Эпоха классицизм: Page not found — Эпоха Романтизма

Содержание

Стиль классицизма в одежде, искусстве – фото и история

Эпоха классицизма не имеет точного и определённого времени существования, она не возникла в один момент и не длилась не прерывно. Так классицизм появляется во Франции и в XVI, и в XVII веках, но окончательно утвердится, наберёт силу во второй половин XVIII века и будет длиться вплоть до первых десятилетий XIX века: от начала Французской революции (1789) до падения Наполеона (1815). Классицизм связан с историей Античности, а именно интересом к искусству Древней Греции и Рима. В 1748 году были раскопаны Помпеи. Большой вклад в развитие классицизма вносит археолог Винкельман, который в своих трудах буквально воспевал античное искусство. Искусство Древней Греции и Рима становится образцом, примером для подражания.



В архитектуре самый первый признак классического стиля – это колонны, те самые колонны, которые были в архитектуре античных храмов и теперь появляются вновь. При этом всё должно следовать планам, всё должно быть гармонично и симметрично. Именно в эпоху классицизма, кстати, появляется и традиционное планирование города: город делится улицами на квадраты, улицы идут параллельно друг другу, а сама планировка города включает разбивку площадей и парков.

Наиболее известными художниками эпохи классицизма стали также французы – Жак Луи Давид и Жан Огюст Доминик Энгр.

Скульптура, как и архитектура во всём следовала идеалам Античности, подражая скульптурам Древнего Рима и Древней Греции, принимая их за основу.

В отличие от архитектуры и живописи классицизм в моду пришёл немного позднее, только в 70-е годы XVIII века. До этого мода по-прежнему, как и в эпоху барокко, создавалась и диктовалась королевским двором.

В начале и в середине XVIII века в моде были ещё сильны тенденции следующего за барокко стиля рококо. Женский костюм по-прежнему сохранял растянутые по бокам и сплюснутые сзади и спереди юбки – панье. Лиф платья был узким и с глубоким вырезом, рукава также оставались прежними — полукороткими с пышными кружевными манжетами. Обувь носили на высоком каблуке. Платья же становились все более не удобными и именно такие наряды всё чаще и чаще начинают носить только при дворе. Причёски также приобретают абсурдно немыслимые формы – они становятся всё выше и выше, иногда они доходили до 60 см в высоту. Украшались причёски перьями, цветами, а иногда на головы водружались целые корзины с цветами или же корабли со снастями и парусами.



Иллюстрации — история моды и стиля — 16-17 век


В итоге барокко, перешедшее в рококо, достигает своей абсурдности, становится «слишком»: слишком пышным, слишком вычурным, слишком громоздким, слишком неудобным.

Женский костюм эпохи классицизма

И в 70-е – 80-е годы XVIII века эстафету у Франции принимает Англия. Английская мода всё больше и больше начинает влиять, в том числе и на женский костюм. Английская мода того периода была связана с простотой и натурализмом, проникнув на континент она изначально начинает пользоваться популярностью у буржуазии и дворянской молодёжи, но затем проникает и в высшие слои общества. Жёсткие каркасы для юбок платьев выходят из употребления, юбка теперь драпируется не по бокам, а сзади, такую юбку называют турнюр. Одежду того периода можно увидеть на картинах английских художников Гейнсборо, Рейнольде. Причём для платьев чаще всего используются лёгкие ткани светлых тонов. Платья также начинают подпоясывать поясом чуть выше талии, завышенная талия будет весьма характерна для следующего за классицизмом стиля – ампир.

Причёски первоначально ещё оставались высокими и напудренными, но затем волосы перестают пудрить и начинают завивать в локоны. Также в моду входят шляпы – огромные, из бархата и шёлка, а также широкополые «английские» шляпы.

Для верховой езды дамы облачаются в платья-амазонки, состоящие из юбки и жакета, напоминающего мужской фрак.

Мужской костюм эпохи классицизма

Что касается мужской моды, то в ней также сильно английское влияние. Английский суконный фрак вытесняет французский шёлковый кафтан. Английский фрак, в отличие от французского кафтана, шился из тканей более тёмных и строгих расцветок. Фрак имел стояче-отложной воротник и отогнутые от талии полы. Такой фрак служил парадной одеждой. Но французы всё же оставались верны себе и к английскому фраку так или иначе добавляли вышивки и иногда шили его из шёлка.

В моду также входит редингот – что-то среднее между пальто и сюртуком, он также приходит из Англии, где первоначально служил для верховой езды. Отличительной особенностью редингота являются прямые полы и шалевый воротник.

Жабо и манжеты на рубашках становятся уже. Кюлоты остаются по-прежнему узкими и застёгиваются под коленом. Чулки были белыми или полосатыми. Обувью служили башмаки с большой металлической пряжкой.

Парики постепенно выходили из моды, а волосы теперь зачёсываются назад и собираются на затылке в пучок, который завязывается чёрной ленточкой. В моду входят «английские» шляпы — конические, с невысокой тульей и узкими полями. А к рединготу надевают цилиндр.

Именно в эпоху классицизма в мужскую моду входят и галстуки. Галстуки берут своё начало от шейных платков, которые были известны и в Древнем Риме, и в Китае. Во времена тридцатилетней войны (первая половина XVII века) европейцы увидели галстуки, шейные платки, завязанные на шеях узлом, у хорватских солдат. Популярны же галстуки становятся в годы французской революции и Директории, так в это время мужчины носили платки из белой материи, а французские революционеры в знак протеста носили чёрный галстук под названием «чёрное проклятие».

В первой половине XIX века ношение галстука, а именно то, как его завязывать, превращается в настоящее искусство. Учебники с правилами завязывания галстуков писали … Байрон и Оноре де Бальзак. Так Оноре де Бальзак писал, что «Мужчина стоит того же, что и его галстук, — это он сам, им он прикрывает свою сущность, в нем проявляется его дух».


Классический стиль в одежде сегодня

И сегодня галстук является обязательным атрибутом классического делового мужского костюма. К классическому стилю сегодня в мужской одежде относятся костюмы, белые рубашки, жилеты, плащи. Цвета — черный, темно синий, серый и белый.

Мужскую одежду в классическом стиле можно встретить у таких дизайнеров и брендов, как Calvin Klein, Levis, Valentino, Hugo Boss.


Что касается классического стиля в женской одежде, то его непременным атрибутом также является костюм с юбкой или брюками. Длина юбки варьируется в пределах колена, не допустимы как юбки-мини, так и макси, традиционно длина юбки немного ниже колена. Брюки чаще простого прямого кроя. Жакет – приталенный, а вот его длина может меняться в зависимости от модных тенденций. Глубокие вырезы не допускаются. Цвета – темные: чёрный, серый, тёмно-синий. Расцветки (как для мужского, так и для женского костюма) – клетка, полоска, реже ёлочка, но всегда однотонные.

Туфли – лодочки. Макияж не яркий. Классический стиль – самый деловой, самый официальный, самый строгий, не допускающий никаких фривольностей.


Дополнением к нему могут послужить дорогие часы, изделия из натуральной кожи, изысканные аксессуары, шейные платки.

Наиболее ярким примером среди дизайнеров, которые работали, используя классический стиль, является Коко Шанель, а её маленькое чёрное платье, которое должно быть в гардеробе каждой женщины, также стало классикой.

Вероника Д.

Литература и искусство эпохи классицизма

Классицизм был сложным и неоднозначным по своему социальному и политическому содержанию явлением. Возникший в XVII в., в период становления абсолютизма (абсолютизм — форма феодального государства, при котором монарху принадлежит неограниченная верховная власть. При абсолютизме государство достигает наивысшей степени централизации), классицизм пережил глубокие перемены и наполнился в XVIII в. новым содержанием, хотя и сохранил некоторые свои стилистические особенности. Даже самый «классический» французский классицизм XVII в. предстает перед нами сложным и противоречивым творческим методом, в котором переплелись идейно-художественные принципы, соответствовавшие переходной эпохе, когда утверждавшийся абсолютизм искал опору не только в среде дворянства, но и в широких народных массах.

Писателей и художников вдохновляли идеал совершенного общественно-го устройства, основанного на законах разума, образ гармоничного человека, идеал которого они искали в античности, античном классическом искусстве (отсюда — термин «классицизм»).
Классицизм — новое «возрождение» античности, но внутренне он от нее весьма далек, еще более далек чем Возрождение. Если гуманисты Возрождения видели высшую ценность в свободно проявляющей себя естественной природе человека, то основоположникам классицизма страсти представлялись силой разрушительной, анархической, порожденной эгоизмом. Продолжая некоторые традиции Возрождения: преклонения перед древними, веру в разум, идеал гармонии и меры — классицизм складывался и развивался в борьбе с идейно-художественной системой барокко. В определенном смысле классицизм был антиподом барокко.

Официальная эстетика классицизма получила в определенной степени законченное выражение в философии Р. Декарта, в драматургии П. Корнеля, Ж. Расина, Мольера, поэтике Н. Буало. Классическая доктрина культивировала возвышенное и героическое, понимаемое как торжество чувства долга над остальными человеческими чувствами. Она определяла взгляд на художественное произведение как на создание искусственное — сознательно сотворенное, разумно организованное, логически построенное по незыблемым правилам, почерпнутым из античности.

Идея долга в классицизме не случайно соседствует с понятиями «правильности» и «разумности». Стремясь контролировать художественно-эстетическую жизнь общества, абсолютизм создает, начиная с 1634 г., академии литературы, живописи и скульптуры, архитектуры, а в 1666 г. учреждает Академию наук. В них господствовал классицизм как официальный стиль абсолютистского государства, признававшийся властями как единственно «правильный».

Эстетика классицизма устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на ведущие («высокие») и второстепенные («низкие»). Каждый жанр имеет строгие границы и четкие формальные признаки. Не допускается никакого смешения возвышенного и низменного, трагического и комического, героического и обыденного. К
ведущим жанрам
в литературе относились трагедия, эпопея, ода; в живописи — исторические, мифологические, библейские сюжеты. Героями этих жанров были монархи, полководцы, мифологические персонажи, религиозные подвижники. Второстепенными жанрами в литературе считались комедия, сатира, басня; в живописи — пейзаж, портрет, натюрморт, бытовой жанр. Однако реалии не укладывались в эти правила. Такие большие художники слова, как П. Корнель, Ж. Расин, Мольер, Ж. де Лафонтен, мастера живописи и скульптуры, как Н. Пуссен, К. Лоррен, Э. Фальконе, Б. Гудон, Ж. Жирардон и другие наполняли дыханием жизни строгую схему этого метода. В архитектуре классицизм внес в творчество создателей крупных ансамблей не столько конкретные «правила», сколько принцип рациональности в расположении отдельных сооружений, логической обоснованности художественных решений, гармоничной соразмерности деталей. Версальский дворец с парком и множеством входящих в ансамбль сооружений стал классическим образцом классицистской архитектуры, не избежав при этом влияния барокко в пышности, помпезности отделки внутренних интерьеров. Версаль стал символом новой дворянской культуры, здесь во второй половине XVII в. «королем-солнцем» Людовиком XIV вершились судьбы Франции. Двор Людовика XIV с его театрализованным бытом, строжайшим этикетом, тягой к блеску и великолепию стал привлекать к себе выдающихся писателей и художников.
Это время было названо Вольтером «великим» — за пышность церемониала. Дух строгой регламентации, дисциплины становились руководящими принципами эстетики классицизма.

 

 

 

 

 

Понравилась статья? Отправьте автору вознаграждение:

Классицизм: разум обуздывает страсть

Маятник литературных вкусов постоянно качался от разума к чувствам, от строгой ясности к замысловатой усложненности (от реализма к романтизму – если брать их в предельно широком смысле). После рациональной и жизнерадостной эпохи Возрождения последовало усложненное и разочарованное барокко. Но вскоре маятник опять качнулся в сторону рассудка и порядка. Так возник классицизм.

  1. Произошло это во Франции в начале XVII века – гораздо раньше, чем в других странах. Барокко во Франции очень скоро сдало свои позиции и стало синонимом дурного вкуса. Обычно это связывают с особенностями французского ума («менталитета», как теперь говорят) – рационального и насмешливого, не склонного к туманным тайнам, мистике и, как ни странно, бурным эмоциям.
    Во Франции и романтизм появился позже, чем в других странах, и выглядел довольно бледно (разве что Виктор Гюго стал романтиком мирового значения). А вот созданный французами классицизм («большой стиль», подчинивший себе всё – от архитектуры до пудреных косичек) постепенно распространился по всему «цивилизованному миру», подмял под себя национальные обычаи и вкусы и царил почти 200 лет. Кое-где эта художественная система продержалась до 30-х годов XIX-го века, хотя в конце XVIII века классицизм уже был бурно, мятежно и с возмущением (по-своему заслуженным) свергнут романтизмом.
  2. Термин «классицизм» восходит к латинскому слову «classicus» – образцовый. Первый признак, по которому «узнают» классицизм, – подражание античным образцам, своего рода игра в античность. Почти 200 лет (если говорить о Франции) культура рядилась в античные одежды – этакий затянувшийся карнавал. Дома строились непременно с колоннами, хотя это имело смысл разве что в Италии: античные портики призваны создавать приятную тень и легкий сквознячок, чтобы легче переносить южный зной.
    Когда такие колонны появляются в России, это чистая декорация. Зачем нам сквознячок? Нам бы стены потолще, а окошки поменьше, чтобы сберечь тепло лютой зимой. Еще бессмысленней подражание (очень условное) античности в бальных туалетах дам. Открытые плечи и «ложноклассические» шали, не спасавшие от холода в сенях и каретах, были причиной множества простуд. А мода все равно держалась… Не говоря уже об именах (всех этих Клитах и Лициниях) и бесконечных мифологических аллюзиях.
  3. Этот признак (подражание античности) – самый заметный, но все-таки не главный. Эпоха Возрождения тоже подражала античности, но делала это совершенно иначе. Возрождению античность показала красоту земного (материального, телесного) мира и человека в том числе. Это главный смысл художественных открытий, сделанных в то время. Классицизм же любит в античности не свободу естества, а как раз наоборот –
    жесткую упорядоченность форм, меру, закон и порядок
    .
  4. Появление классицизма обычно связывают со становлением абсолютной монархии. После религиозных войн и неограниченного самоуправства крупных феодалов установление сильной верховной (королевской) власти во Франции казалось высшим благом. Вопрос: что общего у государственного строя (сильной абсолютной монархии) и эстетических законов, которым подчинялись в равной мере архитекторы и поэты? (Причем добровольно подчинялись, не из-под палки государственной! Или – не только из-под палки…) Ответ: почтение к иерархии, упование на нее как на залог гармонии и всяких благ. Термин «иерархия» имеет греческое происхождение («иеро» – священный, «архе» – власть) и может применяться как в широком смысле («расположение частей или элементов целого в порядке от низшего к высшему»), так и в узком, собственно «государственном» («расположение служебных званий, чинов в порядке их подчинения»). Такая жесткая градация («иерархическая лестница»), с точки зрения современного человека, далеко  не единственный способ даже просто навести порядок, не говоря уже о том, чтобы создать гармонию. Но целых два столетия такое мнение сочли бы варварством и дикостью.
    То, что государство видело себя в образе знаменитой пирамиды (внизу народ, над ним дворяне, а выше всех король – один, как Бог на небе), еще можно понять. Но вот то, что и искусство с искренним рвением все делило на «высшее» и «низшее» (жанры, стили, даже просто слова), – в это теперь трудно поверить. И тем не менее надо признать и уяснить: классицизм не всегда воспевает абсолютную монархию (под конец он и революцию увековечит в том же псевдоантичном стиле), но всегда –
    иерархию,
    превосходство высшего над низшим. Одно он превозносит, другое – клеймит. Прямолинейно и неумолимо.
  5. У этой страсти к иерархии есть философское обоснование. Его сформулировал французский мыслитель Рене Декарт. Обычно его знают как создателя системы координат и вообще как математика. Но он был и ярким философом, создавшим свою мировоззренческую систему, которую называют «картезианство». Декарт искал ответа на вопрос: что в человеке ближе всего к Богу? Что является связующим звеном между твореньем и Творцом? И пришел к выводу, что разум.
    Декарту принадлежит знаменитая формула: «Мыслю – следовательно, существую» («Cogito ergo sum»). Таким образом, разум – это высшее начало в человеке, а мысль – своего рода «канал связи» между человеком и Богом. И только гласу  разума человек может доверять, если хочет жить праведно. То, что так думал математик, по-своему понятно и логично. Но так же думала и целая эпоха.
  6. Классицизм изображает не просто иерархическое устройство мира (с разумом или разумным королем во главе), а вечную борьбу высокого и низкого, правильного и, наоборот, ошибочного и губительного. Классицизм любит гармонию, но мир при этом считает дисгармоничным, полным низменных начал. И только в напряженной борьбе с силами хаоса и разрушения можно удерживать в гармонию и в государстве, и в своей душе, и в художественном произведении.
  7. Классицизм не знает полутонов, он всегда судит однозначно: или положительный, или отрицательный, или герой, или злодей, или добро, или зло… Система антитез (противопоставлений, противоречий), свойственных классицизму, такова:
— 
 Разум Страсти 
 Государство Личность (эгоизм)
 Долг Чувство 
 Общее Личное
 Цивилизация (космос)    Природа (хаос)

Разум – воистину и царь, и бог эпохи классицизма. Разум обязан знать, что хорошо, что плохо, и неизменно бороться с «плохим». А что нас губит? Безответственный произвол страстей, заставляющий поступать себе во вред. С этим трудно спорить, разве что можно усомниться, что разум в одиночку способен преуспеть в борьбе со страстями.

Очень понятна вторая антитеза. Абсолютная монархия при своем становлении склоняет к себе симпатии простых граждан именно тем, что обуздывает безудержный эгоизм крупных феодалов. Однако если следовать этой логике дальше, то государство всякое желание отдельной личности жить по своему разумению и ради каких-то своих скромных (эгоистических, маленьких, мещанских) целей будет считать презренным и даже преступным. Нет, личное нужно забыть, отложить, принести в жертву великому «общему делу».

Сталинская эпоха увековечила себя в стиле, больше всего похожем именно на классицизм. И колонны, и симметрия, и воспевание государства, и постоянное утверждение, что все силы, жизнь, здоровье, помыслы человека должны быть отданы великому делу построения коммунизма…

Когда же речь заходит о высшем литературном достижении классицизма – классицистической трагедии, то в ход идет третья формулировка: конфликт долга и чувства. На этом конфликте строятся все трагические сюжеты эпохи.

В четвертой строчке скобки означают то, что мы просто обобщили сказанное выше. Классицизм общее ставит над личным и в частной жизни, и в государственной. Об этом можно не говорить, если всем и так уже всё понятно.

