Авангардизм в живописи 20 века: представители, примеры

Начало двадцатого века ознаменовалось множеством масштабных событий: изменялись экономика и политическая карта мира, наука и многое другое. Не осталось в стороне и искусство: авангардизм в живописи, кино и литературе преобразил саму концепцию творчества и взгляд общества на него. Новые идеи стали настоящей революцией, которая продолжает оказывать свое влияние на мир даже сейчас.

Что такое авангард?

В начале двадцатого века появилось несколько экспериментальных течений с новыми идеями в области искусства. Их общим названием стало слово «авангард», в дословном переводе с французского обозначающее «передовой отряд». Новое понятие было противоположно академизму и продолжало традиции модерна. Представители авангардизма в живописи считали, что абсолютом является сам процесс творчества, а не конечное произведение. Человек превращался в объект искусства. Авангардизм в живописи 20 века можно разделить на несколько основных жанров: футуризм, сюрреализм, абстрактивизм, поп-арт, дадаизм и оп-арт. Отличительными особенностями того времени являются разделение формы и духовного смысла, безудержная свобода самовыражения в сочетании с научным, аналитическим подходом к процессу.

Возникновение и развитие

Новое направление стало порождением абсурда, созданного несоответствием реального искусства и вкладываемого в него духовного смысла. Художественные ценности, сведенные к спекулятивным – вот что отличает авангардизм в живописи. Художники проводили скандальные акции и создавали бессмысленные на первый взгляд инсталляции, подчеркивая этим основные идеи течения. До самого спада явление сохраняло свою внутреннюю пустоту, бросающую зрителю вызов – сможет ли он отделить истину от мнимых ценностей? В современном искусстве авангард то и дело пытается вернуться к прежним традициям, несколько меняя смысл изначальной концепции.

Разные представители

Типичный авангардист скульптор Дюшан объявил своим произведением обыкновенный унитаз, размещенный на постаменте. Энди Уорхол создавал композиции из консервных банок. В подобных акциях заметно, чем отличается авангардизм в живописи и скульптуре от модернизма – суть первого заключается в авторитарности и обмане, пренебрежении школой и сложностями, использовании самых простых путей для насмешки над малообразованными критиками и не слишком культурной публикой.

Группа фовистов

Одним из самых ярких направлений, представивших авангардизм в живописи, стал фовизм. Группа последователей выступала против импрессионистов и стремления к достижению натуралистического правдоподобия. Для фовистов характерно использование броских композиций, отрицание традиционной перспективы. Художники бросали вызов буржуазным вкусам и салонному искусству, создавая декоративные сюжеты. Представителями можно назвать таких мастеров, как Рауль Дюфи и Марке. Последний в своих работах прошел путь от фовизма к реализму – в полотне «Собор Парижской Богоматери» ему удалось с детальной точностью передать оттенок воды Сены, архитектурные очертания собора и влажность воздуха, смягчающие его контуры. Отказались от связи с реальностью художники Вламин, Фриз и Брак, примитивистские сюжеты использовал Андре Дерен. Искаженные, мистические образы были созданы Жоржем Руо. Несмотря на многие объединяющие особенности, фовисты не слишком долго существовали как объединение и вскоре распались.

Анри Матисс

Француз, навсегда вошедший в историю искусства, стал одним из самых значимых мастеров, представивших авангардизм в живописи. Картины Матисса выражают его основную творческую идею о высвобождении цвета и энергии на полотнах. Он считал, что живопись во многом похожа на музыку, представленную всего лишь семью нотами, и старался передавать в работах свои личные переживания от увиденного.

В начале двадцатого века Матисс увлекся скульптурой Африки, декоративным арабским искусством и японской ксилографией, что тоже проявилось в его творчестве. Картины мастера отличаются интенсивными оттенками: глубоким синим, изумрудным, насыщенным желтым. Самые известные работы включают полотна:

• «Танец», созданный под впечатлением от русских сезонов Дягилева в Париже и греческой вазовой живописи.
• «Музыка» с изображением поющих и играющих на разных инструментах фигур.
• «Красные рыбы» с потрясающей силой цветов и оригинальным плоскостным построением картины с отказом от перспективы и глубины.
• «Улитка», одно из последних произведений, созданное из кусков бумаги, предварительно окрашенных в нужных тонах.

Абстракционист Кандинский

Ярче всего русский авангардизм в живописи представлен именно этим художником. Кандинский много путешествовал и черпал вдохновение как в русском средневековье, так и во французском искусстве. Его пейзажи основываются на цветовых диссонансах и игре тонов и линий, которые со временем полностью вытеснили из его творчества реальные образы. Некоторые его полотна вдохновлены характерными русскими мотивами — например, «Дамы в кринолинах» или «Пестрая жизнь». В период после революции художник создал графическую серию «Малые миры», в которой проявилась его склонность к использованию эстетики супрематизма в сочетании с яркой декоративностью. В 1922 Кандинского пригласили преподавать в Баухауз. За годы работы художник не раз экспериментировал с техникой и добился впечатляющих результатов в абстракционизме – его выставки проходили по всей Европе, а теоретические работы пользовались успехом во всем мире, детально объясняя идеи, которые несет авангардизм в живописи. Примеры работ того периода включают «Композицию 8» и «Точку и линию на плоскости».

особенности, представители, история и интересные факты

XX век – эпоха смелых экспериментов в искусстве. Композиторы, художники, поэты и писатели искали новые средства, которые могли бы помочь отобразить современность во всех ее противоречиях и контрастах, отразить в своем творчестве бурные события своего времени. В своих творческих поисках они пошли в разные стороны, обретая единомышленников и последователей. Так сформировались новые авангардные направления в искусстве.

Новаторство авангардистов

В классической музыке появилось множество новых течений. Такие композиторы, как А. Шенберг, В. Щербачев, А. Мосолов и другие, экспериментировали с тональностью, что привело к ее разрушению. Другие композиторы обратили свое внимание на подход к музыкальному звуку, стремясь к созданию новых форм звучания и новых музыкальных инструментов, а также используя в своих сочинениях звуки далеких от музыки инструментов (например, печатная машинка).

Композиторы «нововенской школы» создали новые техники и принципы композиции (додекафония, серийная музыка). Подвергается сомнению главенствующее место мелодии в произведении. На первый план выходит ритм. Авангард в классической музыке сметает все устои и правила, устанавливая новые.

Например, композиторы Ф. Гласс, С. Райх и Т. Райли применяли технику примитивизма – подражания звукам природы, стремления к естественности и простоте.

Авангард в музыке американского композитора Дж. Кейджа проявляется в том, что процесс сочинения произведения строится по принципу «игры в кости»: звуки -это непредвиденные случайности, неопределенность.

Таким образом, авангард в музыке представлен конкретными жанрами: музыкальным экспрессионизмом, сонористикой, серийной музыкой, алеаторикой и многими другими направлениями.

Конкретная музыка

«Конкретным» называется течение, стиль музыки авангарда, которое заменяет музыкальные звуки различными шумами (акустическими и природными эффектами). Впервые технику конкретной музыки стал использовать в своем творчестве французский композитор Пьер Шеффер. Одно из наиболее известных его произведений — «Симфония для одного человека», которое представляет некоторую последовательность звуков, напоминающую фонограмму для театрального спектакля.

Авангард в музыке Шеффера проявлялся в том, что он стремился к освобождению от инструмента и исполнителя. Именно его творчество послужило началом создания и развития электронной, а позднее и компьютерной музыки.

Экспрессионизм

Авангард в музыке 20 века также представлен экспрессионизмом. Это течение в музыкальной сфере получило наибольшее развитие в Германии и Австрии. Крупнейший представитель данного направления – Арнольд Шенберг. Его музыка наполнена глубоким психологизмом. Отчаянье, бессилие, ужас, аффектное состояние находят выход в сочинениях Шенберга.

Экспрессионисты выступали против созерцательного и пассивного искусства, уводящего человека в иллюзорный мир, призывая не пытаться убежать от проблем реальной жизни. Мелодии их произведений прерывистые и ломаные. Преобладает диссонансная гармония.

Новаторством композиторов – экспрессионистов является серийный подход: 12 звуков звучат в любой последовательности, но не повторяются до тех пор, пока не прозвучат остальные. Подобный подход также именуется «додекафонией». Музыке экспрессионистов характерна атональность.

Экспрессионизм близок романтизму тем, что также стремится к духовной чувственности и выражению человеческих переживаний. К экспрессионизму относят сочинения А. Шенберга, А. Веберна, А. Берга, Г. Малера, И. Стравинского, Б. Бартока, поздние сочинения Р. Вагнера.

Пуантилизм

Антон Веберн – один из основателей Новой Венской школы – начал применять в своих сочинениях технику пуантилизма (точечного письма). В нем большое внимание уделялось отдельно звучащим звукам. Технику пуантилизма применяли в своем творчестве композиторы К. Штокхаузен, Л. Ноно, П. Булез.

Сонористика

В музыке авангарда сонористика занимает значительное место. Звуковой основой этого течения выступают тембровые комплексы, звуковые массы («соноры»), нерасчлененные во времени. Сонор — особая окраска звучания, которая обладает определенным эстетическим воздействием. При восприятии утрачивает свою выразительную силу высота отдельного звука. Ярчайшими примерами сонорной гармонии считаются отдельные произведения К. Пендерецкого, В. Лютославского, С. Губайдулиной, А. Эшпая, К. Штокхаузена.

Алеаторика

Алеаторика («игральная кость») — особый композиционный прием, который предполагает случайное соединение звуков. К примеру, вместо сочинения музыки композитор-алеаторик кидает игральные кости, переводя в ноты полученные числа. Или разбрызгивает краски на нотные листы. Такими композиторами были В. Лютославский и П. Булез.

Музыка русского авангарда

Русскими авангардистами начала XX столетия стали Александр Скрябин с его самобытной гармонией и техникой, Николай Мясковский и Владимир Ребиков, а также другие композиторы-новаторы, которые воплотили в своем творчестве эстетические идеалы символизма.

Некоторые композиторы отказались от мажоро-минорной системы, привычной формы и структуры музыкального произведения. Они начали искать новые гармонии, тембры, ритмы. Теоретическую основу оригинальным звуковысотным системам дали композиторы Н. Обухов, Л. Сабанеев, И. Вышнеградский и другие.

