Барокко это в искусстве: Барокко — Стиль барокко в живописи

Содержание

Барокко — Стиль барокко в живописи

Одной из самых ярких и понятных характерных черт барочной живописи является ненавязчивая и «свободная» манера письма, в том числе выбор сюжетной линии и манера ее подачи. Так, наряду с библейскими и мифическими сюжетами («Призвание святого Матфея» или «Медуза Горгона», «Блаженство святого Франциска» или «На пути в египетские земли» — Караваджо Микеланджело; «Поклонение пастухов», «Подношение Церере, богине урожая» — Йорданс Якоб), полноценное место занимают портреты, сцены из жизни знати и крестьян и даже пейзажи, например «Зимний пейзаж» и «Две водяные мельницы» Рейсдала Якоба.

Каждый этап развития социума и культуры, как в зеркале, отражается во всех направлениях искусства. Основные черты, отличающие один стиль от другого, прослеживаются не только в произведениях великих мастеров — композиторов, архитекторов, художников, но в свою очередь занимают место в повседневной жизни обывателей, их поведении, в том числе в политике.

Так, конец XVI века, как начало эпохи просвещения и разума, променадов и огненных утех, фейерверков, балов – маскарадов, прогулок на лошадях и всего того, что доставляло массу удовольствия вельможам в противовес голоду и нищете простого люда, — известен под звучным именем «Барокко». Италия, XVI — XVII века. Барокко… Появление этого «непонятного» и «склонного к излишествам» стиля было предсказуемо, на смену рациональному приходит иррациональное, вымышленное и непредсказуемое течение. После Возрождения с его одухотворенностью, научным подходом и «правильным» зерном возникло Барокко – легкое и непринужденное, с яркими картинками и фантастическими сюжетами, контрастами добра и зла, земного и поднебесного, тени и света. И так, своим появлением новое течение в искусстве обязано Италии и ее великим мастерам, сумевшим поломать былые стереотипы в живописи. Обращаясь к переводу слова «Барокко», нельзя однозначно определить его смысл: в итальянском barocco означает «причудливый» или «странный», в португальском perola barroca — это «жемчужина с пороком».
Однако замысел авторов известных полотен, а яркий пример тому картины Караваджо и Рубенса, говорит сам за себя – это динамика изображения, обязательное светлое пятно главного персонажа, пестрота палитры и броскость сюжета.

Караваджо Микеланджело. Призвание Святого Матфея. 1599-1600

Караваджо Микеланджело. Медуза Горгона. 1598-99

Караваджо Микеланджело. Блаженство Святого Франциска  1606 

Караваджо Микеланджело. На пути в египетские земли. 1597

Йорданс Якоб. Поклонение пастухов. 1615

Йорданс Якоб.  Подношение Церере, богине урожая. 1618-20 

Рейсдал  Якоб. Зимний пейзаж. 1670  

Рейсдал  Якоб. Две водяные мельницы и открытый шлюз. 1650

Несмотря на параллельное развитие искусства Барокко в разных странах и наличие схожести основных приемов письма картин, в период XVI – XVII веков в живописи четко наметились разные направления, некоторые из них носят теперь созвучные названия с основоположниками той или иной манеры изображения полотен. Например – караваджизм, — течение в итальянской живописи, характерное контрастной игрой тени и света, наличием полумрака и «угрюмой» обстановки или болонский академизм, как полная противоположность караваджизму, с его традиционными красками, более понятными сюжетами и строгостью. Помимо аллегорических повествований, как упоминалось выше, не меньшее внимание уделялось пейзажному жанру, получившему название «ведута». Несомненно, портретная живопись не оставалась в стороне, и направление Барокко затронуло этот жанр в полном объеме, получив воплощение в парадных портретах французских мастеров Шарля Лебрена, Симона Вуэ и Иасента Риго. Наряду с вымышленной помпезностью и плавностью линий и деализированных героев среди произведений того времени, как противопоставление, были картины с более скупыми красками и резкими линиями. Это творения испанских художников. Пример тому полотна Сурбарана, Веласкеса и Рибера. Это смешение реальности и вымысла, аскетичного и телесного, где-то смешного или, наоборот, угрюмого.

Историки объясняют стремление испанских живописцев разбавить барочную фантазию более приземленным и реальным политическим и экономическим упадком самой Испании. В то время как ее искусство переживало «Золотой век» становления. Опираясь на богатство живописи эпохи Барокко, следующее поколение художников позаимствовало не только манеру письма картин, приемы наложения грубых мазков и плавных переходов в сглаженную текстуру, палитру «грустных» оттенков в контрасте с радужным колоритом, но также ту смелость, с которой художники в своих работах объединяли телесные радости и трагизм бытия в единое целое, в то, что называется единством жизни.

Искусство барокко

Искусство барокко стало художественным отражением противоречий раннебуржуазного периода европейской культуры. Подчеркивая сложную атмосферу времени, барокко соединило в себе, казалось бы, несоединимые элементы. Основные черты барокко отразили его дуализм.
Черты мистики, фантастичности, повышенной экспресии, декоративность удивительно уживаются в нем с трезвостью и рассудочностью, с истинно бюргерской деловитостью. Стиль барокко легко узнается в очертаниях архитектурных сооружений, в изысканной вычурности линий в скульптуре и живописи, в пышности, декоративности, аллегоричности фасадов и интерьеров зданий, в напыщенности языка прозы и поэзии. Совмещая иллюзорное и реальное, барокко является в целом стилем, который отражал преимущественно систему ценностей, идеалов и вкусов дворянства, в первую очередь той его части, которая сохраняла еще известные прогрессивные тенденции. Поэтому этот стиль развивался прежде всего в тех странах, где сохраняли свои позиции феодальные отношения и католическая церковь. Церковное искусство, собственно и было типичным «барокко» в узком смысле этого термина. Зародившись на рубеже XVI-XVII вв. в Италии, барокко распространяется затем в Испании, Португалии, Фландрии, а позднее в Австрии, Англии, Германии, Скандинавии, Новом Свете и России.
Динамизм барочной скульптуры, противостоящей спокойствию и мощи скульптуры Ренессанса, вызывает чувство восхищения своей легкостью. Для искусства барокко важно было не столько тело как таковое, сколько его движение. Если у скульпторов классической Греции и у художников Возрождения боги, пусть идеализированные, изображались как люди, то у мастеров барокко боги оставались богами («Аполлон и Дафна», «Экстаз св. Терезы» Л. Бернини). В архитектуре барокко сохранялась масштабность и гармоничность сооружений, характерных для искусства Возрождения, но в то же время мастера барокко порывают со многими художественными традициями Ренессанса, с его гармоничностью и уравновешенными объемами. Более пышным становится архитектурный декор, усиливается пластическая выразительность. В парадных интерьерах архитектура сливается с многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а плафонная живопись создает иллюзию разверзшихся сводов. Фасады зданий приобретают роскошную, причудливую пластику.
Барокко тяготеет к ансамблю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, бассейны, городские и загородные резиденции строятся на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчиняясь общему декоративному оформлению и архитектурному замыслу, придавая им пышный, парадный и изысканный вид. Таковы ансамбли Верхний Бельведер в Вене, лестницы на пл. Испании в Риме. В живописи преобладают виртуозные, декоративные композиции на религиозные, мифологические или аллегорические сюжеты и парадные портреты. Натюрморт и пейзаж, как самостоятельные жанры, равно как и жанр анималистический, дополняют картину развития изобразительных искусств эпохи. Барокко предпочитает живописное пятно, массу, светотеневые контрасты, с помощью которых и создается форма. Барочный стиль нарушает принципы линейной перспективы, разработке которого отдали столько сил и энергии художники раннего Возрождения, чтобы усилить глубинность, иллюзию ухода в бесконечность. Идеализация образов, безудержные гиперболы сочетаются в живописи барокко с бурной динамикой, оптическими эффектами, реальность — с фантазией, религиозная страсть — с подчеркнутой чувственностью.
В Италии творили братья Карраччи, Л. Бернини, А. Маньяско, Дж. Б. Тьеполо, М. Караваджо, в Испании расцвет живописи барокко связан с именами Эль Греко и Б. Мурильо, некоторые черты барокко проступали в реалистической живописи X. де Риберы и Ф.Сурбарана. Во Фландрии рожденное революцией миропонимание внесло реалистические начала в творчество П. П. Рубенса, А. ван Дейка, Я. Йорданса. В Голландии реализм проступал сквозь барокко в творчестве Ф. Хальса, Рембрандта. В литературе искусство барокко вдохновлялось идеей разума, продолжая в этом направлении ренессансные традиции, но оно уже не верило в силу, в закономерность прогресса. Человек — песчинка в вихре истории, его жизнь полна трагических случайностей. Такова ведущая нить, в частности испанской барочной литературы, нашедшая выражение в лирике Л. Гонгоры, пьесах П. Кальдерона, итальянца Дж. Марино. Барочная литература построена на контрасте. Появляются реалистические произведения, описывающие новый «мир денег» («Буржуазный роман» А. Фюретьера).
Получает развитие жанр литературной сказки (Ш. Перро). Возрождается басня (Ж. де Лафонтен).

В музыке барокко гораздо рельефнее и непосредственнее, чем в других видах искусства, сказывалось переплетение различных по своим истокам идейно-художественных принципов. Этот стиль в музыке отличается, с одной стороны, стремлением к глубокому отображению внутреннего мира человека, к драматизму и синтезу искусств (опера, оратория, кантата), с другой — к освобождению от союза со словом (развитие инструментальных жанров). В русле барокко зародился оперный жанр. Как и в литературе, барочный стиль в музыке отличается своей манерностью, «капризностью», витиеватостью (А. Вивальди). Он особенно ярко проявился в итальянской музыке (Дж. Габриели, М. А. Чести, Дж. Фрескобальди).

Время барокко — время взаимодействия различных видов искусства, когда «поэзия понималась как говорящая живопись, а живопись как немая поэзия». Это было время театрализованных церемоний, высокопарных од, витиеватых речей, аллегорий и гипербол, эмблем и метафор. Во всем жило иносказание.

Осознание несовершенства действительности, стремление противопоставить ей идеальный образ мира, соответствующий современным представлениям о разумном мироустройстве, вызвали к жизни рождение второй стилевой системы — классицизма.

 

 

 

 

 

Понравилась статья? Отправьте автору вознаграждение:

Арт-студия «Ветер перемен»: Барокко в современном искусстве

За последние сто лет мир пережил несколько масштабных возвращений исторических эпох. Прошлый век был особенно богат на реальные и выдуманные параллели…

«Барокко вернулось!» Да, но в наше время барокко проявляется непрямо, а в виде метафоры и очень редко — стилизации.

«Жемчужина с пороком» – искусствоведы нередко так называют стиль барокко. Серия работ Cockaignesque, сделанная немецким фотографом Хеленой Собиральски (Helen Sobiralski), сочетает в себе и жемчужную красоту, и порочную утонченность. Роскошь, стремление к пышности и богатству, внутренняя напряженность и динамичность образов – все это черты, отличающие картины этого молодого дарования.
 