Последняя строка актуальна, когда речь идет о живописи и о садово-парковом искусстве. На картинах мы не увидим изображения «дикой» природы вплоть до романтизма. Никакие мишки в сосновом бору, никакие горные перевалы К.Д. Фридриха или девятые валы Айвазовского не понравились бы публике ни в XVII-м, ни в XVIII-м веке. Самое простое объяснение: дикую природу элементарно боялись. А страшное считалось в ту эпоху безоговорочно «безобразным» (а не «прекрасным»). Мы сейчас редко имеем с дело с дикой природой, чувствуем себя очень защищенно в своей городской среде, и потому нам даже нравится смотреть на пейзаж, в котором нет следов человеческого присутствия. Мы подзабыли, что вплоть до XIX-го века наши предки вели с природой бесконечную войну просто за собственное выживание. Мы и теперь бессильны перед извержением вулкана, цунами или молнией. А окажись мы в тайге или в болотах Амазонки, наверно, тут же вспомнили бы, как страшна эта прекрасная природа. Море, лес и горы всегда угрожали смертельными опасностями. Это хорошо передает Д. Дефо в своем «Робинзоне Крузо». Как Робинзон отгораживался от «природы» частоколом! И как она не хотела выпускать его из своих цепких и жутких когтей, когда уже в Европе, на горном перевале между Испанией и Францией, на его караван нападает стая волков.

Таким образом, природа для классицистов ассоциируется со всеми разрушительными началами. И с человеческим страстями (что логично: ведь это и есть поврежденная человеческая природа), и с антигосударственными происками мятежников. А «цивилизация», наоборот, символизировала победу все того же разума над бессмысленными стихиями.

Нельзя сказать, что природу совсем не изображали. Изображали – но обязательно «облагороженную» архитектурой и людьми. Кроме того, тщательно разделенную на «планы», словно это театральные декорации: кулисы и задник. Да она, собственно, и становится на этих картинах всего лишь фоном для главных действующих лиц.

Природа является тем материалом, из которого создаются сады и парки. А их создание тоже считается искусством. В эпоху классицизма возникает «французский», или «регулярный», тип парка со строгой симметрией, геометрически расчерченными дорожками, правильно чередующимися статуями, деревьями и кустами, постриженными или по линеечке, или в виде геометрических фигур (шаров, пирамид и т.п.). Ему традиционно противопоставляют парк «английский» – «ландшафтный», или романтический.

Искусствовед Н.А. Дмитриева пишет: «В английском парке, воспринявшем многое от садово-паркового искусства Китая, имитируется естественная природа: запутанные тропинки, заросли кустов и деревьев, укромные лужайки. Гуляя по такому парку, вы неожиданно набредаете на ручей с перекинутым через него мостиком, на уютную беседку или вдруг замечаете статую, смутно белеющую сквозь густую зелень. Такой «натуральный» парк вы найдете в Павловске под Петербургом, в Алупке вокруг Воронцовского дворца.

Французский парк – это парк регулярный, где природа подчинена строгой архитектонике зодчего. Дорожки выровнены, аллеи прямы как стрелы, трава подстрижена, водоем имеет правильные геометрические очертания, кронам деревьев приданы правильные конусообразные или шаровидные формы. В этих чинных парках есть своя прелесть… Они особенно хороши вечером, в предзакатный час, когда золотое небо отражается в чашах бассейнов и длинные тени ложатся на песок четким решетчатым узором. Воображение рисует фигуры мужчин в камзолах и длинных париках, женщин с длинными шлейфами, медлительно и важно прогуливающихся по дорожкам. Этих призраков прошлого вызвал к жизни Александр Бенуа, писавший виды Версаля как бы сквозь дымку столетий, со смешанным чувством иронии, грусти и восхищения».

  1. Итак, от всех искусств классицизм требовал ясности, соразмерности частей, четкого плана, простоты и прославления разума. Это называлось, между прочим, подражанием природе. Классицизм был уверен, что он правдиво изображает природу: показывает ее идеальное «абсолютное» состояние, а не случайности реального земного воплощения. Произведения классицистов – это своего рода волшебное зеркало, которое, отражая природу, исправляет все недостатки, которые «случайно» привнесла в нее жизнь. Показывает не то, что есть, а то, что должно (по мнению художников) быть.
  2. Классицизм создал законченную эстетическую систему в виде дотошного свода правил для каждого искусства. В этом тоже проявилось его главное свойство – вера в абсолютную непогрешимость разума.
  3. Классицисты свято верили, что у красоты существуют точные законы («гармонию» можно и нужно «поверить алгеброй»). Эталоном красоты были для них античные «образцы». Из этого делался вывод: значит, в те времена лучше всего знали законы красоты и точнее всего им следовали. Чтобы научиться создавать произведения такой же совершенной красоты, нужно исследовать эти законы, описать их и тщательно подражать классике. Иначе говоря, творить исключительно по правилам и образцам.
  4. Для каждого из искусств правила, разумеется, свои: дом строить и музыку писать не одно и то же. И достижения классицизма в разных искусствах тоже разные. Лучше всего, на современный взгляд, архитектура той эпохи. Оно и понятно: это самый точный, «математичный» вид искусства (не просчитаешь конструкцию – здание рухнет). Несмотря на то, что «псевдоклассические» колонны обычно ничего не поддерживают (а бесполезное в архитектуре не приветствуется), все же строгая симметрия классицистических зданий действительно прекрасна. Московские особнячки до сих пор радуют глаз, хотя выглядят не парадно-возвышенными, а трогательно-уютными (что вообще-то в эстетике классицизма не предусматривалось). До нас их дошло немного: большая часть «классицистической Москвы» сгорела в 1812 году. И это по-настоящему большая потеря.

В живописи стремление к умозрительности (аллегорическим намекам, символическим композициям) и абстрактному совершенству приводит к погоне за холодноватым совершенством рисунка. Н. Дмитриева пишет о Никола Пуссене, что его античные аллегории совершенны до такой степени, что даже обнаженные фигуры нимф и богов не воспринимаются как изображение человеческой плоти. Это скорее именно изображение абстрактной красоты, почти бесплотное совершенство.

Вопросы и задания для закрепления материала

  1. Где и когда возник классицизм? Как долго оставался ведущей художественной системой?
  2. С появлением какой формы правления его обычно связывают?
  3. Что такое картезианство?
  4. Что такое иерархия?
  5. Какое свойство человека классицисты считали высшим началом?
  6. Назовите антитезы, свойственные классицизму.
  7. Каким образцам подражали классицисты? Что означает сам термин «классицизм»?
  8. Какой тип парка называют «французским»? Какой тип парка ему обычно противопоставляют?

Оксана Смирнова

Эпоха классицизма. Петр Ильич Чайковсикий

1.

Эпоха классицизма

2. Этапы Классицизма

В развитии классицизма отмечают два
исторических этапа. Выросший из
искусства Возрождения классицизм XVII века
развивался одновременно с барокко, отчасти в
борьбе, отчасти во взаимодействии с ним, и в
этот период наибольшее развитие получил во
Франции. Поздний классицизм, связанный
с Просвещением, приблизительно с середины
XVIII до начала XIX века, ассоциируется прежде
всего с венской классической школой

3. История Классицизма

Классицизм, как художественное направление, сложился во
Франции в первой половине XVII века: возникший ещё в эпоху
Возрождения интерес к античной культуре, породивший в
различных видах искусства подражания античным образцам,
в абсолютистской Франции превратился в нормативную эстетику,
основанную на «Поэтике» Аристотеля и дополнившую её рядом
специальных жёстких требований.
Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и
гармоничности мироустройства, что проявилось во внимании к
сбалансированности частей произведения, тщательной отделке
деталей, разработке основных канонов музыкальной формы.
Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная
форма, основанная на разработке и противопоставлении двух
контрастных тем, определился классический состав
частей сонаты и симфонии.

4. Один из выдающихся композиторов эпохи Классицизма: Петр Ильич Чайковсикий

Пётр Ильич Чайковский 25 апреля 1840,
пос. Воткинск, Вятская губерния —
25 октября 1893, Санкт-Петербург) —
русский композитор, педагог, дирижёр и
музыкальный критик.

5. Первые впечатления о Петербурге

В начале августа 1850 года с матерью и сёстрами
Зинаидой и Александрой он прибыл в СанктПетербург для поступления в приготовительный
класс Императорского училища правоведения —
закрытое мужское учебное заведение, находившееся
углу набережной реки Фонтанки и улицы, ныне
носящей имя композитора.
Его петербургским попечителем стал друг семьи —
Модест Вакар.
К весне 1851 года попечение Модеста Вакара
сменилось попечением Ивана Ивановича Вейца и
Платона Вакара. В апреле того же года Пётр
Чайковский впервые увидел императора Николая I.

6. Поступление в училище

Пётр успешно сдал вступительные экзамены в «настоящий»
класс Училища правоведения. Его классными
воспитателями были «очень ограниченный, но очень
хороший, то есть добрый человек»[17] И. С. Алопеус и
Эдуард Гальяр де Баккара[18], а любимым учителем — И. И.
Берар, преподававший литературу и французский язык. В
училище он также учился у Франца Беккера по фортепиано
и пел в хоре по руководством Гавриила Ломакина.
В мае 1853 года юный поэт Алексей Апухтин (Лёля)
оказался в одном классе с Петром Чайковским, они
подружились на всю жизнь. Будучи самым близким другом,
Апухтин оказал заметное влияние на Чайковского: на его
веру, ценности, убеждения и литературные пристрастия.
13 (25) мая 1859 года Чайковский окончил училище, а 29
мая (10 июня) — получил аттестат и был удостоен чина
девятого класса (титулярный советник).

7. Творчество

1870-е годы в творчестве Чайковского ― период творческих
исканий; его привлекают историческое прошлое России,
русский народный быт, тема человеческой судьбы. В это время
он пишет такие сочинения, как оперы «Опричник» и «Кузнец
Вакула», музыка к драме Островского «Снегурочка», балет
«Лебединое озеро», Вторая и Третья симфонии, фантазия
«Франческа да Римини», Первый фортепианный концерт,
Вариации на тему рококо для виолончели с оркестром, три
струнных квартета и другие. К этому же периоду относится
написанная по заказу организационного комитета
Политехнической выставки кантата «В память 200-летия
рождения Петра Великого» на слова Я. П. Полонского; она
была впервые исполнена 31 мая 1872 года на Троицком мосту в
Кремле под специально построенным навесом (дирижёр К. Ю.
Давыдов, солист А. М. Додонов).

8. Увертюра «1812 год»

Торжественная увертюра «1812 год», соч. 49 — оркестровое
произведение Петра Ильича Чайковского в память о победе
России в Отечественной войне 1812 года. Пользуется
популярностью в мире из-за эффектного звучания и важности
событий 1812 года для Европы и Америки. В исполнении
участвуют колокола, в финале предусмотрены пушечные залпы.
Премьера увертюры состоялась в Храме Христа
Спасителя 8 августа (20 августа) 1882 года

9. Щелкунчик

«Щелкунчик» — соч. 71, балет Петра
Чайковского в двух актах на либретто Мариуса
Петипа по мотивам сказки Э.
Т. А. Гофмана «Щелкунчик и мышиный король».
Музыкальный отрывок «Вальс Цветов»

10. Наследие

Как композитор-профессионал Чайковский
сформировался в 1860—1870 годы, ознаменованные
большим подъемом общественной и культурной
жизни Российской империи: многогранным
развитием русской музыки, литературы и живописи,
расцветом отечественного естествознания, ярких
завоеваний в области философии и эстетики.
Наследие Чайковского представлено разными жанрами:
это — десять опер, три балета, семь симфоний (шесть
пронумерованных и симфония «Манфред»), 104 романса,
ряд программных симфонических
произведений, концерты и камерно-инструментальные
ансамбли, хоровые сочинения, кантаты, фортепианные
миниатюры и фортепианные циклы. Его творчество
представляет собой чрезвычайно ценный вклад в
мировую музыкальную культуру и, наряду с творчеством
его современников — композиторов «Могучей кучки»,
знаменует собой новый этап в развитии русской музыки.

Morelli

a. Контекст — эпоха Просвещения

Зачатки стиля классицизм можно увидеть еще в эпоху Ренессанса. Особенно известны спокойные и благородные работы архитектора 16 века Андреа Палладио. Некоторые архитекторы 17 века, особенно английские, следовали этой же эстетике, но в целом в 17 веке будет доминировать стиль барокко.

Но больше всего классицизм распространится в эпоху Просвещения, во вторую половину 18 века. Эта эпоха больше всего ценила разум, науку, ясность. Изощренность барокко и рококо была уже не актуальна и скучна. Четкая и логичная архитектура классицизма придется к месту и станет мэйнстримом архитектуры Европы. Во Франции классицизм расцветет во время правления короля Людовика 16, поэтому иногда может встретиться термин “Стиль Людовика 16”.

Очень актуальна эта архитектура будет и для появившегося государства США — в конце 18 — начале 19 века в классицизме построены многие правительственные здания, в том числе Капитолий и Белый дом.

b. Подробнее про эстетику — портик

Дворец на воде в Варшаве.

Классицизм может показаться достаточно простым стилем, но на самом деле у него очень мощная и сильная эстетика с большим количеством нюансов. Обратите внимание на портик посередине: за каждой колонной на стене стоит ее проекция — пилястра, что делает портик глубже и сочнее. В потолке портика сделаны углубления — кессоны, в которых сгущаются тени. Это тоже добавляет глубины. 

Сами колонны в здании подчинены иерархии: в главном здании они коринфского ордера, а в боковых галереях ионического.

MobileHide

MobileHide

MobileHide

c. Церковь св. Женевьевы в Париже (Парижский Пантеон), внутри

В интерьере классицизм сочетает роскошь и благородную строгость. Может быть довольно много орнаментов и украшений, но каждый орнамент строго соблюдает свою границу. Все декоративные элементы организованы стройно, статично, на основе базовых геометрических форм.

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

MobileHide

d. ДВЕРЬ ИЗ КНИЖКИ

e. РУЧКА ИЗ КНИЖКИ

Предметы интерьера в стиле классицизм. Стиль классицизм. Эпоха классицизма. Классицизм в интерьере гостиной

Классицизм – стиль, получивший распространение в 17-19 веках в странах Европы. Но даже по сегодняшний день он не утратил своей актуальности.

Его отличительные черты особенно привлекают ценителей роскоши, изящества, и в то же время определенной сдержанности, в сочетании с благородными декорациями.

Классицизм в интерьере 21 века сохранил свои традиции. Он в полной мере отражает даже в современности свое дословное значение, указывающее на образцовость, норму и порядок.

Для лучшего представления, заглянем в прошлое, и кратко познакомимся с историей зарождения, становления и развития стиля.

  • Зарождение классицизма происходило в конце далекого 16 века в странах Западной Европы. Он постепенно стал вытеснять распространенный в то время напыщенный стиль рококо, который уже к середине 17 века подвергался серьезной критике именно из-за своей несдержанности.
  • В противовес ему, интерьеры эпохи классицизма отличались лаконичностью, четкостью и строгостью. Стиль основывался на архитектуре античности, которая стала особенно привлекать современников.
  • Этому способствовало формирование иного взгляда, в первую очередь, на греческую культуру.
  • Зарождение рассматриваемого стиля – есть результат преобразования архитектуры эпохи Возрождения.
  • Наиболее ярко классицизм проявил себя к середине 18 века. В это время он переживал особенный подъем.
  • Строились здания, дворцы, храмы и даже целые ансамбли, сохранившиеся и по наше время.
  • Богатейшие слои населения охотно оформляли в данном стиле свои недвижимые владения.
  • Интерьер дворянского особняка в стиле классицизма характеризовался монументальностью, сдержанной роскошью и симметрией.
  • Однако не все страны придерживались единых направлений — английский и французский классицизм шли по несколько разному пути.
  • Англичане опирались на позднеренессансные традиции, а французы впитали отчасти традиции барокко.
  • И даже сегодня классицизм в современном интерьере может содержать элементы иных стилей, характерных для 18-19 веков.

Знакомство со стилем

Классицизм в архитектуре и интерьерах имеет свои особенные, присущие только ему отличительные черты, благодаря которым он выделяется среди схожих стилей. На это мы в первую очередь и обратим внимание.

Характерные черты

Интерьер в стиле классицизм характеризуется следующими признаками:

  1. В первую очередь, это симметрия и четкость планировки . Причем, это касается не только расположения мебели, освещения, декораций, но и проектирования самого строения.

Интересный факт! Окна, колонны в проходных помещениях на расцвете стиля располагались строго параллельно друг другу (сугубо симметрично), как бы подчеркивая правильность построения всей композиции интерьера.

  1. Сдержанность при расположении декораций . Но при этом, пастельные тона и минимализм только повышают общее впечатление роскоши и дороговизны.
  1. Интерьер в стиле классицизма характеризуется преобладанием светлых оттенков (преимущественно белого) в сочетании с более насыщенными . Чаще всего в качестве последних применяются: зеленый, золотой, голубой, розовый, коричневый и пурпурный цвета.
  1. Формы отличаются правильностью. Наиболее распространенные – арочные и прямоугольные.
  1. Актуально применение в интерьере колонн, статуй, орнаментов.
  1. Конструкции отличаются устойчивостью, монументальностью, массивностью.
  1. Линии – четкие, повторяющиеся горизонтально или вертикально.
  1. Окна в помещениях должны иметь прямоугольную или арочную форму . Оформление их – минимально. Окрашиваются, как правило, в белый цвет.
  1. Двери – высокие, достигающие 2,8 – 3 метра. Преимущественным цветом является опять же белый. Украшены они могут быть статуями льва или античного сфинкса. Одно из основных правил остается прежним – строгость и геометричность, отсутствие излишней вычурности.
  1. Эстетическая составляющая не менее важна, она придаст завершенность. Приветствуется наличие картин и иных предметов искусства.

Стены и потолки

Классицизм – стиль интерьера, который предполагает, как уже было сказано, сдержанность в сочетании с изысканным декорированием.

Стены должны подчеркивать лаконичность всей обстановки, именно поэтому чрезмерная их яркость и броскость недопустимы:

  • Как правило, поверхность – однотонная. Оттенки применяются светлые, пастельные. Идеальным вариантом станет: белый, бежевый, светлые оттенки оливкового, розового, голубого.
  • Декорирование отдельных участков орнаментом, росписью или лепниной приветствуется.
  • Использовать для отделки стен можно дорогие текстильные или виниловые обои.
  • Поверхность также можно оштукатурить декоративными составами или обтянуть дорогостоящей тканью.
  • Акцент можно сделать на определенную зону в помещении, путем росписи поверхности более насыщенными красками по отношению ко всем стенам.
  • Наиболее актуальным будет изображение на поверхности портрета или пейзажа, характерного для 18 столетия. Также подойдут фрески в стиле античности.

