10 зданий в стиле ар-деко по всему миру

Рельеф на фасаде

Бывший театр «Эден», Лиссабон, 1929-1937 гг.

Уже в 1906 году на Площади Реставраторов в Лиссабоне работал театр — его организовал в бывшем гараже Антонио дос Сантос, который привез в город один из первых в мире кинопроекторов. Через 8 лет на месте гараже из стекла и бетона появилось здание с фасадом в эклектичном стиле, а в конце 1920-х годов его решили перестроить из-за несоответствия требованиям безопасности. На первом этаже нужно было разместить магазины, а на втором — зал на 1440 зрителей, и перед архитектором Кассиано Бранко стояла задача не допустить слишком большого скопления людей на входе в дни спектаклей. Для этого он спроектировал систему сразу из пяти лестниц, которые вели на разные ярусы зала. Строгий фасад был украшен рельефным фризом с изображением актеров, разыгрывающих сцены, в том числе и перед оператором с киноаппаратом. С середины прошлого века здание начало использоваться преимущественно как кинотеатр, а в 2001 году в нем разместили отель — оригинальные интерьеры не сохранились.

Фасад бывшего кинотеатра «Эден»

Getty Images

Электростанция «Баттерси», Лондон, 1929-1953 гг.

Здание электростанции состоит из двух частей, построенных в разное время: сектор «A» возвели во времена расцвета ар-деко, а вот сектор «B» — спустя 20 лет, после окончания Второй мировой войны. Строительством занимались одна и та же команда инженеров и архитекторов, поэтому конструкции получились практически идентичными, и сегодня они воспринимаются как единое здание. Одним из тех, кто разрабатывал проект электростанции, был архитектор Джайлс Гилберт Скотт — автор дизайна знаменитой лондонской телефонной будки. Руководил группой архитектор Тео Холлидей, который решил выполнить интерьер станции «А» в стиле ар-деко: внутри появились кованые лестницы, на пол положили полированный паркет, а турбинный зал отделали итальянским мрамором. Из-за сокращения финансирования после войны станция B была оформлена гораздо скромнее. Здание стало крупнейшим кирпичным строением в Европе, и в середине прошлого века его окрестили «храмом энергии».

На протяжении нескольких десятилетий электростанция не функционировала и оставалась заброшенной, а сейчас ее реконструируют под офисы и апартаменты.

Электростанция «Баттерси»

Интерьеры станции «А» в стиле ар-деко

Интерьер электростанции в 1933 году

Фото: Getty Images

Истоки и первые образцы стиля ар-деко в США

0

Впервые опубликовано в сборнике: Декоративное искусство и предметно-пространственная среда. Вестник МГХПА. №3. Часть 1 Москва, 2020 с. 21-31. Предоставлено автором. 

Расцвет стиля ар-деко в США пришелся на рубеж 1920-1930-х гг. и влияние на его становление оказал широкий круг источников, исторических и актуальных. Важнейшим среди них был т.н. «стиль 1925 года», воплощенный в знаменитых павильонах «Международной выставки декоративного искусства и художественной промышленности», открытой в Париже 28 апреля 1925 г. Однако помимо художественных и тектонических концепций стиль небоскребов формировался и благодаря градостроительным, юридическим ограничениям.

Определяющим для становления стиля небоскребов стал нью-йоркский закон о зонировании 1916 г., ограничивавший вновь возводимые здания ступенчатым силуэтом. [1] В 1922 г. Х. Корбетт и Х. Феррис выпускают проект башни с учетом его требований. И с этого момента неоархаическая, средневековая образность начинает осознаваться как художественно ценная идея. Так закон о зонировании 1916 г., равнодушный к стилевой характеристике высотного здания, определил высокохудожественный эффект тектонического утонения башен, сформировал неоацтекскую уступчатость и неоготический силуэт городов Америки.

Дейли Ньюз билдинг в Чикаго, общий вид. Арх. фирма «Холаберт и Рут», 1925

Фотография © Андрей Бархин

На смену традиционным пропорциям улиц и зданиям с классическими карнизами, в эпоху 1920-1930-х в города Америки приходит эстетика каньона. В Чикаго, втором центре развития нового стиля, в период с 1927 по 1930 гг. фирмы «Холаберт и Рут», а также «Грехем, Андерсон, Пробст и Уайт» возводят по пять уступчатых небоскребов в неоархаическом, мезоамериканском ар-деко. Монументальные, расположенные друг напротив друга, они были призваны конкурировать и с достижениями неоклассики 1900-1910-х, и между собой. Они не могли не восхищать, и так стремились работать и советские архитекторы 1930-х. Более того, неоархаизм ар-деко обрел в США еще один, национальный источник вдохновения – кирпичные башни Р. Уалкера в Нью-Йорке восходили к блистательной эстетике скал Долины монументов (таковы, например, Вестерн Юнион билдинг, 1930 и Эй-Ти-энд-Ти Лонг Дистанс билдинг, 1932). Уступчатые и покрытые барельефами, башни ар-деко казались выросшими до небес творениями Ацтеков и Майя. [2]

Дейли Ньюз билдинг в Чикаго, портал главного фасада. Арх. фирма «Холаберт и Рут», 1925

Фотография © Андрей Бархин

Стиль ар-деко выступил в 1910-1930-е в качестве композиционной и пластической альтернативы неоклассике (историзму). Так, характерной чертой ар-деко США становятся миниатюрность, плоскостность декора, резкий масштабный и пластический контраст редких декоративных акцентов и грандиозной, аскетично решенной основной части башни. Подобно работам Луиса Салливана, входные порталы небоскребов решались роскошно, но камерно. Мастера ар-деко не стали укрупнять архаические мотивы, таков был образ грандиозной, «заселенной» древней пирамиды и предел масштабов его воплощения. Создаваемые на огромной высоте барельефы ар-деко кардинально отличалась от пластической пышности историзма. Это были намеренно уплощенные, миниатюрные детали, как бы попавшие из музея на улицу, не изменив своих размеров.

Дейли Ньюз билдинг в Чикаго, фрагмент бокового фасада. 1925

Фотография © Андрей Бархин

Чанин билдинг в Нью-Йорке, деталь. Арх. фирма «Слоан энд Робертсон», 1927

Фотография © Андрей Бархин

Пластика ар-деко была крайне разнообразна – она могла быть как заостренной, геометричной, так и намеренно скругленной, «набухшей» или аэродинамичной, созданной в эстетике т.н. стримлайна. Отбросив греко-римский канон, ар-деко позволяло авторам проявить свою фантазию и эрудицию. Так, например, в моду входит особая смягченная трактовка формы, восходящая к пластике буддийской и древнеегипетской скульптуры. Другой, противоположной модой 1920-1930-х становится заострение, геометризация силуэтов и рисунка деталей. Неслучайно в годы своего создания стиль 1920-1930-х получал наименования «зигзаг-модерн», «джаз-модерн» и подобные, подчеркивающие кубистскую основу ар-деко. Геометризм, условность становится характерным отличием ар-деко от неоклассики, столь же очевидным, как различия между скульптурным каноном Древней Греции и барельефами Мезоамерики. [3]

Таким образом, декоративность небоскребов могла принимать формы геометризации историзма (Американ Радиатор билдинг) и пластической фантазии (Дженерал Электрик билдинг), аутентичной архаизации или предельной, абстрактной аскетизации. Небоскребы могли быть украшены геометризованными, неоархаическими (отель Интер Континенталь), фантазийными деталями, или лишены их вовсе. И, тем не менее, они предстают цельной, узнаваемой стилистикой. Пластика этих башен могла восходить как к идеям авангарда, новациям 1910-х и павильонам выставки 1925 г., так и к суровым монументам далекого прошлого. Однако именно пирамиды древних цивилизаций сформировали и уплощенность барельефов, и уступчатый силуэт башен ар-деко. Таков был пластический и композиционный неоархаизм ар-деко Америки.

Здание Ригли («Грехем, Андерсон, Пробст и Уайт», 1922) и Чикаго Трибюн (Р. Худ, 1923)

Фотография © Андрей Бархин

Отель Интерконтиненталь в Чикаго, В. Алшлагер, 1929

Фотография © Андрей Бархин

Впервые характерное для ар-деко сочетание уплощенных барельефов и уступчатого силуэта, осуществит в Нью-Йорке архитектор Р. Уалкер. Барклай-Везье билдинг (с 1923) стало первым, начатым еще до выставки 1925 г., небоскребом в стиле ар-деко. [4] В его архитектуре очевиден широкий круг стилевых истоков – это и эстетика уступчатого неоацтекского силуэта, и сложная, в духе кубизма композиция, а также редкие, сложно прорисованные в духе Л. Салливана рельефы, восходящие к ближневосточному, романскому и кельтскому наследию. Такими же будут и высотные здания рубежа 1920-1930-х.

Барклай-Везье-билдинг в Нью-Йорке. Р. Уокер. 1923

Фотография © Андрей Бархин

Однако какова была роль в становлении стиля небоскребов Международной выставки декоративного искусства и художественной промышленности 1925 г. в Париже?

Выставка в Париже, первоначально планируемая на 1914 г. и проведенная в 1925 г. после длительной строительной паузы, стремилась стать возрождением довоенной роскоши архитектуры, и собрала все новации первой четверти ХХ в. Ее павильоны, как впоследствии и небоскребы Америки, были решены в духе ориентализма и неоархаики – уступчатым силуэтом, уплощенными фантазийно-геометризованными рельефами, контрастом декоративных акцентов и аскетичного фона. Таковы были французские павильоны «Студиум Лувр» и «Примавера», «Помон» и «Метриз», торговые аркады на мосту Александра III. И одним из первых образцов импортированного в США «стиля 1925 года» стали изысканные металлические решетки знаменитого Эдгара Брандта, участника парижской выставки. Уже в 1925 они украсили нью-йоркский небоскреб Медисон Бельмонт билдинг.

