художественная революция в пяти произведениях

Русский авангард — движение самых разнообразных художников, которых объединила идея связать искусство с жизнью. Авангардисты хотели сделать творчество главной человеческой ценностью. Они были убеждены в том, что искусство должно проявляться не только на картинах, но и в быту, в повседневной реальности. Эти художники были радикальны, они стремились изменить существующий порядок и избавиться от академических канонов живописи.

В этой статье вы познакомитесь с пятью произведениями русского авангарда, теоретическими принципами их авторов, узнаете, в чем заключается их художественное новаторство.

Казимир Малевич «Спортсмены»

Казимир Малевич «Спортсмены» 1931 год

О художнике

Казимир Малевич родился в Киеве, его детство прошло в украинском селе. В 16 лет он с семьей переехал в Курск, где он организовал художественный кружок, параллельно занимаясь живописью. В 1904 году Малевич решил переехать в Москву и дважды пытался поступить в Московское художественное училище и оба раза получил отказ. Несмотря на это, именно в Москве начался его творческий путь.

Казимир Малевич — одна из центральных фигур русского авангарда. Его «Черный квадрат» положил начало новому направлению в искусстве — супрематизму. Супрематисты хотели показать мир абстрактных и геометрических конструкций. Малевич занимался теоретическим трудом, искал научное обоснование этого направления.

О произведении

«Спортсмены» — картина позднего периода творчества Малевича. Впоследствии искусствоведы назвали этот художественный этап «новой фигуративностью». С 1918 до конца 1920-х годов Малевич преимущественно занимался научной деятельностью и почти не писал картин. Однако в конце 1920-х, после путешествия по Европе, Малевич радикально пересмотрел свои теоретические принципы. Он вновь занялся живописью, и на его картинах стали появляться узнаваемые образы. Он вернулся к мотивам крестьянской жизни, которыми занимался в 1911-1913-х годах. Картины периода «новой фигуративности» статичны и монументальны. Художник располагает образы фронтально, ставит их в центре композиции и использует симметрию.

Цветовая и ритмическая организация картины и обезличенные фигуры спортсменов демонстрируют отчужденность от земной реальности. Действительно, Малевич в этой картине стремился показать союз человека с космосом. Искусствовед Шарлотта Дуглас в своем исследовании «Малевич и Де Кирико» указывает на то, что в этом периоде своего творчества художник черпал вдохновение у своих современников — Джорджа де Кирико, Вилли Баумейстера, а также в Пермской и Архангельской деревянной храмовой скульптуре.

Эль Лисицкий «Клином красным бей белых»

Эль Лисицкий «Клином красным бей белых» 1920 год

О художнике

Долгое время Эль Лисицкий занимался иллюстрациями еврейских сказок и оформлением книг. В 1918 году его пригласили преподавать в Витебское народное художественное училище, и осенью 1919 года произошло его знакомство с Казимиром Малевичем. Эта встреча стала определяющей для карьеры Лисицкого: после нее он обратился к супрематизму и нашел собственное художественное русло. Лисицкий начал работать в поле беспредметного и стал развивать свой уникальных художественный язык — в 1920 году он изобрел свои знаменитые проуны, геометрические композиции, напоминающие архитектурные чертежи.

О произведении

Политуправление Запфронта Красной Армии заказало у Лисицкого создание агитационного плаката «Клином красным бей белых» в 1920 году. «Клином красным бей белых» — пропагандистский плакат, призывающий к объединению сил красной армии для борьбы с белогвардейцами во время гражданской войны. Динамическая композиция плаката и лаконичные геометрические фигуры отлично обыгрывают военное противостояние, а цветовое сочетание белого, черного и красного транслирует боевое напряжение. «Клином красным бей белых» дал начало традициям современного дизайна — использованию абстрактных форм и геометрических композиций.

Владимир Татлин «Памятник III Коммунистического интернационала»

Владимир Татлин «Памятник III Коммунистического интернационала» 1920 год

О художнике

Владимир Татлин родился в Москве в семье железнодорожного инженера-технолога. Когда Татлину было 11 лет, его семья переехала в Украину. Мальчик поступил в Харьковское реальное училище. Там он впервые проявил талант к рисованию. В 14 лет Татлин сбежал из дома и после долгих скитаний по России оказался в Москве. Он устроился в иконописную мастерскую и подрабатывал в декоративных мастерских Оперного театра Солодовникова. В 1902 году Татлин поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, куда несколько лет спустя не приняли Малевича. Однако через год художника отчислили из-за неуспеваемости. Татлин посещал занятия московских и петроградских частных художественных студий. Эти мастерские сыграли важную роль в зарождении движения русского авангарда: именно там Татлин познакомился с Маяковским, Хлебниковым, Ларионовым. С 1911 года он стал участвовать в выставках и сотрудничать с другими художниками. Татлин работал в направлении конструктивизма. Отличительной особенностью этого течения являются геометрическая строгость и лаконичные формы.

