись, — применив великие технологические прорывы того периода в области художественной деятельности и культурного производства. В то время как большинство выставок модернизма сосредоточены исключительно на литературных или визуальных материалах, «Make It New: The Rise of Modernism» представляет более широкий спектр художественных творений, от музыкальных партитур и декораций до механических изобретений и рентгеновских лучей.

«Модернизм как движение раздвинул границы возможного с художественной точки зрения», — сказал директор Центра выкупа Томас Ф. Стейли. «Эта выставка — попытка не определения, но открытия и повторного открытия художественной эпохи, которая взорвалась творчеством и волнением».

«Сделай это новым», — провозгласил Эзра Паунд. В этой революции слова были освобождены от синтаксиса, примечания от традиционных гармоний и цвета и линии с точки зрения. Драматические произведения стали музыкальными, музыка — визуальными, а произведения — скульптурными.

Немногие учреждения могут лучше предложить такое широкое представление модернизма, как Центр выкупа. С момента своего основания в 1957 году Центр выкупа отреагировал на модернизм, собирая основные тексты, партитуры, рукописи, произведения искусства и предметы движения. В свою очередь, эти коллекции помогли определить присутствие учреждения среди крупных исследовательских библиотек Америки.

Одной из основных целей Центра было приобретение, сохранение и изучение модернистских предприятий, в особенности американских, французских и британских традиций.Особенно уместно, чтобы Центр выкупа провел эту междисциплинарную выставку в том же году, когда отмечается завершение капитального ремонта.

Основные экспонаты выставки включают работы, которые помогли определить модернизм, такие как аннотированные страничные корректуры «Улисса» Джеймса Джойса, фолианты архитектурных чертежей Фрэнка Ллойда Райта и исправленная копия T.S. Элиота «Пустошь». Среди дополнительных работ — «Vénus du gaz» Пабло Пикассо, сильно исправленные рукописи «Воспоминания о прошлом» Марселя Пруста, а также художественные работы Хуана Гриса, Жоржа Брака и Макса Эрнста.

«Прожив большую часть своей жизни под влиянием модернистского искусства, мы легко можем забыть его непостоянное происхождение, упустить из виду замечательные стратегии, которые различные группы и отдельные писатели использовали, чтобы вывести свою работу на передний план», — сказал Стейли. «Тем не менее, это расстояние позволяет нам более ясно увидеть его поразительную широту, а также его непреходящее влияние».

Не представлен в хронологическом порядке, Make It New организован в тематические разделы, которые отражают богатое разнообразие идей и выражений того периода и позволяют зрителям лучше сформировать свое понимание или версию модернизма: Порталы открытий, Формы и технологии, Невидимые миры, Город и маркетинг новое.

«Эта выставка — не просто очередное повествование, прослеживающее историю модернизма, но скорее попытка раскрыть модернизм в его бесчисленных аспектах», — сказал Стейли. «Выставка демонстрирует виды текстур, резонансов и энергий, которые сделали первую половину 20-го века настолько инновационной, что ее искусство до сих пор фактически является синонимом того, что означает« новизна », — сказал Стейли.

В дополнение к выставке Центр выкупа издал 160-страничную книгу «Make It New: The Rise of Modernism», которая содержит 20 эссе по модернизму, заказанных для этого тома.Двенадцать из них от авторов и художников, коллекции которых находятся в Центре выкупа, включая Джулиана Барнса, Пенелопу Лайвли, Рассела Бэнкса и Эдриенн Кеннеди.