Барокко — это вычурность и сложность, неестественность и нечеловеческая пышность форм… Это утонченная извращенность: под внешним благолепием бушуют жутковатые страсти. Барокко  — это застывшая гротескная выдумка, это динамический сюжет с острохарактерными лицами, это захваченные лучом зрения художника эмоции… 

Каким бы было барокко, отразившись оно в фэнтези? Ответ мы найдем в картинах и иллюстрациях Шона Мюррея.
Барокко — это искусство без героя… 
Замысловатые барокко-скульптуры Криса Кукси (Kris Kuksi) поражают скоплением мельчайших деталей и персонажей… В барочной картине все равны, ибо составляют непрерывный узор мускулов и складок…

Живопись Роберта Ферри (Roberto Ferri)  — это удивительный феномен полный символов и образов… Этот современный художник черпает вдохновение в культуре барокко, но смотрит на искусство уже совсем иначе. ..

Ферри — виртуоз, переносящий мечты в реальность. Правда, иногда мечты оборачиваются кошмаром: совершенство его фигур сочетается с деформацией, совершенно фантастическими формами, образы становятся пугающими…  Клавдия Рож (Claudia Rogge), немецкий фотограф, создающая свои произведения из человеческих тел. Её эпические композиции, пропитанные духом барокко, полны внутренней энергией, глубинным смыслом… Сновидение и вымысел — сюжетные константы барокко… Акварельные картины Дэниела Мерриама (Daniel Merriam) приглашают совершить путешествие в мир, где фантазия и реальность столкнулись между собой и взорвались брызгами цвета, форм, символов… Присоединяйтесь! Ваш Ветер перемен

Стиль Барокко в моде и искусстве.

Стиль барокко неправилен, вызывающ, громоздок. Это стиль богатства, богатства, которое не прячут, роскоши, которой не стесняются. Больше золота и больше красок!

Сначала было Возрождение, XV век, век, в который вспомнили культуру Древней Греции, Древнего Рима. Вспомнили о пропорциях, о симметрии, о композиции. Потом пришла эпоха классицизма – всё должно было следовать правилам, всё должно было быть упорядочено, гармонично, выверено, математически точно. Всё должно было быть спокойно и строго. Классика красива, идеально красива, математически красива, но скучна. И миру надоело скучать. В конце XVI века на смену классицизму приходит барокко.

Стиль барокко итальянцы называли «странным» и даже «пошлым». А само слово «барокко» происходит от португальского «жемчужина неправильной формы». Классицизм был правильным во всём, барокко стало не правильным, совершенно и ужасно не правильным. Слишком. Слишком, вот главное слово для стиля барокко.

Николя де Ларжийер. Портрет Людовика XIV с семьёй

Своего расцвета барокко достигнет во Франции при «короле-солнце» Людовике XIV, XVII век, короле, который говорил, что «государство – это я». Абсолютизм – абсолютная, ни чем не ограниченная власть короля, вот ещё одна характеристика той эпохи, эпохи барокко, полная власть и полная роскошь. Плюс церковь. Эпоха Контрреформации, в прошлые века церковь осмелились критиковать, в том числе и за излишнюю роскошь, теперь она вновь встаёт с колен, теперь вновь эпоха роскоши.

Хотите увидеть барокко в архитектуре, мы уже упоминали архитектуру той поры – Версаль, Петергоф, сюда же можно отнести Лувр, сюда же можно отнести Зимний дворец в Петербурге.

Барокко в живописи – это Рубенс, Рембрандт, Веласкес.

Вспомните картины Рубенса – там далеко не худенькие девушки, нет, на них пышные женщины. Пышность в зданиях, на картинах, в одежде, пышность и в теле. Но при этом талия должна быть осиной – пышная грудь и бёдра, но осиная талия. И для этого служили корсеты.

Так при Екатерине Медичи, конец XVI века, придворные дамы при французском дворе должны были иметь талию не более 33 см. Корсеты из китового уса служили и ещё для одной цели – для декольте, в то время в моде было максимально смелое, максимально открытое декольте. В то время в моде также совершенно белая кожа. Никакого загара, ни в коем случае! Дамы даже на улицу выходили со специальной маской, закрывающей лицо, такие маски чаще всего держались в зубах. Кожа должна быть белой, неестественно белой, а платье неестественно ярким. Плюс красная, максимально яркая красная помада на губах.

Атенаис де Монтеспан

Идеал женской красоты эпохи барокко полностью воплощает мадам де Монтеспан (фаворитка короля-солнце Людовика XIV), про которую даже в её эпоху иронично говорили, что она одета в «Золотое золото на золотом».

 Портрет мадам де Монтеспан
фаворитка Людовика XIV

Собственно в литературе эпоху барокко, эпоху роскоши и дворцовых интриг, а также любовных приключения неплохо описывают романы Анн и Серж Голон из серии «Анжелика», есть и несколько фильмов, снятых по этим романам, которые также являются не плохой иллюстрацией эпохи полнейшей и не ограниченной роскоши, эпохи барокко.

 Портрет мадам де Монтеспан
фаворитка Людовика XIV

Наряд женщины эпохи барокко в первую очередь состоял из корсета, без него просто ни как, потом шла нереально пышная нижняя юбка на китовом усе, именно с помощью него она держала свой объём, китовый ус выступал здесь и в роли каркаса. Такие юбки иногда были объёмны до смехотворности, а кавалеры уж точно теперь вынуждены были держаться на почтительном расстояние от своей дамы, ближе они просто не могли подойти. Поверх одевалось платье с длинным шлейфом. Причём нижняя юбка, обязательно более светлая, была видна из под верхней, более тёмной, ведь она, нижняя юбка расходилась в стороны от лифа платья. В эпоху барокко в моду входят туфли на каблуке, а также перчатки, веера, зонтики и ювелирные украшения – обязательно с драгоценными и обязательно с крупными камнями.

Louis XIV. 1682

Мужчинам в эпоху барокко также приходилось не сладко. Они носили штаны до колена, щедро украшенные кружевом рубашки. Кружево, вот ещё один символ эпохи барокко. Плюс длинные и обтягивающие ноги чулки. Мужчины также носили кафтаны длиной до колена с отложенным воротником или жабо. Банты – не мужской атрибут? Поверьте, в эпоху барокко и банты, и кружево были обязательны для мужского костюма. Туфли и те носились с бантами, а также пряжками.

Портрет Джеймса Стюарта, ок. 1637, Антонис ван Дейк

Плюс парики, пышные, напудренные парики носили как женщины, так и мужчины. Такие причёски были неимоверно пышны и не менее неимоверно высокими. А ещё в этих париках очень часто заводилась мошкара или даже мыши, всё зависит от объёма головного убора. И голова в таком одеянии неимоверно чесалась, а для этого были специальные палочки, с помощью которых и дамы, и кавалеры, могли чесать себе голову во время балов и официальных приёмов.

Кстати, также хорошей иллюстрацией к одежде, да и самому духу эпохи барокко могут послужить картины испанского художника Веласкеса, его многочисленные портреты испанских принцесс-инфант. Вот уж истинно барокко.

Porträt der Infantin Maria Teresa im Alter von 14 Jahren

Porträt der Infantin Margarita als junges Mädchen

Philip IV in Brown and Silver

Don Pedro de Barberana y Aparregui, with Calatrava Cross

К XVIII веку стиль барокко изначально сойдя до рококо, затем совсем выходит из моды.

http://mylitta.ru/478-baroque-style.html

http://commons.wikimedia.org

http://whoyougle.ru/texts/baroque-costume-history/

Почему искусство барокко до сих пор удивляет нас иллюзией достоверности и как отличить его от Возрождения по пяти нарушенным правилам

Когда выяснилось, что Земля вращается вокруг Солнца, за океаном лежит неизвестный континент, а Италия пришла в упадок, человек эпохи Возрождения стал терять былое величие. Искусство Ренессанса сменилось стилем барокко. Новые мастера писали не статичную гармонию, а движение и текучесть, не идеализированное тело, а земное и дышащее, не «как есть», а «как кажется».

Диего Веласкес, «Венера с зеркалом». Источник

Новое поколение художников во многом спорило с предшественниками, предлагая принципиально иной взгляд на мир и, соответственно, иной способ его изображения.

Иногда современники отзывались о барочной живописи как о вычурной и напыщенной, «испорченной» по сравнению с живописью Возрождения. В то время как другие охотно платили за работы, которые нарушали канон.

Барокко получило признание как отдельный стиль только в конце XIX — начале XX века, когда уже сошло с авансцены. Основы его изучения заложил швейцарский искусствовед Генрих Вёльфлин. Он изобразил развитие художественной мысли в XVII веке как антитезу Возрождению, противостояние с прошлым, и подчеркивал, что нельзя думать, будто один стиль лучше, совершеннее, правильнее другого — это «кардинально различные способы видеть».

Пользуясь изобретенным Вёльфлином методом формального анализа, постараемся понять, что нового открыло искусство барокко, в чём его очарование и как оно повлияло на последующие эпохи.

Линия vs пятно

Художники Возрождения считали рисунок основой изображения, линию — «водительницей глаза». Зритель, рассматривая полотно, двигается взглядом по контурам предметов, как бы ощупывая их. Живописцы, чтобы усилить этот эффект, прорисовывали границы фигур, отделяя их от фона. При таком графическом способе изображения персонажи и предметы выглядят самоценными, замкнутыми в себе, неподвижными.

Напротив, художники барокко растушевывали контуры, чтобы фигуры выглядели цветными пятнами, «выплывающими» из фона. Лишенные линий-границ, предметы утрачивают неподвижность, сливаются и взаимодействуют, они больше не изолированы друг от друга.

Глаз зрителя, вместо того чтобы двигаться по начертанным контурам, обращается в первую очередь к самым светлым и ярким участкам полотна, где и происходят основные «события» картины.

Благодаря этому возникает эффект жизнеподобия, реалистичности изображения. Ведь в естественных условиях человеческий глаз не видит предметы во всех деталях, как они есть, а выхватывает основное: самое яркое, самое освещенное, то, что движется или интересует нас в данный момент, — остальное мы домысливаем.

Например, на портретах Рубенса детали — элементы одежды, украшения, кружева — кажутся тонко прорисованными. Но если приглядеться, это совокупность красочных мазков, пятен цвета. Питер Пауль Рубенс, «Портрет Елены Фоурмен». Источник

Избавляясь от контуров, с помощью света и тени живописцы барокко достигают эмоциональности и драматизма, несвойственных «классикам». Художник, как сценограф, управляет нашим вниманием, выделяет главное и скрывает второстепенное в полумраке.

Плоскость vs глубина

Плоскостное изображение, свойственное Ренессансу, конечно, не означает отсутствия перспективы и объемности.