О произведении

В 1920 году художник получил разрешение на создание модели башни и ее демонстрации на октябрьских праздниках. Татлин добился внимания к своему произведению не только европейского художественного сообщества, но и советских властей. По приглашению Луначарского Ленин приехал посмотреть на модель башни. Однако с 1921 года началась борьба большевиков с футуризмом, и проект строительства «Памятник III Коммунистического интернационала» не был реализован.

Башня представляла собой открытую конструкцию из металлического каркаса. Внутри крепились четыре застекленных объема: куб, полусфера, цилиндр и пирамида, в которых должны были размещаться различные учреждения. Каждый из этих объемов должен был вращаться вокруг своей оси подобно космическим светилам. Башню Татлина часто сравнивают с архитектурой востока, в частности Эль Лисицкий в своей книге «Россия. Реконструкция архитектуры в советском союзе» говорит о том, что Татлин использовал спиралевидную форму памятника, вдохновившись пирамидой Ассирийского царя Саргона II в Хорсабаде, которая находится на территории нынешнего Ирана.

Наталья Гончарова «Мистические образы войны»

Наталья Гончарова «Мистические образы войны» серия литографий 1914 год

О художнице

Наталья Гончарова выросла в Тульской губернии, в 10 лет переехала в Москву и окончила женскую гимназию. Поступила в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Долгое время Гончарова занималась скульптурой, но с 1904 года все больше интересуется живописью. Художница одной из основательниц движения русского неопримитивизма. Неопримитивисты были славянофилами и были убеждены в том, что у русского искусства есть свой особый путь, поэтому они отреклись от идеалов западной живописи и обратились к мотивам традиционного русского искусства, лубку и народному орнаменту. В 1914 года Сергей Дягилев пригласил Гончарову в Париж оформлять декорации для его спектаклей. В 1915 году Гончарова вместе со своим спутником, Михаилом Ларионовым, решили остаться во Франции навсегда.

О произведении

«Мистические образы войны» — серия литографий, которая посвящена ужасам Первой Мировой войны. Гончарова противопоставляет тревожные разрушительные военные образы религиозным и мирным. Художница обращается к традиционному русскому искусству: лубку, народному орнаменту и иконописи. Однако наиболее заметно в этой серии следование канонам религиозной живописи: использование контурных линий и геометрических силуэтов.

Василий Кандинский «Композиция 8»

Василий Кандинский «Композиция 8», 1923

О художнике

Василий Кандинский получил юридическое образование и долгие годы посвятил праву и национальной экономике, но в 30 лет решил бросить науку и заняться живописью. Он окончил Мюнхенскую академию художеств, работал в России и Германии. Сначала Кандинский работал в традиции немецкого экспрессионизма. В этом периоде он в основном писал пейзажи, в которых прослеживается влияние фовистов и французских постимпрессионистов. С 1910 года художник стал работать с абстракцией. Кандинский участвовал в выставках московского художественного объединения «Бубновый валет» и мюнхенского объединения «Синий всадник». С 1918 по 1921 год преподавал во ВХУТЕМАСе и с 1922 года работал в «Баухаусе» вплоть до закрытия школы. Василий Кандинский также известен своими теоретическими трактатами о живописи.

О произведении

Произведение «Композиция 8» — самая известная работа холодного периода творчества Кандинского. Работы этого периода отличаются абстрактными геометрическими формами и композиционной строгостью. В период завершения работы над «Композицией 8» Кандинский пишет свой знаменитый трактат «Точка и линия на плоскости», в котором подробно излагает свои художественные принципы. Он называет точку и линию — простейшими материальными элементами, которые лежат в основе всех произведений. Кандинский также исследует эмоциональную окраску этих элементов. Кандинский говорит о точке, линии и плоскости в первую очередь как об эмоциональных, а потом уже геометрических объектах (например, он говорит, что точка является «связью молчания и речи»). Таким образом, картина «Композиция 8» является воплощением тех теоретических воззрений, которые Кандинский излагает в трактате «Точка и линия на плоскости».