Музыка нового времени

Некоторые композиторы молодого советского государства развивали в своем творчестве идею замены мелодии шумами. Шумовая музыка – это течение, которое задумывалось как максимально близкое к нуждам и быту пролетариата. Замечательным примером в этой сфере является «Симфония гудков» композитора Авраамова, которая основывается на сочетании различных звуков индустрии: это машинные гудки, свистки паровоза, пистолетные выстрелы.

Грань между высоким искусством и «искусством низов» была практически уничтожена авангардистами. Композиторы рассчитывали на широкую аудиторию, приближая музыку к быту рабочих, зачастую отбирая у музыкального искусства его высочайшую цель: прекрасным возвышать умы.

Некоторые произведения эпохи авангарда уже утратили свою эстетическую ценность и злободневность, оставаясь интересными лишь для музыковедов. Но существует и множество произведений, которые вошли в сокровищницу мировой классики и заслужили признание как современников композиторов, создававших их, так и их потомков.

Роль русского авангарда в развитии мирового искусства XX века

22 августа 2016г.

Авангардизм как концептуальное направление в искусстве и культуре Западной Европы, возник в конце 19 начале 20 веков. Принято считать, что наиболее активный период развития авангарда в живописи, литературе, музыке, театре, кино и архитектуре приходится на 1870 – 1938 года.

Появившиеся в конце 19 века работы немецких философов призывали к пересмотру устоявшихся в западной культуре философских, эстетических и культурных концепций и к появлению новых форм самовыражения в различных сферах искусства. Особенно большую роль на этот процесс оказала и работы Фридриха Ницше и Освальда Шпенглера, в которых ставились под сомнение традиционные ценности буржуазного мира Западной Европы и переосмысливалось предназначение человека и культуры.

Русский авангардизм

В русской художественной культуре начала 20 века появление авангардизма повлекло за собой создание разнообразных школ в изобразительном, музыкальном, театральном искусстве и в архитектуре.

Русский авангардизм начала 20 века представлял из себя объединение представителей левых идей. Основные центры русского авангардизма сформировались в Петербурге и в Москве, считавшимися культурными центрами Российской империи. В Санкт-Петербурге в 1909 – 1917 году существовал «Союз молодежи», а в Москве авангардные течения объединило общество «Бубновый валет», просуществовавшее с 1910 по 1916 гг. Из этих объединений вышли многие основатели будущих российских мировых направлений в искусстве. Братья В. и Д. Бурлюки, создававшие новые концепции в литературе, Каземир Малевич, открывший целое направление в изобразительном искусстве своим «Черным квадратом». В музыке новые направления авангардного типа предлагали А.Скрябин, И. Стравинский и Д. Шестакович.

Авангардисты декларировали новую эстетику, которая, по их мнению боле соответствовала появлению нового мира и нового человека. Революция 1917 года в большой степени оказала влияние на авангардистов в России, создавших особое течение в искусстве – кубофутуризм, объединивший в себе художников и поэтов, среди которых стоит назвать В.Хдебникова, В. Маяковского, А .Крученых, В. Кандинского. М. Шагала, П. Филонова. Они ожидали рождение нового мира и отобразили это с помощью свойственных им художественных инструментов.

Велемир Хлебников в своих стихах возвещал о грядущем новом космическом сознании и грезил о переустройстве мира, которое он начал с создания нового литературного языка в поэзии.

Определенным манифестом новой живописи стала работа В. Кандинского «О духовности в искусстве», в которой предлагался поиск новых вечных форм в живописи в искусстве целом. Он призывал с созданию новых видов искусства через объединение музыки, литературы, живописи. Такое синтетическое искусство по его мнению должно было стать символом создания нового мира и новой духовности. В творчестве самого Кандинского основной темой его картин стала тема Христа, олицетворявшего возвещение прихода новых этических и эстетических ценностей на смену прогнившей западной предметности и реализму.

Одним из ярких живописцев этого направления стал М. Шагал, который объединил в своем творчестве идеи экспрессионизма, кубизм, сюрреализм и футуризм. Его картины необыкновенно ярки и порою граничат с абсурдом.

Петр Филонов предлагал идеи аналитического искусства, позволявшие использовать в изобразительном искусстве органичные формы, которые плавно перетекали бы друг в друга.

В целом движение русского авангардизма оказало большое влияние на европейскую и мировую художественную культуру. Идеи авангардизма помогли созданию нового стиля в архитектуре, который начал формироваться также в России. Среди наиболее известных архитекторов можно назвать А. Веснина, Ладовского, А. Родченко и ряд других архитекторов, которые стали основателями индустриального стиля, создателями новой профессии дизайнера и привели к настоящей революции в строительстве жилых, общественных и промышленных помещений.

Также стоит назвать авангардистов в театральном искусстве и кинематографии, оказавшими огромное влияние на последующее развитие мирового театра и кино. В. Мейерхольд и А. Таиров использовали в постановке своих спектаклей декорации и костюмы, выполненные художниками авангардистами. Они стояли за синтез разных видов искусства в театре и активно предлагали зрителю новый изобразительный язык сценического искусства.

В кинематографии прорывом стал фильм Эйзиншейна «Броненосец Потемкин», который на многие годы вперед определил направление мирового искусства кино, которое тогда само по себе являлось авангардом.

Информационный портал «Новый Ракурс», 2016.

Русский авангард: все, что нужно знать

Что такое авангардное искусство? За что авангардисты так презирали «общественные вкусы»? Почему они считали, что классика «уже не та»? Зачем авангардисты создавали такие странные картины? И все же, русский авангард – это богоборчество или богоискательство?

Об этом мы беседуем с искусствоведом, культурологом

Ириной Языковой.

 

Зачем XX веку понадобилось авангардное искусство?

Казимир Малевич. Атлеты. 1932

— Что такое авангард?

— То, что мы объединяем одним словом «авангард», включает в себя очень разнообразные течения (например, кубизм, футуризм, примитивизм, супрематизм, дадаизм), разные имена и идеи. Но для всех них было характерно одно — революционное восприятие действительности.

Авангард обычно связывают с революционными процессами начала XX века, и многие художники авангарда приветствовали революцию. Конечно, понимали они под ней скорее не какой-то социальный взрыв, а революцию духа, прежде всего — революцию в искусстве. В чем она заключалась? В радикальном разрыве с мировой традицией, с предыдущими поисками в искусстве. В отказе от отражения физического мира — вместо этого авангардисты стремились разработать новый язык для описания мира метафизического, невидимого. В этом краеугольная идея авангарда — выход за пределы известного в неизвестное и даже непознаваемое. Неслучайно созданный «новый язык» поэзии Велимир Хлебников называл «заумь».

Однако чрезвычайно важно понимать, что когда мы начинаем погружаться в искусство авангарда, то должны быть готовы к диалогу и взаимодействию с глубокой философской системой. Этим оно отличалось от предшествующих ему направлений и настроений в искусстве. Сам Казимир Малевич, например, был метафизиком и через свои образы стремился выразить смыслы безусловно философского масштаба.

Почему же вдруг потребовалась такая кардинальная переработка в искусстве? Потому что этого требовала эпоха XX века со всеми ее катастрофами, трагедиями, разломами. Всем стало очевидно, что после того, как мир пережил такие потрясения — Первую мировую войну, две революции в России, Гражданскую войну, немыслимо дальше беспечно рисовать «амуров» на лазурном небе Европы. Язык прежнего искусства оказался неспособен осмыслить тот кризис, который поразил все человечество. Как сказал позднее философ Теодор Адорно: «Писать стихи после Освенцима — это варварство». Старое умерло, распалось в хаос, и в нем еще только проглядывались очертания нового, которые нужно было разглядеть и понять через призму философии. Потому все авангардисты так ею и увлекались.

— Сам авангард как течение в искусстве был совершенно неожиданным явлением или же у него была какая-то историческая почва?

— Безусловно, авангард как культурное явление начала XX века отвечал или, правильнее сказать, вписывался в те процессы, которые зарождались на заре столетия. Это было грандиозное время. Время, которое в России называют Серебряным веком. Время открытия древнерусской иконы, время больших экспериментов в искусстве, время великих надежд.

Если обратиться к истории западного искусства, то она в каком-то смысле всегда развивалась по принципу авангарда. Каждое зарождающееся течение обращалось к совершенно новым проблемам. Импрессионизм, например, переместил свой фокус с «фотографического» описания окружающего мира (максимально точного, всесторонне приближенного к натуре, к чему стремился предшествующий ему реализм) на тот эмоциональный отклик и впечатление, которые в момент созерцания рождаются в душе художника. За импрессионистами появляются символисты, которые идут уже другим путем — начинают вырабатывать особый словарь символов, с помощью которого надеются достигнуть совершенного и исчерпывающего описания мира. Примеров подобных кардинальных изменений в художественном поиске — множество, учитывая, что развитие искусства чрезвычайно ускорилось к концу XIX — началу XX веков, буквально каждое десятилетие рождало одно, а то и несколько новых направлений. Но самое главное — каждое новое течение в искусстве пыталось забежать вперед, запрыгнуть за горизонт событий настоящего, предвосхищая само будущее.

Авангард — безусловно, взрыв, но взрыв предсказуемый. К этой бомбе были протянуты свои «фитили». Один из них — системный кризис культуры. По мнению многих современников, ее несущие основания были расшатаны, содержательный посыл оказался исчерпан. Кроме того, это еще и технический прогресс, вместе с которым в искусство буквально врывается идея скорости. Появляются фотография и кинематограф, на фоне которых простое копирование действительности кистью и красками стало уже ненужным. Об этом очень ярко писал Малевич: «Можно, конечно, трактовать сюжеты прошлого и показывать их современному миру, но от этого не свернет бег сегодняшняя жизнь и автомобили не обратятся в двуколки, телефоны не исчезнут и подводные лодки не превратятся в корабли классических греков».

Стремительно меняется и научно-философская картина мира: то, что вчера было традиционным и неоспоримым, сегодня уже пылится на полке. Кроме того, начался грандиозный процесс экономической глобализации в масштабах всего мира. В конце концов и общество — его структура, движущие силы — трансформировалось. Все это скопилось и сцепилось в огромный клубок не решенных для искусства проблем. Взрыв был неизбежен. И он произошел.

Прочитать расшифровку лекции на сайте Академии «Фомы»

 

— Авангард чаще всего ассоциируется с яркой манифестацией. Это был, как они говорили, плевок традиционному, пощечина общественному вкусу. Что же так раздражало авангардистов? Против чего они подняли свой «художественный бунт» и что предлагали взамен разрушенному?