На картине присутствуют передний, средний и задний планы как параллельные «слои», которые зритель созерцает фронтально и последовательно. Барочное изображение заставляет смотреть вглубь, «перескакивая» первый слой, переходя сразу к главному.

Скажем, у Вермеера на переднем плане изображена занавеска или стол, а персонажи находятся в глубине картины, на расстоянии от зрителя.

Иоганн Вермеер, «Девушка, читающая письмо». Источник

При этом фигуры располагаются не на одной линии, а диагонально или группами, которые композиционно связывают ближний и дальний планы. Это усиливает впечатление глубины пространства, возникает напряжение и динамика. Освещение, перспектива, элементы пейзажа — всё работает на этот эффект. Изображение оживает, и зритель чувствует себя уже не отрешенным созерцателем, а свидетелем, возможно, невольным, сцены из чужой жизни.

Замкнутая форма vs открытая форма

Замкнутость произведения искусства предполагает, что оно представляет собой единое целое, ограничено самим собою и само себя объясняет. Открытая форма, наоборот, противится ограничению, «выводит глаз за пределы картины», по выражению Вёльфлина.

Иногда кажется, что барочное полотно обрезали не там, где нужно, например, не уместилась нога персонажа: целостность больше не является самоцелью.

Композиция эпохи Возрождения — гармоничная и уравновешенная, части сбалансированы относительно средней оси. Композиция барокко избегает строгого равновесия: справа расположено больше фигур, чем слева, или только одна часть полотна освещена.

Художникам XVII века классическая форма, основанная на геометрии, казалась скучной, придуманной, лишенной жизни. «Расшатывая» композицию, отказываясь от системы осей, они добивались напряжения и подвижности. Чтобы картина выглядела не как картина, а как мгновенный снимок действительности.

В основе тектонического стиля Ренессанса — упорядоченность, пропорциональность и неподвижность. Атектоничность барокко — это раскрытие замкнутой формы, изменчивость, нарушение правил (или их маскировка). Джан Лоренцо Бернини, «Аполлон и Дафна». Источник

Особенно хорошо это заметно в скульптуре Бернини: каменные фигуры как бы вырываются из плена материи и парят в воздухе, сопротивляясь не только правилам искусства, но и законам природы.

Множественность vs единство

На возрожденческой картине отчетливо изображено всё: фигуры, предметы и детали интерьера или пейзажа. Каждый из объектов самостоятелен, его можно «изъять» из картины и рассмотреть отдельно. Художник не жертвует частностями ради целого. Множественность, характерная для Ренессанса, подчиняется строгим правилам гармонии, поэтому композиция выглядит целостной.

Принципиально иначе устроено барочное полотно. Зрителю сразу ясно, куда смотреть, взгляд не блуждает, поскольку художник не дает ему выбора — смысловые акценты уже расставлены. Основное на картине выделяется светом, всё второстепенное уходит в тень, прописано менее тщательно, не обладает самостоятельностью.

Это соответствует, опять же, естественному оптическому восприятию, когда в фокусе зрения оказывается только самое важное, остальное «оживает» в голове смотрящего.

Чтобы композиция не «разваливалась» в отсутствие формальных законов гармонии, живописцы барокко подчиняют элементы одному мотиву, направлению движения, используют светотень, темный фон, связывающий фигуры. Например, даже самые многолюдные полотна Рембрандта оставляют впечатление единства и собранности, изображенные на них группы неразрывно слиты.

Рембрандт, «Ночной дозор». Источник

Ясность vs неясность

Картины времен Ренессанса будто залиты равномерным светом. Этот свет выявляет контуры предметов, позволяет ясно видеть даже мелкие детали, которых мы не заметили бы в естественных условиях. Совершенная форма, изображенная художником, предстает перед зрителем во всём великолепии и дает тщательно рассмотреть себя.

В барокко ясность не самоцель. Задача художника — показать предмет не таким, какой он есть, а таким, каким он кажется. От этого он выглядит более настоящим, почти осязаемым.

Зрительный опыт позволяет нам достраивать фрагменты, на которые живописец только намекает. На религиозных картинах Франсиско де Сурбарана фигуры святых теряются в окружающем мраке, их одежды сливаются с фоном, лица скрыты капюшонами. Однако это не мешает восприятию, напротив, усиливает эмоциональное напряжение.

Франсиско де Сурбаран, «Святой Франциск». Источник

Любовь искусства барокко к оптическому обману, размытию границ, изображению полумрака и тумана предполагает непостижимость мира: как видимого, так и невидимого. Красота, по крайней мере доступная человеку, — в тайне, в ускользании, в постоянной изменчивости.

Историки искусства считают, что рождение барокко — результат мировоззренческого надлома на переходе от Средневековья к Новому времени.
Великие географические открытия, идеи Коперника и Галилея буквально перевернули представление о мире. Ренессансного человека, с его идеалами абсолютной гармонии и ясности, выбросили из центра вселенной на милость загадочной природы. Реформация и Контрреформация, вражда католиков и протестантов порождали чувство богооставленности.

С одной стороны, живопись барокко обратилась к мистическим сюжетам, видениям святых, экстазам и страстям; с другой — к образу простого, приземленного человека. Одни и те же художники писали картины на религиозные и античные сюжеты, портреты монархов, шутов и посетителей трактиров.

Хусепе Рибера, «Портрет Магдалены Вентура». Источник

Художественные приемы, разработанные в эпоху барокко, способы изображать свет и движение позже использовали импрессионисты.

С изобретением фотографии и видеосъемки барочные находки пересадили на новую почву, где они быстро прижились — благодаря способности управлять вниманием и создавать эмоциональные образы. Законы зрительного восприятия, которые виртуозно использовали художники XVII века, остались теми же, что и четыреста лет назад, так что картины Рембрандта и Караваджо по-прежнему восхищают и заставляют спрашивать: как же это сделано?

Западное барокко в российской интерпретации


Интерпретация и понимание барокко в российской научной традиции делает свои первые запоздалые шаги. В данной области много еще неизученного и неясного. Прежде всего, это относится к самому термину «барокко». Наиболее традиционным является выведение данного понятия от итальянского термина “barocco” или “barock”, что означает жемчуг неправильной формы. С таким пониманием были связаны первоначальные негативные оценки произведений барочного искусства, которые высказывали многочисленные противники из числа бурно рождающегося клана классицистов. Другое объяснение термина связано с именем итальянского художника Федерико Бароччи (1526–1612). Существуют и другие варианты, которые все еще нуждаются в объяснении и проверке. Не меньшую трудность вызывает обсуждение вопроса о том, что такое барокко – эпоха в европейской истории или определенный художественный стиль? В отечественной искусствоведческой литературе господствует второе понимание. Но если проводить параллель барокко с Ренессансом, то вполне возможно говорить об эпохе барокко, точно так же, как мы говорим об эпохе Возрождения. Но тогда следует выяснить основные черты этой эпохи и определить, чем она отличается от эпохи Возрождения. К сожалению, такого рода исследования еще только предстоит провести нашим историкам и искусствоведам.

Известную сложность представляет факт, что барокко своеобразно и оригинально развивалось в разных видах искусства – поэзии, музыке и изобразительных искусствах. В каждом из них существовали региональные школы и многочисленные объединения художников. В связи с этим существует известная разобщенность в исследованиях литературоведов, музыковедов и искусствоведов, которые занимаются только своим, узкоспециальным видом искусства, игнорируя связь между собой других его видов. Между тем очевидно, что, несмотря на разнообразие жанровых и национальных форм, барокко обладает и общими чертами, характеризующими процесс развития искусства между Ренессансом и классицизмом. Поэтому успех исследования зависит от того, в какой мере возможен целостный взгляд на барокко как на универсальное явление в европейском искусстве.

Барокко приходит на смену искусству и эстетике Возрождения и в своих теоретических принципах от них отталкивается. Главным принципом эстетики Ренессанса была, как известно, глубокая вера в гармонию как онтологический, так и нравственно-эстетический принцип. Деятели Возрождения – гуманисты, философы, художники, писатели – верили в гармоничное устройств[email protected][email protected] BEрдерной системе, строгой пропорциональности. Так, французский архитектор Фреар де Шамбре осуждает тех «скудоумных» архитекторов, которые «будучи не в силах познать универсальную природу искусства, вынуждены заниматься мелочами, от которых не могут отказаться, поскольку нет у них другой цели и сами по себе они бесплодны: идеи их столь неразумны и низки, что не способны они произвести ничего, кроме декоративных масок, дрянных рамочек и прочих смехотворных гротескных украшений, которыми поистине кишит новая архитектура» [6].   Эта негативная оценка барочной архитектуры сохраняется на протяжении нескольких столетий. Мы встречаем ее даже у такого маститого, но, правда, склонного к эстетству автора, как Бенедетто Кроче. По его словам, «барокко представляет собой нечто вроде уродства в искусстве и поэтому не имеет к искусству никакого отношения: напротив, оно совершенно чуждо искусству, у которого заимствовало облик и наименование, проникло в его сферу и подменило его собой. Не подчиняясь закону художественной цельности, восставая против него или обходя его, барокко очевидным образом подчиняется другому закону, а именно закону наслаждения, комфорта, каприза, иными словами, закону утилитарному или гедонистическому, кому нравится. Поэтому барокко, как все разновидности уродства в искусстве, опирается на практические потребности» [7].

Однако к началу XX в. происходят серьезные изменения в оценке барокко. В этом отношении самым показательным выступлением является книга австрийского искусствоведа Алоиза Ригля «Истоки барочного искусства в Риме» (1897). Автор обращает внимание на достоинства венского барокко, связанного с творчеством архитектора Фишера фон Эрлаха, на развитие барокко в южной Германии, Бельгии и Испании и в других странах Европы. Все региональные стили, по его мнению, вырастают, как из общего корня, из итальянского барочного стиля. Австрийский исследователь отмечает, что барокко берет начало из позднего Ренессанса, что стиль восходит к творчеству Микеланджело и Корреджо. Ригль предлагает и свою периодизацию искусства итальянского барокко. Во-первых, это период до 1630 г., когда определенные черты, свойственные данному стилю, вырабатываются в архитектуре и живописи. Второй период начинается после 1630 г., когда доминирующим видом искусства становится скульптура, и на авансцену выходит творчество Бернини. Иными словами, для Ригля барокко – это серьезное и плодотворное искусство, которое требует своего изучения. «Нет сомнений, – пишет он, – что для искусствоведа углубленное изучение итальянского барочного искусства полезно и плодотворно» [8].