Потолок лучше сделать белоснежным. Это зрительно приподнимет его (что хорошо с практической и дизайнерской точки зрения) и создаст иллюзию простора.

На заметку! Дизайн интерьеров в стиле классицизм лучше исполнять в помещениях с высокими потолками. Это – крайне важный аспект. Не столь даже важна квадратура самой комнаты, сколько ее высота. В противном случае, эффект применяемого стиля может быть не достигнут.

Отделка потолков характеризуется следующим:

  1. В обязательном порядке стоит использовать лепнину. Зачастую ее предусматривают в центре потолка, делая акцент на люстре.
  2. Также можно подчеркнуть геометричность помещения, создав орнамент или подходящий узор по периметру потолка.
  3. Монументальный многоуровневый потолок – также хорошее, а, главное, подходящее решение. Декорировать его можно, например, путем выделения фактуры при помощи окрашивания отдельных элементов лепнины в золотистый цвет.
  4. Сложный многоуровневый потолок выигрышно смотрится в просторных помещениях совместно с колоннами.
  5. Сочетание золотистого и белого цветов добавит интерьеру царственности и сдержанной роскоши.

Вариативность исполнения – крайне широка. Фотогалерея продемонстрирует наиболее интересные дизайны.

Декоративные элементы и предметы интерьера

Стиль классицизма в дизайне интерьера требует наличия декоративных элементов. Несмотря на сдержанность, они придают помещению величественность. При грамотном расположении и применении таких предметов, можно создать иллюзию нахождения в здании 18 века.

Использовать стоит:

  1. Пилястры;
  1. Полуколонны;
  1. Фрески.

На стенах можно расположить зеркала правильной геометрической формы, декорированные багетами. Карниз, штора с ламбрекенами, мебельные чехлы – неотъемлемые части интерьера в стиле классицизм.

Классика предполагает наличие фарфоровой посуды и статуэток, книг, антикварных вещей и картин.

Обратите внимание! Многие предметы интерьера декорировать можно путем нанесения лепнины в виде головы льва, изображений грифонов, птиц, амуров, сфинкса, медальонов. Орнаменты можно применить следующего типа: меандра, киматий, гирлянда.

Классика в интерьере может быть подчеркнута таким предметом как камин. При соответствующей отделке, с его помощью можно даже создать зону отдыха, сделав на ней акцент с сохранением общей стилистики.

На заметку! Не стоит расставлять слишком большое количество мелких декоративных элементов. Выбирая между маленькой статуэткой и напольной вазой внушительных габаритов, выберете последнюю. Картины развешивайте также больших размеров.

Меблирование

Стиль в интерьере классицизм характеризуется наличием дорогостоящей мебели из ценных пород дерева, таких как: вишня, орех, карельская береза и некоторых других. Инкрустации на мебели весьма оригинальны, но, при этом, не вычурны.

Подробнее о мебели:

  • Абсолютно исключается вариант декорирования таких предметов камнями. А вот наличие орнамента вовсе не помешает.
  • Кресла и стулья имеют тонкие изящные ножки, сужающиеся книзу. Сиденья и спинки оббивают добротной тканью с цветочным узором.
  • Наиболее удачно смотрится сочетание красного дерева с бронзовым декорированием.
  • В мебели могут быть врезаны вставки из ценных пород дерева.
  • Общий вид таких предметов интерьера отличается массивностью, добротностью, дороговизной и своеобразной упрощенностью.

На заметку! При оформлении квартиры или дома в стиле классицизм, могут возникнуть сложности при расположении современной техники, ведь она своим несоответствующим эпохе 18 века видом может существенно нарушить гармоничность интерьера. Именно поэтому, к данному вопросу стоит подойти со всей ответственностью и грамотно технику «спрятать» или попробовать «вписать».

Освещение

Освещение – также немаловажная деталь интерьера:

  • Люстры отличаются массивностью. Как правило, они имеют многочисленные подвески из хрусталя.
  • На стенах можно разместить светильники, украшенные позолотой или имитацией.

На заметку! Точечные светильники также вполне органично впишутся в стиль помещения. Ведь в 21 веке, при восполнении классицизма в интерьере, допустимо применение современных элементов. Ведь точно повторить обстановку 18 века практически невозможно.

  • Обратите внимание на антикварные изделия или люстры, изготовленные своими руками.
  • Очень выгодно смотрятся люстры, имеющие плафоны-свечи. Последние исключительно выглядят в бронзовом цвете в сочетании с хрусталем. Такой вариант исполнения только подчеркнет стиль интерьера классика и создаст атмосферу средневековья.
  • На полу можно расположить торшеры с тканевым декорированием, имеющим цветочный орнамент.
  • Поставьте их радом с креслами, и они создадут уют.
  • Имейте в виду, что при помощи освещения можно влиять на зрительную форму комнаты и ее цвет.

Классицизм, ампир и барокко: как связаны между собой эти стили?

Почему стоит поднять тему использования стилей барокко и ампир, если мы говорим о классицизме? Все просто и объяснимо. Давайте разбираться.

Классицизм и ампир

Интерьеры классицизма и ампира неразрывно связаны между собой. Точнее говоря, ампир – и есть классицизм в усовершенствованной форме, то есть это – стиль высокой стадии развития последнего. Родиной является Франция. Толчком для зарождения явились успешные походы Наполеона, которые не могли не сказаться и всех сферах жизни общества в тот период времени.

Чем отличается ампир от классицизма? С точки зрения оформления интерьера, ответ дать весьма сложно. Ведь видоизменение стиля произошло под влиянием военно-политических процессов, что не могло не наложить отпечаток.

  • Стоит отметить, что ампир имеет схожие черты с барокко, который стоял по ту сторону от классицизма. Он отличается большей праздностью и торжественностью.
  • Цвета в интерьере стали ярче, насыщеннее, исчезло присущее классицизму спокойствие и умиротворённость.
  • Распространенным явлением стало изображение воинских достижений и иных изображений, повышающих патриотизм.

В современном интерьере повторить ампир вполне возможно. Более того, строгость граней несколько стерта. Позволителен более усложненный и праздный декор, более яркие и броские оттенки. При этом необходимо сохранить присущую классицизму симметричность и лаконичность.

Классицизм и барокко

Классицизм и барокко в интерьере – два противоборствующих стиля. Умеренный, спокойный, монументальный классицизм изначально никак не мог ужиться с напыщенным, чрезмерно ярким и праздным барокко.

  • Неспроста стиль получил такое название, ведь в переводе оно означает «жемчужина причудливой формы».
  • Для него характерны: живописность, динамичность, большое количество декора, лепнины. Одним словом, это стиль ярко выраженного роскошества.
  • Однако, несмотря на это, стили могут даже сочетаться и комбинироваться. Это касается конкретно современных дизайнов.
  • Ведь, при профессиональном подходе, можно суметь скомбинировать даже несочетаемое, получив при этом блестящий результат.
  • Некоторое слияние стилей наблюдается еще на заре их возникновения. Это касается варианта французского классицизма, о котором мы упоминали выше.
  1. Интерьер в классическом стиле будет актуален всегда. Он не теряет своей популярности целые века и только укрепляет позиции. Такой дизайн будет актуален при оформлении домов, квартир и даже офисов, с целью акцентирования внимания на установившейся успешности и стабильности.
  2. Классицизм в интерьере квартиры, особенно небольшой, воплотить будет сложнее. А вот если высота потолков совсем небольшая, лучше и вовсе отказаться от этой идеи. Дело в том, что присущую стилю монументальность сложно передать в сильно ограниченном пространстве. Однако, эту проблему можно частично исправить: добавить классицизму современности.
  3. Наилучшая композиция для такого интерьера – лучевая или центрическая. Это означает, что все объекты словно по цепной связи соединяются между собой, как бы перетекают.
  4. Не стоит забывать о вышеупомянутой технике: соорудите ниши, шкафчики, блоки с выдвижным механизмом. Все это можно декорировать, и, таким образом, умело спрятать нежелательные глазу предметы.
  5. Для того, чтобы подчеркнуть используемый в интерьере стиль, можно применить роспись гризайль. Она сможет максимально передать атмосферу 18 века.
  6. Полы монтируйте паркетные, имитирующие дорогостоящие породы дерева. Также можно применить мозаику из мрамора со сложным рисунком в греческом стиле.
  7. Если вы желаете оформить ванную комнату в стиле классицизм, отдайте предпочтение светлым тонам. Сантехнические устройства и приборы лучше выбирать состаренные либо с напылением, например, бронзы. Ванну можно выбрать определенной формы. В зависимости от размера помещения, его можно декорировать фальшколоннами.

Классика была, есть и будет популярна всегда и везде. Не составляет исключение и стиль классицизм в интерьере, которому присуща утонченность и монументальность, сдержанность и роскошные материалы. Его можно узнать по симметричным предметам и линиям, простым и лаконичным формам, использованию дорогих материалов и декоративных деталей. Недаром короли цари в свое время отдавали предпочтению именно этому стилю при отделке своих дворцов и покоев.

Истоки стиля классицизм в интерьере

В переводе с французского языка стиль «классицизм» звучит как «образцовый стиль». Зародился стиль в 17-м веке в Европе, точнее, во Франции. Считается, что появился он во времена правления Наполеона I Бонапарта. Как полководец, он любил все практичное и незамысловатое. Как император, Наполеон понимал, что интерьер его резиденции должен соответствовать королевской особе, быть роскошным и престижным. Вот благодаря сочетанию таких разных требований и появился стиль классицизм в интерьере.

Классицизм начал зарождаться еще во времена позднего Возрождения. Его появление было связано с именами итальянских архитекторов А. Палладио, С. Серлио, Виньолы и других. В их работах и сочинениях начал проявляться интерес к искусству Древней Греции и Древнего Рима, к строгой каноничности и логичности творчества. Классицизм же попытался систематизировать достижения Возрождения и Античности,а также возродить нормы античной эстетики. В искусстве классицизм опирался на философию Рационализма, основателем которой был Р. Декарт. Рационалисты провозглашали торжество человеческого разума, стремления к знаниям.

Возрождение совершило переворот, возобновив интерес к искусству античности. Классицизм же, не отказываясь от традиций античности, привнес в них свою строгость и рационализм. Тем не менее его нельзя назвать слишком скромным. Это стиль, в котором оформлялись королевские дворцы, стиль роскоши и богатства. Для оформления использовались скульптуры, колонны, лепнина. Оформить свой дом в таком стиле могли себе позволить лишь немногие.

При всей своей каноничности классицизм приобретал разный вид в разных странах. Если в Англии для него была характерна строгость и умеренность, то во Франции он был более пышным и роскошным. В России классицизм обрел популярность в 18 веке. Он отобразился на архитектуре и интерьере дворцов Петербурга, которые тогда служили эталоном вкуса.

Просуществовал классицизм до 19 века, после чего был вытеснен другими стилями.Однако сейчас этот стиль вновь стали использовать для оформления интерьеров, как стиль, демонстрирующий хороший вкус и высокий статус.

Этот стиль не столько роскошный, сколько рациональный . Самый ранний классицизм отличался аскетическим оформлением помещений. Можно было встретить гобелены на стенах, шкуры животных на полах и темную, практичную мебель.

Строгий классицизм характеризовался строгими геометрическими формами и линиями. В декоративной отделке напрочь отсутствовали признаки стиля барокко, популярного ранее. В помещениях были колонны, пилястры, лепнина.

Хотите оригинально оформить потолок в спальне? У нас вы найдете самый разнообразный

Если же вам необходимо создать неповторимый дизайн стен, советуем обратить внимание на оформление спальни фотообоями. Как лучше всего их выбрать — узнайте

Лоджия — это не только место для хранения ненужных вещей. Смотрите, насколько полезным и креативным может быть

Самым роскошным стилем считается ампир – третье направления стиля классицизм. Высокие потолки с огромной хрустальной люстрой, большие окна с многослойными шторами, кровати под балдахинами, колонны и статуи – все это выглядело торжественно и роскошно.

Даже мебель стала мягче: круглые подлокотники, удобные спинки. Стулья и танкетки «встали» на изогнутые ножки», такие же изогнутые линии появились на лепнине, в отделке мебели.

Однако помещение было функциональным и рациональным – все было на своих местах и ничего лишнего.

Характеристика стиля

Стиль классицизм в интерьере можно узнать по двум признакам: качество и стоимость. В оформлении комнат используются дорогие и качественные материалы: золото, натуральные богатые ткани, камень, натуральное дерево.

Полы были выложены паркетом из ценных пород дерева: дуб, карельская береза, розовое дерево, орех, вишня. Паркет был однотонным или имел простой узор.

Небольшая квартира — это не приговор. Даже здесь можно создать приятный и функциональный

Такое же дерево использовалось и при изготовлении мебели. Для придания блеска фасады сверху покрывали светлым лаком, в который добавляли позолоту.

Стены были ровными и гладкими. Часто одну из стен затягивали тканью из натурального шелка. Рисунок выбирали неброский, цвет ткани – светлый.


Такими же текстильными обоями обтягивали двери. Текстиля в интерьере было много. Это и роскошные шторы на высоких окнах, и многочисленные подушки, и ткань на стенах и дверях. И это не считая всевозможной мягкой мебели: банкеток и диванов, кресел и стульев, сиденье и спинки которых обтягивались бархатными и шелковыми тканью с золотой вышивкой.


Размеры мебели были невелики, тем не менее, она элегантна и роскошна: изогнутые линии, круглые подголовники и подлокотники.
В помещение присутствуют колонны и статуи, лепнина и рельефные композиции, барельефы и розетки, фестоны, лепные гирлянды по периметру комнаты.


Особенности стиля классицизм предполагают, что интерьер украшают разнообразные зеркала, хрустальные светильники, бра, высокие книжные шкафы, фарфоровая посуда и статуэтки, картины, камин, предметы антиквариата.

Цвета интерьера приглушенные, даже пастельные: охра, бежевый, светло-желтый, кремовый, светлые оттенки розового, зеленого и голубого цветов.

Характеристика стиля в современном интерьере

Современный интерьер трудно оформить в настоящем классическом стиле, но максимально точно воплотить в нем черты классицизма вполне по силам. Классицизм великолепно смотрится как в просторных комнатах, так и в среднестатистических квартирах . Главное, правильно расставить акценты и выбрать цвета.

Если вы хотите создать стиль классицизм в небольшой комнате, желательно, чтоб потолки были высокими. Тогда и смотреться стиль будет органично. На высоких потолках можно установить гипсовую лепнину, повесить хрустальную люстру с подвесками.

Учитывая характерные черты классицизма, для современных квартир выбирайте светлые, нежные оттенки: голубой, светло-зеленый, кремовый, золотой, светло-коричневый, охра, оливковый, песочный.

Для стиля классицизм характерны ровные, гладкие стены. Одну из стен или только ее часть можно затянуть тканью и поставить под нее, например, диван. Если стены должны быть однотонными, то напольное покрытие, мягкая обивка может иметь незатейливый растительный орнамент. К слову, мебель в стиле классицизм обивается тафтой, гобеленовыми тканями, бархатом.

В классическом интерьере приветствуется зонирование помещения. Так, с помощью текстильной отделки стен, разнопланового освещения можно в комнате выделить зону отдыха. Стоит поставить туда журнальный или кофейный столик, мягкие и уютные кресла и диваны, установить рассеянный свет.

Часть комнаты отведите под библиотеку. Высокий книжный шкаф, кресло в углу, бюро для работы, торшер на длинной ножке под золотистым или светло-зеленым текстильным абажуром подарит умиротворение и оградит от суетного мира.

Для интерьера в стиле классицизм выбирайте мебель из натурального дерева: вишни, дуба, ореха, розового дерева. Золотая поталь или инкрустация, нанесенная на выступающие части мебели, сделает ее более торжественной и дорогой.

Освещение должно быть различным. Это и многорожковые люстры с хрустальными подвесками, и подходящие по стилю настенные бра и настольные лампы, напольные торшеры. Лампочки выбирайте похожие на свечи. Если позволяет высота комнаты, люстра может свисать на цепочке. Если же нет – она крепится розеткой прямо к потолку.

Окна в комнате должны быть большими и высокими. Тогда шторы из богатых, но тяжелых тканей со сложной ступенчатой драпировкой будут смотреться уместно. Уравновесьте тяжелые портьеры легкими занавесками, подвязками с кистями. Для портьер используется парча, тафта, бархат, жаккард, шелк. Для легких занавесок – вуаль, кристаллон, органза, шифон.

Классицизм – это симметрия. Поэтому стоит оформить противоположные стены или двери и окна, расположенные друг напротив друга, одинаково или хотя бы в одном тоне, чтобы создать гармонию.

Камин, если он присутствует в комнате, будет к месту. Он может быть как искусственным, так и натуральным. Добавьте над ним полку, поставьте на нее резную шкатулку или массивные часы.

Классицизм – это сочетание дерева, камня и натуральных тканей. Полы выстелите паркетом с каким-либо орнаментом. Камин можно задекорировать камнем или керамической плиткой. Нижнюю часть стены отделать деревянными или текстильными панелями. Помните, что материалы хотя бы внешне должны выглядеть дорого – интерьер в стиле классицизм обязан быть роскошным.

Не перегружайте интерьер мелкими декоративными элементами. Вместо маленькой вазочки выберите большую напольную, вместо маленьких картин – картину внушительного размера, вместо изящных статуэток высокую подставку для цветов. Чтобы не нарушить классику, технические новинки спрячьте в шкафы или ниши.

Однако на кухне классицизм мирно уживется с современной техникой и даже добавит в интерьер изюминку.

Основные идеи классицизма:

  • Стремление к характерной для античности гармонии. Симметрия, четкая пропорциональность,правильность форм. Все должно быть продумано.
  • Рациональность. В классицизме все практично и нет излишней вычурности.
  • Статусность. Классицизм в интерьере выбирают люди, заботящиеся о своей репутации.
  • Приверженность традициям. Классика − значит нечто, всегда остающееся стильным.
  • Важность эстетики.В интерьере приветствуется наличие предметов искусства: картин, скульптур.

Несмотря на то, что классицизм эффектнее смотрится в больших помещениях, реализовать его можно где угодно. Классика актуальна всегда, поэтому главное − выполнение канонов этого стиля.

Итог

Создать стиль классицизм в интерьере не так сложно, как может показаться на первый взгляд. Теплые оттенки, удобная мебель, ровные линия, геометрия и симметрия – вот признаки этого стиля.

Кому подойдет этот стиль? Тем людям, которые ценят уют и комфорт, тем, кто уважительно относится к искусству и семейным традициям.