— Больше всего их раздражали буржуазная сытость с ее мещанской моралью, равнодушие и забитость бедных слоев, всевластие бюрократии.

Авангардисты декларировали создание нового путем радикального эстетического эксперимента. При этом они уничтожали классическую эстетику, потому что, по их мнению, она была абсолютно ложной. Обычный художник, изображая, например, красивую девушку на фоне прекрасного пейзажа, врет, потому что в реальности девушка не так красива и пейзаж за ней не так

прекрасен. И все вместе это не отражает реальной жизни, а просто выдумано. Так думали авангардисты и выдвигали идею принципиально новой эстетики для создаваемого ими мира. Для него требовались новое восприятие, иные вкусы, категории, описательный язык. И в самом творчестве авангардисты, как бы странно это ни звучало, постоянно обращались к Богу. В Священном Писании сказано, что Создатель творил мир «из ничего», а значит, и настоящее грандиозное искусство должно созидать новый мир таким же образом, разрушив все до основания (до «ничто») и построив взамен нечто совершенно новое. Эстетика авангарда — это радикальная эстетика, которая по своей задаче «божественна» потому, что должна создать нечто совершенно новое.

 

Во что верили и чему поклонялись авангардисты?

Кузьма Петров-Водкин. 1918 год в Петрограде. 1920

— Если авангардисты выступали против любых форм традиционности, если они хотели разрушить весь существующий мир искусства и идей, значит, и религия — такая, какой она была, — их также не устраивала. Или я ошибаюсь?

— Однозначно на этот вопрос ответить не получится, ведь, как я уже говорила, все авангардисты были очень разными. Например, Наталья Гончарова (1881–1962), судя по всему, была человеком верующим. Она даже писала иконы в авангардном стиле. А вот Казимир Малевич, хоть и не был человеком религиозным в традиционном смысле этого слова, но творческий стимул получил, когда увидел, как художники из Петербурга расписывают в Киеве собор. Казимиру было пятнадцать лет, но это так его поразило, что он упросил мать купить ему кисти и краски и с тех пор уже никогда с ними не расставался. Огромное впечатление на него произвело открытие древнерусской иконы, когда в начале XX века реставратор Василий Гурьянов нашел способ снимать слой олифы с потемневших икон. До этого они были совершенно почерневшими из-за пыли и копоти, которая веками наслаивалась на них. И тут вдруг стали открываться истинные цвета и краски образов и это стало настоящей сенсацией. Особенным событием было открытие рублевских икон, например его знаменитой «Троицы». Конечно, для самого Малевича икона была интересна только как эстетический объект.

Многие из тех, кого мы сегодня считаем авангардистами, часто обращались к христианским образам и размышляли над евангельскими сюжетами. Кузьма Петров-Водкин (1878–1939), например, воспитывался в православных традициях и потому всю жизнь оставался человеком религиозным. Известно, что в городе Хвалынске, где он венчался, был храм, для которого он написал «Распятие» (к сожалению, сама церковь не сохранилась до наших дней). Была у Петрова-Водкина и серия картин, посвященных теме Богоматери, где (например, в «Петроградской Мадонне») была предпринята попытка осмыслить женщину его времени через религиозный образ. Интересно, что даже в его революционных картинах присутствует характерная для икон сферическая перспектива.

Известны религиозные искания Николая Рериха (1874–1947), который долгое время увлекался темой русских святых. Можно вспомнить его знаменитый цикл о преподобном Сергии Радонежском. Да и сам Малевич, хоть формально и был далек от религии, но серию своих «Квадратов» называл «новыми иконами». Знаменитый художник говорил, что его картины — это дорожные знаки, которые должны ориентировать человека на пути искусства. Он верил в Бога, но воспринимал Его не как личность, а как некоторый первопринцип.

Но все же я думаю, что вопрос о том, были ли авангардисты верующими или нет, второстепенен. Важнее то, что общий порыв авангарда был по духу религиозным. Он был пропитан отчетливым религиозным пафосом, собственно говоря, как и любое революционное движение. Об этом писал, между прочим, Николай Бердяев в книге «Религиозные истоки русского коммунизма». Философ, в частности, отмечал, что русский человек даже через богоборчество приходит к богоискательству. И эта мысль Бердяева, мне кажется, многое объясняет в самом авангарде.

Мы встречаем богоборческий пафос, например, у Малевича, когда он вместе с художником Михаилом Матюшиным (1861–1934) и поэтом-футуристом Алексеем Крученых (1886–1968) создал грандиозную оперу-мистерию — «Победа над солнцем». Малевич в связи с постановкой писал позднее в статье «Театр» очень характерно: «Звук Матюшина расшибал налипшую, засаленную аплодисментами кору звуков старой музыки, слова и буквозвуки Алексея Крученых распылили вещевое слово. Завеса разорвалась, разорвав одновременно вопль сознания старого мозга, раскрыла перед глазами дикой толпы дороги, торчащие и в землю, и в небо. Мы открыли новую дорогу театру». Это была попытка через отрицание прийти к новым творческим вершинам, и в этом скрывалось свое, быть может очень сложное, в каком-то смысле драматичное, не линейное, богоискательство.

Интересно, что похожие мотивы мы находим и у знаменитого композитора Александра Скрябина (1872–1915), который в своей музыке пытался соединить звук с цветом, то есть как бы «раскрасить» нотные станы, дать слушателю увидеть и ощутить за звучанием цветовую перспективу. Музыкант пытался воссоздать акт божественного творения Вселенной или хотя бы прикоснуться к нему. И такие космические проекты в искусстве мы встречаем в начале XX века постоянно. Это было характерно для духа времени. Все они перекликались между собой, влияли друг на друга, создавая единый революционный лейтмотив — безусловно богоборческий, но сквозь который, так или иначе, просвечивалось богоискательство.

Наталья Гончарова. Богоматерь с Младенцем. 1911

— Если авангард стремился к такому грандиозному творчеству, если он радикально отказывался от старых традиций и «избитых» образов, почему художники этого направления так часто обращались к христианским идеям и сюжетам? Почему им был так важен диалог с христианской культурой?

— В первую очередь это связано с теми реалиями, в которых они формировались. Русские авангардисты во многом были воспитаны внутри христианской культуры, и это предопределило их обращение к ее основным темам. Кроме того, христианское искусство само по себе очень сильное. Авангардисты чувствовали это.

Не просто так известный французский художник и скульптор Анри Матисс (1869–1954), приехав в Россию и впервые увидев древние иконы, сказал: «Вот истинное большое искусство. Я влюблен в их трогательную простоту, которая для меня ближе и дороже картин Фра Анджелико. В этих иконах, как мистический цветок, раскрывается душа художников. И у них нам нужно учиться пониманию искусства».

В иконе было то, что так искали авангардисты: свобода от натуры, господство линий и плоскостей, иные пространство и время. Они понимали, что диалог с христианской культурой может быть очень плодотворен, что религиозная традиция не утратила понимания сверхзадачи искусства — прикосновение к метафизическому. Такое понимание было свойственно, например, Средним векам и уже менее заметно в поствозрожденческую эпоху. Кроме того, христианское искусство очень знаково, а авангардисты ценили знак за его емкость и в то же время бездонность. И здесь снова вспоминается Малевич, который «знаково» воспринимал свои картины.

 

Зачем Малевич написал «Черный квадрат»? И что искал Кандинский в Раю?

Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915

— Говорят, что Малевич называл свой «Черный квадрат» антииконой. Что это значит?

— Для того, чтобы дешифровать значение этого высказывания художника, нужно помнить, что писал он эту картину в момент колоссальной исторической катастрофы — в разгар Первой мировой войны (1914–1918). Через «Черный квадрат» он попытался показать ту бездну, в которую катилось тогда человечество. Сам Малевич повесил ее в «красном углу» своей мастерской — действительно, будто бы как икону. Но «Черный квадрат» — это антиикона не в том смысле, что здесь скрыто нечто противоречащее иконе, дьявольское. В этой картине, по замыслу Малевича, был заключен такой же по силе символизм. В ней, если хотите, есть апофатическое начало*.

Взяв форму иконы, близкую к квадрату, делая поля белыми, а средник черным, художник явно отталкивается от иконографического канона. Квадрат всегда был символом, который втягивает в себя весь мир — все четыре конца света. Потому и икона четырехугольна. Она как бы вбирает в себя масштаб всей вселенной. Все многоцветие иконы Малевич сводит к двум цветам: черному и белому — свету и тьме. Именно эти начала борются в мире — свет и тьма, бытие и небытие, Бог и Его противник. И здесь небытие, то есть черный цвет, как бы вытесняет, выталкивает свет на поля, занимая собой все пространство квадрата в середине. Там, где должен быть лик — мрак, который глухо предупреждает: дальше дороги нет! В этом смысле Малевич как бы ставит точку в искусстве, потому как мир разрушается мировой войной. Но это только одна из интерпретаций. Существует мнение, что «Черный квадрат» символизирует, наоборот, начало Вселенной, которая вот-вот должна появиться, или, наоборот, уже исчезла, а за ней родится новое небо и новая земля. Картина изображает и начало, и конец одновременно.

В этом смысле «Черный квадрат» — это антиикона, которая символизировала и крах привычных форм выразительности, и начало нового творческого поиска. Интересно, что впоследствии Малевич написал «Белый квадрат на белом фоне», а затем «Красный квадрат». Сам художник продолжил движение дальше, перешагнул «точку» «Черного квадрата», силясь постичь и выразить новые горизонты искусства.

Василий Кандинский. Последовательность. 1935

— В истории русского авангарда есть, пожалуй, две самые главные и узнаваемые фигуры — это Казимир Малевич и Василий Кандинский. Кандинский шел тем же путем, что и Малевич?

— Нет, они совсем разные. Мне кажется, что Малевич по духу больше апокалиптик. Он как художник обращен к концу этого мира, пытается обозначить его гибель. При этом, всматриваясь в бездну «Черного квадрата», художник улавливает за чернотой вселенского «Апокалипсиса» проблески нового искусства, то, что он и назвал «супрематизмом» или беспредметным искусством.