С Алоиза Ригля начинается новая эпоха в искусствознании. Теперь барокко понимается не как система извращенных и произвольных образов, культивирующих уродство и экстравагантность, но как важная страница в истории искусства. Из данного убеждения исходит и швейцарский писатель, историк, искусствовед Генрих Вёльфлин в известной работе «Ренессанс и барокко» (1888). Это – первая книга молодого ученого, открывающего для себя искусство барокко, которое вполне сопоставимо с искусством Возрождения. Данную методологию исследователь сохраняет и в более поздних работах, в частности, в книге «Основные понятия истории искусства» (1915). Правда, признавая правомерность барокко, Вёльфлин сохраняет некоторые традиционные предрассудки в отношении этого искусства. В частности, он утверждает, что «в отличие от Ренессанса барокко развивается без всяких теорий. У этого стиля нет образцов. Создается впечатление, что никто не вступает на новый путь из принципа» [9].  Сегодня суждения подобного рода вызывают естественные сомнения. Если барокко понимать не только как изобразительное искусство, но также как поэзию и музыку, то оказывается, что оно не так уж бедно в теоретическом отношении. В 20–30-х гг. ХХ в. на Западе появились многочисленные публикации по проблемам барокко. К его изучению обращаются видные историки искусства, такие как В.Вайсбах, М.Дворжак, Г.Зедльмайр [10].

В России большой вклад в изучение барокко как определенного исторического стиля внесли ученые Всесоюзного научно-исследовательского института истории искусств АН СССР. В 1966 г. была издана книга «Ренессанс, барокко, классицизм». В статье, посвященной стилю барокко, Б.Р.Виппер, в частности, писал: «Стиль барокко нельзя исчерпать, характеризуя его только как явление упадка, разложения, деградации традиций Возрождения. Барокко имеет и реакционные, и прогрессивные тенденции; разрушая многие классические традиции, барокко вместе с тем создает новые ценности, обладающие непреходящим значением» [11].

Крупным отечественным знатоком европейского барокко был литературовед И.Н.Голенищев-Кутузов (1904−1969). Он вернулся в Россию из Югославии после Второй мировой войны и издал на родине несколько книг, посвященных итальянской литературе. В частности, книгу о Данте и о средневековой литературе Италии. Мы познакомились в начале 1960-х гг., когда я принимал участие в подготовке к печати антологии по эстетике в пяти томах с пространным названием «История эстетики. Памятники мировой эстетической мысли». Как составитель и редактор я издал три тома, как мне кажется, самые интересные. В то время Академия художеств едва ли стала бы сотрудничать с эмигрантом, только что вернувшимся в Россию из-за границы, – ксенофобия была в крови у советских чиновников от культуры. Пойдя против течения, для второго тома этого издания я заказал Голенищеву-Кутузову материалы по Италии XVII–XVIII вв. Он прекрасно справился с работой и, главное, отметил положительное значение барокко для развития всей европейской культуры. «В XIX веке, – писал он, – историки культуры сузили понятие “барокко”, ограничив его изобразительными искусствами, но в ХХ веке этот термин стал применяться и к литературе… Писатели и теоретики барокко не отреклись от имени гуманистов, ощущали связь с XVI веком, но и в то же время повторяли, что несут новое восприятие мира, отличное не только от ренессансного, но и от античного… Вёльфлин в конце прошлого века предложил несколько основных принципов для понимания искусства барокко. У художников и скульпторов барокко он видел переход от “линейного” изображения к живописному. Само ощущение форм приходит с поверхности предметов в глубину, сливаясь с бесконечностью. Прямая линия нарушается, восприятие плоскости исчезает, изогнутая линия стремится к бесконечности. Это мир не Птоломея, а Бруно» [12].

Таким образом, И.Н. Голенищев-Кутузов рассматривает поэтику барокко в синтезе с изобразительным искусством, что делает целостной его интерпретацию искусства XVII в. Исследователь обратил внимание на теоретические источники, подготовил для антологии по эстетике переводы теоретиков барокко (Дж.Марино, Э.Тезауро, Д.Бартоли), показал оригинальность их мысли в сравнении как с ушедшим Возрождением, так и с наступающим классицизмом. Его вклад в понимание культуры и эстетики XVII в. является весьма значимым и весомым.

В заключение краткого обзора публикаций, посвященных стилю барокко, хочется упомянуть одно из немногочленных последних отечественных изданий. Это книга Александра Якимовича «Новое время. Искусство и культура XVII–XVIII веков» (2004), в которой автор пространно пишет о барокко как художественном стиле в искусстве. Для него это искусство вседозволенности, нарушения меры, культурных и художественных норм.

Бурное развитие барокко происходило по двум главным линиям. Прежде всего, это было движение на Запад – из Италии во Францию, Испанию, Англию. Но был еще один вектор – восточный, благодаря которому барокко распространялось в страны Восточной Европы – Польшу, Украину, Россию. Мы не имеем никаких документальных свидетельств о теоретических идеях восточного барокко, но очевидно его влияние на архитектуру, поэзию и даже политическую мысль этих стран.

В XVII и XVIII вв. барочная архитектура получила широкое распространение в России, в частности, в Москве и Санкт-Петербурге. Строительство северной столицы в период царствования Петра I было ориентировано на парадные и торжественные формы, связанные с прославлением нарождающейся национальной идеи. В переводах и изданиях западных архитектурных трактатов в Петровскую эпоху появились приложения, которые способствовали адаптации мировой архитектуры к русским условиям. «Издание трактата Виньолы способствовало быстрому распространению ордерной архитектуры в том ее понимании, которое было характерно для позднего Возрождения, близкого к барокко, когда ордер утрачивал конструктивный смысл, превращаясь в декоративную систему. Такая ордерная архитектура, удовлетворявшая правительство своей новизной и представительностью, как нельзя лучше отвечала бытовавшему дотоле пониманию ордера» [13].

Современные историки искусства отмечают, что барокко было влиятельно в странах северной и восточной Европы, в частности, в России. Как пишет Виктор Тапье в книге «Барокко и классицизм» (1986), «в протестантских странах барокко не прижилось по сходным причинам, обусловленным в данном случае потребностями торговой экономики, привычкой к расчету и прогрессом математических наук, что в целом создавало совершенно иную форму интеллектуальной жизни и приверженность к иным религиозным концепциям. Весьма знаменательно, что общества домениального характера – такие как Россия после Смутного времени или колониальные страны Америки – с энтузиазмом принимали барочное искусство» [14]

Барокко, как восточное, так и западное, развивалось в борьбе и в соревновании с классицизмом, который претендовал на общеевропейское господство в художественной культуре. Классицизм апеллировал к республиканским добродетелям, символам античной демократии, достижениям греческого и римского искусства. Он был востребован в равной степени республиканскими странами и абсолютными монархиями. В конечном счете, классицизм победил, он стал господствующей доктриной как в искусстве, так и теории. Этому способствовали и программы многочисленных академий искусств, которые были основаны в Европе. Они превратились в инструмент государственного контроля над искусством. Барокко подверглось осмеянию как эксцентрическая теория искусства, а в последующем и просто замалчиванию. Но при этом классицисты, провозгласив незыблемость художественных правил и норм рассудочного ума, утратили глубину понимания мира, связь с воображением и чувством. Хочется надеяться, что в будущем историческая роль барокко в становлении европейской культуры будет восстановлена. Похоже, что сбывается предсказание Якоба Буркхардта, который в книге о Рубенсе писал, что в будущем барочное искусство будут воспринимать с большим вниманием и симпатией. Но для этого необходима серьезная систематическая работа по собиранию и анализу документов эпохи барокко. Реставрация здания Российского института культурологии, построенного в стиле барокко, – один из шагов в данном направлении.
 
 

Как отличить стили барокко и рококо: dombusin — LiveJournal

Если барокко достаточно легко отличить от классики по трем характерным признакам, то с рококо не все так однозначно.

По сути, стиль рококо – это вырождающееся барокко, на излете царствования, его даже не всегда отделяют от барокко. И это потому, что стиль рококо касается, в основном, интерьеров и живописи, в архитектуре он не так значителен.

Стиль рококо начался после смерти Короля-Солнце Людовика XIV. Если слово «барокко» пошло от названия жемчуга неправильной овальной формы, то рококо – от французского «рокайль», что значит – скальный или ракушечный.

Это от того, что стиль рококо зародился как оформительский для декора вошедших в моду парковых дворцовых гротов и павильонов. Барокко – стиль широких гуляний знати, а рококо – камерных собраний утонченного общества.

В целом, для рококо характерны все черты, присущие барокко – раскреповка ордера, овальные формы, много скульптуры. Но есть три достаточно простых признака, по которым можно уверенно сказать, что интерьер дворца относится уже к стилю рококо, а значит, датируется после 1720 года.

Во-первых, цвет. Барочные цвета – насыщенные, тяжелые, темные: бордово-красный, темно-изумрудный, горчично-бежевый.
Цвет рококо – пастельный, прозрачный: сиреневый, розовый, салатовый, голубой.


Слева — барокко (Зимний дворец), справа — рококо (Гатчинский)

Во-вторых, настроение интерьера и качество лепнины. Барочные формы крупные и контрастные, все эти завитки, волюты, картуши, огромные массивные скульптуры, покрытые широкими мазками позолоты. Масса, строгая симметрия, напыщенность во всем, огромные помещения, массивная мебель.

Лепнина рококо – тонкая, ажурная, преобладают изящные асимметричные растительные мотивы, линии позолоты тонкие и деликатные. Небольшие комнаты с низкими потолками, камерность, игривость и легкость.

В интерьерах появляется много деревянных панелей, покрытых тончайшей резьбой, мебель тоже причудливая, витиеватая, с ломаными линиями и асимметрией, прихотливо гнутыми ножками и мелким растительным декором.


Слева — барокко (церковь Папы Климента), справа — рококо (Ораниенбаум)

В-третьих, живопись, отражающая настроения и моду своего времени. Интересная и простая деталь – в живописи рококо появляется яркий румянец на лицах героев, ранее считавшийся неприличным, а теперь символизирующий юность.

Рококо – это пасторали, галантность и игривость. Небольшие парички, стройность, женственность, жеманность, часто чуть более короткие юбки, не скрывающие щиколотки дам.


Стиль рококо в живописи. Франсуа Буше, «Геракл и Омфала» (1730) и Маркиза де Помпадур (1759)

Искусство барокко, введение — Smarthistory

Джан Лоренцо Бернини, Вид на Кафедру Петри (или кафедру Святого Петра), 1647-53 гг., Позолоченная бронза, золото, дерево, витражи (Апсида базилики Святого Петра, Ватикан, Рим) (фото: Стивен Цукер, CC BY-NC-SA 2. 0)

Рим: От «Вавилонской блудницы» до блистательной невесты Христовой

Когда Мартин Лютер прикрепил свои 95 тезисов к дверям Виттенбергского собора в 1517 году, протестуя против коррупции католической церкви, он инициировал движение, которое изменило религиозный, политический и художественный ландшафт Европы.В следующем столетии Европа будет в смятении, поскольку будут определены новые политические и религиозные границы, часто в результате кровавых военных конфликтов. Только в 1648 году, с подписанием Вестфальского мирного договора, конфликты между протестантами и католиками в континентальной Европе утихли.