---

Следите за нами в социальных сетях, чтобы не пропускать новые материалы: Вконтакте, Facebook, Telegram — @loskomagazine, Instagram. Если вы цените свой и чужой труд, то всегда можете поддержать нас финансово на Boosty.

Советский авангард. Запрещенное искусство в СССР.

Советский авангард. 

Двадцатый век – век бурных революционных изменений, век великих революций. Эти глобальные изменения коснулись и искусства. Именно появление новых протестных, нонконформистских направлений в искусстве стало предтечей глобальных изменений в жизни людей.

Даже название этого направления в искусстве «авангард» свидетельствует о непримиримой борьбе, ведь авангард – это передовой отряд войска, идущего в атаку. Главной целью авангардистов было с помощью искусства изменить общество.

Авангард стал продолжением модернизма, возникнувшего в конце ХІХ века. Но если модернизм выступал за мягкое обновление искусства, авангард пошел дальше. Представители этого стиля заняли непримиримую, нонконформистскую позицию. Они отбрасывали все, что было до них.

Представители нового стиля искусства были новаторами также и в политике. Именно во многом они стали носителями тех новых идей, которые привели к краху Российской империи в 1917 году. После Октябрьского переворота именно авангардисты первыми стали на сторону новой власти, именно на их творчество опиралось советское государство в первые годы своего существования. Если в Западной Европе, приблизительно к середине ушедшего века, искусство авангарда сходит на нет вместе с радикальными течениями. В СССР, начиная с 30-х годов, течение подвергается репрессиям со стороны государства.

Давайте разберемся, что такое авангард, познакомимся с основными его направлениями. Главная идея авангарда в живописи, это отход от традиций, применение новых приемов и форм. Как уже упоминалось выше, цель авангарда – была разрушение принятых канонов и радикальные изменения в живописи, а через них влияние на общество в целом. Художники-авангардитсы в своих произведениях хотели показать грубую жизнь, какая она есть, во всех ее проявлениях. Кроме изменений в головах, другой идеей, вдохновляющей представителей этого направления, было развитие научно-технического прогресса. Примечательно и то, что у авангардистов очень часто прогресс совмещается с архаикой, наблюдается некоторый отход к варварской архаичной культуре, в противовес христианским ценностям.

Основные направления авангарда

Абстракционизм – самым известным абстракционистом является Кандинский. Абстракционисты отображали действительность не так, как она есть, а через призму своего видения. Здесь на первое место выступает ассоциация.

Суперматизм – самым ярким представителем этого направления является Малевич. Это направление живописи выражает реальность через призму геометрических фигур: квадратов, кубов, треугольников и др.

Конструктивизм – направление, возникшее в России. Этот стиль в основу всего ставил конструкцию. Стиль подал под влияние технического прогресса.

Футуризм – представители этого художественного стиля пытались в картинах выразить те социально-культурные изменения, которые происходили в обществе в тот период. В своих картинах они пытались выразить развитие научно-технического прогресса, отобразить звуки механизмов и пр. Одним из ярких представителей этого стиля в России является Хлебников.

Дадаизм – самое бунтарское направление авангардизма. Цель этого направления – разрушение всего и вся, и создание нового искусства.

Сюрреализм – этот стиль опирался на символизм, интуитивность восприятия, идеи модного в то время психолога Фрейда, геометризм, оккультные учения. Представителями этого стиля практиковались такие методы написания картин как запись сновидений и автоматическое письмо.

Экспрессионизм – основная задача направления – выражение на холсте чувств и переживаний художника.

Развитие авангарда в советский период

Не удивительно, что столь пестрые, оригинальные жанры изобразительного искусства, в основе которых лежит нонконформизм, не могли найти понимания в советском тоталитарном государстве, которое пыталось поставить под тотальный контроль все что можно.

После победы Октябрьской революции или вооруженного переворота, кому как нравится, худоники-авангардисты в основной массе поддержали изменения. Именно они первыми стали «певцами» нового строя. Их творчество этого периода посвящено преимущественно революционной тематике. Это была эпоха новаторства, развития, поиска нового.

Авангардизм был искусством поиска, самовыражения, это было искусство свободного, а не тоталитарного общества. Государству нужно было искусство, которое могло понятным для каждого труженика языком выражать правильные идеи.