Мода на современные стили меняется из года в год. Стиль классицизм никогда не выйдет из моды, не станет старомодным, а будет популярным всегда.

Классицизм в интерьере возник в 17 веке. Как направление стиля он подходит консервативным и основательным людям. Данному стилю характерны солидность, наличие в помещении элементов и деталей античной архитектуры, и некая тяжеловесность в деталях. В современных интерьерах допускается комбинирование классицизма в интерьере и других стилей, близких ему по духу, в итоге такого сочетания получаются порой, очень даже неплохие варианты оформления интерьеров.

Психологи говорят о том, что этот стиль интерьера предпочитают люди, требовательные как к себе, так же и к окружающим. Они наверняка отличаются серьезным сдержанным нравом, немножко консерваторы, любят в то же время точность и порядок во всем и, что интересно, сами его соблюдают.

Что касается самого стиля классицизм в интерьере – то его характерные черты – это точность и симметричность. А потому в таких интерьерах в стиле классицизм отлично будут смотреться небольшие картины для интерьера одинакового размера, повешенные симметрично на стене, гравюры, фотографии, симметрично расположенные на стенах помещения.

Крайне осмотрительно должна подбираться цветовая гамма для данного интерьера классик – нужно избегать резких и смелых оттенков, а также слишком кричащих, вызывающих. Отлично впишутся в интерьер спокойные, нейтральные оттенки теплых тонов – песочные, оливковые, все оттенки классического коричневого. Дополнят интерьер в стиле классицизм однотонные или с неброским рисунком ковры и обои, такой колорит не будет нарушать целостности всего пространства помещения.

Мебель в интерьере, оформленном в классицизме, имеет строгие формы, в ней отсутствуют легкомысленные завитушки и другие подобные украшения. Как правило, это массивная, тяжеловесная мебель из дорогих пород дерева. Очень важно, чтобы в данном интерьере свет также был оформлен в классическую форму, то есть очень важна классичность ламп, люстр, бра и других осветительных приборов. Оформляя окна нужно отдать предпочтение роскошным тяжелым шторам с драпировками, нежели жалюзи или римским шторам, так как последние в интерьер не впишутся, будут нарушать его целостность. Идеально подойдет очень распространенный и популярный способ декорирования окон – сверху легких дневных занавесок — плотные ночные из тяжелых дорогих материалов, например из бархата.

Детали интерьера в стиле классицизм

Стены

Что касается интерьера стен, то для их оформления очень часто используются тканевые дорогие обои или обои, имитирующие ткань. А в случае их окрашивания используются мягкие цвета и спокойные классические оттенки. Обязательно в оформлении стен используется лепнина, пилястры, а в интерьере можно увидеть колонны и полуколонны с прямыми линиями и нишами. А для украшения стены, в качестве декора можно использовать фрески античной тематики, разнообразные пейзажи и портреты, выполненные в духе 18 столетия.

Потолок

Потолок в классицизме, как правило, белого цвета или оформленный в пастельных, кремовых тонах. Дополняется потолок подобного интерьера красивой лепниной. Оформляя лепниной потолок, самая главная задача – выдержать ясность и ту античную строгость, на которую изначально классицизм равнялся.

Пол в интерьере, выполненном в классицизме

В большинстве случае – пол паркетный. Для классицизма больше всего подходит паркет художественный с обилием разнообразных пород деревьев. Интерьер спальной комнаты и гостиной можно дополнить красивым натуральным ковром.

Классицизм и мебель

В интерьере классицизма мебель добротная, выполненная из массива благородных пород деревьев, респектабельная и одновременно изящная, без вычурности, но с благородством.

Как декоративное оформление в интерьере используется фактура уникальная дерева и неповторимый натуральный цвет древесины дорогих пород дерева. Зачастую предметы мебели в подобном интерьере отделываются резными вставками ручной работы из других, ценных пород. Стулья для гостиной и кресла обиваются текстилем с цветочным рисунком и растительным орнаментом. Углы стыка ножек и сидения – кубические, тогда как ножки у стульев прямые, сужающиеся книзу с каннелюрами, традиционная. Популярная расцветка мебели в классицизме – красное дерево и легкая бронза.

Предметы декора в классицизме

Предметы декора преимущественно очень дорогие и одновременно сдержанные, без вычурности и апломба. Фрески и скульптурный декор, симметрично расположенные картины, вазы и зеркала в дорогих рамах и багетах, а обязательный элемент – лепные роскошные карнизы, тяжелые занавеси с ламбрекенами, сложные портьеры, и наличие чехлов на мебели.

Освещение в классицизме

Освещение в классицизме представлено люстрами и светильниками с хрустальными подвесками, из дорогих материалов. Они очень массивны.

В качестве декора выступают книги и фарфор, картины и антикварные предметы.

Профессионалы советуют:

  1. Классицизм в интерьере используется как для оформления частных домов, так и для оформления квартир и общественных помещений. Большие компании и фирмы очень часто при помощи классицизма подчеркивают крепкие устои и традиции компании, стабильность своего бизнеса, ведь классицизм – стиль, прошедший многовековое испытание временем. Сочетание простоты и одновременно своеобразной монументальности, выраженных в понятных элементах, которые не дают ни секунды сомневаться в величии этого стиля. Мебель это стиля приобретается семьями надолго, как дорогостоящее, ценное произведение искусства и передается по наследству.
  2. Классицизму лучше всего пойдет лучевая композиция интерьера или центрическая. Лучевая – это когда все объекты интерьера перетекают из одного в другой. К примеру, прихожая и просторный холл могут разделяться колоннадами, ведь перегородки в классицизме не используются, а если используются то крайне редко. Зато колонны оформляются очень солидно и дорого – гранитом или мрамором.
  3. Ванная в классицизме – это оттенки теплых тонов – бежевый, кремовый, слоновой кости. Рисунок на полу и стенах – под мрамор, если средства позволяют, лучше естественно, настоящий мрамор. Краны, смесители и другие принадлежности нужно выбирать в старом стиле позолоченные или бронзовые с патиной, эффектом состаренности. И если площадь ванной позволяет можно использовать колониальные детали, как отзеркаливание, отблеск античности, но нужно помнить, что они не должны весь общий фон перекрывать, превращая ванную в римскую или греческую ванну.

Три правила классицизма:

Современными дизайнерами выкристаллизована основа, базовые черты классицизма в интерьере:

  1. Очень тщательная, соблюдаемая симметричность расположения акцентов, деталей, декоративных элементов;
  2. Все декоративные аксессуары для интерьера классицизм – обладают точностью и функциональной практичностью;
  3. Классицизм отличается роскошью отделки и богатством.

Цветовая палитра классицизма

Цветовая гамма классицизма достаточно широкая — от снежно-белого, он, кстати, может быть основным цветом для оформления стен, к примеру, водоэмульсионная краска белого цвета или однотонные обои, и цветовой спектр до насыщенного глубокого коричневого, который используется в основном как цветовой аспект натурального паркета и плинтусов. Но, слишком яркие цвета – фиолетовый, красный, бордовый, в таком интерьере не приветствуются. А основными аккордами становятся колоритная позолота в интерьере, светлые оттенки и лепнина.

Классицизм и его особый статус

Нужно заметить, что оформлять помещения в этом стиле нужно только просторные, с высокими потолками, наполненные воздухом и естественным светом, правильной геометрической формы, с роскошными окнами.

Стиль классицизм и неоклассицм — два разных временных и эпохальных периода европейской культуры. С учетом более позднего периода, неоклассицизм использует в отделки и мебели более дешевые предметы, это определяется переходом от «музейной» мебели ручной работы эпохи Людовика XVI, к привычной «конвейерной» мебели.

Однако их всё же можно соединить воедино под общей идеей возращения к античным мотивам. Именно из античности архитекторы и декораторы черпали идеи при создании своих шедевров стиля классицизма. Для интерьера в стиле классицизма свойственны сдержанный декор и дорогие качественные материалы (натуральное дерево, камень, шелк и др.). В классическом интерьере воплощаются регулярность, строгая симметрия, ясность композиции, четкая соподчиненность частей, спокойный ритм чередования окон, пилястр, колонн.

Цветовое решение интерьера в стиле классицизм — это спокойные и благородные тона, сочетание светлых пастельных — кремовых, бледно-желтых, чуть зеленоватых — стен с теплыми коричневыми тонами благородного дерева паркета и мебели.

Зачастую выбираются тканевые обои, либо другие имитации ткани. В случае покраски стен, используйте мягкие тона. Также в стиле классицизм используется лепнина, античные колонны и полуколонны с прямыми линиями. Для украшения стены подойдет фреска античной тематики, либо пейзажа или портрета в духе 18 века.

В классическом интерьере чаще белый или нежно кремовый/пастельный. Дополняется образ классицизма лепниной. Старайтесь выдержать ясность и античную строгость.

Преимущественно паркетный. Для интерьера в стиле классицизм больше подходит художественный паркет с обилием использованных пород деревьев. В спальне и гостиной можно дополнить ковром.

В интерьере классицизма из массива благородных пород дерева добротная и респектабельная, изящная, но не вычурная. В качестве декоративного оформления классического интерьера используется сама фактура и натуральный цвет древесины ценных пород. Предметы мебели в стиле классицизма зачастую отделывались резными вставками из ценных пород дерева. Стулья и кресла обиваются тканями с цветочным орнаментом. Угол стыка ножки и сидения кубический. Ножки прямые, сужаются книзу с каннелюрами. Углы спинки подчеркнуты. Популярная расцветка стиля классицизм: красное дерево плюс легкая бронзовая отделка.

Довольно сдержаны, но в то же время дорогие. Скульптурный декор, фрески, симметрично расположенные зеркала в дорогих багетах. Обязательными элементами являются карнизы, шторы с ламбрекеном, сложной формы портьеры, а также чехлы для мебели.

Люстры и светильники с хрустальными подвесками и достаточно массивны в исполнении. В классическом интерьере присутствует фарфор, книги, картины, антикварные вещи.

Советы профессионалов:

  1. Классический стиль дизайна интерьера актуален как в оформлении частных домов и квартир, так и в общественных помещениях. Крупные компании часто с помощью классического дизайна интерьера подчеркивают крепкие традиции и устойчивость своего бизнеса, ведь классицизм — стиль, который прошел многовековую проверку временем. Сочетание монументальности с простотой, но выраженной не в безыдейности, а в понятных и ясных элементах, не дающих сомневаться в величии стиля. Классический стиль интерьера рассчитан на спокойных и солидных людей, не меняющих интерьер в угоду моде. Мебель стиля классицизм покупается надолго и, как произведение искусства, передается по наследству.
  2. Для классического интерьера лучше всего подойдет центрическая или лучевая композиция, то есть все объекты перетекают из одного в другой. Например, прихожая и холл могут быть разделены колоннадой. Перегородки в классическом стиле интерьера используются редко. Колонны можно отделать мрамором или гранитом.
  3. Желающие в строгом соответствии воспроизвести стиль классицизм у себя дома, должны позаботиться о тех вещах, которые ярче всего будут бросаться в глаза на фоне общего стиля. Конечно, речь идет о современной технике, которую придется «прятать». Телевизор, к примеру, можно поместить в закрытую нишу или за закрывающиеся створки в шкафу. Для остальной техники и предметов подойдут выдвижные блоки и массу других приемов, в том числе их декорирования под старину.
  4. Если вы решили сделать ванную комната в классическом интерьере, то оформляйте её в теплых оттенках (бежевый, слоновой кости). Рисунок на стене и полу должен имитировать мрамором. Краны и смеситель выбирайте золоченые или с бронзовым напылением, лучше выбрать состаренные. Если позволяет площадь, используйте колониальные элементы, как отблеск античности, однако они не должны перекрывать общий фон, превращая всё в греческие и римские ванны.
  5. Особо подчеркнет интерьер классицизма гризайль — роспись в серо-белых тонах, имитирующая скульптурное изображение. Используйте её на стенах, фресках или мебели. Гризайль как ничто другое раскроет тонкий мотив античности.
  6. Говоря о неоклассицизме, то здесь уже не будет таких запретов в части мебели и отделки, следовательно, он чаще воссоздается в городских и загородных интерьерах. Идеально подходит для кабинетов. Строгие, симметричные линии, отсутствие отвлекающих элементов, как ничто другое настраивает на рабочий лад.

История стиля классицизм:

КЛАССИЦИЗМ (фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве XVII — XIX вв. В середине 18 века царствующий стиль рококо подвергался критике за манерность, чувственность и усложненность композиции. Воздействие рационализма идей раньше всего сказалось в архитектуре. Внимание архитекторов классицизма привлекали строгость и спокойствие античной, главным образом ордерной греческой архитектуры.

Перенасыщение в то время «взбитыми сливками» позднего барокко и рококо стало накапливаться в Европе. Барокко истончилось в рококо, преимущественно камерный стиль с акцентом на отделке интерьеров и декоративно-прикладном искусстве. Для решения крупных градостроительных задач эта эстетика была малоприменима.

Возрастающему интересу к древности способствовали открытие в 1755 г. Помпеи с богатейшими художественными памятниками, раскопки в Геркулануме, изучение античной архитектуры на юге Италии, на основе которых формировались новые взгляды па греческую архитектуру. Новый стиль — классицизм стал естественным результатом развития архитектуры Возрождения и ее трансформации в разных культурно-исторических условиях.


Интерес к искусству античной Греции и Рима проявился еще в эпоху Возрождения, в эпоху классицизма мы наблюдаем как бы вторую волну. В начале XVII века для знакомства с наследием античности и Возрождения в Рим стекаются молодые иностранцы. Ярким примером тому стали знаменитые художники Н. Пуссен и К. Лоррен, ярко описывающие античный мир.

В архитектуре классицизма также наблюдалось обращение к формам античного зодчества. В нем архитекторы видели эталон гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. В стиле отчетливо прослеживаются четкость планировки и объемной формы.

Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции и сдержанность декоративного убранства.

В период за наполеоновскими войнами, классицизму приходилось уживаться с романтически окрашенной эклектикой, в частности с возвращением интереса к средневековью и модой на архитектурную неоготику. В связи с открытиями Шампольона набирают популярность египетские мотивы. Интерес к древнеримской архитектуре сменяется пиететом перед всем древнегреческим («неогрек»), особенно ярко проявившимся в Германии и в США.

Неоклассицизм — термин, применяемый в российском искусствоведении для обозначения художественных явлений последней трети XIX и XX веков, которым присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма (в музыке — также и эпохи барокко).

Классицизм представляет собой воплощение в интерьере роскоши, монументальности и утонченной сдержанности. Этот стиль отличается лаконичными формами, симметрией предметов и дорогостоящей отделкой. Его можно назвать королевским выбором, ведь именно в таком стиле оформлялись многие дворцы. Чтобы создать в современной квартире классический интерьер, необходимо знать его основные характеристики и особенности.

Основные черты классицизма

Этот стиль возник еще в 17 веке и считался образцовым. Он предполагал удивительное сочетание роскоши и практичности. Классицизм не отказывался от традиций античности, поэтому удачно использовал ее характерные элементы: колонны, скульптуры и т.д. Вместе с тем, он привносил в интерьер рационализм и строгость.

Сегодня основными чертами классицизма в интерьере являются:


Внимание! Классицизм в интерьере предполагает соблюдение трех ключевых правил: функциональная практичность, симметричность деталей и роскошь отделки.

Классицизм в интерьере гостиной

Чтобы оформить гостиную в стиле классицизм, нужно внимательно подойти к подбору каждого элемента интерьера. Так, для отделки стен лучше всего подобрать теплые цвета: желтый, розовый, персиковый или коричневый. К тому же на стенах будет гармонично выглядеть роспись или качественные тканевые обои. Если в гостиной планируется установить несколько предметов мебели, тогда стены лучше сделать однотонными либо с малозаметным узором. При расположении в просторной комнате минимума мебели рекомендуется выбрать крупный рисунок в приглушенных тонах.

Классицизм требует использования в гостиной антикварных шкафов, диванов, тумб и кресел. Они создадут в помещении атмосферу роскоши, основательности и старины. На полу лучше всего будет смотреться паркет с классическим узором. Сделать интерьер более уютным можно с помощью семейных фото в деревянных рамках.

Гостиная

Потолок гостиной лучше оформить в белом цвете и декорировать лепниной или молдингом. В центре потолка стоит повесить крупную люстру, которая будет главным источником света. Также для освещения уместно использовать приборы с плафонами в виде свечей. Обычно они располагаются на стенах и выступают в роли основного либо дополнительного источника света.

Внимание! Важным элементом классического интерьера является камин. Его установка планируется в первую очередь, и лишь потом подбираются все прочие элементы.

Особенности интерьера спальни в стиле классицизм

Оформление спальни выполняется, исходя из основного предназначения комнаты и требований классицизма. Поэтому центральное место в помещении занимает кровать. Она должна быть достаточно большой, с резными ножками и эффектным изголовьем. Также будут уместными декоративные подушки и балдахин.

По бокам от кровати нужно поставить тумбочки, пуфы и компактный туалетный столик. Все они должны выполняться в одном стиле (например, из древесины, с резьбой и позолотой). В качестве обивки мебели можно использовать кожу, а также ткань с бисером и вышивкой.

Классицизм запрашивает использование в спальне массивных портьер, отлично защищающих от солнечных лучей. При этом тюль должна безупречно сочетаться с фактурой и цветом кровати.

В качестве освещения стоит выбрать изящные бра и равномерно расположить их по всему периметру комнаты. При этом бра могут быть в стиле французского классицизма – сочетать хрусталь или стекло с металлическим основанием и отделкой «под золото». Для удобства обитателей нужно позаботиться и о настольной лампе.

Внимание! Для этой комнаты можно подобрать более яркие цвета, чем для других помещений. К примеру, спальня в оливковом, голубом, нежно-зеленом или бежевом тонах будет выглядеть потрясающе.

Классицизм в интерьере кухни

Классицизм постепенно приобретает популярность даже в оформлении кухонь. Это объясняется не только его эстетичностью, но и функциональностью. Так, кухня в данном стиле отличается множеством шкафчиков, полок и различных полезных деталей. Также она предусматривает комфортную рабочую поверхность и достаточное количество места для обеденной зоны.

Классицизм требует подбора мебели из натуральных материалов (например, из ценных пород дерева). В нее нужно встроить всю бытовую технику, что позволит добиться классического образа кухни. Для покрытия пола в классицизме обычно используется паркетная доска или плитка.

Цветовая гамма кухни, как и в остальных комнатах, должна отличаться мягкостью и спокойствием. Такое цветовое решение создаст в комнате атмосферу домашнего уюта. В довершение классического интерьера нужно повесить в центре кухни люстру из стекла или хрусталя.