Мартин Лютер сосредоточил свою критику на том, что он считал церковной алчностью и злоупотреблением властью. Он называл Рим, резиденцию папской власти, «блудницей Вавилона», украшенной дорогими предметами искусства, величественной архитектурой и роскошными банкетами.Церковь отреагировала на кризис двумя способами: внутренним решением проблемы коррупции и защитой доктрин, отвергнутых протестантами. Таким образом, если первые два десятилетия XVI века были периодом щедрых расходов папства, то средние десятилетия были периодом жесткой экономии. Как заметил один посетитель Рима в 1560-х годах, весь город превратился в монастырь. Днем правили благочестие и аскетизм.

Вид на часовню Черази в Санта-Мария-дель-Пополо в Риме с алтарем Аннибале Карраччи, Успение Богородицы , 1600-01, холст, масло, 96 × 61 ″, и картины Караваджо на боковых стенах ( The Распятие св.Петр слева и Обращение Павла справа)

К концу XVI века католическая церковь снова почувствовала оптимизм и даже торжество. Он вышел из кризиса с новой силой и ясностью цели. В центре внимания стояло пастырство верных — наставление их о католических доктринах и вдохновляющее добродетельное поведение. Стремясь восстановить репутацию Рима как священного города, папство предприняло масштабные кампании по строительству и декорированию, направленные на подчеркивание его древнего происхождения, его верований и санкционированного Богом авторитета. В глазах верных католиков Рим был не неверной блудницей, а чистой невестой, красиво украшенной для союза со своим божественным супругом.

Искусство убеждения: наставлять, восхищать, двигать

В то время как протестанты резко критиковали культ изображений, католическая церковь горячо восприняла религиозную силу искусства. Церковь утверждала, что изобразительное искусство играет ключевую роль в руководстве верующих. Они, безусловно, были так же важны, как письменное и устное слово, и, возможно, даже более важны, поскольку были доступны как ученым, так и необразованным.Чтобы быть эффективным в своей пастырской роли, религиозное искусство должно было быть ясным, убедительным и мощным. Он должен был не только наставлять, но и вдохновлять. Он должен был побудить верующих ощутить реальность жертвы Христа, страдания мучеников, видения святых.

Караваджо, Терновый венец , 1602-04, холст, масло, 165,5 x 127 см (Художественно-исторический музей, Вена)

Акцент церкви на пастырской роли искусства побудил художников экспериментировать с новыми и более прямыми способами привлечения зрителя. Художники, такие как Караваджо, обратились к мощному и драматическому реализму, подчеркнутому смелыми контрастами света и тьмы, и сильно обрезанным композициям, которые усиливают физическую и эмоциональную непосредственность изображенного повествования.

Другие художники, такие как Аннибале Карраччи (который также экспериментировал с реализмом), в конечном итоге остановились на более классическом визуальном языке, вдохновленном яркой палитрой, идеализированными формами и сбалансированными композициями Высокого Возрождения (см. Изображение выше). Третьи, такие как Джованни Баттиста Гаулли, обратились к смелым подвигам иллюзионизма, которые стерли границы не только между живописью, скульптурой и архитектурой, но и между реальным и изображаемым мирами.При этом божественное стало физически присутствующим и осязаемым. Будь то шокирующий реализм, динамичное движение или пышный орнамент, искусство семнадцатого века призвано произвести впечатление. Он направлен на то, чтобы убедить зрителя в истинности своего сообщения, воздействуя на чувства, пробуждая эмоции и активируя, даже разделяя пространство зрителя.

Джованни Баттиста Гаулли, также известный как il Baciccio, Триумф имени Иисуса , 1672–1685, потолочная фреска Il Gesù (Рим, Италия)

Католические монархи и их территории

Монархи Испании, Португалии и Франции также использовали более изысканные элементы искусства семнадцатого века, чтобы прославить католицизм.В Испании и ее колониях правители вкладывали огромные средства в замысловатые церковные фасады, потрясающие, покрытые золотом часовни и кущи, а также поразительно реалистичные полихромные скульптуры.

В испанских Нидерландах, где священное искусство сильно пострадало в результате протестантского иконоборчества (уничтожения искусства), гражданские и религиозные лидеры отдавали приоритет украшению церквей, поскольку регион вернул себе католическую идентичность. Ремонт алтарей церквей Антверпена долгие годы занимал мастерскую Питера Пауля Рубенса.Европейские монархи также использовали этот художественный словарь, чтобы провозгласить свою власть и статус. Людовик XIV, например, заказал великолепные здания и сады Версаля как визуальное выражение своего божественного права на власть.

Питер Пауль Рубенс, Возвышение Креста , 1610, дерево, масло, 15 ′ 1-7 / 8 ″ x 11 ′ 1-1 / 2 ″ (первоначально для Saint Walpurgis, Антверпен (разрушен), теперь в Антверпенском соборе )

Протестантский Север

В протестантских странах, особенно в недавно обретшей независимость Голландской республике (современная Голландия), художественный климат радикально изменился после Реформации.Два из самых богатых источников покровительства — монархия и церковь — теперь исчезли. На их месте возник все более процветающий средний класс, стремящийся выразить свой статус и новое чувство национальной гордости через покупку произведений искусства.

К середине 17 века возник новый рынок, отвечающий художественным вкусам этого класса. Теперь возник спрос на картины меньшего масштаба, подходящие для показа в частных домах. Эти картины включали религиозные сюжеты для личного созерцания, как это видно на пронзительных картинах Рембрандта и репродукции библейских повествований, а также портреты, запечатлевшие индивидуальные сходства.

Джудит Лейстер, Автопортрет , ок. 1630 г., холст, масло, 651 x 746 см (Национальная художественная галерея, Вашингтон)

Но самым большим изменением на рынке стало резкое увеличение популярности пейзажей, натюрмортов и сцен повседневной жизни (известных как жанровая живопись). Действительно, распространение этих предметов как независимых художественных жанров было одним из самых значительных вкладов 17 века в историю западного искусства.

Во всех этих жанрах художники проявляли живой интерес к воспроизведению наблюдаемой реальности — будь то свет на голландском пейзаже, мгновенное выражение лица или различные текстуры и материалы предметов, которые голландцы собирали, когда жали выгоды от их расширяющейся торговой империи.Эти работы продемонстрировали такую ​​же художественную виртуозность и физическую непосредственность, как и величественные украшения дворцов и церквей католической Европы.

В контексте европейской истории период с ок. 1585 до с. 1700/1730 годы часто называют эпохой барокко. Слово «барокко» происходит от португальского и испанского слов, обозначающих большую жемчужину неправильной формы («barroco» и «barrueco» соответственно). Критики восемнадцатого века были первыми, кто применил этот термин к искусству 17 века.Это не было похвалой. В глазах этих критиков, сторонников сдержанности и порядка неоклассицизма, работы Бернини, Борромини и Пьетро да Кортона казались причудливыми, абсурдными, даже болезненными — другими словами, деформированными, как несовершенная жемчужина.

Франсиско де Сурбаран, Святой Франциск Ассизский Согласно видению Папы Николая V , ок. 1640 г., холст, масло, 110,5 x 180,5 см (Национальный музей искусства Каталонии, Барселона, Испания)

«Барокко» — слово, стиль, период

г.

К середине 19-го века это слово утратило уничижительный смысл и использовалось для описания декоративных и сложных качеств, присутствующих во многих образцах искусства, музыки и литературы 17-го века. В конце концов, этот термин стал обозначать исторический период в целом.

В контексте картины, например, суровый реализм алтарей Сурбарана, тихая интимность домашних интерьеров Вермеера и сдержанный классицизм пейзажей Пуссена — все это «барокко» (теперь с большой буквы «B» для обозначения исторического периода. ), независимо от отсутствия стилистических черт, изначально связанных с этим термином.

Ученые продолжают спорить о правомерности этого ярлыка, признавая полезность наличия ярлыка для этого особого исторического периода, а также признавая его ограниченность в характеристике разнообразия художественных стилей, присутствовавших в 17 веке.


Дополнительные ресурсы:

Рим в стиле барокко на временной шкале истории искусств в Хайльбрунне Метрополитен-музея

Аннибале Карраччи на временной шкале истории искусств в Хайльбрунне Метрополитен-музея

Для преподавателей: план урока по теме «Учебные материалы по истории искусств»


Smarthistory изображений для преподавания и обучения:

Больше изображений Smarthistory…

Введение в искусство и художники барокко

На протяжении 17-18 веков европейские архитекторы и художники перенимали все более общий стиль. Этот подход, известный как барокко, отличается чрезмерной эстетикой, призванной внушать трепет и пробуждать воздушность.

В наши дни период барокко остается одним из важнейших культурных движений в истории западного искусства.

Что такое барокко?

Это португальский термин для обозначения жемчужины неправильной формы, названной в честь «Барроко». Период барокко определяется богатством искусства и архитектуры, а также величием. Стиль барокко характеризуется явными деталями и преувеличенными движениями, используемыми для создания драмы, изобилия и славы в скульптуре, живописи, архитектуре, литературе, танцах и музыке.Иконография в стиле барокко была прямой, драматичной и видимой, направленной прежде всего на эмоции и чувства.

Техника светотени — известная черта искусства барокко. Техника относится к взаимодействию между темным и светлым и обычно используется в картинах с тускло освещенными сценами для создания профессиональной атмосферы и высокой контрастности. Техника светотени видна в картине Питера Пауля Рубенса «Избиение младенцев». К другим критическим художникам эпохи барокко относятся Караваджо, известный своими работами, характеризующимися крупным планом и сильными диагоналями, и , Рембрандт .

Когда был период барокко?

В начале 17 века в Италии начался период барокко, который в некоторых местах Европы длился более века. Как стиль, произведения искусства в стиле барокко сочетают в себе красивые детали, драматические композиции и насыщенный сюжет, чтобы дать зрителям яркие визуальные впечатления.

Фрески и картины в стиле барокко часто появляются в соборах и церквях по всей Италии и в остальной Европе, главным образом потому, что Римско-католическая церковь 17 века осознала, что этот стиль искусства можно использовать для усиления церкви и демонстрации силы и мощи. орган власти.

1. Караваджо, Италия

Первым художником эпохи барокко можно назвать Караваджо . Караваджо обычно работал в Риме. В такой картине, как «Призвание святого Матфея» (1599–1602), Караваджо повествует историю своего времени, а не времени Христа. Картина была разделена на две части. Правая фигура образует вертикальный прямоугольник, а фигура слева — горизонтальный блок. Рука Христа и их одежда еще больше различают обе стороны.

Цифры, показанные в Призвание Св. Матфея , похожи, если они не моделируются этими людьми в других произведениях, таких как Кардарпс. Кажется, что эта картина вызвала у Караваджо проблемы с размерами, и поэтому он использовал эту картину, чтобы придумать решение для рисования с натуры грандиозных, сложных многофигурных композиций. Фигуры окутаны тенью, и это единственный яркий свет, который освещает стену, но также подчеркивает факт Святого Матфея и сидящую группу, которая освещает холст.