Ситуация стала меняться с приходом к власти Сталина. Считается, что началом гонений на авангард и другие неугодные стили, положило постановление Политбюро от 23 апреля 1932 года «О перестройке литературно-художественных организаций». После этого власть альтернативным видам искусства просто не оставила места в культурной жизни страны.

Тридцатые годы – это время, когда изымались целые направления искусства. Под удар попал и авангард. Государство начинает контролировать культурную жизнь.  Неугодным художникам путь к широкой публике был закрыт.

В это время писали в стиле авангард лишь единицы художников, самым известным из них является Фаворский.

 

 

Советские нонконформисты

После смерти Сталина начался период, известный  в истории как оттепель. В это время происходит и некоторое обновление авангарда. Это явление в истории живописи получило название «советский нонконформизм». Для этого направления характерны углубленность, внутренний поиск, разговор художника со своей душой. Творчество художников нонконформистов является продолжением советского авангарда двадцатых годов. Конечно, полностью идентичными они не являются, но просматривается явная связь.

Характерным для нонконформизма стал концептуализм,  который стал ответом на лживое пропагандистское искусство. Для него характерно сочетание словесной и образной информации, присутствуют лубочные элементы. Это своего рода ответ на агитплакат.

Неореализм, неоимпрессионизм – направление, для которого были характерно отображение боли, трагизма реальности, выраженное при помощи нестандартных художественных форм.

Неосимволизм – отображение художниками мира грез, снов, переживаний, выраженное при помощи символов.

Развивали нонконформисты также сюрреализм, экспрессионизм, абстракционизм и другие направления, характерные для авангарда.

Несмотря на развенчание культа личности Сталина, в Советском Союзе соцреализм продолжал оставаться единственным официальным искусством. Живопись регламентировалась властью через Министерство культуры, Союз художников.

В послевоенный период несколько раз проводились выставки нонконформистов. Так выставку «Новая реальность» в 1962 году даже посетил Хрущев. Хотя экспонаты ему не понравились, о них он высказывался прямо там, на выставке, не стесняясь в выражениях, но сам факт посещения подобной выставки показателен. Следует отметить, что художники, несмотря на неудовольствие генсека не пострадали. Он требовал уволить их из партии, исключить из Союза художников. Оказалось, что ни в партии, ни в Союзе практически никто из них не состоял. Дело ограничилось разгромной статьей в «Правде».

После отстранения Хрущева от власти, СССР входил в период брежневского застоя. Он ознаменовался усилением давления на неофициальное советское искусство, расцвет которого приходится на 60-70е года. В то время этот неофициальный стиль искусства, именовался «андеграунд», что в переводе с английского языка означает подземным, подпольным.

В эпоху оттепели наиболее признанными были такие авангардисты, как Белютин, Неизвестный, Янкилевский. Были выставки нонконформистов в  70-х годах. Как ни странно, но это направление в живописи приходит в упадок в эпоху горбачевской перестройки. Когда стали отступать запреты, стало исчезать и диссидентское движение, тесно связанное с протестным искусством. Концом этой эпохи считается продажа по рекордной цене картин Брускина на аукционе Сотби в 1988 году в Москве.

Одесский нонконформизм

Несмотря на то, что основные центры диссидентских направлений искусства были в Москве и Ленинграде, в Одессе также возникла организация художников-нонконформистов. Ее организаторами стали Соколов, Хрущ, Сычев. Они попытались даже организовать неформальную выставку картин, которая просуществовала несколько часов. Далее выставки проходили по частным квартирам.

Советский тоталитарный строй породил протестное искусство, в основе которого лежал авангард начала двадцатого века. После начала демократических изменений, как отдельное явление он постепенно исчезает.

 

 

 

художественных движений | Кубизм | Авангард Искусство

Кубизм был одним из самых влиятельных художественных течений двадцатого века. Произведения кубизма бросили бы радикальный вызов живописным условностям для создания иллюзии глубины , и они напали бы на традицию «высокого» искусства, включив в двумерные картины и коллажи ряд посторонних материалов не традиционно связанные с высоким искусством, такие как газетные вырезки, обрывки нот и трафаретные надписи.

Пикассо и Брак: пионеры кубизма

Кубизм процветал в Париже между 1907 годом и началом Первой мировой войны в 1914 году, и его влияние ощущалось в художественном развитии по всей Европе в этот период. Двумя ключевыми художниками, которые начали экспериментировать со стилем кубизма, были французский художник Жорж Брак (1882–1963) и испанский художник Пабло Пикассо (1881–1973).