Выставка 1925 г. в Париже «подарила имя» стилю 1920-1930-х и стала его рекламой, однако она не могла в одиночку определить эстетику небоскребов. [5]

Барклай-Везье-билдинг в Нью-Йорке, деталь. Р. Уокер. 1923

Фотография © Андрей Бархин

Архитектура ар-деко на парижской выставке 1925 г. и американская архитектура рубежа 1920-1930-х имели общие истоки, которые питали оба явления. Недостающей промежуточной ступенью между единичными, уникальными в мировом контексте работами Л. Салливана и Ф.Л. Райта 1890-1900-х и массовым распространением нового стиля стала голландская архитектура рубежа 1910-1920-х. Именно в Амстердаме, впервые после Первой мировой войны и работ Райта 1900-х, возникают примеры фантазийно-геометризованного декора, и этот эксперимент носил массовый, убеждающий характер. Причем это были не временные сооружения, созданные лишь ради выставки, но городская среда. [6] Голландские архитекторы первыми ощутили новаторский потенциал стиля Райта и стали его развивать, а в конце 1920-х по их пути пойдут и создатели американского ар-деко. Так созданное на пересечении линий, идущих из Чикаго (от Салливана и Райта), Парижа и Амстердама, ар-деко Америки стало эпохой массового применения и укрупнения ранее созданных решений.

Эпохой зарождения тех тенденций, что сформируют ар-деко, становятся еще 1890-1900-е гг. Те стилевые линии, что пересекутся на рубеже 1920-1930-х, возникают еще в эпоху раннего ар-деко, и несколько десятилетий они будут пульсировать, конкурировать и формировать мировую моду. В 1893 г. Райт уходит из мастерской Салливана, и это расхождение двух гениев сформирует два русла, по которым впоследствии будет развиваться американское ар-деко. Последнее десятилетие XIX в. стало для Луиса Салливана периодом расцвета, вершиной его творческого пути. Тогда, в 1890-е он активно работает с фантазийным, плоскостным декором, Райт же изобретает собственную архитектуру, геометризованную.

Монументальным шедевром раннего ар-деко Райта стала, украшенная фантазийнно-геометрическим декором, Юнити темпл в Оак парке (1906). [7] И в ее архитектуре очевидно и увлечение японской культурой (особенно, в интерьере), и открытие мастером новых стилевых приемов. [8] Магическая форма этой церкви с невероятной силой «бьет» в два направления, она предрекает и неоархаизм ар-деко, и абстракцию авангарда. И именно эта двойственность будет характерна и для стиля небоскребов.

9 Баярд-Кондикт билдинг в Нью-Йорке. Л. Салливен. 1899

Фотография © Андрей Бархин

Баярд Кондикт билдинг в Нью-Йорке, Л. Салливан, 1899

Фотография © Андрей Бархин

1910-1920-е стали для Европы и США эпохой обмена архитектурными новациями, и после выставки 1925 года в Париже мода на новый стиль, ар-деко уже полновластно захватит города Америки. Однако еще в 1910-м в Берлине выходит двухтомное издание работ Ф.Л. Райта (т.н. портфолио Э. Васмута). Оно оказало значительное влияние на развитие в Европе и авангарда, и ар-деко. [9] Ответом Юнити Темпл стали, выстроенные в Амстердаме и повторяющие ее формы, здания – Синагоги (Г.Элте, 1927) и Иерусалимской церкви (Ф.Б. Янтсен, 1929). Редким в СССР приближением к стилю чикагского мастера и стримлайну стал вестибюль станции метро «Сокольники» в Москве (1935), решенный горизонталями карнизов и рамок, а также цоколями с характерными вазами. [10]

Творчество Фрэнка Ллойда Райта 1900-1920-х предстает постепенным движением от «стиля прерий» к концепции «текстильных блоков». И важнейшим источником вдохновения для мастера в эти годы становится наследие Ацтеков и Майя. [11] Влияние архаической, мезоамериканской архитектуры на стилевые приемы Райта было косвенным, но значительным. Это не была стилизация. Однако и монументальные ступенчатые основания, и сдвоенные горизонтальные тяги, рамки («дома прерий», Роби хаус), и пояса уплощенных рельефов и паттернов (дом Уинслоу, Мидвей Гарденс, склады Германа), и даже плоские кровли (Юнити темпл) – все это было одновременно и переосмыслением образов древней, мезоамериканкой архитектуры, в первую очередь, храмов Ушмаля, и разнообразной, талантливой стилистической новацией.

На рубеже 1910-1920-х Райт начинает работать в Японии и Лос-Анжелесе, где возводит великолепную серию частных вилл, особняков. Выстроенные в архитектуре т.н. «текстильных блоков», они воплотили в себе парадоксальный и выразительный синтез неоархаических и технократических мотивов. [12] Таким образом, эволюция стиля Ф.Л. Райта в 1910-20-е состояла в усложнении архитектурной декорации и приближении к эстетике ар-деко. [13]

Юнити темпл в Оак-парке, Чикаго. Ф.Л. Райт. 1906.

Фотография © Андрей Бархин

В 1924 г. Райт сам показывает, как можно превратить стиль его особняков в небоскребы: для Чикаго он создает великолепный проект Нэшнл Лайф Иншуранс билдинг. Его уступчатость была продиктована законом о зонировании, и лишь прием плоскостного геометризованного рельефа был, как кажется, действительно неоархаическим, мезоамериканским. Однако работа с декоративными вставками (паттернами, «текстурами») обретает в США еще один источник – предвестником плоскостных барельефов ар-деко станет фантазийный стиль Луиса Салливана.

Юнити темпл в Оак-парке, Чикаго. Ф.Л. Райт. 1906

Фотография © Андрей Бархин

В своих работах Салливан еще в 1890-е годы предлагает тему уплощенного фантазийного барельефа, как украшения межоконного медальона и входного портала. [14] Таковы были постройки мастера в Сент-Луисе (1891), Чикаго (1893), Баффало (1894), Нью-Йорке (1899) и др. Работая с фасадами многоэтажных офисных зданий, именно Салливан начинает использовать контраст декоративных акцентов и аскезы, импоста и уплощенного рельефа, и так будут решены и небоскребы ар-деко. Их декоративная палитра включала в себя неоархаические мотивы и фантазию – геометрическую, технократическую, как у Райта, и флористичную, ориенталистическую, как у Салливана. Однако оба мастера опирались на свой талант рисовальщика, выдумку, а также архаическое, ориенталистское наследие. И именно эта двойственность декоративного оформления, работа на стыке стилизации и новации, передалась в 1920-1930-е от Салливана и Райта стилю небоскребов.

Небоскребы ар-деко были созданы, можно сказать, в «стиле выставки 1925 года», однако их детали производят отчетливое впечатление нарисованных самостоятельно, талантливо. За ними чувствуется мощная культура, массированный эксперимент, выдающий уже только стилистически точные решения. Стиль выставки был воспринят через призму собственного наследия. И если для Парижа межвоенной эпохи «стиль 1925 года» был исключением, то в США он был отчетливо национален, получив здесь свое наиболее яркое воплощение. Небоскребы ар-деко стали для США своеобразным «возрождением» собственной архаики, пирамид Ацтеков и Майя, диалогом с пионерами нового стиля – Салливаном и Райтом, и именно поэтому «стиль 1925 года» приобрел столь широкую популярность в городах Америки.

Литература

1. Бархин А.Д. «Амстердам 1920-х в стилевой эволюции ар-деко» // Капитель, № 1 (23), 2013 – С. 78-83.
2. Васильев Н.Ю., Евстратова М.В., Овсянникова Е.Б., Панин О.А. Архитектура авангарда Москвы 1920-1930-х. Справочник-путеводитель. — М.: С. Э. Гордеев, 2011. – 480 с.
3. Гольдштейн А.Ф. Фрэнк Ллойд Райт. – Москва, 1973.
4. Зуева П.П. Американский небоскрёб / Искусство. Первое сентября, М.: 2011, № 12. – С. 5-7
5. Малинина Т.Г. История и современные проблемы изучения стиля ар деко. // Искусство эпохи модернизма. Стиль ар-деко. 1910-1940 / Сборник статей по материалам научной конференции НИИ РАХ. Отв. ред. Т.Г. Малинина. М.:Пинакотека. 2009. – С.12-28
6. Овсянникова Е.Б. Влияние экспрессионизма на архитектуру 1930-х годов. / Овсянникова Е.Б., Туканов М.А./ Русский авангард 1910-1920-х годов и проблема экспрессионизма / Под ред. Г.Ф.Коваленко. – М.: Наука, 2003. С. 387-406
7. Петухов А.В. Ар деко и искусство Франции первой четверти XX века БуксМАрт, 2016. – 312 с.
8. Филичева Н.В. Стиль Ар Деко: проблема интерпретации в контексте культуры ХХ века. Вестник Ленинградского государственного университета им. А.С. Пушкина, 2010 – 2 (2), 202-210.
9. Хайт В.Л. «Фрэнк Ллойд Райт – архитектор и человек на все времена» // Об архитектуре, её истории и проблемах. Сборник научных статей/Предисл. А.П. Кудрявцева. – М.: Едиториал УРСС, 2003. – С. 261-274.
10. Хилльер Б. Стиль Ар Деко / Хилльер Б. Эскритт С. – М.: Искусство – XXI век, 2005 – 240 с.
11. Bayer P. Art Deco Architecture. London: Thames & Hudson Ltd, 1992. – 224 с.
12. Bouillon J. P. Art Deco 1903-1940 – NY.: Rizzoli, 1989 – 270 с.
13. Frank Lloyd Wright on Architecture Selected: Selected writings. 1894-1940 / Ed. by Frederick Gutheim. New York: Duell, Sloan and Pearce, 1941
14. Holliday K. E. Ralph Walker: Architect of the Century. – Rizzoli, 2012 – 159 с.
15. Secrest M. Frank Lloyd Wright: A Biography – University of Chicago Press, 1998

  