В качества декора лучше всего использовать красивую посуду, которая расставляется на открытых полках. Чтобы придать комнате индивидуальность, можно ее декорировать фотографиями и картинами с классическим сюжетом.

Особенности оформления рабочего кабинета

Наличие в квартире кабинета уже указывает на ее традиционализм и упорядоченность. Но чтобы внести элементы классицизма в интерьер данной комнаты, нужно правильно подойти к ее отделке и подбору мебели. В целом, это помещение должно отличаться особой строгостью и лаконичностью.

Классицизм запрашивает оформления стен в бежевых и коричневых тонах, но второстепенные детали могут выполняться в бордовом, зеленом или синем тонах. Для освещения комнаты нужно развесить на стенах бра, а на стол поставить лампу с абажуром.

Важным элементом кабинета является стол. В этом случае он должен быть деревянным, с большой столешницей и двумя тумбами. Также для хозяина дома следует подобрать большое и комфортное кресло. Оптимальный вариант, если оно имеет деревянную основу и кожаную отделку. В качестве дополнительных предметов мебели в кабинете можно поставить диван и шкаф закрытого типа. Классицизм разрешает использовать и мебель с открытыми полками, на которых рекомендуется расставить книги.

В целом, классицизм в интерьере – это признак респектабельности и хорошего вкуса владельцев. Данный стиль актуален во все времена, поэтому он в любом случае является удачным выбором. Оформив квартиру в стиле классицизм, ее обитатели смогут насладиться сдержанной роскошью, отточенностью форм и основательностью обстановки.

Интерьер в стиле классицизм: видео

Классицизм в интерьере: фото

Архитектура русского классицизма — Пластиковые окна от производителя — ЖЖ

В нашей прошлой статье мы подробно поговорили об архитектурных стилях барокко и рококо, принявших в России немного иное обличье, нежели в Западной Европе. Традиции этих стилей наследовал классицизм. Точно так же русский классицизм обладает особыми чертами, отличными от западноевропейского. Какими? Узнаем сегодня.


Однако прежде нам стоит очертить основные особенности классицизма в мировой архитектуре. Стиль начал формироваться в конце XVIII века. Существовало множество предпосылок для его возникновения: в философии господствовала эпоха рационализма, личность человека утверждалась как высшая ценность бытия, государственный и общественный строй переосмыслялся. В литературе, музыке, живописи, скульптуре и архитектуре главенствовали строгие каноны для каждого жанра, а эпоха классицизма во многом опиралась на античное наследие, продолжая тем самым традиции эпохи Ренессанса.

Каноны античного зодчества послужили базой для создания европейских зданий в стиле классицизма. Формы были четкими и простыми, постройки монументальными, декор лаконичным, композиции симметричными — общество пресытилось вычурной пышностью барочных зданий. Конечно, роскошь была не чужда и особнякам и дворцам в духе классицизма, однако роскошь эта сдержанная. Здания оформлялись в бежевых, кремовых, молочных и приглушенно-желтых тонах. Стиль продолжался и во внутренней отделке построек: их украшали арки и колонны, изысканные витражи, ажурные лестницы, лепнина, мебель простых геометрических форм. Украшением служили фактуры материалов, например, мрамора или драгоценного дерева.

Первые эксперименты в этом стиле проводил итальянский архитектор Палладио, знакомый нам по эпохе Возрождения.

Множество памятников архитектуры классицизма было создано шотландцем Робертом Адамом. Так римские традиции оказались в Англии. Наиболее полно этот стиль нашел отражение во французских дворцах и особняках.  Начало архитектуры классицизма во Франции связывают с именем Жака Жермена Суффло.

Классицизм в Россию пришел с некоторым опозданием. И если в Западной Европе стиль уже освободился от элементов предыдущих эпох, в России первые классицистические здания все еще сохраняли черты барокко и рококо.

Архитектура классицизма завоевала господствующее положение в России в середине 18 века. Связано это с особенностями градостроительства, точно как в европейских городах: в стиле барокко можно построить особняк, дворец, но его сложно распространить для торговых рядов, присутственных мест, банков или больниц. Огромный объем пышного декора делал строительство дорогим, а индивидуальность барочных форм было сложно перенести на типовые здания галерей, казарм, бирж, тюрем и гостиных дворов. В то время как художественный язык классицизма был универсальным, а строительство здания в этом стиле дешевле, благодаря его строгим законам форм.

Кроме того, новым был и принцип творчества. Прежде архитекторы барокко добавляли элементы декора не в план, а сразу лепили или вырезали на месте стройки — так действовал, к примеру, Растрелли и его команда. Архитекторы классицизма стали пользоваться проектными чертежами, кроме того, автором здания выступал один человек, разрабатывающий форму и стиль.

Проекты архитекторов гравировали и рассылали во все города России. Благодаря этим чертежам, а также строгой иерархии форм в классицизме, стала возможной быстрая застройка не только столичных городов, но и провинции. Согласно классицистическим ордерным принципам была спроектирована застройка Твери, Костромы и Ярославля.

Русский классицизм имел несколько специфических черт:

— чаще всего здания строились в виде параллелепипеда;

— они включали в себя три этажа;

— У жилого объекта должен был быть центральный корпус, соединенный с флигелями двумя галереями.

— Центральный корпус должен быть отмечен портиком.

При возведении домов использовался красный кирпич и белый камень. Окна эпохи классицизма, с одной стороны, наследуют палладианские традиции (вспомним окно с аркой), с другой стороны, тяготеют к еще большей геометричности форм. Усовершенствование технологий позволило создать двустворчатые окна, объединенные общим карнизом. Чаще всего окна делали продолговатой формы и размещали их в нишах.

В стиле раннего русского классицизма еще сохраняются элементы барокко. Среди петербуржских примеров — работы архитектора Жана-Батиста Валлен-Деламота (здание Академии художеств, Малый Эрмитаж, Гостиный двор) и Антониса Ринальди (Мраморный дворец). В Москве за классицистическую застройку города отвечал Матвей Казаков. В частности, красивейший дворец в Царицыно был построен под его руководством.

К строгому классицизму относится монументальный ансамбль Таврического дворца, созданный Иваном Старовым. Нельзя не упомянуть и архитектора Джакомо Кваренги. За тридцать лет по его проектам были возведены классические строения: здание Академии наук, Иностранная коллегия, Мариинская больница, Смольный институт, Конногвардейский манеж и другие. Пожалуй, самое известное классицистическое здание в Москве, Дом Пашкова, построил архитектор Василий Баженов.

В период высокого классицизма, или ампира, творили такие мастера, как Андрей Захаров (перестроил здание Главного Адмиралтейства) и Андрей Воронихин (ему принадлежит авторство монументального Казанского собора). Москву после пожара 1812 года заново застраивали Доменико Жилярди, Осип Бове и Афанасий Григорьев. Так, под руководством Бове реконструировали Красную Площадь, построили Манеж, разбили Александровский сад,  а также создана Театральная площадь и знаменитое здание Большого театра.

Современные нам города во многом обязаны своим обликом мастерам классицизма. И в двух столицах, и во многих русских городах до сих пор сохранились принципы застройки, заложенные в той эпохе, равно и как и множество памятников архитектуры. Мы надеемся, что наши материалы, посвященные русской архитектуре, вдохновят вас на множество увлекательных прогулок. В следующий раз мы подробно расскажем об архитектурных стилях XVII и XVIII веков в Западной Европе.

Музыкальная композиция | Британника

Музыкальная композиция , акт создания музыкального произведения, искусство создания музыки или готовый продукт. Эти значения взаимозависимы и предполагают традицию, в которой музыкальные произведения существуют как повторяющиеся объекты. В этом смысле композиция обязательно отличается от импровизации.

Социальные перспективы

Независимо от того, относится ли оно к процессу или к завершенной работе, композиция подразумевает создание уникального музыкального события, которое может быть основано или не основано на оригинальных музыкальных материалах.На определенных культурных уровнях и во многих незападных обществах уникальные рабочие характеристики имеют тенденцию приобретать большее значение, чем сама композиция. В устных традициях родственные варианты общего происхождения часто заменяют неизменные музыкальные сущности, так что семейные мелодии, а не отдельные автономные мелодии формируют коллективный репертуар. Там, где определенные паттерны музыкальной структуры получили широкое признание (как раги, или типы мелодий в Индии), музыканты, как правило, переделывают такие паттерны экспромтом, хотя и в соответствии с преобладающими условностями.

Британская викторина

Певцы, музыканты, композиторы и др. Викторина

Насколько широки ваши музыкальные познания? Можете ли вы перейти от Бранденбергских концертов к Питеру Гэбриэлю через Зигги Элмана? Попробуйте с помощью этой викторины.

Европейская музыка хорошо передавалась устно еще в средние века и получала важные стимулы из множества устных традиций даже после того, как нотная запись достигла высокой степени точности.Действительно, нижние слои населения, особенно в сельской местности, никогда не отказывались от относительной свободы, которая исходит от опоры только на слух, а сложная музыка верхних слоев на протяжении своей быстрой эволюции редко полностью разрывала свою связь с народной музыкой. В конечном счете, процесс сочинения, с точки зрения американского музыковеда Алана П. Мерриама, «похоже, не имеет радикальных различий между грамотными и неграмотными людьми, кроме как в вопросе письма». Как сознательный акт социальной коммуникации он всегда «включает обучение, подлежит общественному признанию и неприятию и, следовательно, является частью широкого процесса обучения, который, в свою очередь, способствует процессам стабильности и изменений.Таким образом, явно или нет, композиция подчиняется правилам, которые представляют стилистический консенсус определенного сегмента общества на данном этапе культурного развития. В средние века, когда природные инстинкты человека особо не ценились, музыкальные композиции часто оценивались в первую очередь с точки зрения их приверженности правилам. Следовательно, высшим авторитетом в музыкальных вопросах был теоретик musicus ; только он считался достаточно сведущим в музыкальной науке, чтобы гарантировать ее дальнейшее существование как звучное воплощение универсальных истин.И именно потому, что метафизические свойства чисел якобы были встроены в правила композиции, музыка, наравне с арифметикой, геометрией и астрономией, заняла и сохранила почетное место в качестве составного члена квадривиума, более возвышенного из всех остальных. два отделения семи гуманитарных наук. Характерно, что музыка не классифицируется по грамматике, риторике и логике — «риторическим искусствам», собранным в тривиуме. Около 1300 года Иоганнес де Грочео, проницательный наблюдатель парижской музыкальной сцены, оценил музыкальную композицию как простое ремесло с изготовлением обуви и дублением.

Музыкальные элементы

На самом фундаментальном уровне акт композиции включает в себя упорядочение высоких звуков во времени и пространстве музыки. Отношения высоты тона называются интервалами; их конкретное проявление в музыкальном времени определяется ритмом, концепцией, охватывающей все длительные аспекты музыки. Ритм, в свою очередь, может регулироваться или не регулироваться измерителем. В метрически организованном ритме повторяющиеся паттерны акцентированных и неакцентированных «ударов» создают длительную субструктуру, которая обязательно влияет на все другие элементы композиции, включая природу мелодии, гармонии и текстуры.Метрический ритм почти всегда присутствует в танцевальной музыке, потому что его паттерн во многом аналогичен телесным движениям и ступенчатым фигурам. Но логогенная, или определяемая словами, музыка также часто использует метрические узоры, как правило, соответствующие образцам поэтического текста. Первым большим корпусом логогенных композиций, передаваемых через века, является средневековый равнинный чтец, состоящий из монофонических настроек (ограниченных одной мелодической строкой) литургических текстов за весь год, основанных на системе восьми церковных ладов, диатонических гаммах, взятых из мелодические мотивы средневековых певцов.Модальность — независимо от того, относится ли она к мелодической или ритмической структуре — обеспечивает композиционные рамки в широком разнообразии по существу монофонических музыкальных стилей, особенно в Азии. Невозможно исключить азиатское влияние на раннюю европейскую музыку, будь то древняя Иудея, Греция, Византия или средневековые арабские вторжения. Но в отличие от своих азиатских коллег, европейцы сначала ограничили модальность мелодией через аранжировки высоты тона. Ритмические свойства простого языка в значительной степени оставались предметом предположений, так как систематического обсуждения ритма на обычном языке не сохранилось, а используемые обозначения не были обязательными по отношению к ритму.Точно так же plainchant, без сомнения, во многом обязан своей удивительной живучести отсутствию всеобъемлющей нотации, которая сделала возможной гибкость исполнения и региональные различия, присущие частично письменной, частично устной традиции.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Музыка, подобная средневековой простой шантажировке, в которой длина отдельных тонов имеет тенденцию быть довольно однородной, часто упоминается как неритмичная или бесритмичная.Такая небрежная терминология отрицает саму сущность музыки как временного искусства, что по определению подразумевает вездесущность ритма как «порядок в музыкальном времени». Собственно, относительное присутствие или отсутствие ритмической дифференциации продолжительности тонов может выступать решающим стилистическим детерминантом. Таким образом, ритмическое невозмутимость монофонического равнодушного хора, по крайней мере, в интерпретации, изложенной бенедиктинскими монахами 19-го века из Солесмеса, Франция, и признанных авторитетными римско-католической церковью, эффективно символизирует атмосферу веры и внутреннего мира.Напротив, строго метрическая организация ритма в большей части музыки 18-го века отражает мышление эпохи разума, отдавая предпочтение математически определяемым, а следовательно, «естественным» структурам в ее музыке.

Мотив — мельчайшая мелодико-ритмическая единица (минимум два отдельно воспринимаемых звука). Однако тонкие звуки не имеют значения: барабанные мотивы так эффективны ритмически именно потому, что им не хватает определения высоты звука. По большому счету, ритмические мотивы используются для придания отношениям высоты тона идентифицируемыми длительными характеристиками.И, следовательно, ритмическая идентичность часто служит для установления двигательных связей между разными интервалами. Известным примером является вступительный мотив коротко-коротко-коротко-длинного мотива Симфонии № 5 Бетховена до минор , Opus 67, который служит эффективным элементом структурной сплоченности в этом крупномасштабном произведении.

Типы мелодий во многих случаях обязаны своими эстетическими ассоциациями своим мотивационным особенностям. В западной музыке мотивационный контраст отождествлялся с эмоциональным конфликтом, по крайней мере, с середины 16 века, когда композиторы мадригалов (итальянских полифонических светских песен) начали создавать драматические тексты.Открытие Симфонии № 35 Моцарта ре мажор , K 385 ( Симфония Хаффнера ) является прекрасным примером. Аналогично по своей мотивационной структуре части первого акта оперы Моцарта Дон Жуан , начало симфонии порождает эмоциональные контрасты, подобные тем, которые присущи драматическому действию оперы, когда Донна Анна под двойным воздействием попытки изнасилования и ее насильственная смерть отца от рук Дона, импульсивно отвергает сочувствие дона Оттавио, пока, понимая, что ей не на кого полагаться за помощью, она меняет свое положение и побуждает его поклясться отомстить.Напротив, мелодический лиризм коррелирует с высокой степенью родства мотивов.

Питер Кроссли-Холланд

Классическая эра — Музыка — Оксфордская библиография

Введение

Пожалуй, самый короткий и все же самый плодотворный период в истории музыки — это классическая эра. Традиционно его примерно определяют как последнюю половину 18-го века, например, от смерти Иоганна Себастьяна Баха в 1750 году до некоторой даты в начале 19-го века; Претенденты на это включают начало века (1800 г.), 1810 г., сразу после Венского договора, положившего конец Наполеоновским войнам (1815 г.), 1820 г. или смерть Бетховена в 1827 г.В книге Blume Classical and Romantic Music даже постулируется, что так называемые классический и романтический периоды представляют собой единый континуум, отмечая, что музыкальный стиль неуклонно развивался на протяжении полутора веков. Вопросы хронологии привели к «длинному» и «короткому» 18 веку, в котором период определяется в соответствии с рядом различных стилистических тенденций. Действительно, ведутся споры о том, отражают ли эти стили, такие как так называемый galant, Empfindsamkeit (или empfindsamer Stil ) или «доклассический» последние разработки периода барокко, просто переходными ступенями. к более традиционному «классическому» стилю или указывают на окончательные музыкальные стилистические изменения.Более того, такие термины, как рококо или просвещение, являются архитектурными или философскими терминами, обычно адаптированными к музыке того периода, но без конкретного музыкального определения. Новая эмоциональность в музыке определяется как Sturm und Drang , термин, взятый из литературного движения, и основные произведения последней половины века часто утверждают, что они соответствуют «венскому» классицизму, несмотря на то, что Вена была но один из полудюжины городов, которые в течение столетия служили основополагающими музыкальными центрами.Наконец, определение всей классической эпохи в традиционных отношениях с тремя композиторами: Вольфгангом Амадеем Моцартом (род. 1756–1791), Йозефом Гайдном (род. 1732–1809) и Людвигом ван Бетховеном (род. 1770–1770). 1827), не является ни исторически, ни стилистически точным (за исключением, возможно, случая Гайдна), поскольку он игнорирует глобальный охват музыки, не говоря уже о местах и ​​композиторах, чьи музыкальные новшества подготовили почву для следующего романтического периода. Он также устанавливает иерархическую структуру, которая вызывает субъективное сравнение этих так называемых значков и других, часто обозначаемых Kleinmeister .В то время как эти дебаты о точных параметрах периода продолжаются, классическая эра определяется увеличением и более ярким использованием оркестровки, развитием стандартных формальных структур, обнаруженных в принципе сонаты, например, использованием контрастных и часто лирических тем, которые развиваются. музыкально в рамках каждого произведения или движения, вставка драматических элементов в музыку (быстро контрастирующие динамики или динамическое затенение, артикуляции, различные тонкие текстуры и т. д.), использование продвинутой гармонии и модуляции, развитие как голосов, так и инструментов с точки зрения технических возможностей и выразительность и быстрое распространение музыкальной культуры по всему миру.В результате объем и разнообразие музыки в этот период были проблематичными для обзоров, поскольку большая часть исследований была направлена ​​на традиционных деятелей, городов или отдельных географических мест и / или композиторов. Этот раздел предназначен для демонстрации некоторых существующих общих, географических и стилистических обзоров с более подробными библиографиями, которые можно найти отдельно в других Oxford Bibliographies Online .

Общие обзоры

Основная цель этого раздела — предоставить общие истории классической эпохи, обычно те, которые предназначены для использования в качестве учебников.Даунс 1992 и Паули 1988 были ранними попытками, основанными на традициях великих мастеров (Гайдн, Моцарт, Бетховен), что также нашло отражение в Тарускине 2005. Blume 1979 — важное раннее исследование развития музыкального стиля. «Пестелли 1984» и «Раштон 1986» основаны на жанрах, хотя последний также содержит обсуждение конкретных композиторов. «Рис 2012» — это краткий обзорный том, основанный на географических центрах, в которых развивался стиль того периода.