Василий Кандинский (1866–1944) уходит в совершенно другое направление — к началам мира. Его можно назвать «райским» художником. Он как бы рассекает все формы искусства до первоэлементов — точки, линии, пятна — из которых складывается художественный образ. Кандинский стремится показать мир таким, каким он был на самой начальной стадии. Художник соприкасается с бытием разворачивающимся. Искусство Кандинского возвращает нас в то райское состояние, когда Адам в первый раз вдохнул воздуха и увидел мир вокруг себя в становлении — пока еще только всплески, неоформленные цвета, ощущения. Он видит линию, которой еще не проведен контур, видит точку, из которой еще не разлетелись звезды и планеты. У Кандинского все «первобытно», а потому — абстрактно, без законченных форм.

И Кандинский, и Малевич были теоретиками авангарда. Василий Васильевич оставил нам небольшую, но очень емкую книгу — «О духовном в искусстве», в которой объяснил, почему для своего творчества он использовал язык абстракций. Художник сравнивал искусство живописи с музыкой.

Сама по себе музыка — абстрактна, но человек всегда слышит в ней что-то конкретное и личное. И для того, чтобы, например, музыкально изобразить утро, необязательно тащить в оркестровую яму петуха.

Клоду Дебюсси или Петру Чайковскому было достаточно всего лишь гармонии семи нот, чтобы «изобразить» слушателю утро. Точно так же и в картинах Кандинского, используя сочетание семи цветов и освобождая свои картины от предметности, художник стремился погрузить своего зрителя в «музыку света». Использование абстрактной живописи обосновывалось художником психофизически. И ведь правда, когда мы смотрим на пейзаж за окном, то в первую очередь на уровне эмоций видим его или солнечным, или пасмурным. И художнику, для того чтобы передать это ощущение, совершенно необязательно дотошно копировать весь пейзаж. Достаточно лишь абстрагировать его от конкретных очертаний и передать само настроение, придать ему музыкальное звучание.

Тем не менее, мне кажется, что религиозные поиски, осмысление сакрального, божественного у Малевича и у Кандинского до сих пор до конца не поняты и не оценены.

 

Чем закончился авангард?

Казимир Малевич. Белое на белом. 1918

— Любой творческий эпатаж, любая продуманная и спланированная бутафория в искусстве сегодня, как правило, ассоциируется с авангардом. Если живопись шокирует нас, если мы видим неожиданный эксперимент, то, как правило, определяем увиденное как искусство. Может и непонятное, странное, но — искусство, причем авангардное. Авангардисты ведь шокировали тогдашнее общество своими выставками. Насколько правомочно сопоставлять современное искусство с авангардом?

— Внешнее сходство действительно заметно. И авангардисты, и многие деятели современного искусства использовали и используют эпатаж как инструмент творческой трансляции. Но радикальное различие заключается в том, что когда ты начинаешь анализировать живопись первой половины XX века, то понимаешь, что за внешней, безусловно яркой и шокирующей, формой всегда скрывается очень глубокая и сложная философия. Внешняя эффектность искусства авангарда завлекала зрителя вглубь — к смыслу того, что пытался сказать художник. И каждый раз зритель сталкивался с колоссальной по своему масштабу продуманной философской системой. Пример «Черного квадрата», о котором мы говорили выше, — яркое тому подтверждение. То же ощущаешь, когда читаешь работы Кандинского. Понимаешь насколько мощная интеллектуальная база стояла за его творческой системой.

К сожалению, современное искусство необычностью форм завоевывает внимание ради внимания. Это хорошо отработанный способ пиара и только. Конечно, и в современном искусстве есть немало интересного, глубокого, художники нередко поднимают философские темы, но так называемое актуальное искусство главным образом строит свою стратегию на скандале, который часто входит в замысел художника, кажется, что такое высказывание автора быстрей заметят. Но, кстати, в современном искусстве, мало и собственно нового, все в той или иной степени уже было. Например, так называемый «акционизм» (явление середины XX века, когда само по себе искусство приближается к действию, приобретает черты публичной акции) был и в искусстве начала XX века, когда художники, поэты, мыслители проводили свои яркие, особенные, странные для обывателя выставки, писали грандиозные и дерзкие манифесты, устраивали целые шествия. Но делалось все это не только ради того, что привлечь внимание публики к своему мировоззрению, а чтобы заставить человека задуматься над тем, что ими заявлялось, задать ему те вопросы, о которых он никогда бы не подумал.

Сегодняшний акционизм в искусстве превратился не только в самоцель, но и в средство политической пропаганды. Это может быть яркая оболочка, но, как правило, с пустым содержанием. Современное искусство, на мой взгляд, философски проработано очень слабо. Хотя, конечно, можно найти и положительные примеры, но их меньше.

— Сегодня идет грандиозный спор между приверженцами классического и авангардного искусства. При этом разрыв между оппонентами громаден, язык общения порой бывает грубым. В чем Вы видите причину такого ярого неприятия друг друга этих двух позиций?

— Искусство — это сфера, где человек раскрывается прежде всего эмоционально, поэтому вокруг искусства и споры ведутся с повышенными эмоциями. И к тому же тут вопрос языка и вопрос контекста. Как мы с вами говорили, авангард стремился создать новый язык, отличный от классического, он хотел порвать со всей предыдущей традицией, создать новое искусство. И создал язык, который приверженцам традиции непонятен. Но я думаю, что при желании можно научиться понимать любой язык и услышать, что хотел сказать художник.

Тут и контекст важно учитывать, потому что авангард рождался в атмосфере крушения не только классического искусства, но и классического представления о вселенной и о человеке. Сегодня уже нельзя сказать, что опыт ХХ века не изменил человека, и что он так же, как и двести, и триста, и пятьсот лет назад ощущает себя во вселенной. Мы стали другими, а искусство — это своего рода наше зеркало, и потому оно тоже меняется. Но тут нет и не может быть противопоставления. Классика хороша по-своему, авангард — по-своему.

Павел Филонов. Ударники (Мастера аналитического искусства). 1934-1935

— Авангард заявил, что классика отжила, что она недееспособна и лжива. Выдержала ли эта позиция испытание временем? Действительно ли классика так бессильна?

— Нет, конечно, классика не отжила, на то она и классика. Сколько веков прошло со времен античности, а она все равно питает европейскую и мировую культуру. Точно также и византийская и древнерусская икона. «Сбросить Пушкина с корабля современности» не удалось — и слава Богу! Юношеский порыв авангарда (а этот был бунт детей против отцов) разрушить все до основания не удался. Но удалось воздвигнуть свое здание рядом с классикой. И в этом ценность авангарда, по крайней мере, начала ХХ века, что он не только разрушал, но и строил. И его достижениями питалось искусство на протяжении всего ХХ века и сегодня питается. В какой-то мере мы можем говорить о «классике авангарда». Авангард тоже стал классикой. Вопрос: что идет ему на замену? Ответить очень трудно.

— С момента зарождения авангардного искусства прошел уже целый век. Насколько реализовались планы и программы этих художников? Не получается ли, что они закончились провалом, ведь сегодня авангардом интересуется узкий круг специалистов и любителей?

— Прошло сто лет, и мы с уверенностью можем сказать, что русский авангард — великое явление, он глубоко повлиял на ход развития мирового искусства. Как мы знаем, Василий Кандинский уехал в Германию и стал основателем двух объединений «Синий всадник» и «Мост», и стал значительной фигурой в немецком искусстве ХХ века. А Марк Шагал — во французском. Казимир Малевич никуда не уезжал, но стал одним из самых популярных и влиятельных художников ХХ века, его творчеством до сих пор вдохновляются художники по всему миру.

К сожалению, судьбы многих художников авангарда сложились трагически. Одни вынуждены были покинуть Россию, как Кандинский, Шагал, Бурлюк, Гончарова, Ларионов и другие, а кто-то не смог или не захотел уехать на Запад. И здесь одни вписались в советскую систему, а другие нет. Один из учеников Малевича, Стерлигов, в 1930-х годах сидел. Александр Древин был расстрелян в 1938 году на Бутовском полигоне. Павел Филонов умер в 1941 году в блокадном Ленинграде от голода, а Эль Лисицкий в том же году в Москве — от туберкулеза. Малевич, Петров-Водкин, отчасти Владимир Татлин и Роберт Фальк смогли вписаться в советскую систему, но уже в 1930-е годы авангард был заклеймен как вредный формализм, и было сделано все, чтобы все разнообразие художественных течений свести к одному: в стране утвердился социалистический реализм. Но в послевоенные годы, особенно в 60-70-е, семена, посеянные художниками-бунтарями, взошли. И мы можем говорить о так называемом «втором авангарде». Он, конечно, не был столь масштабным и глубоким. Но он был, а значит, усилия художников начала ХХ века не оказались напрасными. Кстати, интересный факт: один из учеников Малевича, Владимир Стерлигов, в 1960-х годах основал группу художников, которые работали над созданием религиозного искусства. В основу творчества этой группы легла стерлиговская теория «Чашно-купольного сознания», которая, как он считал, развивает супрематические идеи Малевича.

К сожалению, вы правы, об искусстве авангарда знают в основном знатоки и любители, авангард очень ценят коллекционеры, он стоит довольно дорого. А вот широкая публика — не очень им интересуется, потому что не понимает. И это если и провал, то провал в том смысле, что мы не учим по-настоящему наших детей смотреть и понимать искусство, и, вырастая, они дальше Шишкина и Васнецова подняться не могут. Я думаю, что нужно больше рассказывать людям об искусстве, у которого столько много разных и интересных языков, направлений, имен, идей.

— Что бы Вы посоветовали читать тем, кто захочет познакомиться с авангардом поближе?

— В первую очередь стоит прочитать манифесты самих авангардистов. Например, первый манифест футуризма итальянского поэта Филиппо Маринетти или текст русских авангардистов — «Пощечина общественному вкусу».

Программный манифест Малевича «От кубизма и футуризма к супрематизму».

Есть интересная книга Елены Сидориной «Конструктивизм без берегов. Исследования и этюды о русском авангарде» (Москва, 2012).

У Андрея Крусанова есть исследование в трех томах «Русский авнгард» (Москва, 2010).

Но все же непосредственное прикосновение к этому искусству возможно только в галерее. Эти картины нужно видеть вживую, при этом осознавая, что для их понимания потребуется выучить определенный язык, на котором они были написаны.

«Заумный» ТЕСТ про авангардное искусство. Испытай себя на знание искусства авангарда! Малевич называл «Черные квадрат» антииконой, потому что ненавидел христианство? А правда ли, что Василий Кандинский сравнивал свои картины с молитвой? И неужели авангардисты призывали раз и навсегда порвать с классической литературой?