---

[1] Рубежным для нью-йоркской архитектуры стало возведение в 1915 г. рекордного по площади офисов здания Эквитабл билдинг. Уже в 1916 г. будет принят закон о зонировании, который, как поясняет П.П. Зуева, допускал, чтобы здания были сколь угодно высокими, начиная с сечения башни, равного четверти площади участка, и требовал делать отступ, начиная с отметки в 45-60 м, то есть в полторы ширины улицы. Впоследствии подобные законы о зонировании были выпущены и в других городах США. [4, С. 6]
[2] Эпоха ар-деко осознавала свои первоистоки, так павильон «храм Майя», выстроенный для Всемирной выставки «Век прогресса» в Чикаго (1933), стал ответом павильону «Ангкор» на Международной колониальной выставке в Париже (1931). Одним из первых примеров этого интереса стал павильон «храм Ацтеков» на Всемирной выставке в Чикаго (1893).
[3] Как указывает П. Баер, революция в Мексике 1910 г способствовала интенсивному изучению монументов доколумбовой Америки, их стиль оказался не просто удивительным, но новым – как говорили «индейцы были первыми кубистами». [11, С. 16]
[4] Как отмечает К. Холлидей, плоскостные рельефы Барклай-Везье билдинг были выполнены еще до начала выставки 1925 г. Сам же Р.Уалкер указывал в качестве источников римскую античность и работы Л. Салливана. [14, С. 50]
[5] Как указывает Т.Г. Малинина, термин «ар-деко» возник в 1966 г. на волне интереса к искусству межвоенного времени и в связи с экспозицией, посвященной 40-летнему юбилею выставки в Париже (Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes). Само же сокращение «ар-деко» (Arts Deco) было употреблено впервые в статьях Ле Корбюзье 1920-х вначале в ироничном, критическом смысле. [5, С. 27; 8, С. 206]
[6] Подробнее см. статью автора [1, С. 78-83]
[7] В 1910-е Райта создает целую серию проектов близких ар-деко – это, в том числе, ребристый небоскреб Колл билдинг для Сан Франциско (1912), проекты библиотеки Карнеги в Оттаве (1913), а также театра Алин Барнсдел (1918) и Мерчендайзинг билдинг (1922) в Лос-Анжелесе и др. В стилистике раннего ар-деко были осуществлены – Ларкин билдинг в Баффало (1904, не сохр. ), Бок хаус в Милуоки (1916) и Холлихок хаус в Лос-Анжелесе (1919-1922).
[8] Впервые с японской культурой Ф.Л. Райт (1867-1959) знакомится на Всемирной выставке в Чикаго (1893). В 1905 г. Райт предпринимает путешествие в Японию (первое из целой серии) и начинает коллекционировать японские гравюры. В Токио он проектирует в Токио отель «Империал» (1919-1923, не сохр.) и виллу Т. Ямамура (1918-1924). И именно из японской архитектуры Райт, как представляется, воспринимает и эстетику сильно вынесенных карнизов и скатов кровли, формирующих образ и силуэт «домов прерий», и цветовые решения интерьеров, например, в Юнити темпл и Роби хаус.
[9] Отчетливо ощутимо влияние Райта и в знаковом образце европейского авангарда – здании ратуши в Хильверсуме (В. Дудок, 1928), воплотившим своего рода укрупненный образ Роби хауса (1908). Заметно влияние стиля Райта и в работах О. Перре, витражи Роби хауса узнаваемы в интерьере церкви Нотр Дам де Ренси (1922), сильно вынесенный, упрощенный карниз церкви Юнити темпл «завершает» фасад театра на Елисейских полях (1913).
[10] Стримлайн принято рассматривать в качестве одного из течений эпохи ар-деко. И к числу его редких отечественных примеров исследователи относят выстроенное в Москве здание Даниловского универмага (Г.К. Олтаржевский, 1936). Как представляется, это был ответ зданию Мосс хаус в Берлине (Э.Мендельсон, 1923). Горизонталями карнизов и рамок было решено и здание Наркомзема (А.В. Щусев, 1933). Таким образом, в архитектуре первые примеры ребристого стиля и стримлайна возникают еще до аналогичных форм в автомобильном дизайне. Подробнее о стилевых приемах архитектуры стримлайна, см. [2, С. 29; 6, С. 389]
[11] Наследие Ацтеков и Майя было доступно Райту и по графике Ф. Казервуда, в 1840-е впервые исследовавшему и зарисовавшему руины храмов доколумбовой Америки, и известно по собственным впечатлениям – от «храма Ацтеков» на Всемирной выставке 1893 в Чикаго (где мастерская Салливана возводила павильон «Транспорт») и от специальной экспозиции с макетами и фото храмов Майя на Панамо-Калифорнийской выставке в Сан-Диего, которую мастер посетил в 1915 году.
[12] Впервые с «текстильными блоками» Райт работает еще в 1910-е, так были решены – Мидвей Гарденс (Чикаго, 1914, не сохр.) и складские помещения А. Германа (Ричленд Сентр, 1915). В Лос-Анжелесе в этом стиле Райт осуществляет серию особняков – Сторер хаус (1923), Миллард хаус (1923), Фриман хаус (1923) и Еннис хаус (1924). Шедевром Райта стала вилла Холлихок хаус (1919-22). Названная в честь цветка Штокрозы (по англ. Hollyhock), она была украшена разнообразным геометризованным декором, одновременно и напоминающим это растение, и технократическим.
[13] Поясним, в 1900-1910-е работы Райта действительно опередили время – и по архитектурной графике, и по пластике и композиции объемов. Однако в конце 1920-х, когда архитектура ар-деко достигла своего расцвета, Райт оказался не востребован. Более того, в то время как в работах мастера было заметно некое сближение фантазийно-геометризованной пластики его особняков с откровенной неоархаической, мезоамериканской стилизацией, в Европе и СССР уже шло зарождение эстетики авангарда. И на рубеже 1920-30-х архитектура Райта, парадоксальным образом, оказалась уже не актуальна ни в возводимых в классике столицах – Вашингтоне и Москве, ни в творческих лабораториях ВХУТЕМАСа и Баухауза.
[14] Райт унаследовал от Салливана и мышление уплощенными рельефами, паттернами, и сильно вынесенные карнизы прямоугольного очертания (как в Юнити темпл). Отличием же эпохи ар-деко 1920-30-х стало завершение зданий не карнизами, но уплощенными профилями и деталями, аттиками и неоархаическими уступами.

 

книга Элейн Харвуд • Интерьер+Дизайн

Здание библиотеки Кембриджского университета, архитектор Джиль Гилберт Скотт (Giles Gilbert Scott), 1934. Фото Elain Harwood, 2019.

В начале XX века стиль ар-деко был популярен во всей Европе. С середины 1920-х до середины 1930-х годов лондонская архитектура ар-деко оказалась инструментом, подчеркивающим имидж британской столицы как глобального центра торговли и культуры.

По теме: Музей современного искусства Парижа: обновление памятника ар деко  

Известный историк британской архитектуры Элейн Харвуд выпустила внушительную книгу-исследование Art Deco Britain: Buildings in the Interwar Years, посвященное постройкам этого периода. Книга вышла в издательстве Pavilion.

«Бум на здания ар деко совпал со стремлением к атмосфере праздника и роскоши в период после Первой мировой войны,  — отмечает автор книги. — Популярность ар деко в Великобритании совпала с бумом на гламурный отдых: этим объясняется огромное количество отелей, кинотеатров и развлекательных центров, построенных в этом стиле. Возможно, сейчас пришло время вспомнить об этих великолепных зданиях.

Один из шедевров британского ар деко — здание Hoover Building в лондонском Пэривейле архитекторов Wallis, Gilbert & Partners (1931-33).
Фото Elain Harwood, 2019
 

Масштаб строительства поражает: можно найти и частные дома, и фабрики, и церкви, и офисные здания в этом стиле. Мне особенно нравятся кинотеатры: от сумасшедшей готики «Тутинг Гранада» до плавных линий кинотеатров «Аполлон», «Ардвик» и «Одеон».  Любой желающий мог пойти на фильм за несколько пенсов и наслаждаться теплом и роскошью в течение нескольких часов».

Пятизвездочный отель The Dorchester, открытый в 1931 году. Фото Elain Harwood, 2019.

Книга также оказывается неким предупреждением нынешнему поколению: многие из исторических зданий, вошедших в этот увесистый том, пришли в упадок и находятся под угрозой сноса. «Молодые энтузиасты с большей вероятностью будут выступать за брутализм и даже постмодернизм, — говорит Харвуд, — но поддержка ар-деко должна серьезно осуществляться на государственном и благотворительном уровне».

St Olaf’s House в лондонском районе Hay’s Wharf. Спроектирован архитектором Харри Стюартом Гудхартом-Ренделом (Harry Stuart Goodhart-Rendel) в 1930-32. Фото Elain Harwood, 2019. Сигатертная фабрика Carreras Cigarette Factory в Лондоне, архитекторы M E Collins, O H Collins & A G Porri, 1926-28. Фото: Elain Harwood, 2019. Комплекс San Remo Towers в Бернмауте (Bournemouth) архитектора Эктора Гамильтона (Hector O Hamilton), 1936-38. Фото Elain Harwood, 2019. Церковь St Christopher в Ливерпуле, архиектор Бернард Миллер (Bernard Miller), 1930-32. Фото Elain Harwood, 2019.

деко — это… Что такое Ар-деко?

Арт-деко́ ^[1] (фр. art déco букв. «декоративное искусство», из Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» 1925 г., Париж) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи. Представляло собой синтез модерна и неоклассицизма. Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах арт-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

Обзор

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «арт-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

Само направление арт-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х гг. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne — американизированное ответвление арт-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля арт-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Айлин Грей (Eileen Gray), изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

Символом Art Deco в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями Art déco в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

Хотя термин ар-деко возник в 1925 г., он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников, например:

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Мы видим смелое применение зигзагообразных и ступенчатых форм, широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио Мьюзик Холла (Radio City Music Hall) и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» (Ile de France) и «Нормандия» (Normandie). Ар-деко был стилем роскошным, и считается, что это роскошество — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, был Streamline Moderne (название от англ. «streamline» — «линия обтекания», термина из области аэродинамики, характеризующего такие внешние формы машин и механизмов, которые обеспечивают им наилучшую функциональность и скорость при движении или полете). В «Стримлайн Модерн» мы находим все большее влияние промышленных штамповочных, а также аэродинамических технологий, которые брали начало от развития науки и предметов массового производства, приводя к тому, что в произведениях этого стиля появились очертания самолетов или револьверных пуль — тех предметов, для которых так важны линии обтекания. Когда дизайн первого автомобиля фирмы Крайслер, пущенного в массовую продажу «Chrysler Airflow» в 1933 г. оказался популярным, формы, использующие «линии обтекания» стали использоваться даже для таких предметов, как точилки карандашей или холодильники. В архитектуре признаками этого стиля являются скругленные углы, применявшиеся преимущественно для зданий на автомобильных развязках.

Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма.

Ар-деко незаметно исчез после подъема массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй мировой войны. В колониальных странах, таких как Индия, ар-деко стал воротами к модернизму и не исчезал до 1960-х гг. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х гг. было связано с графическим дизайном, а ассоциации ар-деко с лентами в стиле «фильм нуар» (film noir) и очарованием 30-х гг. привели к тому, что его стали вновь использовать в ювелирном искусстве и моде.

Ар-деко и архитектура СССР

Ар-деко оказал заметное влияние на архитектуру 30-х годов, явившись, наряду с постконструктивизмом и неоклассицизмом, одним из источников сталинской архитектуры. С сильным влиянием этого стиля был построен, ряд станций Московского метрополитена: первая очередь (Сокольническая линия), несколько станций второй очереди (Замоскворецкая линия, например, станция «Аэропорт»).

Известные художники и дизайнеры ар-деко

Лев Бакст. Эскиз декорации к трагедии «Федра», II акт, «покои Федры» (1923).
В свой парижский период Бакст работал в стиле Ар Деко.

Известные архитекторы ар-деко

Примечания

Ссылки

АНОНС ЛЕКЦИЙ «Ар деко легендарный»

Лекционный курс «Ар деко легендарный»

вернуться—>>

Бивис Хиллер в своей книге о стиле ар деко писал, что «этот стиль тотален, как любой большой стиль» и сфера его влияния широка: от архитектуры, скульптуры и живописи до промдизайна и моды.

Ар деко, возникнув после ужасов  Первой Мировой войны, стал выражением «жажды жизни», созидая на своем пути удивительный художественный мир. Экзотическое древо ар деко оказалось живучим не только в теплом климате Франции, но и адаптировалось в других странах, прорастая на территории разных континентов и стран, обрастая легендами и легендарными людьми, которые оставили мощный след в архитектуре, декоративно-прикладных видах искусства, дизайне и моде.

Рене Лалик и Робер Малле-Стивенс, Эрнест Кормье и Жорж Барбье, Дмитрий Чипарус и Бруно Зак, Фердинанд Прайсc и Эмиль-Жак Рульманн, Анри Рапен и Антонин Раймон, Кассандр и Эрте, Александра Экстер и Вадим Меллер, Соня Делоне и Тамара де Лемпицка, Георгий Лавров и Жан Дюнан, Шарль Като и Поль Фолло, Морис Дюфрен и многие другие, чьи работы до сих пор остаются источником вдохновения и творчества.

Курс рассчитан на широкую аудиторию. Для активизации навыка визуальной насмотренности и глубокого погружения в материал, курс поддержан мультимедийным форматом презентаций (200 — 300 слайдов), что позволяет не только познакомиться с творчеством архитекторов и скульпторов, декораторов и дизайнеров, живописцев и графиков, стекольщиков и краснодеревщиков, мастеров керамики и ювелиров, но и сформировать понимание особенностей становления и развития стиля ар деко в разных культурных средах.  

Курс состоит из 15 лекций:

1. Ар деко: «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» 1925 года и ее значение
2. Ар деко, кубизм и рондокубизм
3. Ар деко: становление стиля и культурные влияния
4. Французский ар деко — образец стиля
5. Ар деко: путешествие из Европы в Америку. «Нормандия» и его интерьеры
6. Американский ар деко: монументализм и роскошь небоскребов
7. Американский ар деко и стримлайн: из автомобиля — в цеппелин
8. Живопись и графика ар деко: на грани искусства и рекламы
9. Мода и ювелирное искусство ар деко: драгоценная геометрия
10. Кино, Эркюль Пуаро и английский ар деко: воссоздавая эпоху
11. Японский ар деко: новые страницы (1 лекция)
12. Японский ар деко: универсальное и национальное в становлении стиля (2 лекция)
13. Метаморфозы стиля. Ар нуво и ар деко: общее и особенное
14. Город и стиль. архитектура ар деко и градостроение
15. Ар деко и кинематограф. Архитектура ар деко как кинематографическая декорация.

 Краткое описание лекций:  

1. Ар деко: «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» 1925 года и ее значение

Возникновение, развитие и метаморфозы ар деко до сих пор заставляют историков и искусствоведов спорить и выдвигать новые версии. Как говорят, «большое видится на расстоянии», а изучение этого стиля как самостоятельной художественной системы началось только в 1960-1970-годы.  Одним из значимых событий в новой классификации искусства стала инициатива директора Парижского музея декоративного искусства Ивонны Брунхаммер, которая организовала выставку «Les Annes’25», в которой был отражен веер художественных исканий 1920-х годов, и в частности, достижения «Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств» 1925 года.

Какое вклад в развитие стиля ар деко внесло «Общество художников декораторов» — SAD; какие существовали стандарты для новой профессии «декоратор»; об особенностях выставки 1925 года и ее трендах; о традиционных и новых типах материалов и их использовании; о вкладе в развитие эксподизайна  Шарля Плуме и «бетонном саде» Робера Малле-Стивенса; как Эйфелева башня превратилась в оплот рекламной компании французского автопрома; что должно быть в идеальном доме любителя искусства, по мнению Альбера Лапрада, Жака-Луи Рульманна, Мориса Дюфрена, Жана Дюнана, Анри Соважа; — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

2. Ар деко, кубизм и рондокубизм

Кубизм оказал наиболее заметное влияние на ар деко. Причем не только живописный – «аналитический» и «синтетический», анлантами которого были Пабло Пикассо и Жорж Брак, но и архитектурный, выраженный в оригинальных проектах чешских архитекторов и художников Павла Янака и Йозефа Хохола, Йозефа Гочара и Карла Чапека; Властислава Хофманна и Эмила Филлы, Богумила Кубишты и Франтишека Кришты.

Почему появилась необходимость «особенного типа видения»; какие новые техники работы с формой и цветом внедрили европейские художники-кубисты; как выглядел «Кубистский дом» Раймона Дюшан-Вийона; в чем особенность проектов чешских мастеров кубизма и рондокубизма; — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

3. Ар деко: становление стиля  и культурные влияния

Истоки ар деко многообразны: традиционные культуры Африки и доколумбовой Америки, «Русские сезоны» и авангардиские течения в живописи и скульптуре. Как открытие гробницы Тутанхамона и древнеегипетское искусство повлияло на стилистику ар деко;  какие символы и формы заимствовали художники ар деко из египетской культуры и почему форма скарабея стала определяющей в декоративном искусстве; какие линии ювелирных украшений предлагали Cartier, Tiffany и Van Clееf & Arpels; как выглядели крылаты бандо и египетский воротник; почему ступенчатость стала принципом формообразования в архитектуре и дизайне; почему «Русские сезоны» сыграли роль топлива, воспламенившего новый стиль; в чем особенность живописных и театральных экспериментов Пабло Пикассо в рамках «Русских сезонов»; какие работы Бакста выполнены в стилистике ар деко; — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

4. Французский ар деко – образец стиля

Парижский вариант ар деко – образцовый. Многие здания, построенные в этой стилистике, с момента создания и до сих пор используются по назначению, а благодаря скрупулезной многолетней реставрации радуют глаз. Во французской столице есть улица, целиком признанная памятником истории и архитектуры, где каждое здание – жемчужина. Такую выразительность архитектурному облику каждому отдельному строению и улице целиком придал парижский архитектор Робер Малле-Стивенс, о работах которого с восхищением отзывались и Константин Мельников, и Ле Корбюзье.

Как кинематограф повлиял на образность частной архитектуры и как выглядели первые парижские кинотеатры; почему архитекторы отдавали предпочтение ступенчатым формам и каким строительным нормам следовали; в чем суть стиля Рaquebot и как он реализовался в проекта Альбера Лапрада и Леона Байе, Анри Соважа и Пьера Пату;  почему махагон, зебрано и сикомора были столь популярны в среде архитекторов и декораторов; для чего был создан стул Drouant, и какие оформительские проекты считал самыми значимыми Жак-Эмиль Рульманн и Эдгар Брандт; — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

5. Ар деко: путешествие из Европы в Америку. «Нормандия» и его интерьеры

На рубеже веков изменилось представление о путешествиях не только из-за доступности традиционных и новых видов транспорта — автомобиля, самолета, дирижабля, парохода и океанского лайнера, но и благодаря интенсивному развитию туристической индустрии и инновациям, введенным Томасом Куком.

Почему океанские лайнеры назвались «плавучими отелями»; какими стандартами руководствовались при оформлении самого роскошного лайнера «Нормандия» Анри – Рожер Эспер, Рульманн и Рене Лалик, Жан Дюнан и Жан Дюпа, Жуль Лелё и Эдгар Брандт, Dominique, Süe &Mare, Christofle и Baccarat; как Владимир Юркевич заказывал детали для корабля в компании «Škoda»; что подарил Жан Пату в первом рейсе пассажирам первого класса; почему американские музеи стали участвовать в коммерческой деятельности, а крупные магазины использовали выставочные и музейные принципы показа мебели; кто принес знамя ар деко в американское искусство и какие последствия имела американская выставка «Архитектор и индустриальные искусства» под руководством Сааринена, что нового предложили Раймонд Худ, Эли Жак Кан, Йозеф Урбан, Рольф Уоркер, Эжен Шон, Джон Уэлбор, Рут Армистед Фитциг; — об этом и многом другом мвы поговорим на лекции.

6. Американский ар деко: монументализм и роскошь небоскребов

Ар деко, получивший на американской земле название «модернистик», воспринимался как символ преуспевания и пользовался бешеной популярностью. Внедрение новых строительных технологий определили размерность архитектуры, ее масштабность и монументализм, а элегантные отделочные материалы и изысканная меблировка подчеркивала атмосферу всеобщего благоденствия. Американские города стремительно росли вверх за счет эффектных небоскребов, поражая «старушку Европу».