Наследие Сезанна

Брак первоначально работал в Фовистский стиль , но, увидев крупную ретроспективную выставку работ Поля Сезанна (1839–1906) в Париже в 1907 году, он преследовал новое художественное видение. Работа Сезанна была источником вдохновения, особенно в использовании «пассажей», унификации частей поверхности изображения посредством цвета и тона , что означало, что разница между передним и задним планом была более не четкой . Брак совершал поездки в деревню Л’Эстак на юге Франции, чтобы рисовать те же места, что и Сезанна, и его серия пейзажей была выставлена ​​в Париже в 1919 году.08, показывающий дома, деревья и дороги как упрощенных геометрических форм , втиснутых в неглубокое пространство изображения. Коробчатая форма домов в этих пейзажах побудила критика Вокселя, который поспешил обозначить фовистов, насмешливо охарактеризовать их как «кубы» , что послужило источником вдохновения для термина «кубизм».

Авиньонские девицы

В 1907 году Брак также познакомился с Пикассо, который в том же году создал свою необыкновенную масштабную картину Авиньонские девицы . В этой работе удалось объединить несколько радикальных и шокирующих элементов. На нем были показаны пять проституток с резко искаженными обнаженными телами в комнате, пространство которой казалось разбитым на f рваных осколков , а женские лица заимствованы из египетского, иберийского и африканского искусства , последнее все еще рассматривалось как нечто грубое и дикое в этот период. Друзья и коллекционеры Пикассо не могли принять эту картину, которая, по их мнению, была 9.0003 «безумный» и «чудовищный» , и он оставался свернутым в его студии почти 10 лет. К головокружительному обращению с пространством, вдохновленному пейзажами Сезанна, Пикассо добавил пренебрежение европейским каноническим отношением к человеческому телу под влиянием его интереса к африканскому искусству, предпочитая поразительные деформации и преувеличения идеализированным пропорциям .

«Аналитический кубизм»

К концу 1909 года Пикассо и Брак были близкими друзьями и часто рисовали вместе, создавая очень похожие по внешнему виду работы. Период «аналитического кубизма», продолжавшийся до 19 в.12, видел создание картин, которые брали традиционные мотивы, такие как элементы натюрморта, пейзажи и обнаженная натура, и разбивали их на серии граней , часто включающих фрагментарных взглядов предмета или фигуры с разных точек. зрения . Эти мотивы иногда могли стать едва узнаваемыми в общей колеблющейся массе плоскостей, окрашенных в ограниченную цветовую палитру серых и коричневых оттенков, что предполагает акцент на концептуальном процессе согласования с изображаемым предметом.

Практика и проблемы живописи стали содержанием и смыслом этих кубистских работ, где центральным вопросом было уже не что изображать, а как изображать . Необходимость создать иллюзию глубины перестала волновать Пикассо и Брака как художников; на самом деле они сознательно обратили внимание на то, что их исследования объектов в космосе были сами по себе как картины совершенно плоские . В «Кувшин и скрипка » (1909–1910) Брак прикрепил гвоздь в стиле trompe-l’oeil к верхней части холста, как бы намекая на то, что сама картина была просто прибита к стене, а в 1919 г.11 он начал включать трафаретных надписей в свои картины маслом. Пикассо создал первый кубистический коллаж в мае 1912 года, когда он включил кусок имитации стула в натюрморт со столешницей. Этот фрагмент масляной ткани, нарисованный так, чтобы создать иллюзию сиденья стула, казалось, подразумевал, что любая масляная живопись была игрой, средством заставить зрителя поверить в то, что он или она видит.

«Синтетический кубизм»

Кубистические произведения после 19 лет12 начал включать наклеенных бумаги, текстуры, такие как песок, и более широкий диапазон цветов — этап, известный как «синтетический кубизм». Если «анализ» состоял в разбиении объектов из их исходной точки в реальном мире, «синтез» означал, что они были заново построены на основе простых геометрических форм листа бумаги в виде коллажа. или блок цвета. Уроженец Испании Хуан Грис (1887–1927), приехавший в Париж в 1906 и находился под сильным влиянием Пикассо, создавал произведения синтетического кубизма с использованием различных цветов и элементов коллажа, таких как обои и газеты, которые были тщательно вырезаны и расположены, создавая впечатление тщательного контроля над изображенными объектами.