2. Диего Веласкес, Испания

В 1600-х годах Испания также пережила золотой век. И в искусстве, и в литературе простой и откровенный реализм появился на рубеже веков. Самым знаменитым испанским художником того периода был Диего Веласкес . «Яйца для старух» Веласкеса поражает своим потрясающим изображением различных поверхностей, непоколебимым натурализмом и текстурами, и, прежде всего, своей таинственной созерцательной атмосферой.

Овальная конструкция композиции картины открывается, чтобы включить зрителей, вовлекая их в действие картины. В некоторых своих работах Веласкес использует различные техники, чтобы размыть границу между пространством зрителя и пространством картины, например, вытягивая объекты за пределы картинной плоскости. Эта концепция соэкстенсивного пространства знакома в искусстве барокко, особенно в творчестве таких художников, как Бернини или Караваджо. Цель этой и других картин, скорее всего, заключалась в том, чтобы продемонстрировать мастерство Веласкеса в изображении поверхностей и напряжений.Человеческие фигуры, возможно, второстепенны по сравнению с этими мастерскими отрывками из натюрмортов. Картина наполнена различными материалами: керамика, лен, масло, медь, латунь, фрукты, яичная скорлупа и многое другое.

Как и в большинстве его ранних картин, в Старушка готовит яйца Веласкес использует ограниченную палитру грязных, землистых цветов: коричневые, темно-красные и желтые, кремовые и черные. Фон оставлен в самых чернильных, мрачных тенях, создавая драматический театральный эффект.

3. Клод Лоррен, Франция

Одним из величайших французских художников периода барокко был Клод Лоррен . Картина Клода Лоррена «Зачарованный замок» берет свое начало из «Золотого осла» древнеримского писателя Апулея (книги IV-VI).

Не зря картина, технически названная «Пейзаж с Психеей за пределами Дворца Купидона», стала известна как «Зачарованный замок»: у картины есть жуткое, потустороннее качество, которое переносит зрителя в другие миры.

Одноименный замок на картине Клода такой же бесплотный и необычный, как и замок, описанный в сказке Апулея, который римский автор описал как «построенный божественным искусством». Замок представляет собой смесь стилей, в том числе роскошного барокко и утонченного классицизма эпохи Возрождения, что является необычным штрихом фантазии для художника, чьи другие картины населены классическими предметами старины.

4. Питер Пауль Рубенс, Бельгия

Питер Пауль Рубенс лучше всех выразил ценности искусства Фландрии в Нидерландах.Его картина «Христос на кресте» изображает смерть Христа.

Рубенс создает для этого произведения уникальную композиционную технику. В нынешнем месте всегда были три креста, на которых Христос часто располагался спереди или посередине, что делало его центром внимания. На этой картине кресты расположены под наклоном справа налево и скручены в разных ракурсах. Такие предметы, как святой Иоанн у подножия креста и вор справа в искривленной позе, все служат для того, чтобы направить наш взгляд на Христа как на центр внимания.Фигуры отображаются в различных плоскостях справа налево. Копье Лонгина также направляет взгляд, как и копья на заднем плане.

На картине « Христос на кресте » Рубенс запечатлел свет с мастерством красок. Его можно увидеть, используя великолепные тона красных, темно-коричневых и подчеркнутых телесных тонов, чтобы подчеркнуть его фигуру. Рубенс все еще пытался определить резкое освещение с помощью своих цветовых схем в этой работе.

5.Йоханнес Вермеер, Нидерланды

Йоханнес Вермеер специализировался на росписи интерьеров простых семей среднего класса в своем родном городе Делфте. Вермеер известен своим вкладом в мир искусства и своими техническими талантами в 17 веке. Он обладал талантом кьяроскуро и реалистичной живописи и черпал вдохновение в эпохе итальянского барокко.

Его картина « Девушка с жемчужной серьгой » была изменена только во второй половине двадцатого века.Его интенсивное использование его фирменного ультрамарина можно найти в этой работе. Он используется не только в верхней части тюрбана, но и на конце ткани, свисающей со спины сидящего.

Vermeer перенимает голландский обычай темного фона, который позволяет художникам создавать трехмерный эффект выделенного объекта. Темный фон помог художнику быть более гибким в своей технике и дал им свободу использовать различные контрасты освещения. Историки искусства выяснили, что Вермеер использовал оттенок зеленой охры в качестве грунтовки в картине, которая помогала подчеркнуть яркие цвета фигуры.

Барокко в новое время

Стиль барокко вдохновил архитектурный стиль изящных искусств, который развился в 19 веке и использовался в некоторых современных зданиях. Стиль барокко привел к появлению некоторых величественных достопримечательностей в современной Европе, таких как площадь Святого Петра в Риме, Кастельяна на Мальте, Национальный дворец Келуш в Португалии, Королевский дворец Ла Гранха в Испании, приходская церковь Святой Анны в Будапеште и церковь Св. Георгия в Румынии.

Репродукция картины Девушка с жемчужной сережкой Видео:

Эпоха барокко — Общество шедевров

Загрузите БЕСПЛАТНО 8-страничное исследование Renaissance Era Unit Study , присоединившись к нашему списку адресов электронной почты здесь.

«Период барокко» начался в Риме, Италия, около 1600 года и распространился по Европе, закончившись в 1750 году. Слово барокко относится к чему-то экстравагантно богато украшенному, продуманному или замысловато детализированному по стилю, будь то живопись, скульптура , архитектура, музыка, литература или мода.

Этот период в истории начался, когда католические папы начали финансировать строительство величественных соборов с великолепными архитектурными особенностями, чтобы привлечь больше людей.

Среди известных художников, живших в период барокко, были: Рембрандт, Веласкес, Караваджо, Рубенс, Вермеер, Ван Дейк, Пуссен и другие.

Но период барокко не только дал нам прекрасных художников, мы также приобрели некоторых из самых выдающихся композиторов всех времен, таких как Бах, Вивальди, Гендель и Пахельбель.Это было поистине время роста и расширения всех областей искусства.

Стиль барокко распространился из Италии во Францию, а затем и в другие части Европы. Представление о том, что монархи в этих странах управляются «божественным правом» от Бога, было широко распространено.

В католических странах искусство носило преимущественно религиозный характер. В то время как в протестантских странах религиозное искусство и изображения были запрещены. Следовательно, картины в этих странах состояли из портретов, натюрмортов, пейзажей и сцен из повседневной жизни.

Это было в Голландии или Нидерландах, где писал Рембрандт, поэтому мы относим его к категории Голландское барокко , которое часто называют «Золотым веком Голландии».

Новые методы в искусстве

Новые художественные техники, начатые или усовершенствованные в период барокко:

  1. Chiaroscuro , или «свет и тьма» — использование света и тени в картинах для создания округлых скульптурных фигур. Это не обязательно была новая техника, поскольку да Винчи использовал ее в эпоху Возрождения, однако художники эпохи барокко усовершенствовали и широко использовали ее.
  2. Tenebrism от итальянского слова «тенеброзо», что означает «темный». Этот метод, подобный светотени, характеризуется глубокими тенями — обычно полностью черным фоном — на контрасте с сильно освещенным передним планом, освещенным от одного источника света.
  3. Impasto итальянское слово, означающее «тесто» или «паста», — это техника, при которой краска наносится толстым слоем на холст таким образом, чтобы мазки кисти оставались видимыми. Импасто приобрело свое значение в период барокко и использовалось Рембрандтом, Веласкесом и другими для изображения состарившейся, морщинистой кожи, сверкающих драгоценностей, богатых тканей или блестящих доспехов.

Сравнение
искусства эпохи Возрождения и барокко

Искусство периода барокко характеризуется драматизмом, насыщенными, глубокими цветами и интенсивными светлыми и темными тенями. Обстановка была экстравагантной с замысловатым орнаментом.

Художники стремились запечатлеть кульминацию или наиболее драматическую точку события. Они показали происходящее действие, которое должно было вызвать сильные эмоции и страсть. Они хотели привлечь зрителя к сцене как участника.

В то время как искусство эпохи Возрождения имеет четко определенные плоскости, каждая фигура помещена изолированно друг от друга, искусство барокко имеет непрерывное наложение фигур и элементов.

Общие темы в искусстве барокко включают грандиозные видения, экстазы и обращения, мученичество и смерть, яркий свет и напряженные психологические моменты. Период барокко превратил искусство в грандиозное и изысканное место!

Чтобы узнать больше о жизни известных художников эпохи барокко, ознакомьтесь с уроками нашей программы по оценке искусства для Рембрандта ван Рейна.


Для дальнейшего изучения ознакомьтесь с этими книгами об эпохе барокко:

Великие художники: открытие великих художников: практическое искусство для детей в стилях великих мастеров (яркие идеи для обучения) Рембрандт и его мир (бессмертные искусства) Барокко и рококо (мир искусства) Эпоха барокко (вехи мирового искусства) ) Известные картины: введение в искусство для молодежиЖизни великих художников3-D человеческое телоOpen Me Up

(Следующие книги содержат фотографии произведений искусства этого периода. Если вас беспокоит, что ваши дети просматривают работы, содержащие обнаженную человеческую форму, вы можете предварительно просмотреть их, прежде чем делиться ими.)

Национальная художественная галерея, Вашингтон: Тысяча шедевров в полном цвете Энциклопедия искусства эпохи Возрождения и барокко Рене Юйге (1985-02-03)


Словарь

Скульптура в стиле барокко

портрет пейзаж эмоции

пространственный иллюзионизм позолота

тщеславие величие светотень

аркада выпуклая вогнутая

антаблемент карниз балюстрада

реализм фасад тромпель

перспективный ансамбль изобразительный

театральный элемент лепнина

чувственное импрессионистическое выражение

ось портика кессонная

решетчатая


Деятельность

Определите и изучите черты движения искусства барокко. (Языкознание, история, искусство)

Искусство барокко стало популярным в 1600-х годах, начиная с Италии. Найдите и отметьте Италию на карте. (История, география)

Изучите общий исторический обзор 17 века. Составьте график важных событий, чтобы лучше понять культуру того времени. (История)

Искусство барокко было наполнено изображениями действий и движений. Изучите несколько фотографий картин в стиле барокко. Обратите особое внимание на то, как художники создают иллюзию движения.(Арт)

Нарисуйте собственную сцену, изображающую движение, например, летящие ангелы, драку людей, испуганную толпу и т. Д. Сделайте ее максимально реалистичной. (Искусство, наука)

Просмотрите несколько книг по анатомии, чтобы лучше познакомиться с человеческим телом. (Наука, искусство)

Скульптуры в стиле барокко часто изготавливались из дорогих материалов. Узнайте, что это были за материалы. Были ли преимущества в их использовании? (Искусство, наука, критическое мышление)

Кабинет Вход Св. Игнатий в небо Андреа Поццо. Напишите абзац, описывающий все, что вы видите. (Искусство, языкознание)