Какое значение имела книга Поля Франкла «Новые пропорции», и к чему привело открытие филиала Венских мастерских в Нью-Йорке; какие здания назывались небоскребами, и какие инновации позволили решить проблему высотности; какой вклад внес Уильям Ле Барон Дженни и почему XX век называют «золотым веком сварного железа»; какое здание должно было стать «самым красивым офисным здание в мире» и в чем особенность бумажной архитектуры Хью Ферриса; о самых ярких проектах Чикагской школе архитектуры и самых известных американских небоскребах; — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

7. Американский ар деко и стримлайн: из автомобиля — в цеппелин

В 1930-х годах автомобиль превращается из атрибута роскоши в средство передвижения. Компания Ford производит автомобили на конвейерных линиях, что к 1930 году увеличило количество машин на американских дорогах до пару десятков миллионов. С одной стороны, это привело не только к интенсификации строительства дорог, замене брусчатки бетонным покрытием, но и строительству эстакад, многоуровневому транспортному движению. С другой, на пике восторгов от шествования научно-технического прогресса некоторые видели опасность от завоеваний индустриального общества. Так архитектор Фрэнк Ллойд Райт уже в 1925 году заметил: «Автомобиль скоро разрушит наши города. Мичиган-авеню превратится из зеленого бульвара в гоночную трассу! Жизнь в Чикаго станет попросту невыносимой, и люди будут задыхаться от выхлопных газов, как только выйдут на улицу».

Что такое стрим-лайн и работах Нормана Бел Гедденса, Раймонда Леви, Генри Дрейфусса, Вальтера Дорвина Тика и Харольда ван Дорена; почему Всемирная выставка в Чикаго 1933 года называла «веком прогресса», а выставка 1939 года в Нью-Йорке –«веком будущего»; какие возможности давали новые виды транспорта – самолеты, дирижабли и автомобили, аэровагоны и снежные крейсеры; как видел будущее Бакминстер Фуллер ; в чем особенность интерьера цеппелинов на примере «Гинденбурга» ; о развитии аэродинамики и эргономики и влиянии на дизайн; что хранится в Zeppelin Museum; о Лео Бакеланде и бакелите, а также новых типах пластиков, которые изменили мир искусства и дизайна; — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

       8. Живопись и графика ар деко: на грани искусства и рекламы

Пришедшие на смену военным годам, «ревущие» 1920-е и «кризисные» 1930-у несли с собой перемены в обществе, в искусстве и дизайне. Визуальные виды искусства – живопись и графика, как и фотография, — претерпевали существенные изменения, предоставляя художникам обширное поле для эксперимента.

Что такое предметный плакат и «плакатный стиль»; в чем особенность графических и живописных работ Люсьена Бернара и Поля Колина, Эрте и Кассандра, Жоржа Барбье и Луиса Икара, Тамары де Лемпицки и Рафаэля де Пенагоса, Александры Экстер и Вадима Экстера; почему эстетика пин-ап стала популярной, а работы Джила Элвгрена, Джоржа Петти и Альберто Варгаса завоевали сердца миллионов; о новом синтезе музыки и живописи; об эстетике массового искусства и новых стандартах в рекламе; об оригинальной работе «La Tumulte Noir» и пикториализме в фотографии; — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

9. Мода и ювелирное искусство ар деко: драгоценная геометрия

Виктор Маргеритт, опубликовав свою повесть «Ле Гарсон», вряд ли предполагал, что стиль гарсон определит новый тип эмансипированной женщины. Но именно такой образ определял дух времени. Так выглядели гламурные кинодивы — Клара Боу и Мэри Пикфорд, Лилиан Гиш и Глория Свенсон, Пола Негри и Ольга Бакланова, которым подражали женщины тех времен. Ритм послевоенной жизни диктовал новые стандарты в модной индустрии. Стиль ревущих 1920-х создавался в знаменитых домах Поля Пуаре, Жана Пату, Коко Шанель, Люсьен Лелонг.  Ритм послевоенной жизни диктовал новые стандарты не только в модной индустрии и ювелирном искусстве. «Произведения ювелирного дела и предметы из золота и серебра должны быть произведениями искусства, соответствуя тем же требованиям, что и промышленные изделия», — это высказывание знаменитого ювелира Жана Фуке определили эстетику нового стиля, которому следовали Альфред Ван Клиф и Жюльен Арпельс, Жерар Сандоз, Жан Деспре, Раймон Тамплие, ювелирные дома Бушерон, Картье и Мобуссен и многие другие. Ключевыми характеристиками стала «геометрия», «линейность» и «хроматический контраст».

В чем особенность стиля «гарсон»; какие журналы были флагманами в море моды; как мода повлияла на типологию женских украшений; почему сотуары и дресс-клипы приобрели бешеную популярность; какие материалы — традиционные и инновационные —  использовались в ювелирном деле; кто вернул в ювелирную моду платину; в чем суть революционной техники крепления драгоценных камней «невидимая оправа»; — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

         10. Английский ар деко, кино и  «Эркюль Пуаро»: воссоздавая эпоху

Если вы любите английские сериалы — искрометных Дживса и Вустера, блистательного Пуаро, — значит, вы — поклонник ар деко. В этих костюмных постановках BBC атмосфера 1920-1930-х годов воссоздана с невероятной дотошностью не только благодаря стараниям режиссеров и художников, но и актеров, которые скрупулезно изучали эту эпоху для создания убедительных образов.

Список фильмов, сериалов и видеоигр, где использована стилистика ар деко, значителен, на лекции мы поговорим, почему такой антураж идеален для кино- и видеоиндустрии; обсудим самые удачные экранизации и подробно остановимся на сериале об Эркюле Пуаро, который получил множество наград BAFTA; поговорим о деятельности компании Angel; увидим образцы английской архитектуры ар деко, ставшие площадкой для киносъемок, среди которых Элтемский дворец и Флорин Кортt, отели Мидленд и Бург Айленд, павильон де ла Варр и Сенат-Хаус; разберем особенности оформления киноинтерьеров; почему в приоритете использование винтажных и раритетных предметов меблировки и декора; поговорим о мужской английской моде и дресс-коде 1920-1930-х годов.

         11. Японский ар деко: новые страницы (1 лекция)

«Японский ар деко – оксюморон», — так начинается одна из статей Кена Джонсона в «Нью-Йорк таймс» о выставке, посвященной развитию стиля ар деко в стране Восходящего солнца в 1920-1940-е года. Действительно, для многих словосочетание «японский ар деко» кажется, если не странным, то весьма неожиданным, поскольку эта страница истории культуры пока полна белых пятен.

На лекции мы поговорим об инициативе Кенделла Брауна и коллекции четы Левенсон; о том, почему японский ар деко развивался в иных временных границах, чем европейский; об особенностях вестернизации японской культуры; об эстетике и моде MoGa и MoBo; о том, какие изменения претерпел национальный костюм в 1920-1940-е; о техниках росписи тканей юзен; в чем особенность лака урущи/уруси и проектах Сейдзо Сугавара, а также его знаменитых учеников — Катцу Хаманака, Эйлин Грей, Жана Дюнана etc.

          12. Японский ар деко: универсальное и национальное в развитии стиля (2 лекция)

Стиль ар деко, родившись в сердце Европы, претерпел интересные трансформации, оказавшись в новом культурном контексте. О том, почему происходило распространение стиля ар деко в Японии в эпоху Тайсё и Сёва; какое воздействие оказало на архитектурный ландшафт великое землетрясение в Канто, как сочетались национальные традиции Японии, которым следовали веками, и новые модные тенденции; какой колорит внесли европейское архитекторы и художники в японское искусство, какие работы созидали японские мастера, следуя мировым тенденциям, причем не только в декоративных видах искусства и ремеслах, но и в архитектуре; почему работы Фрэнка Ллойда Райта стали образцовыми и нашли отражение в работах Арата Эндо; чем удивлял японцев Антонин Раймонд; в чем особенность оформления японского океанского лайнера Hikawa Maru и резиденции принца Асака;  — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

          13. Метаморфозы стиля. Ар нуво и ар деко: общее и особенное

Эта лекция будет интересна не только тем, кто делает первые шаги на пути исследования художественных стилей, но и тем, кто считает себя большим докой в искусстве. Художественная жизнь XX века далека от прописных истин и однозначных трактовок, и в среде специалистов существует множество точек зрения по поводу особенности развития стилевых систем и художественных направлений.

На лекции мы разберем две большие стилевые системы – ар нуво и ар деко, поговорим об особенностях художественного языка и основных эстетических принципах ар нуво и ар деко, разберем конкретные примеры и работы мастеров, которые в своем творчестве работали в обоих стилях и создали особенную стилевую преемственность, а также увидим проекты архитекторов и художников, скульпторов и мастеров декоративно-прикладного искусства, которые создали «иконы стиля», обогатив сокровищницу мировой культуры. 

         14. Город и стиль. Архитектура ар деко и градостроение

В 1931 году в Новой Зеландии произошло мощное землетрясение, уничтожившее город Нейпир, однако жители решили возродить город и использовали модную для 1930-х годов стилистику ар деко. Однако Нейпир не является исключительным случаем, когда определенный стиль определил архитектурный образ города.

На лекции мы поговорим о мировом сообществе, занимающимся проблемой изучения ар деко, среди которых старейшие европейские и американские организации соперничают с азиатскими сообществами, которые стремятся «исключить европоцентристский подход к изучению ар деко»;  увидим 10 городов мира, в которых можно увидеть крупные пятна застройки в стиле ар деко и необычные архитектурные шедевры  в типологическом многообразии – от частной до общественной и сакральной.

           15. Ар деко и кинематограф. Архитектура ар деко как кинематографическая декорация

Французский архитектор Робер Малле-Стивенс  так любил кинематограф, что написал несколько статей, посвященных теме взаимосвязи этих двух видов искусства. Злые языки поговаривали, что Малле-Стивенс не столько строил дома, сколько декорации для новой кинематографической ленты. И , в каком-то смысле, были правы, большое количество частных резиденций, действительно, были кинематографическими  площадками. Составить список всех интересных достопримечательностей, вряд ли возможно, однако архитектура создает особенную атмосферу.  Например, первое высотное  лондонское здание «Сенат-хаус» в элитном Блумсбери, построенном по проекту Чарльза Холдена, стал популярным местом, в антураже которого снимали и «Дживса и Вустера». Об истории самых известных кинематографических зданий, построенных в стиле ар деко, мы поговорим на лекции.

Лектор – культуролог Елена Рубан

Лекции проводятся в формате вебинара. После оплаты участник получает активную ссылку. Запись вебинара активна в течение двух недель. Информацию об актуальных на данный момент лекциях и заявку для участия можно подать в произвольной форме  — [email protected]  

 

                                                                           . 