* — Апофатическое богословие (или негативная теология) строится на том, что сущность Бога поясняется путем отрицания всех возможных определений, как несопоставимых с Его природой. — Прим. ред.

Беседовал Тихон Сысоев

 

Читайте также:

Чем закончилось купание красного коня?

Созерцая «Троицу»

На заставке фрагмент фото: Россия. Санкт-Петербург. 2 декабря. Посетитель на выставке «Малевич. До и после квадрата» в корпусе Бенуа Русского музея. Фото ИТАР-ТАСС/ Руслан Шамуков

Конец эстетики. Как русский авангард захватил мир | Искусство | Культура

«Вчера нас учили Толстые да Канты, сегодня — звенит Своя Голова», — декларировал с передовицы «Газеты футуристов» Василий Каменский. «Мы пришли переклеить обои вашего вкуса; мы хотим перекрасить полы, побелить стены душ», — вторил коллеге Давид Бурлюк. Подобными призывами покончить с прошлым и создавать новое искусство усыпана вся «Газета футуристов».

Подобно техническому прогрессу, новые художественные формы должны были вывести понимание и ощущение окружающего мира на качественно новый уровень, но пресса энтузиазма молодых авторов не разделяла.

«Нечто больное и безмерно безобразное», «сплошное глумление и над искусством, и над публикой», «бред глубоко порочного и прогнившего до мозга костей молодого человека, которого надо лечить» — это лишь самые безобидные отзывы на выставки футуристов, конструктивистов, супрематистов, абстракционистов, неопримитивистов и всех тех, кто к ним примыкал.

Тем не менее сегодня их работы оцениваются в десятки миллионов долларов. Например, «Фуга» Василия Кандинского куплена на аукционе за $19 млн, а в 2008 году на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке неизвестный покупатель приобрёл «Супрематическую композицию» Казимира Малевича за $60 млн.

Как столь противоречивые авторы получили признание и почему именно авангард стал «визитной карточкой» русского искусства на Западе?

Заклинатель будущего. 13 картин Василия Кандинского

Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, в связи с чем в детстве часто переезжал, но в 1871 году семья осела в Одессе. Здесь он окончил гимназию, получив в том числе художественное и музыкальное образование. «Лодки Рапалло», Василий Кандинский, год неизвестен. В 29 лет Кандинский оказался на выставке импрессионистов в Москве и под впечатлением от «Стога сена» Моне решил стать художником. Параллельно с этим он устроился на работу художественным директором типографии «Товарищества И. Н. Кушнерёва и К°» в Москве. «Урок с каналом», Василий Кандинский, 1901 год. Вскоре Кандинский сам начинает преподавать в летней школе, а также создаёт творческое объединение художников «Фаланга». Он также знакомится с 25-летней Габриэль Мюнтер, которая позже под его влиянием станет яркой представительницей экспрессионизма. «Габриэль Мюнтер», Василий Кандинский, 1905 год. Вторая половина 10-х годов XX века, проведённая в Германии, считается расцветом почерка художника. Именно в этот период своего творчества Кандинский нашёл собственный стиль, используя приёмы нефигуративного искусства. «Осень в Баварии», Василий Кандинский, 1908 год. Основной идеей абстракционизма был отказ от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре, вместо этого целью работ было достижение гармонии цветовыми сочетаниями и геометрическими формами. «Композиция IV», Василий Кандинский, 1911 год. По окончании Первой мировой войны Василий Кандинский вернулся в Москву. Здесь он вплотную подошёл к общественной работе, был инициатором создания Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук. «Москва I», Василий Кандинский, 1916 год Впрочем, активность художника не находит понимания у советских властей, в связи с чем в 1921 году он возвращается в Мюнхен. В этот период он также создаёт ряд значительных работ, позже ставших «визитной карточкой» абстракционизма. «Композиция VIII», Василий Кандинский, 1923 год. С приходом к власти фашистов работы Кандинского были отнесены к «дегенеративному искусству», в связи с чем его картины перестают выставляться. Художник переезжает во Францию, где включается в местные художественные течения. «Мрачное Положение», Василий Кандинский, 1933 год. Сейчас Василий Кандинский считается одним из самых влиятельных художников XX века, его считают основоположником абстракционизма. Кандинский также остаётся одним из самых известных русских художников в современном искусстве. «Умеренный Элан», Василий Кандинский, 1944 год.

Заклинатель будущего. 13 картин Василия Кандинского

Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, в связи с чем в детстве часто переезжал, но в 1871 году семья осела в Одессе. Здесь он окончил гимназию, получив в том числе художественное и музыкальное образование. «Лодки Рапалло», Василий Кандинский, год неизвестен. В 29 лет Кандинский оказался на выставке импрессионистов в Москве и под впечатлением от «Стога сена» Моне решил стать художником. Параллельно с этим он устроился на работу художественным директором типографии «Товарищества И. Н. Кушнерёва и К°» в Москве. «Урок с каналом», Василий Кандинский, 1901 год. Вскоре Кандинский сам начинает преподавать в летней школе, а также создаёт творческое объединение художников «Фаланга». Он также знакомится с 25-летней Габриэль Мюнтер, которая позже под его влиянием станет яркой представительницей экспрессионизма. «Габриэль Мюнтер», Василий Кандинский, 1905 год. Вторая половина 10-х годов XX века, проведённая в Германии, считается расцветом почерка художника. Именно в этот период своего творчества Кандинский нашёл собственный стиль, используя приёмы нефигуративного искусства. «Осень в Баварии», Василий Кандинский, 1908 год. Основной идеей абстракционизма был отказ от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре, вместо этого целью работ было достижение гармонии цветовыми сочетаниями и геометрическими формами. «Композиция IV», Василий Кандинский, 1911 год. По окончании Первой мировой войны Василий Кандинский вернулся в Москву. Здесь он вплотную подошёл к общественной работе, был инициатором создания Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук. «Москва I», Василий Кандинский, 1916 год Впрочем, активность художника не находит понимания у советских властей, в связи с чем в 1921 году он возвращается в Мюнхен. В этот период он также создаёт ряд значительных работ, позже ставших «визитной карточкой» абстракционизма. «Композиция VIII», Василий Кандинский, 1923 год. С приходом к власти фашистов работы Кандинского были отнесены к «дегенеративному искусству», в связи с чем его картины перестают выставляться. Художник переезжает во Францию, где включается в местные художественные течения. «Мрачное Положение», Василий Кандинский, 1933 год. Сейчас Василий Кандинский считается одним из самых влиятельных художников XX века, его считают основоположником абстракционизма. Кандинский также остаётся одним из самых известных русских художников в современном искусстве. «Умеренный Элан», Василий Кандинский, 1944 год.

Пароход современности

«Если со времени Пушкина изменились невообразимо даже в России способы человекообщения, производства, войны, то как вы осиливаетесь утверждать, что сейсмограф сердца человечества — искусство — мог сохранить черты схожести с видами прежней красоты?» — озвучил главный вопрос футуристов Давид Бурлюк.

Точкой отсчёта русского авангарда считается выставка «Голубая роза» 1907 года, ознаменовавшая собой начало конца символизма и первые работы отечественных импрессионистов и примитивистов. В то время русские художники черпали вдохновение на Западе и в первую очередь — в итальянском футуризме.

Поль Сезанн научил русских авторов пониманию значения цвета и абстракции, Пабло Пикассо показал им новые способы работы с пространством, а итальянские футуристы предложили обоснование новой эстетики: красота — в скорости, в движении, в прогрессе.

В России эти течения обрели силу в 1909 году, когда Михаил Матюшин и Елена Гуро организовали в Санкт-Петербурге «Союз молодёжи». В Москве годом позже появилась группа «Бубновый валет», куда вошли братья Бурлюки, Василий Кандинский, Пётр Кончаловский и многие другие авторы. Через полвека они станут мировыми суперзвёздами от изобразительного искусства, но тогда их воспринимали не более чем шутами.

Буйство форм и красок. Жизнь художника Аристарха Лентулова в картинах

Аристарх Лентулов родился 16 января 1882 года в селе Воронье Пензенской области в семье сельского священника. Мальчику было 2 года, когда отец умер, и мать осталась одна с четырьмя маленькими детьми. Аристарху прочили карьеру священника. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Автопортрет в красном» (1913) Но семинария будущего живописца не привлекала. В 16 лет он поступил в Пензенское художественное училище, а через два года – в Киевское. Во время учебы, чтобы прокормить себя, Лентулов давал уроки, а во время каникул безостановочно писал. Так за одно лето он мог написать около сотни работ. В это время его кумирами в живописи были Врубель и Малявин. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Небосвод – Декоративная Москва» (1915) В 1906 году Лентулов попробовал поступить в Петербургскую академию художеств, однако на экзамене повел себя дерзко. На вопрос преподавателя, где художник видит на носу модели зеленый цвет, Лентулов ответил: «А вы разве не видите? В таком случае мне вас жаль». В академию абитуриента не взяли. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Две женщины» (1915) Но помощник Ильи Репина – Дмитрий Кордовский – пригласил Лентулова учиться у него в мастерской. Лентулов сблизился с Давидом Бурлюком, отцом русского футуризма, стал участвовать в эпатажных акциях и выставках. В это время Лентулов написал много пейзажей, натюрмортов. О своих экспериментах с цветом художник писал: «В пейзаже я допускал контрасты света и тени, от черного в тени до чистого хрома в свету». © Public Domain / Аристарх Лентулов «Астры» (1913) Художник утверждал, что портрет нельзя считать произведением искусства, если он реально отображает человеческие черты. Ведь для этого есть фотография. Но если живописец передает свое переживание, впечатление или настроение от объекта, тогда полотно может быть зачислено в ряд произведений искусства. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Женщина с гитарой» (1913) В 1908 году художник познакомился с Машковым, Фальком, Куприным, Рождественским, Кончаловским. Все эти художники стали ядром «Бубнового валета», творческого объединения группы художников-авангардистов, созданного Лентуловым и Ларионовым в 1910 году. Живописцы культивировали вещность, предметность. К картинам периода «Бубнового валета» относятся полотна «Собор Василия Блаженного» (1913), «Москва» (1913), «Битва победы» (1914). В 1916 году объединение «Бубновый валет» распалось: ему на смену пришли новые художественные течения. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Собор Василия Блаженного» (1913) Увлекшись кубизмом, Лентулов отправился в Париж и поступил в «Академию живописи Ла Палетт», а его преподавателями стали приверженцы доктрины кубизма Ле-Фоконье, Метценже, Сегонзак. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Автопортрет» (1915) Вернувшись в Россию, внимание Лентулова привлек футуризм. Художник сформулировал идею «совместноцветности», согласно которой все элементы картины должны были восприниматься зрителем не один за одним, а одновременно. Примером таких картин могут служить полотна «Аллегорическое изображение Отечественной войны 1812 года» (1912) и «Сюжет из балета». © Public Domain / Аристарх Лентулов «Аллегорическое изображение Отечественной войны 1812 года» (1912) После Октябрьской революции художник стал исполнять государственные заказы: оформлял площади, зрительные залы театров, а также целые спектакли. К этому перирду относится известная картина художника «Мир, торжество, освобождение» (1917), а также пейзажи: «Пейзаж с сухими деревьями» (1920), «Пейзаж с белым домом и желтыми воротами» (1920-1922), «Солнце над крышами. Закат» (1928), «Закат на Волге» (1928). © Public Domain / Аристарх Лентулов «Мир, торжество, освобождение» (1917) В 1941 году художник был эвакуирован в Ульяновск, но через год вернулся в Москву, где 15 апреля 1943 года умер. Его похоронили на Ваганьковском кладбище. © Public Domain / Аристарх Лентулов ««Солнце над крышами. Закат» (1928)