Пикассо и Брак не написали манифестов, и в своей более поздней карьере мало объясняли своих кубистских работ. Многие из их картин и коллажей были небольшими экспериментальными работами, которые не обязательно предназначались для всеобщего обозрения. Они не выставлялись в период кубизма, вместо этого полагаясь на поддержку дилера Даниэля-Генри Канвейлера (1884–1819 гг.).79), которые согласились покупать всю свою продукцию по фиксированным ценам, что давало им финансовую безопасность и поощряло эксперименты. Но эта частная ориентация не означала, что кубизм Пикассо и Брака отказался от взаимодействия с внешним миром. На самом деле, их кубистические произведения полны отсылок к популярной культуре , к мюзик-холлу, жизни кафе и рекламе. С 1912 по 1913 год Пикассо выпустил серию наклеек из газетных вырезок, в которых упоминались Балканские войны, бушевавшие в то время в Центральной Европе.

Публичное лицо кубизма

Кубизм, тем не менее, имел публичное лицо в виде так называемых «салонных кубистов», группы художников, которые выставлялись вместе и чьи ведущие фигуры, Жан Метцингер (1883–1883 ​​гг. 1956) и Альберт Глейз (1881–1953), выпустил теоретический трактат О кубизме в 1912 году. Эль Дюшан (1887–1968) ) вместе со своими двумя старшими братьями, а также Робер Делоне (1885–1941) и Фернан Леже (1881–1955). Леже научился у Сезанна искажению изобразительного пространства и разбил формы на своих картинах на цилиндрические геометрические формы, которые были названы «тубистскими». В 1913 году он начал создавать серию работ под названием « Контрастные формы » — живые композиции, основанные на абстрактных дисках, выделенных основными цветами: красным, синим и желтым. Эти картины были вдохновлены интересом Леже к блестящей девятке.0003 металлические формы машин , а в упрощенные конструкции на рекламных щитах , оба из которых для него олицетворяли динамический потенциал нового, современного опыта .

Орфизм

Робер Делоне и его жена Соня Делоне-Терк (1885–1979) также начала создавать картины, используя круга и дуги контрастного цвета , целью которых было передать эффекты света и движения. Первоначально их работы основывались на сценах современной городской жизни, особенно на мотиве Эйфелевой башни, но такие картины, как «19 век» Робера Делоне12 Круглые формы меньше полагались на узнаваемый предмет, отражая абстрактные рисунки Сони для тканей и переплетов книг. Использование цвета Делоне, а также кубистское обращение с пространством были важным источником вдохновения для русского художника Марка Шагала (1887–1985), который жил в Париже между 1910 и 1914 годами. Шагал сочетал эти эффекты и современные мотивы, такие как Эйфелева башня с сюжетом, взятым из его собственного воспитания, для создания сказочных поэтических картин .

Поэт Гийом Аполлинер (1880–1918), активный сторонник современного искусства до Первой мировой войны, назвал произведение Делоне «орфическим», вариантом кубизма , который опирался на цвет и форму а не предмет для его значения; название было взято из древнего мифа об Орфее, создавшем своего рода «чистую» музыку. В своем основополагающем сборнике сочинений Художники-кубисты (1913) Аполлинер заявил: «Мы движемся к совершенно новому искусству, которое будет стоять по отношению к живописи, как предполагалось до сих пор, как музыка по отношению к литературе». будет чистая живопись , точно так же, как музыка есть чистая литература». желание создавать произведения, обладающие своей собственной внутренней связностью независимо от изображаемого мотива и способные передать часть динамизма современного опыта , что для этих художников было гораздо важнее, чем изображение внешней действительности.

Если вам понравилось изучение кубизма, вам следует ознакомиться с нашей книгой «Истоки современного искусства» , в которой он рассматривается в контексте меняющегося искусства двадцатого века, или «Великие мировые шедевры искусства» . Книга, в которой увлекательно рассматриваются многие важные направления в искусстве с начала двенадцатого века до современного искусства.

Ссылки

• Кубизм оказал явное влияние на футуризм и вортицизм. Подробнее об этих художественных движениях читайте в нашем блоге здесь
• Чтобы глубже погрузиться в мир кубизма, взгляните на введение Тейта в него здесь
• Если вас вдохновляет Пикассо, вы можете посетить его официальный музей в Барселоне.