 

Введение в Ар Деко — ЗНАНИЕ-СИЛА

 

Владислав Дегтярев

В этом году исполняется сто лет со дня окончания Первой мировой войны и начала становления нового, хрупкого, тревожного межвоенного мира, которому предстояло рухнуть в новую катастрофу меньше чем через два десятилетия. Разговор об этом времени, о том наследии, которое оно нам оставило, мы начинаем статьей петербургского искусствоведа, преподавателя факультета Свободных искусств и наук СПбГУ Владислава Дегтярева об Ар Деко, в котором он видит не только существенно большее, чем один из художественных стилей: симптом — или даже совокупность симптомов — целого культурного состояния.

В августе 1921 года в Бельском Устье (Псковская губерния) Владислав Ходасевич пишет это стихотворение, то ли галлюцинаторное, то ли пророческое:

Все жду: кого-нибудь задавит
Взбесившийся автомобиль,
Зевака бедный окровавит
Торцовую сухую пыль.
И с этого пойдет, начнется:
Раскачка, выворот, беда,
Звезда на землю оборвется,
И станет горькою вода.
Прервутся сны, что душу душат.
Начнется все, чего хочу,
И солнце ангелы потушат,
Как утром — лишнюю свечу.

К этому времени в Петрограде, переставшем быть имперской столицей, успела произойти революция, умер Блок и расстрелян Гумилев. Казалось бы, пришло время просить высшие силы о покое. Но Ходасевич, напротив, ожидает какой-то новой, окончательной катастрофы, которая может начаться едва ли не с бунта машин. А «зевака бедный» оказывается не кем иным, как бодлеровским фланером, ставшим у Вальтера Беньямина символом XIX столетия. Время незаинтересованности, говорит Ходасевич, закончилось, и нам показывают это со всей возможной жесткостью. Новым героем будет не бездельник с тростью, а рабочий (в широком, юнгеровском смысле). И, судя по упоминанию торцовой мостовой, несчастный случай, запускающий механизм катастрофы, должен произойти на Невском проспекте, словно без этого там было мало бедствий.

Но это не простые бедствия: Ходасевич называет многие из неврозов межвоенной эпохи. Взаимоотношения человека с техникой и историей, ничтожные события, становящиеся причиной катастроф, и сами катастрофы, уравнивающие всех перед лицом уничтожения — лучшие из нас все время думали об этом, но после Первой мировой войны ожидание беды становится культурной обсессией.

Какое название можно подобрать для той, говоря словами Эрика Хобсбаума, эпохи контрастов, которая закончилась с завершением Второй мировой войны, а началась то ли с выстрела в Сараево, то ли десятилетием раньше? Назвав ее эпохой модернизма, мы оставим за бортом многие вещи и явления, более консервативные по форме, но проникнутые тем же эсхатологическим духом. Снять этот конфликт можно, возвысив до культурологической категории наименование основного художественного стиля тех лет — Ар Деко.

И тогда мы увидим, что в хронологические рамки эпохи Ар Деко попадают и газовые атаки Первой мировой, и Октябрьская революция, и евгенические законы многих стран. Если же в свете этого представить, какие настроения порождали тексты, подобные «Дивному новому миру» Олдоса Хаксли, то станет видно, что степень вмешательства в человеческое тело и в социальный организм, считавшаяся тогда допустимой и желательной, категорически неприемлема для нас с вами. Имя тому, что объединяет все перечисленное и многое другое, вплоть до невинных реклам, изображающих черное небо, пересеченное огнями прожекторов, известно из Фрейда — это влечение к смерти. Та культура жила предчувствием катастрофы.

И катастрофа не заставила себя ждать.

* * *

Начиная рассуждать об Ар Деко, испытываешь некоторую неловкость. Приходится доказывать, что это тоже можно изучать — и не в качестве культурологического курьеза, а как серьезное явление искусства. Люди, так сказать, с улицы склонны видеть в Ар Деко всего лишь довоенный гламур, показное и вульгарное благополучие, разрушенное войной. Мы до сих пор не можем решить, что это было — праздник, закончившийся трагедией, или безнравственный пир во время чумы.

При этом Ар Деко, похоже, всем нравится, хотя и не все готовы признаться в этом. Все любят картинки из «прошлой жизни», которая никогда не была нашей. Ведь что, как не Париж межвоенных лет, будет в наших глазах квинтэссенцией иностранного — в России было Ар Нуво, был свой близкий аналог викторианства, а этого не было: точнее, было похожее искусство, но та жизнь, которую оно оформляло в Париже или Нью-Йорке. Поэтому всем нравятся статуэтки Кипаруса и виньетки Эрте. Всем нравятся довоенные автомобили, у каждого из которых было свое выражение лица. Самый банальный сюжет обретает некую значительность в декорациях предвоенной эпохи — видимо, только из-за того, что мы еще помним все даты.

Снисходительного отношения к стилю в целом это не отменяет. Вот что пишет Дмитрий Швидковский в сборнике материалов конференции по Ар Деко, проведенной в 2005 году московским Институтом теории и истории изобразительных искусств[1].

«Ар Деко — стиль намеренно дорогой и солидной красивости (sic!), предназначенной для среднего класса, поэтому в советское время о нем избегали говорить. В отличие от своей современницы, строгой и функциональной архитектуры авангарда, Деко не строил новый и справедливый мир будущего. Он давал возможность наслаждаться жизнью здесь и сейчас. Несколько снобистское отношение к Деко у некоторых искусствоведов на Западе связано с тем, что этот стиль процветал в Америке и доказал, что кое в чем Новый Свет может превзойти «старую» Европу. Коктейли, Джаз и Ар Деко переносили в Лондон, Париж и Милан ощущение радости жизни, охватившее Америку, не видевшую разрушений и жертв Первой мировой. И хотя Европу вскоре настигли новые политические и военные конфликты, а Америку — Великая депрессия, Ар Деко стойко противостоял пессимизму. Интерес к нему ослаб после вступления США во Вторую мировую войну».

Этот фрагмент чрезвычайно показателен в отношении оптики, сквозь которую обычно смотрят на стиль межвоенных десятилетий. В Ар Деко видят гедонизм, не замечая странного, драматичного и даже болезненного характера этого так называемого гедонизма (Швидковский словно забывает о том, что мировоззрение carpe diem[2] может быть сколь угодно трагическим в своей основе).

Если мы попытаемся среди известных нам стилей отыскать тот, что удовлетворял бы представлению о чисто гедонистическом искусстве, не учитывающем даже в возможности «холод и мрак грядущих дней», лучшего примера, чем рококо, нам не найти. Если же сравнить типичное произведение рококо — например, «Туалет Венеры» Франсуа Буше, с любой из работ Тамары Лемпицкой, мы увидим во втором случае нечто мрачное и тревожное. Темный колорит, четко очерченные геометризованные объемы — кого же изображает эта светская портретистка, живых людей или металлические статуи?

Или, например, пассаж из статьи Татьяны Гнедовской о взаимоотношениях немецкого Веркбунда и Ар Деко, взятый из того же сборника:

«Стиль Ар Деко был… «стилем коктейлей». В нем переплавлялись и смешивались теоретические и творческие установки практически всех существовавших тогда художественных течений. Это, безусловно, не могло не вызывать бешенства у создателей и поборников этих течений — кубизма, сюрреализма, функционализма — от которых «отщипывал по кусочку» новый массовый стиль. Ведь он не только упрощал и примитивизировал все, что попадало в его воронку, он еще и уравнивал в правах враждующие и конкурирующие направления, легко совмещая то, что казалось несовместимым».

Автор говорит о порочности компромисса — и действительно, художественная практика ХХ века и мейнстрим современной искусствоведческой мысли приучили нас ценить наиболее радикальные художественные жесты и, соответственно, тех мастеров, которые выбрали для себя наиболее узкий путь. Но ведь можно и перевернуть цитату: смешивается лишь то, что можно смешать. Ар Деко ясно демонстрирует, что непримиримость разных течений — лишь маска; школы и секты, кричащие о своей исключительности и неповторимости, на самом деле внутренне едины. Собственно говоря, это — секрет Полишинеля, но раскрытие таких секретов всегда вызывает всеобщее возмущение среди адептов разных школ, демонстративно друг друга ненавидящих.

В той же статье содержится еще одно интересное утверждение, вскрывающее очередной штамп мышления:

«… быть может, именно потому веркбундовцам не удалось создать единый стиль, что каждый из них был слишком индивидуален и не желал вливаться в общее русло… а в искусстве Ар Деко не было шедевров и не было творческих гигантов, но зато был стиль. И прикладное искусство, равно как и архитектура, существовали в нем именно в виде «стиля», а не в виде отдельных уникальных и совершенных изделий или построек».

Да, при всей цельности эпохи Ар Деко нам трудно отделаться от ощущения, что части здесь важнее и значительнее целого. Отчасти в этом виновато советское искусствоведение, повторявшее применительно к межвоенной эпохе романтические штампы о гениях, противостоящих, если не толпе, то, значит, потоку массовой продукции, коммерческой живописи не слишком высокого разбора, но при этом, что называется, мастеровитой, эффектной и способной бесконечно тиражировать находки гениев. Если в XIX веке этих гениев звали, допустим, Делакруа или Ван Гог, то в ХХ — Пикассо, Матисс, а дальше можно добавить любое из имен позднесоветского интеллигентского пантеона. Заменяя одного художника другим, мы не изменим общей картины, общего принципа восприятия.

В архитектуре ситуация представляется еще более однозначной и поляризованной. Есть Современное движение, то есть прежде всего русский конструктивизм, Баухаус и Корбюзье, и есть рядовая коммерческая или официозная архитектура, эклектичная и половинчатая. Серьезного обсуждения она не заслуживает. Так, в монументальном двухтомнике А. В. Иконникова «Архитектура ХХ века» раздел «Стиль ар деко в Европе и Америке» занимает всего восемь страниц — это больше, чем отведено архитектуре франкистской Испании, но гораздо меньше, чем сталинской архитектуре 1930‑х.

Получается, что стиль должен быть порицаем за то, что он представляет собой конвенцию, не скрывающую своего конвенционального характера и не прикрывающуюся объективистской риторикой. Нам говорят, что единый язык форм невозможен, если только он не основан на функционалистском подходе к проектированию и на чистой геометрии. Все прочее есть произвол, который из архитектуры всячески изгоняется, а за ее пределами — в живописи, например — дозволен только «гению», но никак не сообществу.