  • Блюм, Фридрих. Классическая и романтическая музыка: всесторонний обзор .London: Faber, 1979.

    Эта небольшая книга по-прежнему важна для обсуждения преемственности стилистического развития между классическим и романтическим периодами. Хотя он написан больше с философско-эстетической точки зрения, он является полезным пособием для понимания многих причин, лежащих в основе истории того периода.

  • Даунс, Филип Г. Классическая музыка: Эра Гайдна, Моцарта и Бетховена . Нью-Йорк: Нортон, 1992.

    Это часть общей серии «Введение в историю музыки» Нортона, в основном предназначенной для общего обзора того периода.Хотя в основном он сосредоточен на биографии и вкладе трех признанных главных фигур, он включает в себя множество вспомогательных материалов в форме обсуждения социальных контекстов, развития музыкальных жанров и музыкальных центров.

  • Поли, Рейнхард Г. Музыка в классический период . 3-е изд. Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall, 1988.

    После своей первоначальной публикации в 1965 году как часть серии «Prentice-Hall History of Music», она попыталась заполнить пробел в серии «Norton Music History».Есть хорошее введение в общие и специфические концепции классицизма в музыке, а следующие главы посвящены жанрам, включая симфонию, художественную песню, духовную музыку, оперу, камерную музыку и сонату.

  • Пестелли, Джорджио. Эпоха Моцарта и Бетховена . Кембридж, Великобритания: Издательство Кембриджского университета, 1984.

    DOI: 10.1017 / CBO9780511597275

    Это обновленный обзор музыки классической эпохи, разделенный на два раздела.Первый — общий, посвящен инструментальной и вокальной музыке. Второй раздел посвящен Моцарту и Бетховену, обсуждаются жанры и стили, отраженные в музыке этих композиторов.

  • Райс, Джон. Музыка в восемнадцатом веке . Нью-Йорк: Нортон, 2012.

    Это приближается к музыкальному грандиозному туру по Европе с кратким экскурсией по североамериканскому континенту (включая Ямайку). В нем обсуждаются интеллектуальные, культурные и социологические взгляды на музыку и музыкантов того времени.Он поставляется с антологией из двадцати девяти репрезентативных композиций, каждая из которых снабжена аналитическими комментариями. Единственный недостаток — игнорирование ряда важных направлений музыки, в том числе Скандинавии.

  • Раштон, Джулиан. Классическая музыка: краткая история от Глюка до Бетховена . Нью-Йорк и Лондон: Thames and Hudson, 1986.

    Краткий обзор, составленный в основном по жанрам, работа доступна и предназначена в первую очередь для знающего читателя.Подход отражает краткие утверждения, которые пытаются охватить период, на мгновение затрагивая широкий спектр тем. Приведен некоторый анализ и пятьдесят иллюстраций, но нет никаких музыкальных примеров за пределами последнего.

  • Тарускин Ричард. Оксфордская история западной музыки . 6 томов. Нью-Йорк: Оксфорд, 2005.

    Том 2 этого набора, семнадцатого и восемнадцатого веков , предлагает обзор классической эпохи с акцентом на Гайдна, Моцарта и Бетховена.Предмет, как правило, несколько поверхностен на общие темы, но есть хорошее объяснение перехода от периода барокко к периоду романтизма с хорошим набором стандартных репертуарных примеров.

  • Веллес, Эгон и Фредрик Стернфельд. Эпоха Просвещения: 1745–1790 гг. . Vol. 7 из New Oxford History of Music . Под редакцией Джеральда Абрахама. Лондон: Oxford University Press, 1973.

    Том 7 в серии New Oxford History of Music ; подходит к периоду с в значительной степени общей точки зрения.Охват различных жанров широк с точки зрения географического охвата и содержит множество музыкальных примеров, взятых из самых разных композиторов.

Пользователи без подписки не могут видеть полный контент на эта страница. Пожалуйста, подпишитесь или войдите.

Классическая эпоха против романтической эпохи в классической музыке: интерлюдия

Классический Моцарт против романтического Бетховена?

Когда мы читаем учебники по истории музыки, Моцарта часто классифицируют, а Бетховена — композитора-романтика.Это почти звучит так, как будто эти два музыкальных гиганта были диаметрально противоположны друг другу — как два боксера на ринге — с четкой границей между ними. Моцарт и Бетховен не ненавидели друг друга и, вероятно, никогда лично не встречались. Каждый явно стремился выразить значимые эмоции, но у них были несколько разные точки зрения. В то время как мир Моцарта стремился к порядку, уравновешенности, безмятежности и рациональной беседе, мир Бетховена предпочитал экстаз, изумление и иррациональность. Один искал объективный и рациональный подход к жизни и искусству и смотрел на мир с точки зрения всеобщего братства, в то время как другой исследовал мир с глубокой субъективностью и с точки зрения личных чувств.

Аполлон Бельведерский

Философ Фридрих Ницше сравнил классическую эпоху с Аполлоном, богом света и меры, а эпоху романтизма — с Дионисом, богом вина, опьянения и страсти. Оба чувства на самом деле соответствуют основным импульсам человечества, противопоставляя потребность в умеренности, развлечениях, рациональности и контроле над эмоциями с желанием раскрепощенных эмоциональных выражений, тоской по неизвестному и недостижимому. Проще говоря, классицизм объективен, а романтизм субъективен.

Дионис

Как мы слишком хорошо знаем из нашего сегодняшнего опыта, когда рациональность и чувства рассматриваются как фундаментальные противоположности, искры действительно летают. Поэтому давайте рассмотрим известных композиторов, которые работали в переходный период, когда эстетический и музыкальный миры, казалось бы, столкнулись. Франц Шуберт (1797-1828) вполне мог быть центральной фигурой в этот переходный период. В начале своей карьеры он считался последним из классических композиторов, поскольку он игнорирует шумные модели Бетховена и возвращается к уравновешенности и порядку вселенной Моцарта.

Франц Шуберт: Симфония № 5 си-бемоль мажор, D. 485 (Филармония Cassovia; Йоханнес Вильднер, конд.)

«Молодой Шуберт» Йозефа Абеля

Это основное повествование о разграничении классицизма и романтизм имел социальные, культурные и экономические корни и возник в результате революций во Франции и США. В результате власть перешла от аристократии к среднему классу, и в результате промышленной революции общество стало зависеть от торговли и промышленности.Это стимулировало акцент на политических, экономических, религиозных и личных свободах, но, прежде всего, на личности. И на более поздних этапах своей карьеры Шуберт решительно обратился к центральным идеям романтизма. В своих пьесах «Лидер» и поздних инструментальных пьесах он делал упор на сверхъестественное, ночное, пугающее и прямо-таки устрашающее. Вдохновленная внемузыкальными ассоциациями, музыка стала полностью духовным опытом.

Ханс Бальдунг, Смерть и девушка , 1517

На протяжении большей части карьеры Моцарта ясность, баланс и прозрачность были отличительными чертами классического музыкального стиля.Музыка подчинялась принципам риторики и грамматики, и контрастирующие музыкальные идеи знакомили слушателей с противоположными аффектами и идеями. Сильный акцент в
на музыкальной форме включал интеллектуальные, а иногда и эмоциональные диалоги, а музыкальный акцент делался на мелодии и простой музыкальной структуре. Музыка должна быть не только интересной, но и благородной, всегда естественной и незамысловатой. Моцарт для последующих поколений, по-видимому, стал олицетворением этого классического музыкального стиля.Однако, когда мы действительно начинаем изучать музыку Моцарта, все эти упрощенные обобщения оказываются неверными. Хотя он определенно руководствовался идеалами классицизма, исключительные эмоциональные и даже демонические качества, которыми были наполнены его лучшие шедевры, определенно являются предшественниками романтических идеалов. Ученый пишет: «Во всех высших проявлениях страдания и ужаса Моцарта есть что-то потрясающе сладострастное».

Портрет Шуберта Габора Мелега, 1827

Мы считаем Людвига ван Бетховена революционным композитором, работавшим в революционные времена.Пропитанный романтическим духом, он снял формальные ограничения и представил непринужденное выражение своих идей и эмоций. Он обрел новую свободу выражения, и в своей инструментальной музыке, освобожденной от бремени слов, он мог передавать чистые эмоции. Его музыка действительно достигает новых крайностей с точки зрения длины и краткости, и он исследовал самые далекие гармонические и тональные отношения. Экстремальные контрасты динамики подкрепляются использованием очень выразительных терминов как намек на настроение музыки.Утверждается, что Бетховен был озабочен внутренними проблемами, чувством вечной тоски и сожалением о потерянном счастье и детстве. Мы ошибочно думаем о Бетховене как о старом сварливом пессимисте. Однако ничто не может быть дальше от истины, поскольку он является мостом между классическим и романтическим. В своих композициях Бетховен идеально уравновешивает эти два противоположных мировоззрения.

Муцио Клементи Томаса Харди

Моцарт и Бетховен были не единственными композиторами, пытавшимися осмыслить этот сдвиг культурной парадигмы.Фактически, к ним присоединился целый ряд очень талантливых и исключительных композиторов. Среди них был Муцио Клементи (1752-1832), которого помнят как одного из самых известных и влиятельных музыкантов этого переходного периода. Родившийся в Риме, но в основном активный в Англии, он был «первым из великих виртуозов и может считаться создателем правильного обращения с современным фортепиано … он первый композитор, сочинитель сонат, полностью подготовленный». Клементи лично встречался с Гайдном и Моцартом, и он знал о поздних произведениях Бетховена.Бетховен очень ценил Клементи, и он очень восхищался сонатами Клементи, потому что они были специально написаны для возможностей фортепиано. В отличие от Моцарта и Бетховена, Клементи твердо стоял на плечах как классических, так и романтических традиций. И Иоганнес Брамс был одним из его самых больших поклонников.

Муцио Клементи: Соната для клавишных соль минор, соч. 34, No. 2 (Мария Клементи, фортепиано)

Иоганн Непомук Хуммель

Иоганн Непомук Хаммель (1778-1837) учился у Моцарта около двух лет с 1768 по 1788 год.Талант Хаммеля впечатлил Моцарта, и он не только согласился обучать его бесплатно, но и бесплатно предоставил ему жилье и еду. Хаммель пришел к сочинению через фортепиано, как и Клементи, и он также был одним из величайших виртуозов своего времени. Собственные композиции Хаммеля, очевидно, начинаются с моцартовских моделей, но он придерживается другого направления, чем Бетховен. Хаммель одновременно бросил вызов классическим гармоническим структурам и расширению формы, и его влияние повлияло на ранние работы Шопена и Шумана.Один критик пишет: «Начало концертов Хаммеля ля минор и Шопена ми минор слишком близко, чтобы быть случайным». Пытаясь понять меняющиеся параметры музыкальной мысли, музыка Хаммеля ярко отражает переход от классической к романтической музыкальной эпохе.

Иоганн Непомук Хаммель: Концерт для фортепиано с оркестром № 2 ля минор, соч. 85 (Мартин Галлинг, фортепиано; Штутгартский филармонический оркестр; Александр Паульмюллер, конд.)

Франц Иосиф Гайдн Томаса Харди, 1791

Композитор-классик Франц Йозеф Гайдн (1732-1809) написал одну из самых оригинальных музыкальных композиций. умы.На долгие периоды времени он был изолирован от других композиторов и направлений в музыке, и, как он писал: «Это заставило меня стать оригинальным». Во многих композициях Гайдн любил играть ожиданиями слушателей. И в одном особенно известном произведении его музыка связана с общественной причиной, одной из отличительных черт музыкального романтизма. «Прощальная симфония», пожалуй, самая необычная композиция Гайдна. Гайдн и его группа музыкантов должны были остаться еще на два месяца в отдаленном месте, прежде чем им разрешили вернуться домой.Все протестовали, но Гайдн решил сочинить симфонию с посланием для князя Николауса. В конце симфонии музыканты один за другим задули свечи на музыкальных стойках и вышли из комнаты. Принц понял намек, и победу одержал Гайдн. Создание всей пятичастной симфонии на внемузыкальных мотивах и социальных статьях — это смелый шаг в дверь романтизма.

Франц Йозеф Гайдн: Симфония № 45 фа-диез минор, Hob.I: 45, «Прощание» (Мюнхенский камерный оркестр; Александр Либрейх, конд.)

Молодой Мендельсон

Феликс Мендельсон (1809-1847) вырос в семье, принадлежащей интеллектуальной и финансовой элите берлинского общества. К 14 годам в его композиционном портфолио уже было впечатляющее разнообразие и количество работ. Фактически только между 1821 и 1823 годами он сочинил в общей сложности 12 симфоний для струнных. Композитор-подросток собрал серию сочинений, искусно синтезирующих классические формы с техникой барокко, романтическими оркестровыми техниками и симфоническими процессами.Mozartian с его формальной ясностью и выразительным контрастом, разработка в полной мере использует эту тематическую простоту, представляя материал во множестве гармонических и инструментальных обличий. Гармонические прогрессии очень сложны, и фугальный вывод, должно быть, вызвал некоторые легкие сюрпризы. Здесь, как и везде у Мендельсона, классическая уравновешенность и романтический пыл удачно сочетались друг с другом.

Карл Филипп Эмануэль Бах

Когда мы ищем предшественников музыкального романтизма, мы явно должны учитывать Баха.Однако речь идет о Карл Филипп Эмануэль Бах (1714-1788), сын знаменитого Иоганна Себастьяна. Его высоко ценили при жизни и хвалили Моцарт, Гайдн и Бетховен, но в 19 веке его именем пренебрегли. Работая в Берлине, C.P.E. поддерживал регулярные контакты с Моисеем Мендельсоном — дедом Феликса Мендельсона — основателя немецкой популярной философии и одной из центральных фигур Просвещения. Соответственно, он был близким другом поэта Иоганна Геллерт.Геллерт проложил путь в немецкой литературе и искусстве, в котором субъективность и крайности эмоций получили свободное выражение. Названный «Буря и натиск» («Буря и стремление») в честь популярного стихотворения, этот литературный поток со временем наслаждался мучительными, мрачными, испуганными и иррациональными чувствами. Опираясь на крайнюю непредсказуемость и широкий спектр эмоций, музыка C.P.E легко движется с полной свободой и разнообразием по всему спектру структурных решений. Его истинное наследие ощущается не только в психологической сфере романтизма, но и в импровизационных и циклических музыкальных экспериментах XIX века.

Карл Филипп Эмануэль Бах: Симфония ми минор, Wq. 178, H. 653 (Клаус Кирбах, клавесин; Камерный оркестр Карла Филиппа Эмануэля Баха; Хартмут Хэнхен, конд.)

Иоганнес Брамс, ок. 1894

В отличие от бурных и страстных произведений таких композиторов, как Рихард Вагнер и Ференц Лист, Иоганнес Брамс (1833-1897) сохранил почтение к классическому наследию и сохранил романтические традиции своих великих предшественников. Во время своей композиторской карьеры Брамс проявлял повышенное чувство музыкальной незащищенности.Он застенчиво отвечал на критику, даже когда ее критиковали его самые близкие друзья, и он безжалостно уничтожал или сильно переделывал свои композиции. Например, Брамс завершил свое трио си-мажор в 1853 году, но спустя 36 лет пересмотрел это произведение. В переработанном произведении сочетаются юношеское романтическое изобилие с утонченными музыкальными фактурами, а также вполне логичный и классический способ построения мотивов и контроля их последующего развития. Брамс сочетает в себе теплый лиризм романтического воображения с мускулистой интеллектуальной рациональностью.

Название статьи говорит о столкновении двух музыкальных миров, но на самом деле этого не произошло. Это правда, что композиторы, представленные в этой статье, пытались художественно осмыслить противоречивые мировоззрения, но они все равно разговаривали друг с другом и учились друг у друга. Они черпали вдохновение с обеих сторон этого эстетического разрыва, и их художественные решения и компромиссы имеют фундаментальное значение для западной культурной и художественной мысли.

Чтобы узнать больше о лучших произведениях классической музыки, в нашем электронном бюллетене

The Classical Era

The Classical Era

два главные композиторы этой эпохи — Гайдн и Моцарт.

Классицизм и классическая музыка — PowerPoint

Главный Очки

1. Классический период составлял примерно , 1750-1820 годы, . Музыкальным центром была Вена, Австрия. Четыре интеллектуальными лидерами в это время были Вольтер, Жан Жак Руссо, Бенджамин Франклин и Томас Джефферсон.В Американец Революция, Французская революция и наполеоновские войны этого временной период.

2. Восхищение ранних греческой и римской цивилизаций можно увидеть в архитектура, живопись и музыка того периода. Интеллектуальный верования если бы разум и логика были путем к истине, вселенная является регулируются одними и теми же законами независимо от времени и места, и интеллект должен руководить деятельностью людей.Этот Период иногда упоминается как Век Разума.

3. Рококо положил начало классическому периоду. Он был в основном сосредоточен во Франции и отражал отношение принадлежащий аристократия. Стиль был декоративным, легкий и богато украшенный, он был также известен как стиль galant .

4. Система патронажа была распространена.

5. Музыка имела тенденцию следовать ожидаемой практике.

6. Мелодии были приятными и часто состояли из коротких фразы (два или четыре меры длинные) в шаблоне утверждение-ответ.

7. Ритм был устойчивый и метрический, кроме для речитативы и каденции.

8. Crescendo и decrescendo использовались вместо террасный динамика.

9.

10. Оркестры были не очень большими.

11. Пианино заменило клавесин.


Обзор Опера

Главный Очки

1. Поскольку опера — это тип театра, он определенный соглашения, которые слушатели должны понимать и принимать, чтобы ценить Это.

Все слова поются, а не произносятся

В стиль пения должен быть достаточно мощным, чтобы проецировать слова и Музыка через оперный театр или зрительный зал.Этот стиль пения незнаком большинству людей.

В слова часто не на английском языке, что делает их невозможно для понимания большинства американцев, если они не следуют перевод.

Опера участки необходимо укорачивать, чтобы они не были слишком длинными. Чтобы выразить мысль в музыке, требуется гораздо больше времени. чем говорить те же слова.В результате иногда может пострадать драматическое качество.

Опера требует приостановки тех же реалий, которые влияют на любые драма. Например, часто предполагается, что большие отрезки времени имеют прошедший между сменой сцены и зрителями / слушателями, наблюдающими сцены как если стена перед ними были удалены, чтобы они могли видеть и слышать, что является происходит на сцене и так далее.

2. Opera станет намного больше, если вы поймете, что ее цель не к имитировать реальность, а скорее усиливать ее. Это не связано логикой. Вместо Это обращается к воображению через силу музыки проецировать простой человек эмоции.