Узнайте о «ракурсе», технике рисования, использованной Поццо в вышеупомянутой картине. Попробуйте включить это в свой собственный рисунок. (Искусство, языкознание)

Портрет Las Meninas работы Диего Веласкеса отличается от большинства портретов. Поскольку движение было очень распространено в стиле барокко, этот портрет полон движения. Изучите эту картину.(Арт)

Некоторые известные художники эпохи барокко: Джан Лоренцо Бернини, Караваджо, Аннибале Карраччи, Андреа Поццо, Николя Пуссен, Рембрандт, Питер Пауль Рубенс, и Диего Веласкес. Выберите одно и напишите отчет. Обязательно включите список их самых известных произведений. (История, искусство)

Изучите Рембрандта с помощью Этюда Рембрандта ван Рейна от Masterpiece Society. (URL-адрес можно найти в списке ресурсов.) (Искусство, История)

Одним из самых известных художников периода барокко был Рембрандт ван Рейн. Он родился в Голландии в 1606 году. Найдите и отметьте Голландию на карте. (География, история)

Прочтите биографию Рембрандта или одного из других художников этого периода. (История, искусство)

Рембрандт любил практиковаться, рисуя гримасы в зеркале. Встаньте перед зеркалом с блокнотом и карандашом и нарисуйте свое невыразительное лицо. Постарайтесь нарисовать именно то, что видите. (Искусство, история)

Проведите следующие несколько дней, рисуя лица в зеркале.Вы можете рассмотреть следующие выражения: злой, испуганный, застенчивый, смущенный, грустный, больной, восторженный, удивленный и гордый. (Арт)

Поскольку фотография еще не была изобретена во времена Рембрандта, его часто нанимали для портретов. Найдите кого-нибудь, кто хочет быть моделью, и нарисуйте реалистичный портрет его лица. (История, искусство)

Когда была изобретена фотография? (История, Наука)

Сегодня, когда кто-то использует термин «барокко», они обычно имеют в виду что-то очень изысканное и детализированное. Хорошо ли это сочетается со стилем искусства барокко? (Языковые искусства)

Подобно картинам и скульптурам в стиле барокко, архитектура барокко также была чрезвычайно сложной и экстравагантной. Изучите фотографии дворцов и соборов в стиле барокко по всей Европе. Хотя их стили могут отличаться, их общая черта — сложные украшения. (Искусство, архитектура)

Создайте свой собственный дворец или собор в стиле барокко. (Искусство, архитектура)

Караваджо был еще одним популярным художником в стиле барокко.Людей поражала реалистичность его картин. Изучите его произведения «Карточные арфы», «Ужин в Эммаусе», «» и «» «Вдохновение святого Матфея». (Арт)

Найдите фотографию, которую хотите воспроизвести на картине. Сделайте это максимально реалистично. Обязательно добавьте тени и мелкие детали. (Арт)

Стиль Караваджо оказал влияние на целое поколение художников по всей Европе, известных как Караваджисти. Изучите это и представьте устный отчет. (Языкознание, история, искусство)

Диего Веласкес, другой художник эпохи барокко, писал портреты короля Испании и его семьи более 30 лет.На карте отметьте Испанию. Затем исследуйте другие страны, затронутые движением искусства барокко, и также отметьте их на карте. (История, география)

Веласкес однажды написал Папу Иннокентия X. Папа назвал эту картину «слишком правдивой», потому что она слишком много раскрывает его истинный характер. Изучите эту картину. Какие слова вы бы использовали, чтобы описать лицо Папы? (Искусство, история, языковое искусство, критическое мышление)

Создайте художественную галерею со всеми произведениями, которые вы создали во время этого исследования.Пригласите друзей и семью и проведите художественное шоу. (Искусство, общественные науки, жизненные навыки)

Создайте презентацию в Power Point или устный отчет о художниках и произведениях искусства периода барокко. Представьте это на своей художественной выставке. (Языкознание, история, искусство)

Исторические истоки искусства барокко в 1600-х годах — видео и стенограмма урока

Истоки искусства барокко

Барокко возникло как ответ католической церкви на многочисленные критические замечания, возникшие во время протестантской Реформации в 16 веке. Католическая церковь в Ватикане увидела в искусстве возможность воссоединиться с людьми.

В 1517 году Мартин Лютер начал протест против католической церкви, сетуя на коррупцию и злоупотребление властью среди духовенства. Это было началом эпохи, известной как Реформация и протестантское христианство. Большая часть XVI века была отмечена религиозными конфликтами.

Эта ситуация побудила Ватикан создать постоянную конференцию высокопоставленных священнослужителей.Он проводился между 1545 и 1563 годами и был назван Советом Трента в честь итальянского города, в котором он проходил. В ходе многочисленных дискуссий совет осудил реформы и зарождающийся протестантизм. Была пересмотрена административная структура церкви, и были подтверждены многие аспекты современного католицизма, такие как таинства и безбрачие духовенства. Педагогическая цель художественных образов и поклонения святым и реликвиям также обсуждалась и признавалась, поэтому они продолжали продвигаться как важная часть художественных представлений. Время Собора и войн против протестантизма стало известно как католическая контрреформация.

К концу века католическая церковь активно пыталась установить более тесную связь с обществом. Интеллектуальные поиски искусства эпохи Возрождения были понятны только образованным людям, поэтому церкви требовалось более реалистичное и эмоциональное искусство. Идея заключалась в том, чтобы достичь необразованного большинства через эмоции, вызываемые искусством.

Драматический и продуманный стиль барокко не только доставлял чувственные переживания, но и стал демонстрацией богатства и власти.Первоначально церковь пропагандировала его для просвещения верующих, но также как заявление власти протестантам.

Европейские католические монархии очень поддерживали искусство барокко, чтобы оставаться рядом с церковью. Вскоре монархи увидели в искусстве барокко возможность продемонстрировать собственное богатство и силу, поэтому оно было принято не только в религиозном искусстве, но и в различных помещениях королевской семьи. Дворцы стали удивительно роскошными, с тщательно продуманными элементами в каждой комнате. Грандиозные лестницы, купола и другие архитектурные элементы использовались, чтобы подчеркнуть важность монархов.Французский Людовик XIV и Версальский дворец — одни из лучших примеров.

Несколько стран центральной и северной Европы решили отделиться от Ватикана и последовать новым протестантским идеям, включая Нидерланды и Англию. После того, как конфликты между протестантами и католической церковью утихли, на их территории начали прибывать влияния барокко.

У этих народов барокко не только пришло позже, но и не было связано с религией; это было скорее о власти.Барокко было принято как стиль, чтобы показать важность правительства и как символ статуса для растущего класса богатых купцов.

Краткое содержание урока

Хорошо, давайте на мгновение вспомним, что мы узнали об искусстве барокко и его историческом происхождении. Как мы узнали, Барокко было художественным периодом, начавшимся в начале 17 века и затронувшим большинство форм искусства. Он был ярким и искал драматический реализм. Художники пытались создать ощущение движения и использовали сильные контрасты света и тьмы.Внимание было уделено деталям, а орнаменты и украшения были в изобилии. Часто сочетались разные виды искусства.

Барокко было продвинуто католической церковью в ответ на протестантскую реформу. Во время Тридентского собора г. церковь подтвердила педагогическую цель художественных образов, поэтому они продолжали продвигаться в искусстве. Через искусство барокко церковь пыталась соединить со всеми социальными слоями.

Католические европейские монархии переняли барокко, чтобы показать свою мощь и богатство.Они построили тщательно продуманные дворцы и королевские дворцы. В протестантских странах барокко пришло позже и было стилем власти. Его использовали, чтобы показать важность монархий и богатых купцов.

Основы искусства барокко | Искусство мужественности

Это часть II из серии, разработанной для ознакомления читателей с простыми основами некоторых основных периодов западного искусства в надежде дать вам что-то сказать на вашем следующем свидании в музее и более глубокое понимание искусства в целом. Первая часть посвящена основам искусства эпохи Возрождения.

Основы искусства барокко


Период времени: 1600s-1700s

Предпосылки: Когда Мартин Лютер написал свои 95 тезисов в 1517 году, он запустил механизм, который навсегда изменил мир: протестантская Реформация. Его критика католической церкви и аргументы в пользу таких вещей, как верховный авторитет Священного Писания и оправдание только верой, распространились по всей Европе через печатный станок, обращая новообращенных и создавая новые протестантские деноминации.

В ответ католическая церковь начала собственное внутреннее реформирование, чтобы устранить коррупцию и четко определить свои доктрины и богословие. Эта контрреформация нашла свое самое важное выражение в Тридентском соборе, созванном папой Павлом III в 1545 году. Хотя Совет предпринял шаги по реформированию внутренних злоупотреблений, он не попытался пойти на компромисс с протестантами в вопросах доктрины; вместо этого Церковь решительно подтвердила истинность позиций, на которые напали протестанты. Это наполнило католическую веру новой энергией и уверенностью.

Менее известным последствием Трентского совета было его влияние на искусство.

Частью реформы церкви было просвещение ее членов, помогая им больше узнать о своей вере. Это была нелегкая задача, поскольку большинство людей в то время были неграмотными. Совет Трент объявил, что искусство должно использоваться для объяснения глубоких догм веры всем, а не только образованным. Для этого религиозное искусство должно было быть прямым, эмоционально убедительным и мощным, предназначенным для того, чтобы зажигать духовное воображение и вдохновлять зрителя на большее благочестие.

Новые деноминации, такие как кальвинисты, считали, что церкви и церковные службы должны быть простыми, упрощенными делами. Но Совет утверждал, что Богу величия и силы следует поклоняться с помощью ритуалов, церемоний и церквей, соответствующих этим божественным качествам. Это утверждение красоты и грандиозности проявлений веры нашло свое отражение в искусстве барокко.

На что обратить внимание в искусстве барокко:

  • Изображения прямые, очевидные и драматичные.
  • Пытается привлечь зрителя к участию в сцене.
  • Изображения кажутся физически и психологически реальными. Эмоционально напряженный.
  • Экстравагантные декорации и украшения.
  • Эффектное использование цвета.
  • Драматические контрасты между светом и тьмой, светом и тенью.
  • В отличие от искусства эпохи Возрождения с его четко очерченными плоскостями, где каждая фигура расположена изолированно друг от друга, в искусстве барокко есть непрерывное наложение фигур и элементов.
  • Общие темы: грандиозные видения, экстазы и обращения, мученичество и смерть, яркий свет, напряженные психологические моменты.

Примеры:

Экстаз Святой Терезы , Джованни Лоренцо Бернини, 1652. Общей темой художников барокко был чудесный момент, когда божественное встречается с земным, священное вторгается в мирское. Святая Тереза ​​была мистической монахиней, которая записала опыт, в котором ангел спустился и пронзил ее внутренности пылающей стрелой божественной любви.Боль была сильной, но сладкой и привела ее в экстаз перед Богом. Также демонстрируется использование света в стиле барокко; деревянные лучи зрелищно спускаются вниз и освещаются окном с желтыми панелями над скульптурой.