Ар Деко часто обвиняют в эклектизме, противопоставляя не только Ар Нуво, как более последовательной и тонкой системе, но даже историзму предыдущего столетия. Вот еще одна цитата из сборника (Вячеслав Локтев): «Типичные для Ар Деко стилизации в сравнении с прошлыми историческими заимствованиями имеют… одну принципиальную особенность. Они не скрывают и не маскируют свою неподлинность. В одних случаях стилизация представляет собой неожиданную метафору стиля-прототипа (видимо, это относится к историзму XIX века. — Прим. авт.), в других — обращает на себя внимание ее намеренная пародийность. Стиль не репродуцируется, а свободно, театрализованно разыгрывается с сохранением всех монтажных швов, разоблачающих «подделку».

Возможно, первым примером такого архитектурного коллажа (и, соответственно, сложившегося стиля Ар Деко) следует считать Виллу Карма в Монтре, построенную Адольфом Лоосом в 1904. Дорическая колоннада и дорический же портик сочетаются в этом здании с белыми стенами, лишенными всякого декора. Еще один пример коллажа у Лооса — венский дом Руфера (1922) — почти кубическое здание, в стену которого вмонтированы слепки фриза Парфенона. Лоос, допустим, был одиночкой. Но и на крайнем правом, традиционалистском фланге архитектуры мы тоже увидим коллаж, исполненный, кстати, еще сложнее. Эдвин Латьенс в жилом комплексе в лондонском Пимлико (1928—1930) делает стены зданий подобием шахматной доски и накладывает на столь же элементарные объемы георгианские портики, которые парадоксальным образом сочетаются со вполне модернистскими лоджиями дворового фасада. Если же мы, не покидая пределов Лондона, переместимся «влево», то увидим, что Бертольд Любеткин, представитель Современного Движения, прибегает к коллажу в оформлении входного козырька своего лондонского здания «Хайпойнт 2» (1938): модернистским фасадам, предвосхищающим архитектуру 60‑х, противопоставлены копии кариатид Эрехтейона, поддерживающие криволинейный бетонный козырек на входе.

Архитектуре Ар Деко вообще свойственна графичность, точнее, тяготение к плоскостности и линеарности. В брюссельском Дворце Стокле, построенном Йозефом Хоффманном (1905—1911), стыки плоскостей, облицованных белым мрамором, подчеркнуты контрастными бронзовыми тягами. От этого приема один шаг до плавающих плоскостей Дома Шредер Геррита Ритвелда (Утрехт, 1924). Но если есть эффектный прием, то столь же эффектной должна быть и его инверсия. И действительно, архитектор Гарри Уидон, построивший кинотеатр «Одеон» на Лестер-сквер в Лондоне (1937), облицевал фасад черным мрамором и выделил углы вертикального объема неоновыми трубками — так что по вечерам, когда публика шла на сеанс, здание исчезало, а оставался лишь световой рисунок на фоне темного неба.

Собственно говоря, подчеркивание легкости стены, акцент на ее тонкость и стремление к дематериализации границ постройки — то есть всё, что считается родовыми чертами модернизма, — присутствует уже здесь, прекрасно сочетаясь с объемной декорацией фасада. Что характерно, этой дематериализации совершенно нет у Лооса, которого принято считать пионером архитектуры без декора.

Вернемся же к нашим коллажам. Собственно говоря, оформление типичного доходного дома второй половины XIX века, наложенное на равномерную фасадную сетку, уже можно рассматривать как коллаж. Другое дело, что эта декорация стремилась притвориться естественной и однородной, поскольку занимала все видимое пространство фасада. Чтобы обнаружить ее коллажную сущность, нужно сравнить уличный фасад здания с дворовым или с плоскостью брандмауэра.

Архитекторы периода эклектики всячески скрывали театральный характер своих декораций, мастера Ар Деко, напротив, стремились его подчеркнуть. Коль скоро эта неподлинность входила в намерения архитекторов, значит, на то были существенные причины. Ар Деко играло со «сложностью и противоречиями» (если воспользоваться названием книги Роберто Вентури), полностью отдавая себе в этом отчет и заранее зная все выгоды и все опасности подобных игр. Другое дело, что приверженцы Современного движения резко отрицательно относятся к проявлениям игрового начала и иронии в архитектуре. По их мнению, ироничные намеки уместны только в поэзии, на долю же архитектуры остаются правда и социальная ответственность. Судя по всему, как раз ответственность породила печально знаменитый квартал Пруитт-Айгоу в Сент-Луисе, построенный в 1954 году по проекту Минору Ямасаки и снесенный уже через двадцать лет. Категория же «правды» относится к области коммуникации, то есть архитектура, если даже ей и позволяются какие-либо высказывания, должна говорить лишь о себе и только протокольным языком.

Стоит заметить, что задолго до появления Ар Деко уже существовала архитектурная традиция, полностью основанная на игре, иронии и комбинации разнохарактерных «знаков». Речь идет об английских псевдоготических парковых постройках XVIII века. Там, как и здесь, элементы различного происхождения (часто — упрощенные и словно нарисованные ребенком) сталкивались между собой для получения просчитанного эффекта. И так же, как в Ар Деко, неподлинность этих строений, порой выполнявшихся из недолговечных материалов, становилась поводом для иронической или меланхолической рефлексии.

Напротив, попытка воспроизведения классической гармонии (или даже гармонии исторического стиля) представляет собой проявление памяти, которая не склонна акцентировать различие между воспоминанием и предметом воспоминания, или даже активно отрицает такое различие. Так, Огастес Уэлби Пьюджин (1812—1852) и его последователи в середине XIX века серьезно пытались воспроизвести готические постройки в поисках утраченного органического стиля и органического общества.

Но есть и другая стратегия обращения с историческим наследием. (Собственно говоря, в отношениях с некоторым другим их всегда две). Исторические детали можно подвергнуть процедуре упрощения, в пределе сведя их к уровню знака. Это будет проявлением ностальгии, подчеркивающей дистанцию между нами и объектом нашего желания. Испытывая тоску по неизбежно уходящему прошлому, мы сочетаем ее с осознанием того, что удержать возможно все меньше и меньше. Из этой двойственности, словно из конфликта эмоций и разума, и рождается эстетический эффект.

Современное искусство видит свой моральный долг в том, чтобы напоминать о травме утраты золотого века; любые же попытки отыграть что-либо назад отвергаются как детские и безответственные. Модернизм показывает нам, что современность далека от идеала, который остается в области подразумеваемого. Постмодернизм (и Ар Деко вместе с ним) действует иначе: нам демонстрируют кусочки этого недостижимого идеала, как рассыпанную мозаику, констатируя, что собрать их воедино уже невозможно. «Неподлинность» исторических цитат Ар Деко привлекает внимание к зазору между тем, что есть, и тем, чего уже не вернуть — и этот зазор приобретает характер ностальгической дистанции. Прошлое нас не покидает, но контекст непоправимо разрушен — и оно остается обломком в музее, подделкой, театральной декорацией.

В эстетико-философской системе Ар Деко равнозначной «прошлому» может оказаться любая экзотика, для чего ремесленникам и нужны дорогие и редкие материалы. Чем интенсивнее чувство утраты, тем театральнее становятся и средства возместить ее, и жесты бессилия.

Продолжение — в следующем номере

 

[1] Искусство эпохи модернизма: стиль Ар Деко. 1910—1940‑е годы. — М., 2009.

[2] «Лови момент», дословно — «лови день» (лат.).

Теория стилей: арт-нуво vs арт-деко (2)

В одном из нынешних журналов по архитектуре этот стиль назвали в описании новейших интерьеров «оригинальным и нерастиражированным стилем ар-деко». На самом деле стиль переживает уже не первое возрождение. Т.н. «последний роскошный стиль европейских столиц» снова в моде. В свое время он подарил людям иллюзию красивой и беззаботной жизни, наполненной прекрасными вещами. Возможно, поэтому интерес к ар-деко не утихает до сих пор. Конструктивизм архитектуры Ле Корбюзье, изысканная мебель Рульмана, красочные костюмы Поля Пуаре, элегантные аксессуары Картье и Бушерона, минимализм дизайна школы Баухауза, небоскребы Америки, обтекаемый, агрессивный дизайн машин, интереры «Титаника» – все это считают приметами одного стиля, именуемого эпохой ар-деко.

Но обо всем по порядку, начиная с истории появления этого стиля.

АР-ДЕКО И АР-НУВО

Стили ар нуво и ар-деко часто путают. Изящная чувственность стиля ар нуво царила в искусстве 20 лет, начиная с 1890-х гг. до 1-й мировой войны 1914 г., а стиль ар-деко датируется 1914 — 1938 годами. Ар нуво черпал свои формы в живой природе, вдохновляясь капризными силуэтами и контурами растений, цветов, насекомых, птиц.

Война вытеснила эту чувственность. В искусстве стали использоваться новые технологии и новые материалы, мягкая линеарность уступила место стремительной геометрии. Стиль ар-деко не всегда было принято обозначать как самостоятельный. Его истоки естественным образом трансформировались из стиля ар нуво. Стиль отчасти продолжил традиции ар нуво, вместе с тем на него оказали влияние кубизм, народное американское искусство и дизайн бурно развивавшегося в то время машино- и самолетостроения.

Законы построения жилого пространства в ар-деко следуют тем же принципам, что и обстановка дома в стиле модерн. Его особенностью было и остается наличие композиционного центра интерьера. Как правило, эту роль выполняли гостиная и рабочий кабинет, позволявшие задействовать множество предметов и аксессуаров, на первый взгляд не обладающих особой функциональной значимостью. С одной стороны, ар-деко «ратовал» за очищение от декоративности «растительного» модерна, с другой – конкурировал с эстетикой целесообразности и строгих утилитарных форм.

Для ар-деко, как и для стиля модерн в целом, характерны сложные переходы с этажа на этаж и винтовые лестницы, наличие нескольких уровней в одном и том же помещении и обнаруживаемые внезапно потайные комнаты, замысловатой формы оконные переплеты и обязательно изломанная крыша. Что уж говорить про зимний сад в доме, который считался едва ли не обязательным элементом, или просторную застекленную террасу?