Буйство форм и красок. Жизнь художника Аристарха Лентулова в картинах

Аристарх Лентулов родился 16 января 1882 года в селе Воронье Пензенской области в семье сельского священника. Мальчику было 2 года, когда отец умер, и мать осталась одна с четырьмя маленькими детьми. Аристарху прочили карьеру священника. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Автопортрет в красном» (1913) Но семинария будущего живописца не привлекала. В 16 лет он поступил в Пензенское художественное училище, а через два года – в Киевское. Во время учебы, чтобы прокормить себя, Лентулов давал уроки, а во время каникул безостановочно писал. Так за одно лето он мог написать около сотни работ. В это время его кумирами в живописи были Врубель и Малявин. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Небосвод – Декоративная Москва» (1915) В 1906 году Лентулов попробовал поступить в Петербургскую академию художеств, однако на экзамене повел себя дерзко. На вопрос преподавателя, где художник видит на носу модели зеленый цвет, Лентулов ответил: «А вы разве не видите? В таком случае мне вас жаль». В академию абитуриента не взяли. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Две женщины» (1915) Но помощник Ильи Репина – Дмитрий Кордовский – пригласил Лентулова учиться у него в мастерской. Лентулов сблизился с Давидом Бурлюком, отцом русского футуризма, стал участвовать в эпатажных акциях и выставках. В это время Лентулов написал много пейзажей, натюрмортов. О своих экспериментах с цветом художник писал: «В пейзаже я допускал контрасты света и тени, от черного в тени до чистого хрома в свету». © Public Domain / Аристарх Лентулов «Астры» (1913) Художник утверждал, что портрет нельзя считать произведением искусства, если он реально отображает человеческие черты. Ведь для этого есть фотография. Но если живописец передает свое переживание, впечатление или настроение от объекта, тогда полотно может быть зачислено в ряд произведений искусства. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Женщина с гитарой» (1913) В 1908 году художник познакомился с Машковым, Фальком, Куприным, Рождественским, Кончаловским. Все эти художники стали ядром «Бубнового валета», творческого объединения группы художников-авангардистов, созданного Лентуловым и Ларионовым в 1910 году. Живописцы культивировали вещность, предметность. К картинам периода «Бубнового валета» относятся полотна «Собор Василия Блаженного» (1913), «Москва» (1913), «Битва победы» (1914). В 1916 году объединение «Бубновый валет» распалось: ему на смену пришли новые художественные течения. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Собор Василия Блаженного» (1913) Увлекшись кубизмом, Лентулов отправился в Париж и поступил в «Академию живописи Ла Палетт», а его преподавателями стали приверженцы доктрины кубизма Ле-Фоконье, Метценже, Сегонзак. © Public Domain / Аристарх Лентулов «Автопортрет» (1915) Вернувшись в Россию, внимание Лентулова привлек футуризм. Художник сформулировал идею «совместноцветности», согласно которой все элементы картины должны были восприниматься зрителем не один за одним, а одновременно. Примером таких картин могут служить полотна «Аллегорическое изображение Отечественной войны 1812 года» (1912) и «Сюжет из балета». © Public Domain / Аристарх Лентулов «Аллегорическое изображение Отечественной войны 1812 года» (1912) После Октябрьской революции художник стал исполнять государственные заказы: оформлял площади, зрительные залы театров, а также целые спектакли. К этому перирду относится известная картина художника «Мир, торжество, освобождение» (1917), а также пейзажи: «Пейзаж с сухими деревьями» (1920), «Пейзаж с белым домом и желтыми воротами» (1920-1922), «Солнце над крышами. Закат» (1928), «Закат на Волге» (1928). © Public Domain / Аристарх Лентулов «Мир, торжество, освобождение» (1917) В 1941 году художник был эвакуирован в Ульяновск, но через год вернулся в Москву, где 15 апреля 1943 года умер. Его похоронили на Ваганьковском кладбище. © Public Domain / Аристарх Лентулов ««Солнце над крышами. Закат» (1928)

Если «Союз молодёжи» стремился встроить новые идеи, не отказываясь от аристократизма и эстетического пафоса, то «Бубновые валеты» были куда более радикальны. Они полностью отрицали академические нормы, вместо этого художники в поисках искренности и непосредственности обращались к примитивным формам народного искусства.

Через осмысление интуитивно понятного творчества, синтез идей и различных техник «Бубновые валеты» стремились создать абсолютно новые формы, не страшась критики или непонимания публики. Более того, эпатаж для них стал одним из главных способов заявить о себе, а жест и действие — инструментом определения самого себя. Гуляющий по Кузнецкому мосту с красной ложкой в петлице пиджака Казимир Малевич сам по себе становился объектом искусства.

Столь же провокационными были и их работы, вызывавшие не меньшие скандалы, чем публичные выходки. Так, «Автопортрет и портрет Петра Кончаловского», нарушающий, казалось бы, не только законы логики, но и физики, критики называли плевком в лицо искусству. Но авангардисты упорно отстаивали свои идеи и изо всех сил шли вперёд — к будущему, в котором Пушкин, Достоевский и Толстой сброшены с «Парохода Современности».

Художник Пётр Кончаловский. Биография и творчество русского живописца

Solla.site Искусство 20 века, авангардизм, фовизм, кубизм,символизм,

«Не имеет абсолютно никакого значения, что эти картины написаны мной. Их подлинный автор — сегодняшний день» 

Роберт Раушенберг

Авангардизм   Авангардные стили   Фовизм   Кубизм   Орфизм   Футуризм   Экспрессионизм   Абстракционизм   Супрематизм Казимира Малевича   Дадаизм

Искусство 20 века. Авангардизм

Неизменные в течение нескольких веков принципы и структуры изобразительного искусства в начале 20-го века не отвечали требованиям передовых мыслящих людей.

В начале 20-го века был открыт новый метод пластического мышления и новые ресурсы живописного языка. Эти перемены были настолько новаторскими, что направления, появившиеся в искусстве в период с 1905 по 1914 г. назвали «авангардными». 

В искусстве 20-го века термин «авангард» (фр. — передовой отряд) употреляют в качестве собирательного обозначения всех новейших течений, таких как фовизм, кубизм, орфизм, футуризм, кубофутуризм, экспрессионизм, абстракционизм, супрематизм, примитивизм, сюрреализм, дадаизм.

 

 

Эль Лисицкий «Kunstism» 1914—1924. Обложка.1925

Искусство 20 века. Авангардные стили

Первой попыткой классификации авангардных течений искусства 20-го века  была  изданная в 1925 году русским живописцем, архитектором и дизайнером Элем Лисицким в Мюнхене вместе с немецким художником-дадаистом Гансом Арпом книга «Kunstism 1914—1924» — «Измы искусства» . Какие-то названия утвердились в истории искусства, какие-то остались как характеристика более частных индивидуальных направлений.

В книге на разворотах представлены 16 характерных «измов», многие из которых утвердились как обознвчения новых стилей, среди них были:

• конструктивизм
• пуризм
• дадаизм 
• симультанизм 
• абстрактивизм 
• кубизм 
• футуризм 

В своей статье я расскажу о наиболее распространенных авангардных стилях 20-го века:

 

А. Матисс. Красная комната, 1908

Искусство 20 века. Фовизм

Фовизм ( с франц. Fauve – «дикий») — одно из первых авангардных течений искусства 20-го века. Впервые слово «фовизм» было использовано критиком Луи Векселем. Основным элементом живописи фовисты считали цветные соотношения. Причем на их полотнах преобладали «чистые» (несмешанные) и контрастные цвета: красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий и фиолетовый.

 

«Одному знакомому, сказавшему мне, что невозможно, ятобы я видел женщин такими, как я их изображаю, я ответил: «Если б такая женщина встретилась мне на улице, я бы удрал от нее в страхе. Но ведь я создаю не женщину, а картину».

Анри Матисс

 Фовисты считали, что в битве между интеллектом и подсознанием всегда побеждают инстинкты. Своим учителем и кумиром признавали голландского живописца Винсента Ван Гога.

Морис Вламинг. Красные деревья, 1906г.

Яркие представители фовизма:

• Анри Эмиль Бенуа Матисс (1869-1954)
• Морис Вламинк (18761958)
• Андре Дерен (1880-1954)
• Рауль Дюфи (1877-1953)
• Альбер Марке (1875-1947)
• Жорж Руо (1871-1958)
• Жорж Брак (1882-1963)

 

Морис Вламинк. Городок Сюрен, 1909г.

Андре Дерен. Темза у Лондонского моста, 1900 г.

Рауль Дюфи. Гавань для яхт, 1924

 

 

Пабло Пикассо «Портрет Даниэля-Анри Канвайлера» 1910 г.

Искусство 20 века. Кубизм

Кубизм — это Авангардистское художественное направление изображавшее предметы действительности деформированными либо разложенными на простые геометрические формы. Основной идеей кубизма было отрицание трехмерной реальности. Кубисты не хотели, чтобы их картины были похожи на фотографии, и не считали такие достижения академической живописи как «светотень», «переспектива», «оптический реализм» ведущими средствами художественной выразительности. Таким образом, главное отличие кубизма от классического искусства это то, что он не основан на имитации.