Преобразование на пути в Дамаск , Караваджо, 1601. Караваджо, пожалуй, мой любимый художник любого периода, и это моя любимая его картина. Изображен момент, когда Савл (который вскоре станет Павлом) переживает переживание обращения по дороге в Дамаск.Мы снова видим барочную тему божественного, внезапно вторгающегося в земную сферу. Караваджо был мастером использования тени и света, чтобы усилить драматизм и значение своих картин. Здесь Божий свет сбил Саула с его лошади, и его руки вытянулись в форме воронки, чтобы принять свет. Между тем человек и лошадь, которые символизируют обычный земной мир и не имеют полного опыта, находятся в тени.

Распятие Святого Петра , Караваджо, 1601 .В отличие от идеализированных, благородных, классических человеческих форм, любимых художниками эпохи Возрождения, Караваджо предпочитал рисовать сцены и людей такими, какими их видел бы глаз, включая естественные недостатки. Он не считал, что картина должна быть сентиментальной, чтобы быть сильной, вместо этого полагая, что внутренняя природа сцены, красноречие, запечатленное в реальных позах фигур, были эффективными с педагогической точки зрения. Его картины были настолько реалистичными, что посетители иногда отвергали их как слишком «вульгарные». На этой картине св.Петра распинают. Он попросил повесить его на кресте вверх ногами, чтобы не подражать своему Господу. Божественный свет сияет на Петра, в то время как лица римлян скрыты тенями. Питер кажется намного тяжелее, чем можно было бы ожидать — трое мужчин изо всех сил пытаются поднять его, что символизирует тяжесть их преступления.

Четыре континента , Питер Пауль Рубенс, 1615. Питер Пауль Рубенс был ведущим художником Контрреформации и привнес энергию, чувственность и драматизм искусства барокко не только в религиозные произведения, но и в исторические произведения. и мифологические темы (а иногда и сочетание всех трех).На творчество фламандского художника повлияло как его образование в Антверпене, так и поездка в Рим, элементы, которые стали мастерским синтезом стилей Ренессанса и барокко. В Четыре континента вы можете увидеть характерные черты барокко ярких цветов, телесности и перекрывающихся фигур. Символизируя распространение католической церкви по всему миру, изображение четырех континентов в виде женщин было общей темой в искусстве Контрреформации, особенно в церквях иезуитов. Склонность Рубена изображать женщин с мясом на костях привела к известному прилагательному «Rubenesque» для описания полных женщин.

Снятие с креста , Рембрандт, 1634. Хотя Рембрандта, пожалуй, больше всего помнят за его портреты, он также был мастером пейзажа и религиозной тематики в стиле барокко. Во всех своих картинах и офортах он стремился к «величайшему и наиболее естественному движению». В его «Спуск с креста » мы снова видим подпись в стиле барокко эмоциональной сцены, усиленной драматическим использованием света и тени. Свет сияет на теле Христа, верных женщинах, которые стояли рядом с ним, и на саване, в котором он вернется к жизни.

Мои любимые Рембрандты — это его серия «Философ», на которую я, вероятно, не должен указывать, блестяще использую тень и свет:

Философ в медитации

Философ с открытой книгой

Философ Чтение

Основы искусства Серия
Эпоха Возрождения
Период барокко
Период романтики

Композиторы барокко | Композиторы эпохи барокко

St.Павла, Лондон (1710 г.) © www.churchgoers.com

Период барокко начался в конце 16-го века, достиг середины 18-го века и обычно считается искусством Контрреформации. С Реформацией католическая церковь потеряла очень большое количество своих верующих и нуждалась в реформировании. В 1539 году Папа Павел III разрешил св. Игнатию Лойола сформировать Орден Общества Иисуса (Орден иезуитов), а в 1548 году утвердил Духовные упражнения Лойолы , которые стали основой реформы католической церкви. Церковь и которая повлияла на все искусства.

Базилика Вильтена в Инсбруке © thisisbossi / Flick

В архитектуре форма базилики возродилась, сблизив священников и публику. Форма помещала кафедру внутри ротонды, а не отделяла священника, хор и алтарь от нефа и публики. Подобным образом композиторы периода барокко изменили свое отношение к зданию и прихожанам.

Портрет Фаринелли Бартоломео Назари (1734)
© Wikipedia

В музыке, живописи и литературе барокко начинает давать о себе знать «пафос», т.е.е. духовные и психические тенденции, нарушающие гармоническое равновесие и движение, которые мы видели в искусстве эпохи Возрождения, теперь все чаще противопоставляются страстному возбуждению и взвешенной осмотрительности. Склонность заключалась в том, чтобы уйти от «реализма» жизни, искать мистического очарования в потустороннем мире, двигаться к чудесному, грандиозному и сверхъестественному. Акцент делался на героическом и жестоком, эротическом и чувственном. Композиторы эпохи барокко взялись за новые темы. Сцена оперы становится иллюзией, как и раскрашенные небеса церквей в стиле барокко.Стало популярным искусство певцов-кастратов, таких как Фаринелли, которые поют свои арии с крайним орнаментом, выражая отчаяние, ярость и месть, сострадание и восторг, никогда не исполнявшиеся дважды одинаково.

Лютнист Караваджо © Wikipedia

Элемент неожиданности в представлениях — парящие трубы в театральной атмосфере богато украшенных церквей в стиле барокко, раскрашенные небеса, искаженные, выпуклые и вогнутые движения нарисованных святых и ангелы (также повторяющиеся в архитектурных деталях этих церквей), богато украшенные облачения священников, благоухающий воздух ладана, свет, струящийся из купола, — все это стало театром иезуитов, воздействующим на все чувства и затрагивающим их.’

Живопись в стиле барокко также использует другую, динамическую концепцию света, используя источник, исходящий извне рамки картины, который одновременно раскрывает и затемняет объект, создавая как фокус, так и напряжение в работе — например, портрет Рембрандта и Караваджо , а также работы других художников того периода, например, Жоржа де ла Тур и Вермеера.

J.S. Бах и Гендель © CMUSE

Классические пропорции Возрождения, упорство в собственных законах уступили место смятению, распаду в эпоху барокко.В музыке барокко, особенно в творчестве величайшего композитора той эпохи, Иоганна Себастьяна Баха, рождаются новые искусства звучности и цвета. Возникает полярность голосов, где основное значение и напряжение приходится на внешние голоса (сопрано и бас: «бассо остинато»), которые заполняются средними голосами. Внешние голоса составляют основу композиции, а аккорд становится строительным камнем. само по себе, а «бассо континуо» — «фундамент». Слияние такой фундаментальной басовой практики с контрапунктом становится основой техники фуги для Баха и Генделя.Композиторы эпохи барокко порвали с прошлым и внесли в музыку новые эмоции.

В заключение, мы можем рассматривать искусство барокко как Gesamtkunstwerk (полное или самостоятельное произведение искусства), где опера, театр, архитектура как зданий, так и садов, живопись и скульптура представляют собой окончательный и очень изысканный кристаллизация аристократического образа жизни и идеология абсолютной монархии на закате ее существования.

Школа истории искусств Сартла: Искусство барокко | Сартл

Искусство барокко зародилось, потому что католики стали завидовать тому, что люди предпочитали лютеранство католицизму во время протестантской Реформации в середине 16 века, и они хотели показать всем, насколько они удивительны.Критика таких мелочей, как «папское первенство» (что означает, что все другие епископы должны преклоняться перед епископом Рима) и «превосходство» со стороны протестантов, начала отталкивать людей от католической церкви.

В ответ католики решили, что им нужно снова связаться с простыми людьми. Но поскольку простые люди в то время почти всегда были неграмотными, им приходилось общаться с ними через искусство, а точнее, самое выдающееся искусство, которое когда-либо видел этот мир.Это включало интенсивные сцены мученичества, религиозных видений, насилия, смерти, все с использованием движения, света и ярких цветов. Это был резкий контраст с довольно скучными и плоскими сюжетами эпохи Возрождения. Конечно, Возрождение могло быть возрождением культуры, но это не значит, что это не было чем-то вроде праздника дремоты.

Я имею в виду, что именно такой тип стабильности и уравновешенности можно найти в произведениях эпохи Возрождения:

Мадонна в скалах Леонардо да Винчи в Лувре

Vs.это довольно тревожное изображение барочной дурацкой бури:

Юдифь обезглавливает Олоферна Караваджо в Национальной галерее античного искусства

И вот эта простая и понятная штука (если уж единорог довольно крутой):

Портрет молодой женщины с единорогом Рафаэля в галерее Боргезе

Vs. это оргазмическое проявление благочестия:

Экстаз Святой Терезы Бернини в Санта-Мария-делла-Виттория

Я уверен, вы заметите разницу.Искусство барокко обладает всей страстью девочки-подростка в драматическом клубе, которая готова к ее крупным планом. Хотя термин «барокко» начался как оскорбление. Буквальное значение — «жемчужина странной формы» — слабое слово, если я когда-либо слышал его. Это означало, что произведение было слишком преувеличенным, а детали — слишком яркими. Художники барокко не возражали, потому что, собственно, дело было именно в этом. И все знают, что работа предыдущего движения — ненавидеть движение, которое следует за ним, так как задача следующего движения — получить большое количество радости и удовлетворения от разочарования своих старших.

Звездными игроками движения были Диего Веласкес, Питер Пауль Рубенс, Караваджо, Бернини, Рембрандт, Вермеер, Артемизия Джентилески и многие другие. Хотя движение распространилось по всей Европе от Испании до Нидерландов, у всех этих художников была одна важная черта, а это прежде всего драма, драма, драма. Драма в свете. Драма с движением. Драма по композиции. Это был период полового созревания истории искусств.

Но не вся драма была религиозной. Страны, которым было безразлично, вернут ли католики всех людей, перешедших в лютеранство, использовали стиль барокко только для того, чтобы делать автопортреты и тому подобное. На примере милого маленького Рембрандта.

Автопортрет Рембрандта в Маурицхейс

Но затем были типичные художники барокко, решительно настроенные напугать неграмотных людей католических стран до благочестия, как Артемизия Джентилески. У нее также был топор против мужчин, потому что ее изнасиловал ее наставник Агостино Тасси, который отбыл 7 месяцев тюремного заключения, а затем был освобожден, в то время как Джентилески пытали с накатанной головкой и выдавали замуж за какого-то рандо во Флоренции.В конце концов семья Медичи подобрала ее и дала кучу денег и художественную свободу, в результате чего была создана ее собственная версия Юдифь, обезглавливающая Олоферна , а также многие другие картины, на которых мужчины умирают. Она действительно родилась в самый подходящий момент, чтобы выразить всю сдерживаемую ярость, которая гноилась в ней из-за обращения с женщинами.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*