3. Текст оперы называется либретто. Он написан до музыки, но редко пишется в композитор.

4. Музыка оперы состоит из речитативов, арий и припевы. Хор обычно выступает на сцене из-за главный символы.

5. Существует несколько традиций о типах голосов и символы изображен. Героиня и герой обычно сопрано и тенор, а также злодей или авторитет является часто бас.

6. Два типа опер были важны в течение Классический период: opera seria и opera buffa . Опера сериа была традиционной трагической оперой, в которой часто фигурировали истории о древних Греческие и римские герои и боги. Опера Buffa (комическая опера) была наполнена весельем и легкомыслием. Он был написан на местных языках, и в нем использовались юмористические диалог и иногда включались популярные мелодии.

12. Гомофоническая текстура в основном использовалась, только случайный контрапункт.

13. Новые формы , разработанные для индивидуальных движений: соната-аллегро, тема с вариациями, рондо и менуэт а также трио.

14. Новые инструментальные жанры: симфония , симфония нить квартет, сольная соната для фортепиано и других инструментов и сольного концерта . Большинство жанров — это большие произведения, содержащие несколько движения или независимый разделы.


Обзор Камера Музыка

Основные моменты

1. Камерная музыка — музыка для малых коллективов с ансамблями. игрок на каждого Часть . Хотя более одного Допускается использование одного и того же инструмента (две скрипки, для пример), Музыка каждый инструмент играет по-своему.В течение в Классический период, камерная музыка всегда была инструментальной.

Видео зажим из Master and Commander — видео в блоге — Патрик О’Брайен, Amazon — The Книги — DVD — Саундтрек

Музыка к Луиджи Боккерини. — Ла msica nocturna de Madrid

Боккерини (1743–1805) родился в Лукке, Италия, в музыкальной семье.У молодой его отец, виолончелист и контрабасист, отправил Луиджи в учиться в Риме (1757 г.), а после различных концертных туров в 1769 г. таланты привезли его в испанский суд в Мадриде, где он нанят Дон Луис, младший брат короля Карла III. Там он процветал под королевским покровительством, пока однажды король не выразил свое неодобрение по поводу прохода в новом трио, и приказал Боккерини к Измени это.Композитор, несомненно, раздраженный этим вторжением в его искусство, вместо этого, удвоило отрывок, что привело к его немедленному увольнение. (википедия)

2. Камерная музыка была очень важна в восемнадцатом веке. век. Для выступлений во дворцах требовалось много музыки. принадлежащий благородство так что спрос на музыку для небольшой аудитории был велик. Классический период иногда называют золотым. Эпоха камерной музыки.

3. Сначала большая часть камерной музыки считалась после ужина развлечение. Но как век прогрессировали, композиторы писали серьезные и глубокие камерные произведения, особенно струнные квартеты.

4. Струнный ансамбль, в состав которого входит не струнный инструмент. является упомянутый название этого инструмента. An Ансамбль для скрипки, виолончели и фортепиано называется фортепианным трио.

5. Соната — это произведение с тремя или четырьмя частями. для только пианино или для фортепиано и другого инструмента. Это было важный жанр камерной музыки.

6. Тема и вариации — важный тип Музыка состоящий из тема и ряд различных настроек одной и той же мелодии. Иди к Гайдну страница замечательного сочинения для струнного квартета.

ПРОМЫШЛЕННАЯ РЕВОЛЮЦИЯ — Импульс из Промышленная революция, ее сила, ее импульс подействовали на умы всех мыслящих людей конца 18 — начала 19 века. Открытия послужили источником новых открытий. Древние классовые структуры сломались вниз. Человеческий труд стал заменяться человеческой мыслью. Мужчины, которые знал ничего, кроме непосильного труда, в основном в сельском хозяйстве, все больше решили изобрести устройства и приспособления, которые давать их больше за меньшую трудозатратность.Источник

Паровоз Джеймса Ватта — улучшения с 1763 по 1775

два главные композиторы этой эпохи — Гайдн и Моцарт.

Период классицизма Пабло Пикассо

На этот новый классический стиль повлияло классическое греческое и римское искусство. Тенденция была характерна для массивных и безмятежных фигур, облаченных в мантии в тактильных, но простых пейзажах.

Классическая тенденция в искусстве будет доминировать на сцене Европы более десяти лет. Пикассо стал ведущей фигурой в этом новом художественном направлении.

На ранних этапах этого периода его основное внимание было сосредоточено на рисовании и живописи, которые он делал в основном для своих личных исследований.

Пикассо был известным художником с непревзойденным мастерством и техникой.Вот почему его первая поездка в Италию в 1917 году послужила стимулом к ​​тому, чтобы отказаться от современного экстремизма и последовать примеру таких художников, как Рафаэль и Энгр.

Пикассо познакомился с Ольгой Колковой, русской балериной в 1918 году. В конце концов они поженились, и благодаря ее высокому социальному положению Пикассо начал двигаться в разных социальных кругах.

Это отличалось от того богемного образа жизни, к которому он привык.Похоже, это повлияло на его работу. Например, он перестал быть более провокационным и стал тяготеть к более традиционным и серьезным произведениям искусства. Он назвал этот новый стиль «классицизмом». Его шедевр «Влюбленные» является примером того, как его стиль изменился с его социальными переменами. «Сковороды» — еще одно известное произведение классического периода.

Пикассо продолжал увлекаться декором балетной постановки.Рождение первого сына Пола вдохновляло его снова и снова возвращаться к теме «мать и сын». Однако он вернулся и начал работать над кубизмом, о чем свидетельствует его картина 1921 года «Три музыканта». Труды Зигмунда Фрейда, известного психолога, также оказали глубокое влияние на творчество Пикассо.

В 1923 году Пикассо написал «Трубы Пана», которые часто считают одним из самых значительных его произведений классического периода.Это изображение двух мужчин: один играет на дудочке, а другой слушает музыку. Свирели Пана символизируют греческого бога музыки, дикой природы, гор, природы, пастухов и стад.

Согласно мифологическому греку, у него ноги и рога козла. Пан-флейта символизирует мир и природу. Это произведение искусства считается венцом классического периода 1920-х годов Пикассо. Это конкретное произведение подчеркивает влияние, которое греко-римское искусство оказало на Пикассо во время его путешествий по Италии.

В этот период, как цитируется в цитатах Пикассо, он утверждает, что Бог наказывает художника, давая ему несчастье славы. Пикассо считал, что слава — худшее несчастье, чем голод и страдания. Пикассо приобрел известность и рост в середине двадцатых годов.

Он, однако, не воспринял эту возросшую известность положительно, так как он понимал, что публика подавляет его индивидуальность, аплодируя каждому произведению искусства, которое он создал, не глядя на него критически.К тому же у Пикассо были семейные проблемы. Его жена Ольга, балерина-танцовщица, преуспевшая в славе и высоком социальном положении, не могла понять, почему Пикассо не нравилась известность.

Негативные последствия Первой мировой войны отправили многих парижан на фронт. Однако Пикассо, иностранный гражданин, продолжал работать практически спокойно. Он даже впервые побывал в Италии и на юге Франции. Поскольку он имел опыт в искусстве Помпеи и Древнего Рима, это усилило акцент и послужило стимулом для его возобновления интереса к классическому искусству.

Беспорядки войны в Европе привели к восстановлению порядка в Европе. Это рассматривалось как реакция на модернистские экстремистские движения, такие как экспрессионизм и кубизм. Такие художники, как Пикассо, начали уплотнять и упрощать свои стили, чтобы соответствовать этому новому порядку. Некоторые из других выдающихся художников, последовавших его примеру, включают художников движения «Новая объективность», Джорджо де Кирико и Андре Дерен.

Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году.Он вырос там до переезда во Францию, где провел большую часть своей сознательной жизни, работая художником.

Известный как один из самых знаменитых художников в истории, он создал более 20 000 произведений искусства, в том числе рисунки, скульптуры, живопись и керамику. Большая часть его работ разделена на периоды времени, когда он развивал искусство на сложные темы и чувства.

Синий период

Голубой период (1901–1904) был временем, когда Пикассо переживал бедность.Для его работ этого периода характерны такие темы, как проституция, недоедание и мрачное изображение внутренних мучений его друга после того, как он совершил самоубийство. Большинство цветов, используемых в его работах этого периода, были преимущественно синими. Одно из таких произведений искусства — портрет Сюзанны Блох.

Период роз

В «Период роз» (1904–1906) Пикассо, кажется, начинает добиваться успеха и даже влюбляется.Это побуждает его начать создавать более оптимистичные картины. В своих работах он в основном использует розовый и оранжевый цвета. Он написал Гарсон а ля трубку (Мальчик с трубкой), которая оказалась одной из его самых дорогих картин.

Период африканского влияния

В период африканского влияния (1907–1909) волна традиционной африканской эстетики начала проникать в европейские художники.Это был период, вдохновленный африканской скульптурой, и Пикассо нельзя было оставить позади. Les Demoiselles d’Avignon (Молодые девушки Авиньона) — одно из его знаменитых произведений того периода.

Движение кубизм

За этим последовало движение кубизма (1909–1919). Это был период, когда Пикассо и Брак разработали стиль, в котором они подчеркивали сочетания форм в картине.

Они использовали неокрашенные объекты, такие как газеты, и объединяли их на холсте вместе с закрашенными областями, чтобы создать форму коллажа. Итальянская девушка — хороший пример искусства того периода.

Периоды классической музыки — Классическая музыка в 21 веке

Классическая музыка в целом делится на 4 основных периода:

  1. Барокко
  2. Классика
  3. Романтика
  4. Современная

Каждый композитор относится к одному из этих периодов время, в которое он жил, и характеристики сочиненной им музыки.Музыка каждого периода имеет определяющие черты, которые можно использовать, чтобы отличать периоды друг от друга, но разные произведения в пределах одного периода могут сильно различаться. Первые 3 периода (барокко, классический и романтический) классифицируются в рамках всеобъемлющего времени, называемого периодом общей практики (1600-1900). Под эту категорию попадает большая часть знакомой вам классической музыки.

Дж.С. Бах (Барокко) Бетховен (Классика) Чайковский (Романтика) Шостакович (Современный)

  1. Барокко (1600 — 1750)
  2. 904 Барокко
      начало того, что принято считать классической музыкой. Музыка того времени превратилась из музыки Возрождения в тональную музыку , с которой мы знакомы сегодня.
    • Музыка барокко в первую очередь характеризуется полифонической текстурой , что означает, что музыка содержит 2 или более независимых мелодических голоса.
      • В частности, в музыке барокко используется контрапункт . Контрапункт — довольно сложная музыкальная идея, но, проще говоря, контрапункт использует разные, независимые музыкальные линии, которые звучат гармонично, когда играют вместе.
    • Характеристики музыки в стиле барокко включают:
      • Полифоническая текстура: несколько мелодических линий разными голосами
      • Единство настроения: каждая пьеса содержит одну эмоцию (то есть произведение, которое начинается счастливым, останется счастливым)
      • Непрерывность ритма: ритмические узоры часто повторяются на протяжении всего произведения.
      • Повторение мелодии: мелодия повторяется; хотя это отчетливо, но не лирично.
      • Террасная динамика: динамика меняется внезапно, а не постепенно.
      • Орнамент (музыка звучит, часто быстрые ноты, чтобы украсить основную ноту)
      • Меньше инструментальной музыки; широкое использование клавесина
  3. Классика (1750-1830)
    • Музыка классического периода сместилась с акцента периода барокко на полифоническую текстуру и больше в сторону простой мелодии с аккомпанементом .Это создавало музыку с меньшей текстурой, но с более четко определенной мелодией.
    • Характеристики классической музыки включают:
      • Одиночная мелодия с аккомпанементом: один голос несет основную мелодию, а другой голос воспроизводит более простую строку, которая поддерживает мелодию
      • Большое разнообразие клавиш, мелодий, ритмов и динамики
      • Больше контраста в произведении
      • Мелодии короче и четче, чем в музыке барокко
      • Больше акцента на инструментальной музыке
      • Основные формы композиции: соната, трио, струнный квартет, симфония, концерт
  4. Романтика (1830-1920)
    • Музыка эпохи романтизма характеризуется гораздо большей страстью и выразительностью, чем музыка предыдущих периодов.Романтические произведения демонстрируют расширение формы (например, тональность и инструментарий пьесы).
    • Характеристики романтической музыки включают:
      • Более свободная форма и более личное выражение эмоций
      • Акцент на лирических мелодиях и темах
      • Больше модуляция (изменение тональности) на неожиданные тональности: общий эффект от этого заключается в том, что он слушателю сложнее предсказать, что будет дальше в произведении
      • Больше хроматизма и гамм, отличных от мажора / минора
      • Больше разнообразия по высоте, динамике и ритму
      • Менее традиционные последовательности аккордов
      • Программная музыка: больше вдохновленных пьес по литературным / художественным источникам
      • Больший упор на национализм: многие композиторы добавляли в свои произведения песни или танцы, связанные с культурой. период и в предыдущие периоды — это изменение тона.В то время как музыка периода общей практики была в основном тональной, большая часть современной музыки атональна.
      • Современную классическую музыку можно разделить на:
        • Современная классическая музыка 20-го века :
          • Сильно варьируется, без доминирующего стиля
          • Повышенное использование диссонанса
        • Современная классическая музыка 21-го века:
          • Огромное разнообразие стилей, включая минимализм, экспериментализм
          • Содержит множество влияний, от мировой музыки до технологий
          • Многие классические композиторы написали музыку к фильмам

Эпоха классической музыки — Academic Kids

От академических детей

Классический период в западной музыке пришелся на большую часть 18 века и начало 19 века.Хотя термин классическая музыка используется как общий термин, означающий все видов музыки в этой традиции, он также может иногда означать эту конкретную эпоху в этой традиции. Обычно указываются даты начала и окончания периода — 1750 и 1820 годы, но оба конца имели значительное совпадение с предыдущим и последующим периодами, как и во всех музыкальных эпохах. А в некоторых источниках даже указывается 1730 год как год начала.

Классический период находится между периодами барокко и романтизма.Среди его композиторов были Йозеф Гайдн, Муцио Клементи, Иоганн Ладислаус Дуссек и Карл Филипп Эмануэль Бах, хотя, вероятно, самыми известными композиторами этого периода являются Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен, причем Бетховен также числился либо композитором-романтиком, либо композитором-романтиком. композитор, участвовавший в переходе к романтике.

История классического периода

Классический стиль как часть больших художественных изменений

В середине 18 века Европа начала переходить к новому стилю в архитектуре, литературе и искусстве, известному как классицизм.Будучи все еще тесно связанным с придворной культурой и абсолютизмом, с его формальностью и упором на порядок и иерархию, новый стиль был также более чистым стилем, который предпочитал более четкое разделение между частями, более яркие контрасты и цвета и простоту, а не сложность. Замечательное развитие идей «натурфилософии» утвердилось в общественном сознании, с физикой Ньютона, взятой в качестве парадигмы: структуры должны быть хорошо обоснованы аксиомами, сформулированы и упорядочены.Этот вкус к структурной ясности проник и в мир музыки, отойдя от многослойной полифонии периода барокко и к стилю, в котором предпочтение было отдано мелодии над подчиненной гармонией — сочетание, называемое гомофонией. Это означало, что игра аккордов, даже если они нарушали плавность мелодии отдельной партии, стала гораздо более распространенной особенностью музыки, а это, в свою очередь, сделало тональную структуру произведений более слышимой. (См. Также контрапункт и гармонию.)

Новый стиль также был продвинут изменениями в экономическом укладе и социальной структуре. По мере развития 18-го века дворянство все больше и больше становилось основными покровителями инструментальной музыки, и в обществе вырос вкус к комической опере. Это привело к изменениям в способе исполнения музыки, наиболее важным из которых был переход к стандартным инструментальным группам и снижение важности «континуо», гармонического наполнения под музыку, часто играемого несколькими инструментами.Один из способов проследить этот упадок континуо и его фигурных аккордов — изучить упадок термина «облигато», означающего обязательную инструментальную партию в произведении камерной музыки. В мире барокко к континуо по желанию можно было добавить дополнительные инструменты; в классическом мире все части были отмечены отдельно, хотя не всегда обозначались как , так что слово «obbligato» стало излишним. К 1800 году этот термин практически исчез, как и практика ведения произведения с клавиатуры.

Только что отмеченные изменения в экономической ситуации также повлияли на изменение баланса доступности и качества музыкантов. В то время как в позднем барокко крупный композитор мог использовать все музыкальные ресурсы города, силы, доступные в охотничьем домике, были меньшими и более фиксированными по уровню их способностей. Это было стимулом к ​​тому, чтобы играть в основном простыми партиями, а в случае резидентской группы виртуозов — побуждением к написанию зрелищных идиоматических партий для определенных инструментов, как в случае с оркестром Мангейма.Вдобавок аппетит к постоянному притоку новой музыки, перенесенной из барокко, означал, что произведения должны были исполняться в лучшем случае с одной репетицией. Действительно, даже после 1790 года Моцарт пишет о «репетиции», имея в виду, что на его концертах будет только один концерт.

Поскольку полифоническая текстура больше не была в центре внимания музыки, а была единственной мелодической строкой с аккомпанементом, больший акцент был сделан на обозначении этой строки для динамики и фразировки. Упрощение текстуры сделало такие инструментальные детали более важными, а также сделало использование характерных ритмов, таких как привлекающие внимание вступительные фанфары, ритм похоронного марша или жанр менуэта, более важным для установления и объединения тона отдельного движения. .

Это привело к постепенному отходу классического стиля от барочной привычки делать каждое музыкальное движение посвященным одному «аффекту» или эмоции. Вместо этого он стал стилем установления контрастов между частями внутри движений, придавая каждой своей эмоциональной окраски, используя ряд техник: противопоставление большого и второстепенного; резкие ритмические темы в противовес более длинным песенным темам; и особенно, превращение движения между различными гармоническими областями в главное средство создания драматического контраста и единства.Переходные эпизоды становились все более важными как поводы для удивления и восторга. Следовательно, композиторы и музыканты стали уделять им больше внимания, подчеркивая их прибытие и делая знаки, указывающие на них, с одной стороны, более слышимыми, а с другой стороны, больше предметом «игры» и подрывной деятельности, т. Е. , композиторы все больше и больше создавали ложные ожидания только для того, чтобы музыка ускользала в другом направлении.