В своем развитии кубизм прошел 3 фазы:

• Сезанновский кубизм –1907-1909 гг.;
• Аналитический кубизм–1907-1912 гг;
• Синтетический кубизм–1912-1914 гг.

Яркие представители кубизма:

• Пабло Пикассо (1881-1973)
• Жорж Брак (1882-1963)
• Хуан Грис (1887-1927)

 

Ж.Брак «Дома в Эстаке» 1908 г.

Пабло Пикассо. Портрет Амбруаза Воллара. 1910 

Пабло Пикассо «Три музыканта» 1921г.

 подробнее о кубизме

Робер Делоне «Окно» 

Искусство 20 века. Орфизм

Робер Делоне переосмысливая принципы кубизма пришел к беспредметным формам контрастных цветов. Гийом Апполинер назвал новое течение в искусстве термином»Орфизм», так как нашел в композициях Делоне сходство с музыкой. А музыка в греческой мифологии олицетворялась в образе Орфея.

Орфизм — одно из первых проявлений беспредметного искусства. Яркие цвета и геометричные формы напоминают звезды и музыку космоса. 

 

Франтишек Купка «Аморфа: Двухцветная фуга» 1912 г.

Франтишек Купка. «Размещение графических мотивов. 1912-1913 г. 

 

 

У. Боччони. Уникальные формы непрерывности в пространстве, 1913г.

Искусство 20 века. Футуризм

Футуризм (от лат. «футурум» — «будущее»). Течение сложилось в самом начале ХХ века – в 1909 году, когда Филиппо Томазо Маринетти в парижской газете «Фигаро» опубликовал манифест «Футуризм».  Футуристы мечтали о создании новой расы людей, которые двигаются со скоростью 300 км/час на высоте 5, 10-ти  тысяч метров. В искусстве преобладают динамичные абстрактные формы, созданные под влиянием новейших достижений техники, скорости, шума в современных городах, грубые, необработанные поверхности. В графическом дизайне — отказ от традиционных правил размещения текста. 

Яркие представители футуризма:

• Филлипо Томмазо Маринетти (1876-1944)
• Джакомо Балла (1871-1958)
• Антонио Сант-Элиа (1888-1916)
• Фортунато Деперо (1892-1960)
• Умберто Боччони (1882-1916)

 

Джакомо Балла .Скорость автомобиля + свет, 1913 г.

Джакомо Балла был первым дизайнером, воплотившим футуристские теории в жизнь в декоративных искусствах 20-го века. Принцип динамики  художник передавал через движение отвлеченных траекторий, а не путем дробления фигур, как это делали большинство футуристов. Джакомо Балла применяет принцип симультанности, т.е. движение как ряд одновременно переданных на плоскости движений.

 

Фортунато Деперо. Depero Futurista («Книга с гвоздями»), 1927 г.

Вслед за Джакомо Балла искусство 20-го века обогатил своими работами дизайнер и художник Фортунато Деперо. В графическом дизайне футуристы рассматривали процесс создания книги как символ машинной эры. Они свободно размещали блоки текста, наклоняли, составляли формы из тестовых блоков, использовали современные материалы и технологии, например, в знаменитой Depero Futurista («Книге с гвоздями») Фортунато Деперо, 1927 г. Она была скреплена двумя алюминиевыми болтами —  настоящий манифест машинной эры.

 

Ф.Т. Маринетти. Обложка книги

Антонио Сант’Элиа. «Новый город», 1914

 

Клее Пауль. К Парнасу 1932

«Никогда не было такого времени, потрясенного таким ужасом, таким смертельным страхом»

Г. Барр

Искусство 20 века. Экспрессионизм

Экспрессионизм (лат. – «выражение») – направление в изобразительном искусстве 20 века, провозгласившее единственной реальностью субъективный духовный мир человека, а его выражение – главной целью искусства.

Экспрессионизм складывался на фоне строительства крейсеров и дирижаблей, эксплуатации колоний, деградации культуры и общественной морали, приближении  первой мировой войны. Художники ощущали негатив  и душевную тяжесть, это и должен был выразить экспрессионизм.

В своих картинах художник-экспрессионист пытается выразить не столько внешние качества, сколько внутренние переживания за счёт внешних образов. Экспрессионизм был противоречив, неадекватен и неоднороден. Художник, так или иначе с ним связанный, редко говорил «Мы», предпочитая «Я». 

Началом экспрессионизма принято считать картину Эдварда Мунка «Крик»(1893 г.), а концом — произведение Людвига Мейдера «Сентябрьский крик» (1918 г.)

Яркие представители экспрессионизма:

• Франц Марк (1880-1916)
• Пауль Клее (1879-1940)
  
• Оскар Кокошка (1886-1980)
• Пол Джексон Поллок (1912-1956)

Эдвард Мунк. Крик 1893 г.

Людвиг Мейднер. Крик сентября 1918 г.

 

Пауль Клее. Сенекио 1922 г.

Предшественники экспрессионизма

Для экспрессионизма характерно: Заострение цветовых и пространственных ощущений реальности, выражение сильных эмоции, обостренное самовыражение (экспрессия).

Предшественники экспрессионизма:

• Поль Гоген (1848-1903)
• Винсент Ван Гог (1853-1890)
• Эдвард Мунк (1863-1944)
• Джеймс Энсор (1860-1949)
• Фердинанд Ходлер (1853-1918)

 

 

 Оскар Кокошка. Карлов мост в Праге 1936

Джексон Поллок. Ритм осени №30

 

Эрнст Кирхнер. Автопортрет с натурщицей 1907 г.

Группа «Мост»

Носителем идей экспрессионизма являлась группа «Мост» (1905—1913), образованная в 1905г в Германии. Группу создали четыре студента Дрезденского высшего технического училища, изучавшие архитектуру. Молодые люди решили заняться обновлением немецкого искусства. Во главу новой эстетики было поставлено отрицание материалистического мировоззрения, реализма, импрессионизма и стиля модерн. В живописи преобладают яркие констрастные цвета, формы подчеркиваются абрисами. 

Ключевые фигуры группы «Мост»:

• Эрнст Кирхнер (1880-1938)
• Карл Шмидт-Ротлуфф (1884-1976)
• Фриц Блейль (1880-1966)
• Эрих Хеккель (1883-1970)

 

В. Кандинский. Синий всадник

Синий всадник

Наиболее полную и характерную форму экспрессионизм обрел после 1911 года, когда была создана Новая ассоциация художников, объединившаяся вокруг альманаха «Синий всадник». Название «Синий всадник» было выбрано потому, что художники любили синий цвет, считая его трансцендентным, фаустовским, и часто рисовали коней. Для экспрессионизма этого периода характерно: уход от фигуративного к беспредметному искусству под влиянием различных течений французского авангарда. 

Ключевые фигуры объединения «Синий всадник»:

• Кандинский Василий Васильевич(1866-1944)
• Алексей фон Явленский
• Франц Марк, Август Маке
• Марианна Веревкина,
• Пауль Клее.

 

«Осень экспрессионизма»

В развитии экспрессионизма многое изменила Первая Мировая война. Почти все художники ушли на фронт, многие из них погибли или вернулись с тяжелыми психическими расстройствами, некоторые покончили жизнь самоубийством или эмигрировали. Оставщимся запрещали работать, их картины фигурировали на выставке «Дегенеративное искусство» 1937 г. — злобной насмешке над авангардом. Русская часть движения покинула Германию.

 

К. Малевич. Корова и скрипка,1913

Искусство 20 века. Абстракционизм

Абстракционизм (лат. «abstractio» – удаление, отвлечение) — зародился в 1910-1913 годах, связян с появлением новых художников, которые мыслили и чувствовали иначе чем большинство людей их профессии.  Они считали, что искусство было лишено динамики, свободы и духовного напряжения и не ощущало вибраций наступающего века. Кандинский и Малевич считали природу настолько совершенной, что создание любых ее копий было для художников бессмысленным. Любое изображение Малевич приравнивает к умерщвлению природы.

«Все вы желаете видеть куски живой натуры на крючках своих стен»

Малевич в письме к Габриеле Мюнтер от 3 апреля 1904г.

 

Первое направление – геометрическая абстракция.

Геометрическая абстракция основана на правильных четко очерченных конфигурациях.

В такой манере работали:

• Казимир Малевич (1879-1935)
• Пит Мондриан (1872-1944)

Второе направление – лирическая абстракция.

Художники изображали свободно текущую форму, наполненную плывущими, пульсирующими и мерцающими цветами. Основателем этой ветви был Василий Кандинский.

В.Кандинский. Москва  1916 г.

 

К. Малевич. Живописный реализм футболиста, 1915

 

К середине 1910-х годов Малевич реализует в своем творчестве собственный способ мышления — супрематизм. Эта живописная техника построена на последовательном исполнении правил и приемов. На первый взгляд такие картины похожи на учебную работу по композиции, выполненную в цвете.

Супрематическая идея основывается на 3-х элементах: 

• форма
• фон
• цвет

 

К. Малевич. Черный квадрат, 1915

Черный квадрат

Черный квадрат Малевича это протест против изображений «женских ляжек и гитар в лунном свете» — как писал сам художник.

«Искусство живописи, слова, скульптуры было каким-то верблюдом, навьюченным разным хламом одалисок, Саломеями, принцами и принцессами»

Цит. по: Наков А. Русский авангард. М., Искусство 1991 с. 158 

 

 

 

Георг Грос. Дада-картина

Дадаизм — антихудожественное, иногда ребяческое международное движение, существовавшее в пероид с 1916 (год основания «Кабаре Вольтер») до начала 1920-х годов. Дадаизм не был исключительно художественным движением. Его последователей интересовали так же музыка, политика, философия. К музыке дадаисты относились несерьезно, к литературе — провакационно, а к политике — радикально.

Дадаизм был состоянием духа, настроением и реакцией молодежи на политические и общественные проблемы времени. Их протест выражался в дадаизме — иррациональных, противоречивых и бессмысленных акциях и художественных произведениях.

«То, что мы называем дада, — это игра шута с безделицей, в которую впутаны все более высокие вопросы»

Хьюго Боли

 

М. Дюшан. «Джоконда» Леонардо да Винчи

(«L.H.O.O.Q.»), 1919

Искусство 20 века. Дадаизм

Главным вдохновителем нового течения стал Марсель Дюшан (1887-1968)- французский художник авангардист. В своем творчестве он не ограничивал себя никакими сюжетными ассоциациями. Выставляя напоказ в мастерской различные артефакты – ощетинившийся гвоздями утюг, велосипедное колесо на постаменте, собранную из подручных материалов сушилку для бутылок, М. Дюшан чувствовал себя счастливым. В 1913 г. художник Марсель Дюшан изобрел прообраз жанра инсталляции – «Ready made». Это первая акция того, что в последствии буде называться концептуальное искусство. Дюшан вырывает банальный объект из его контекста в соответствии с концепцией “готовых” (ready-made) объектов.

М. Дюшан. Велосипедное колесо, 1913 г.

М.Дюшан. Сушилка для бутылок ,1914 г.

 

Курт Швиттерс. Коллаж М2 439

Движение дадаистов почти не сказалось на промышленном дизайне или архитектуре, однако большое влияние  оказало на графический дизайн и в особенности на книгоиздательство. Непревзойденных высот в создании коллажей достиг немецкий художник Курт Швиттерс – создатель одного из видов дадаистического направления — мерцизма. 

 

Вам будет интересно:

Художники-передвижники

Художники прерафаэлиты

Минималистская и авангардная музыка в 20 веке

2. Art Center
3. Музыка
4. Минималистская и авангардная музыка в 20 веке

Скотт Джарретт, Холли Дэй

Самые интересные периоды в музыке — это те в поворотный момент от одного принятого музыкального стиля к другому, например, разрыв от музыки барокко к классической музыке. Эти поворотные моменты обычно не распознаются в течение самого периода; на самом деле, их часто считают причудой.Оглядываясь назад, гораздо легче сказать, какие композиторы и какие музыкальные периоды оказали наибольшее влияние на развитие западной музыки.

Начало 20 века было одним из таких поворотных моментов, когда композиторы начали переосмысливать тональность, структуру, ритм, форму, цель и даже аудиторию своей музыки.

Авангард (1910–1950)

Период с 1910 по 1950 год — настоящий мост между классической музыкой и тем, что стало известно как авангард .В Австрии Арнольд Шенберг (1874–1951) экспериментировал с использованием 12-тональной шкалы в своей музыке (в отличие от 8-тональной системы, считающейся «нормальной»), создавая действительно тревожные и мрачные произведения, идеально подходящие для будущих фильмов ужасов. В Венгрии Бела Барток (1881–1945) в значительной степени опирался на умирающую народную музыку своих соотечественников, создавая прекрасные зловещие произведения как для оркестра, так и для сольного фортепиано.

Между тем в Соединенных Штатах Чарльз Айвз (1874–1954) смешивал сложные гармонии, ритмы и тональности с ранними американскими гимнами и народной музыкой, что в конечном итоге привело к его получению Пулитцеровской премии в области музыки за симфонию No.3. Его соотечественник Джон Кейдж (1912–1992) заложил основу для будущих минималистов, потребовав от аудитории прослушивания его записанных работ через десятки радиоприемников и проигрывателей, играющих одновременно — почти в одночасье США стали родиной экспериментальной музыки.

Этот период музыки особенно примечателен тем, что композиторы отчаянно пытались по-настоящему выступить перед аудиторией во время всемирных потрясений (двух мировых войн). Большая часть музыки этого времени была взята непосредственно из местной традиционной музыки в попытке соединиться с «обычным человеком», в отличие от предыдущих поколений композиторов, которые, по общему признанию, пытались привлечь внимание состоятельных благородных классов.

Минимализм (1950 – настоящее время)

К большому огорчению композитора Стива Райха (р. 1936), его работы были объединены с работами Филипа Гласса (р. 1937), Терри Райли (р. 1935), Джона Адамса (р. 1947) и Арво. Пярт (р. 1935) как минимализм .

Минималистская музыка возникла из исследовательской работы, начатой ​​Джоном Кейджем, и представляет собой жанр, связанный с поиском абсолютно правильной ноты или ритма для музыкального произведения. Работа Филипа Гласса построена вокруг сложных ритмов и раннего использования синтезатора.В 1970-х Арво Пярт поместил Эстонию на музыкальную карту, представив новый стиль композиции, который он назвал tintinnabuli , основанный на двухчастной гомофонической текстуре, которая захватывает дух своей невероятной разреженностью. В 1960-х Стив Райх одним из первых включил лупы в свои ритм-ориентированные композиции. Джон Адамс, известный своей минималистской оперой Никсон в Китае, получил Пулитцеровскую премию в области музыки в 2003 году за композицию О переселении душ, — сложное произведение, начатое вскоре после террористических атак 11 сентября 2001 года.

Об авторе книги

Скотт Джарретт — продюсер и музыкант, который в настоящее время руководит студией звукозаписи Monkey House.

Холли Дэй — соавтор Теория музыки для чайников ; ее статьи появлялись в публикациях по всему миру.

8 изобретений ХХ века, которые изменили мир

Человечество пережило несколько впечатляющих инженерных моментов в ХХ веке.Не поймите нас неправильно, в 21 веке появилось несколько удивительных изобретений, которые вы, вероятно, используете в своем доме и читаете эту статью.

Тем не менее, эти же современные изобретения заложили основу в 20 веке.

На самом деле, большинство будет утверждать, что прошедшее столетие — одно из самых выдающихся в истории человечества, принесшее множество технологических достижений, гаджетов и научных открытий.

От пылесоса до ядерной бомбы — эти инженерные достижения заложили основу для современной эпохи и будут оставаться в ней еще долгие годы.

СВЯЗАННЫЕ: 15 ИЗОБРЕТЕНИЙ, КОТОРЫЕ СДЕЛАЮТ ВАШ 2019 ГОД НАМНОГО ИНТЕРЕСНОГО

Итак, как вы, вероятно, поняли из названия, сегодня мы собираемся исследовать некоторые из лучших изобретений 20-го века, вещи, которые сформировали мир и ваша повседневная жизнь, так что приступим.

Самолет

Давайте начнем с чего-то более очевидного — самолета. Подумайте о том, насколько мир стал меньше, когда стали возможны коммерческие полеты. Однако вернемся на шаг вперед.

Изобретенные в 1903 году Уилбуром и Орвиллом Райтами, братья воплотили в жизнь концепцию, зарезервированную для мифологических историй.

Однако самолет не воспринимался всерьез, пока Чарльз Линдберг не совершил одиночный перелет через Атлантический океан.

Она произвела революцию в бесчисленных отраслях, помимо транспорта. Воздействие самолета можно почувствовать в спутниковой связи, в сфере связи, бизнеса и коммерции, и это лишь некоторые из них.

Только подумайте о жизни без возможности улететь в новое место.

Телевидение

Хотя ваши дедушка и бабушка могут не соглашаться, телевидение изменило мир к лучшему.

Созданный в 1926 году Джоном Логи Бэрдом, телевидение было одним из первых изобретений, повлиявших на жизнь масс во всем мире, и по сей день остается самым популярным способом получения информации.

Передавая как новости, так и развлечения, телевидение создало совершенно новые отрасли, влияющие на культуру до такой степени, что оно повлияло на то, как люди думают о важных социальных проблемах, таких как раса, пол и класс.

Компьютер

Представьте себе жизнь без смартфона или ноутбука. Да, конечно, можно, но потеря будет ощутимой. В гораздо большем масштабе некоторые из величайших научных открытий и изобретений последних лет могут быть внесены в компьютер.

Сам компьютер родился в умах многих ученых, исследователей и математиков. Первый программируемый компьютер Z1 был создан в период с 1936 по 1938 год.

Компьютер помог человечеству создать множество технологий, которые по-прежнему играют неотъемлемую роль в нашей повседневной жизни — от доставки человека на Луну до изменения способа общения людей.

Радио

Радио, которое иногда недооценивали, было одним из первых крупных изобретений 20-го века. Изобретенное совместно со многими разными учеными, в том числе Николя Тесла и Гульельмо Маркони, радио стало наиболее распространенной формой связи в мире.

Радио в начале 20-го века служило инструментом социальных связей, источником новостей и образовательным инструментом, короче говоря, для экстренного вещания предоставляло людям совершенно новый способ общения и взаимодействия.

Ядерная энергия

Используя энергию, высвобождаемую при расщеплении атомов определенных элементов, использование ядерной энергии изменит мир во многих отношениях. Впервые разработанные в 1940-х годах как средство для производства бомб, только в 1950-х годах исследования ядерной энергии стали мирными.

СВЯЗАННЫЕ С: ЧТО ПРОИСХОДИТ С МИРОВЫМИ ПЛОЩАДКАМИ ЯДЕРНЫХ ИСПЫТАНИЙ?

История авангардной музыки

Предисловие — Искусство музыки Рождение эстетики звукового ландшафта Авангард Постмодернизм Музыка событий Христианское возрождение Минимализм Гудящий минимализм Электронная музыка Компьютерная музыка Музыка для событий в эпоху электроники Второе поколение минималистов Голос Коллаж и полевые записи в эпоху электроники Музыка Нью Эйдж Компьютерная музыка в эпоху ноутбука Коллаж музыкальный в эпоху семплера Постджазовая музыка Посткамерная музыка Эмбиент авангард 1995-2001 Бетонный авангард Музыка с глюками и цифровой минимализм Цифровой авангард Самодельные инструменты (В ПРОЦЕССЕ) Готовится Приложение: Хронология событий Приложение: Избранные произведения Приложение: Избранные видео База данных современных композиторов Библиография : Кон, Артур: Музыка 20-го века в западном полушарии (Липпинкотт, 1961) Джентилуччи, Армандо: Guida all’Ascolto della Musica Contemporanea (Фельтринелли, 1990) Гриффитс, Пол: Современная музыка — От Дебюсси до Булеза (Thames & HUdson, 1978) Гриффитс, Пол: Современная музыка — Авангард с 1945 года (Harper & Row, 1981) Гриффитс, Пол: Энциклопедия музыки 20-го века (Thames & Hudson, 1986) Граббс, Дэвид: отчеты разрушают пейзаж (Duke Univ Press, 2014) Холмс, Томас: электронная и экспериментальная музыка (Сыновья Скрибнера, 1985) Prenderast, Mark: The Ambient Century (Блумсбери, 2000) Скаруффи, Пьеро: История рок-музыки (iUniverse, 2003) Шеффер, Джон: Новые звуки (Harper & Row, 1987) TM, & reg, Copyright & copy 2005 Piero Scaruffi. Добавить комментарий Отменить ответ Комментарий * Имя * Email * Сайт Необходимые поля отмечены*