Начало классического стиля (1730-1760)

Сначала новый стиль перенял формы барокко — тройное «ария да капо», «симфония» и «концерт» — и состоял из более простых частей, более заметного орнамента и более резкого разделения на части.Однако со временем новая эстетика привела к радикальным изменениям в том, как собирались части, и изменились основные макеты. (См. «История сонатных форм».) Композиторы этого периода стремились к драматическим эффектам, ярким мелодиям и более четким текстурам. Одним из важных разрывов с прошлым стал радикальный пересмотр оперы Кристофа Виллибальда Глюка, который убрал большую часть многослойного и импровизационного орнамента и сосредоточился на точках модуляции и перехода. Сделав эти моменты, когда гармония меняется, более акцентированной, он обеспечил мощные драматические сдвиги в эмоциональной окраске музыки.Чтобы выделить эти эпизоды, он использовал изменения в инструментах, мелодии и моде. Среди самых успешных композиторов своего времени Глюк породил множество эмуляторов, одним из которых был Антонио Сальери. Их упор на доступность имел огромный успех в опере и вокальной музыке в более широком смысле: песнях, ораториях и припевах. Они считались наиболее важными видами музыки для исполнения и поэтому пользовались наибольшим успехом в общественном мнении.

Фаза между барокко и расцветом классики, с ее широким сочетанием конкурирующих идей и попыток объединить различные требования вкуса, экономики и «мировоззрения», носит множество названий.Иногда его называют «Галант», «Рококо» или «доклассический», а иногда — «ранний классический». Это период, когда композиторы, все еще работающие в стиле барокко, по-прежнему успешны, хотя их иногда считают скорее ушедшими в прошлое, чем настоящим — Бах, Гендель и Телеман сочиняют далеко за пределами той точки, в которой гомофонический стиль явно находится в центре внимания. по восходящей. Музыкальная культура оказалась на перепутье: мастера старого стиля владели техникой, а публика жаждала нового.Это одна из причин, по которой C.P.E. Бах пользовался таким большим уважением: он довольно хорошо понимал старые формы и знал, как представить их в новом облачении с увеличенным разнообразием форм; он далеко зашел в пересмотре старых форм барокко.

Ранний классический стиль (1760-1775)

К концу 1750-х годов процветающие центры нового стиля находятся в Италии, Вене, Мангейме и Париже; Сложены десятки симфоний, есть «оркестры» исполнителей, связанные с театрами.Опера или другая вокальная музыка является характерной чертой большинства музыкальных мероприятий с концертами и «симфониями», которые в ходе классической музыки развиваются и становятся независимыми инструментальными произведениями (см. Симфонию), служащими инструментальными интермедиями и вступлениями для опер и даже для церковных служб. К концу 1750-х годов в Вене установлены нормы набора струн, дополненных ветрами, и движений особого ритмического характера. Но длина и вес частей по-прежнему задаются с некоторыми характеристиками барокко: отдельные механизмы по-прежнему сосредоточены на одном , затрагивают или имеют только одну резко контрастирующую среднюю часть, а их длина не намного больше, чем у механизмов в стиле барокко.Также следует отметить, что в настоящее время еще нет четко сформулированной теории о том, как сочинять в новом стиле. Настал момент для прорыва.

Многие считают, что этот прорыв был сделан C.P.E. Бах, Глюк и некоторые другие. Действительно, C.P.E. Бах и Глюк часто считаются основоположниками самого классического стиля.

Первым великим мастером стиля был композитор Йозеф Гайдн. В конце 1750-х он начал сочинять симфонии, а к 1761 году написал триптих («Утро», «Полдень», «Вечер»), основанный на «современном» стиле.В качестве «вице-капельмейстера», а затем и «капельмейстера» его творчество расширилось: только в 1760-х годах он сочинил более сорока симфоний. И хотя его слава росла по мере того, как его оркестр расширялся, а его сочинения копировались и распространялись, его голос был лишь одним из многих.

Хотя некоторые предполагают, что его затмили Моцарт и Бетховен, трудно переоценить центральную роль Гайдна в новом стиле и, следовательно, в будущем западной художественной музыки в целом. В то время, до превосходства Моцарта или Бетховена и с Иоганном Себастьяном Бахом, известным в первую очередь ценителям клавишной музыки, Гайдн достиг в музыке такого места, которое поставило его над всеми другими композиторами, за исключением, возможно, Джорджа Фридриха Генделя.Некоторые отметили, что он занял место, эквивалентное Битлз, например, в истории рок-н-ролла. Именно он больше, чем кто-либо другой, осознал, что развивающийся новый стиль должен руководствоваться новыми идеями и принципами. Он взял существующие идеи и радикально изменил их функционирование, заслужив титулы «отец симфонии» и «отец струнного квартета». Можно с полным правом сказать, что он был отцом сонатной формы, которая в своем классическом расцвете опиралась на драматический контраст, напряжение мелодии против гармонии и ритма и требовала, чтобы аудитория следовала драматической кривой в течение большего промежутка времени, чем ранее было необходимо.

Как ни странно, одной из сил, которая послужила толчком для его продвижения вперед, было первое движение того, что позже будет называться «романтизмом» — «буря и натиск», или фаза «шторма и борьбы» в искусстве. короткий период, когда явная эмоциональность была стилистическим предпочтением: мода 1770-х годов. Соответственно, Гайдн хотел более резкого контраста и более эмоционально привлекательных мелодий, с отточенным характером и индивидуальностью. Этот период исчез в музыке и литературе: однако он раскрасил то, что было потом, и в конечном итоге стал составляющей эстетического вкуса в ближайшие десятилетия.

Симфония «Прощание», № 45 фа минор, иллюстрирует интеграцию Гайдном различных требований нового стиля с удивительно резкими поворотами и длинным адажио в завершение произведения. В 1772 году Гайдн завершил свой набор Opus 20 из шести струнных квартетов, в котором он применяет полифонические техники, собранные им из предыдущей эры, чтобы обеспечить структурную согласованность, способную удержать вместе его мелодические идеи. Для некоторых это знаменует начало «зрелого» классического стиля, когда период реакции на сложность позднего барокко начинает сменяться периодом интеграции элементов как стиля барокко, так и классицизма.

Средний классический стиль (1775-1790)

Гайдн, проработавший более десяти лет музыкальным руководителем принца, имел гораздо больше ресурсов и возможностей для сочинения, чем большинство других, а также способность формировать силы, которые будут играть его музыку. Эта возможность не была упущена, так как Гайдн, начиная довольно рано в своей карьере, неутомимо стремился продвигать технику построения идей в музыке (см. «Развитие»). Его следующим важным прорывом стали струнные квартеты Opus 33 (1781), где мелодические и гармонические роли переходят между инструментами: часто на мгновение неясно, что такое мелодия, а что гармония.Это меняет способ работы ансамбля между драматическими переходными моментами и кульминационными моментами: музыка течет плавно и без явных перерывов. Затем он взял этот интегрированный стиль и начал применять его к оркестровой и вокальной музыке.

Дар Гайдна музыке был способом сочинения, способом структурирования произведений, который в то же время соответствовал основной эстетике нового стиля. Однако это будет более молодой современник, Вольфганг Амадей Моцарт, который внесет свой гений в идеи Гайдна и применит их к двум основным жанрам того времени: опере и виртуозному концерту.В то время как Гайдн провел большую часть своей трудовой жизни придворным композитором, Моцарт хотел общественного успеха в концертной жизни городов. Это означало оперу, и это значило виртуозное выступление. Гайдн не был виртуозом на международном гастрольном уровне; при этом он не стремился создавать оперные произведения, которые можно было бы разыгрывать в течение многих вечеров перед большой аудиторией. Моцарт хотел и того, и другого. Более того, Моцарт также имел склонность к большему количеству хроматических аккордов (и большим контрастам в гармоническом языке в целом), большей любви к созданию беспорядка мелодий в одном произведении и большей итальянской чувствительности в музыке в целом.Он нашел в музыке Гайдна, а затем и в своем исследовании полифонии Баха, средства дисциплинировать и обогатить свои способности.

Моцарт быстро привлек внимание Гайдна, который приветствовал нового композитора, изучил его произведения и считал молодого человека своим единственным истинным сверстником в музыке. Их письма друг к другу наполнены отрывками, которые могут разделить только два человека, работающие на более высоком уровне, чем их современники. В Моцарте Гайдн обнаружил более широкий спектр инструментовки, драматического эффекта и мелодического ресурса — отношения обучения двигались в двух направлениях.

Прибытие Моцарта в Вену в 1780 году ускорило развитие классического стиля. Здесь Моцарт впитал в себя сочетание итальянского блеска и германской сплоченности, которое назревало в течение предыдущих 20 лет. Его собственный вкус к блеску, ритмически сложным мелодиям и фигурам, длинным мелодиям кантилена и виртуозным росчеркам был объединен с признанием формальной связности и внутренней связанности. Как ни странно, именно в этот момент война и инфляция остановили тенденцию к увеличению и разрастанию оркестров и вынудили распустить или сократить многие театральные оркестры.Это подтолкнуло классический стиль вовнутрь: к поиску большего ансамбля и технических проблем — например, рассредоточение мелодии по деревянным духовым или использование третей для выделения мелодии, взятой ими. Этот процесс сделал ставку на камерную музыку для более публичного выступления, что дало дополнительный импульс струнному квартету и другим небольшим ансамблевым группам.

Это было в течение этого десятилетия, когда общественный вкус начал все больше признавать, что Гайдн и Моцарт достигли более высокого уровня композиции.К тому времени, когда Моцарту исполнилось 25 лет, в 1781 году, доминирующие стили Вены были явно связаны с возникновением в 1750-х годах раннего классического стиля. К концу 1780-х годов у композиторов, подражавших Моцарту и Гайдну, утвердились изменения в исполнительской практике, относительное положение инструментальной и вокальной музыки, технические требования к музыкантам и стилистическое единство. В течение этого десятилетия Моцарт сочинил свои самые известные оперы, свои шесть поздних симфоний, которые помогли бы переопределить жанр, и ряд фортепианных концертов, которые до сих пор находятся на вершине этих форм.

Один из композиторов, оказавших влияние на распространение более серьезного стиля, который сформировали Моцарт и Гайдн, — это Муцио Клементи, одаренный пианист-виртуоз, который сразился с Моцартом на ничью перед Императором, когда они представили свои произведения в исполнении. Его собственные сонаты для фортепиано получили широкое распространение, и он стал самым успешным композитором в Лондоне в 1780-х годах. Сцена была подготовлена ​​для поколения композиторов, которые, усвоив ранее уроки нового стиля и имея четкие примеры, к которым можно стремиться, будут развивать классический стиль в новых направлениях.Также в это время в Лондоне находился Иоганн Ладислаус Дуссек, который, как и Клементи, поощрял производителей фортепиано расширять диапазон и другие характеристики своих инструментов, а затем полностью использовал вновь открывшиеся возможности. Важность Лондона в классический период часто упускается из виду — но он служил домом для фабрики Бродвуда по производству фортепиано и базой для композиторов, которые, хотя и менее известны, чем «Венская школа», оказали решающее влияние на что пришло позже. Они были составителями ряда прекрасных произведений, заслуживающих внимания сами по себе.Пристрастие Лондона к виртуозности вполне могло способствовать проработке сложных пассажей и расширенным утверждениям о тонике и доминанте.

Поздний классический стиль (1790-1820)

Когда Гайдн и Моцарт начали сочинять, симфонии игрались как отдельные части перед другими произведениями, между ними или как интермедии внутри других произведений, и многие из них длились всего десять или двенадцать минут; у инструментальных групп были разные стандарты игры, и «континуо» было центральной частью создания музыки. За прошедшие годы социальный мир музыки претерпел кардинальные изменения: международные публикации и гастроли резко выросли, начали формироваться концертные общества, обозначения стали более конкретными, более описательными, а схемы произведений были упрощены (тем не менее стали более разнообразными в их точной разработке).В 1790 году, незадолго до смерти Моцарта, его репутация быстро распространялась, и Гайдн был готов к ряду успехов, включая его поздние оратории и «лондонские» симфонии. Композиторы Парижа, Рима и всей Германии обращались к Гайдну и Моцарту за своими идеями о форме.

Момент снова настал для драматических перемен. Десятилетие 1790-х ознаменовалось появлением нового поколения композиторов, родившихся примерно в 1770 году, которые, хотя и выросли на более ранних стилях, нашли в недавних произведениях Гайдна и Моцарта средство для большего самовыражения.В 1788 году Луиджи Керубини поселился в Париже, а в 1791 году написал оперу «Лодойска», которая принесла ему известность. Его стиль явно отражает зрелых Гайдна и Моцарта, а его инструменты придали ему вес, который еще не ощущался в большой опере. Его современник tienne Mhul расширил инструментальные эффекты своей оперой 1790 года «Евфрозин и Корадин», из которой последовал ряд успехов.

Конечно, самым судьбоносным из нового поколения будет Людвиг ван Бетховен, который начал свои пронумерованные произведения в 1794 году набором из трех фортепианных трио, которые остались в репертуаре.Несколько моложе их, хотя в равной степени образованный благодаря юношеской учебе у Моцарта и его природной виртуозности, был Иоганн Непомук Хуммель. Хуммель также учился у Гайдна; он был другом Бетховена и Шуберта и учителем Ференца Листа. Он сконцентрировался на фортепиано больше, чем на любом другом инструменте, и его время в Лондоне в 1791 и 1792 годах ознаменовалось составлением и публикацией в 1793 году трех фортепианных сонат, опуса 2, в котором идиоматически использовались техники Моцарта по избеганию ожидаемой каденции, и Клементи. иногда модально неопределенная виртуозная фигура.Взятые вместе, эти композиторы теперь могут рассматриваться как авангард широких изменений стиля и центр тяжести в музыке. Они изучали произведения друг друга, копировали жесты друг друга в музыке и иногда вели себя как сварливые соперники.

Основные отличия от предыдущей волны можно увидеть в сдвиге мелодий вниз, увеличении продолжительности движений, принятии Моцарта и Гайдна как парадигматических, все более и более широком использовании клавишных ресурсов, переходе от «вокального» письма к «пианистическое» письмо, растущее притяжение минора и модальной двусмысленности, а также возрастающая важность различных сопровождающих фигур для продвижения «текстуры» как элемента в музыке.Короче говоря, поздняя классика искала музыку, которая была бы внутренне более сложной. Рост концертных обществ и любительских оркестров, отмечая важность музыки как части жизни среднего класса, способствовал бурному росту рынка фортепиано, фортепианной музыки и виртуозов, которые служили образцами. Хуммель, Бетховен, Клементи были известны своей импровизацией.

Одно из объяснений смены стиля было выдвинуто Шенбергом и другими: возрастающее значение идеи темы и вариаций в композиционном мышлении.Шенберг утверждает, что классический стиль был одним из «продолжающихся вариаций», где развитие было, по сути, темой и вариациями с большей непрерывностью. В любом случае тема и вариации заменили фугу как стандартное средство импровизации и часто прямо или косвенно включались как движение в более длинные инструментальные произведения.

Прямое влияние барокко продолжало исчезать: фигурный бас стал менее заметным как средство удержания исполнения, практика исполнения середины 18 века продолжала исчезать.Однако в то же время стали доступны полные издания мастеров барокко, и влияние стиля барокко, как его понимал классический период, продолжало расти, особенно во все более и более широком использовании латуни. Еще одна особенность этого периода — рост числа спектаклей, в которых композитор не присутствовал. Это привело к повышению детализации и конкретности обозначений; например, все меньше и меньше «необязательных» частей стояло отдельно от основной партитуры.

Сила этих сдвигов будет полностью очевидна в 3-й симфонии Бетховена, которую композитор назвал «Героическая», что по-итальянски означает «героический». Как и в случае с «Весной священной» Стравинского, он, возможно, не был первым во всех своих нововведениях, но его агрессивное использование каждой части классического стиля отличало его от его современных работ: по длине, амбициям и гармоничным ресурсам.

Влияние классики на более поздних композиторов

Музыкальные эпохи редко исчезают сразу; вместо этого функции со временем заменяются, пока старые не будут восприниматься просто как «старомодные».Классический стиль не столько «умер», сколько трансформировался под тяжестью перемен.

Одним из важных изменений стал сдвиг в сторону гармонии, основанной на «плоских» или субдоминантовых тональностях. В классическом стиле мажор был гораздо более распространен, чем второстепенный, хроматизм смягчался за счет использования «резкой» модуляции, а части в минорном режиме часто использовались просто для контраста. Начиная с Моцарта и Клементи, началась ползучая колонизация субдоминантного региона. С Шубертом это стало полноценной земельной лихорадкой с субдоминирующими движениями, вводимыми в контекстах, в которых более ранние композиторы ограничивались бы доминирующими сменами.(Более полное обсуждение этих терминов см. В разделе «Тональность».) Это внесло в музыку более темные цвета, усилило второстепенный режим и усложнило поддержку структуры. Бетховен будет способствовать этому, увеличивая использование четвертого созвучия и модальной двусмысленности — например, вступление в симфонию ре минор.

Среди этого поколения «классических романтиков» Франц Шуберт, Карл Мария фон Вебер и Джон Филд являются одними из самых выдающихся, наряду с молодым Феликсом Мендельсоном.На их чувство формы сильно повлиял классический стиль, и они еще не были «изучены» (имитируя правила, которые были кодифицированы другими), но непосредственно откликались на работы Бетховена, Моцарта, Клементи и других, когда они встречались с ними. Инструментальные силы в их распоряжении также были вполне «классическими» по количеству и разнообразию, что допускало сходство с явно классическими произведениями.

Однако силы, которым суждено положить конец тяготам классического стиля, набирают силу в произведениях каждого из этих композиторов.Чаще всего упоминается, конечно, гармоническая инновация. Однако также важно уделять больше внимания непрерывной и ритмически однородной сопровождающей фигурации. Лунная соната Бетховена станет образцом для сотен более поздних произведений, в которых подвижное движение ритмической фигуры придает большую драматичность и интерес произведению, в то время как мелодия дрейфует над ним. Шли годы, большее знание произведений, больший инструментальный опыт, увеличивающееся разнообразие инструментов, рост концертных сообществ и непреодолимое господство фортепьяно, которое создало огромную аудиторию для сложной музыки, — все это способствовало переходу к » Романтический «стиль».

Провести границу точно невозможно: есть части произведений Моцарта, которые, взятые по отдельности, неотличимы по гармонии и оркестровке от музыки, написанной 80 лет спустя, и композиторы продолжают писать в нормативных классических стилях вплоть до 20-го века. Еще до смерти Бетховена такие композиторы, как Луи Шпор, называли себя романтиками, включая, например, все более экстравагантный хроматизм в свои произведения. Однако в целом падение Вены как важнейшего музыкального центра оркестровой композиции воспринимается как событие последнего затмения классического стиля, наряду с его непрерывным органическим развитием, когда один композитор учится в непосредственной близости от других.Ференц Лист и Мендельсон, а также Фрдрик Шопен в молодости побывали в Вене, но затем перешли к другим перспективам.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*