НОВЫЙ СТИЛЬ

Ар-деко, варианты: ар деко, арт деко, арт-деко (фр. art déco букв. «декоративное искусство», название происходит от Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств (Париж, 1925 г., где демонстрировались последние достижения архитектуры и прикладного искусства) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи.

Термин «ар-деко» возник спустя 30 лет после того, как сам этот стиль захватил Европу и Америку. До шестидесятых об ар-деко во Франции говорится как о «ретро», в Америке оно определяется как «джаз модерн» или «стримлайн модерн». В свое время он назывался — современный стиль, «обтекаемый модерн», шведский, голландский, итальянский, чешский, английский, позднее «стиль Риц». Через несколько лет популярность Ар-деко дошла до Голливуда и появился «стиль звезд», так произошло всемирное признание стиля. Считается, что термин «ар-деко» придумала Hilary Gelson, написавшая для The Times статью, озаглавленную «Ар-деко» и вышедшую в свет 2 ноября 1966 года.

Представлял собой синтез модерна и неоклассицизма. Данное направление пришло на смену конструктивизму. В Европе ар-деко становится популярным вместе с ростом послевоенного строительства, охватывает целые кварталы, где живут состоятельные люди. Стиль возник и развивался в трудные годы «потерянного поколения» между двумя мировыми войнами: времени духовной растерянности, пустоты первых послевоенных лет, предчувствия ужасов 2-й мировой войны, разочарования в современной цивилизации и утраты эстетических идеалов (вспомним произведения Э. Хэмингуэя, У. Фолкнера, Э. М. Ремарка). Альтернативой этим настроениям и стал новый стиль, призванный создавать иллюзию благополучия и «роскошной жизни». Это был последний «шикарный стиль» европейских столиц, сознательно ориентированный в прошлое.

В то же время после 1-й мировой войны подъем индустрии, развитие науки и техники изменили темп жизни, ее стиль, материальное окружение и в целом мироощущение человека. Немыслимая до этого скорость машин, поездов, строительство мощных заводов, появление самолетов, радиоприемников, кинематографа – все это не могло не действовать на сознание художника, рождало новую эстетику промышленного века. Эти годы отмечены необычайной творческой активностью, смелыми новаторскими проектами в области дизайна, поисками новой художественной формы. Отсюда и противоречивые сочетания прогрессивных и классических форм в рамках одного стиля. Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма.

В Италии и Германии элементы стиля ар-деко, соединяясь с формами неоклассицизма, переросли в архитектуру «нового ампира» — стиля третьего Рейха. Ар-деко оказал влияние на художников французского стекольного завода Баккара и английской керамической мастерской Даултон. В России ар-деко проявил себя в работах скульпторов Н. Данько, И. Ефимова, В. Мухиной. «Советский ар-деко» представляли произведения из фарфора, металла, стекла с необычной для того времени обобщенностью и геометризацией формы, а также пышная декоративность набивных ситцевых тканей. В более поздних формах стиль сближается с геометрическим конструктивизмом. Правда в СССР это не стало течением в архитектуре, но все же некоторые образцы позднего ар-деко имеются — многие станции метро в Москве и Санкт-Петербурге выполнены именно в нем.

Стиль проявился в архитектуре коммерческих зданий, мест развлечений и отдыха, например, кинотеатрах и универмагах. Затем он стремительно распространился за море в столицы колоний, а также США. Ар-деко незаметно исчез после подъема массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения 2-й мировой войны.

ОТЛИЧИТЕЛЬНЫЕ ЧЕРТЫ

Ар-деко объединил настолько разные явления в искусстве межвоенных лет, что не всегда просто свести их воедино. Потому в среде искусствоведов этот термин окончательно утвердился только в последней четверти ХХ в. Это единственный из стилей, у которого нет четких границ, его создатели черпали свое вдохновение из разных источников. Поль Ириб и Жак-Эмиль Рульманн по-новому увидели стиль Людовика XVI, Жюль Леле «приспосабливал» под европейские вкусы искусство Востока, а для Андре Гру моделью служила мебель эпохи Реставрации. Корбюзье написал об ар-деко: «Его создатели строят шикарный дворец, чтобы показать, как цветочный бутон, украшавший некогда ручку зонтика, красуется теперь на спинке кресла». Стиль представлял широкий диапазон всех возможных форм ретро и был открыт для индивидуальных решений. Здесь можно встретить элементы ампира, этнические африканские и египетские мотивы, соединение находок живописцев-постимпрессионистов, экспрессионистов, сюрреалистов с формами восточного, японского, китайского искусства. Стиль ориентирован на индивидуальное, отрицающее все поточное и соединяющее несоединимое.

Ар-деко вобрал в себя излюбленные темы и мотивы ар нуво: извилистые линии, формы морской волны, раковины, драконов и павлинов, а также лебединые шеи, изображение фантастических существ, стрекоз и бабочек. Вместе с тем не исключалось использование геометрических форм: прямых углов и линий, окружностей и широких плоскостей «чистого» цвета.

Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы. Для стиля характерно использование натуральных материалов. Мебель обтекаемых силуэтов изготовлена из пальмового дерева проко, эбена, палисандра и многослойной фанеры. Для отделки используются бамбук, слоновая кость, перламутр, кокос. Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, серебро, эмаль, инкрустации по дереву, экзотические виды кожи – ящерицы, акулы, ската, крокодила и зебры. Декору была отдана почти автономная роль. Декор был крайне персонализированным (у каждой вещи — свое лицо) и насыщенным, что часто создавало «перенаселенность» предметов в замкнутом пространстве.

Мебель украшалась орнаментом из треугольников, прямых линий, зигзагов, декоративными элементами в виде солнц. Один из самых популярных узоров — египетский полукруг, символизирующий восходящее солнце. Подлокотники кресел составляют единую изогнутую линию с передними ножками, декорируются вставками из меди и бронзы. Кровати украшаются египетскими орнаментами (мотив солнца), вместо столбиков изголовья – статуэтки богов. Каждая вещь созданная в этом стиле превращается в произведение искусства.

Для ар-деко «роскошь» — это не только дорогие материалы, но и визуальное богатство: яркие, насыщенные цвета. Как правило, используется более чем 3 цвета, и это выглядит целостно и неожиданно красиво. На фоне шахматного контраста черного и белого — горящие вкрапления красного и золотого, хромированные предметы интерьера.

Интерьеры ар-деко выглядят не как композиция, а как подборка отдельных предметов, «стильных вещей». Особое место в интерьере занимают мелкие предметы. Скульптуры кабинетного формата, изысканные статуэтки героев античности, танцовщиков, спортсменов. Создаются различные эстетические модели из функциональных бытовых вещей: ваз, часов, светильников, мебели, тканей, изделий из бронзы, стекла, керамики. Не случайно, многие из таких интерьеров назывались «павильон коллекционера», «ателье художника».

В отличие от классической линии модерна, для которой был характерен главным образом флористический декор, ар-деко тяготел к линейным геометрическим формам, которые максимально соответствовали новой эстетике архитектуры и промышленных технологий того времени. С одной стороны, ар-деко «ратовал» за очищение интерьера от декоративности «растительного» модерна, с другой – открыто конкурировал с конструктивизмом, с его эстетикой целесообразности и строгих утилитарных форм.

Для этого стиля традиционными считаются изображения окружностей и других геометрических фигур. Поэтому для напольного покрытия стал идеальным геометрический орнамент из прямых линий с мотивами треугольника и круга.

ФРАНЦИЯ

В 1925 г. в Париже состоялась Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств, после нее термин ар-деко стал общеупотребительным. Одними из первых фактуру древесины подчеркнули при помощи перламутра и слоновой кости отец и сын Жайо, чьи предметы были представлены в пяти павильонах Парижской выставки. Тенденция ввода новых материалов — металла и пластмассы — наблюдается в работах семьи уже после 1925 г.

Во Франции проектировщики мебели в большинстве продолжали следовать традициям создания декоративных предметов, используя технику маркетри и другие виды инкрустации из экзотических пород дерева. Если ар нуво был последним проявлением декаданса, то ар-деко говорил о новых временах. В геометрических формах и стремительных линиях он отражал (в основном в изделиях массового производства) прогресс в развитии новых технологий. Традиционные материалы — дерево, стекло, глина — заменялись новыми: прокатным металлом, стальными трубками, зеркальным стеклом, бетоном, клееной фанерой, полудрагоценными камнями. Вершиной ар-деко в дизайне мебели явилось творчество Жака Эмиля Рульмана, в работах которого самые изысканные материалы сочетались с первоклассным мастерством. Функционализм и рационализм в мебели предвоенного периода оставались ведущими направлениями в Европе. Стиль характерен для интерьеров Деламара, архитектурно-дизайнерских разработок Малле-Стевенса, ювелирных изделий фирмы «Картье».

В 20–30-х годах Париж был центром мира керамического искусства. Французскую керамику отличало высокое качество изделий, большая декоративность, стилизованный рисунок. Произведения отдельных мастеров, студий, продукция фабрик внешне вылились в ослепительный поток керамических изделий всех мыслимых цветов, текстур, форм и стилей. При этом обращает на себя внимание большое количество анималистической пластики и декора в керамике этого периода. Многие мастера вдохновлялись мощью, объемными диспропорциями архаического искусства. Анималистическая тема предполагала воплощение в материале различных состояний: стремительного движения, мерного шествия или покоя. Недаром очень популярны в эпоху ар-деко скульптуры львов, бизонов, медведей, пантер. В то же время создаются удивительно изысканные, лиричные образы оленей, ланей, птиц.

Эталоном ар-деко в 1920-е годы были интерьеры первоклассных отелей, дорогих ресторанов и прочих респектабельных общественных мест, в т.ч. дорогой парижский отель Ritz (www.ritzparis.com) на Вандомской площади, отчего стиль именовали еще и «стилем Риц». Это о нем Хемингуэй говорил, что когда представлял себе сцены райской жизни, они всегда происходили именно в этом отеле. В книге «Праздник всегда с тобой» он писал: «Я забираюсь в одну из тех огромных кроватей, которые можно найти в Рице, и голова моя покоится на подушках размером с Цеппелин».
Привожу несколько интерьеров отеля, правда, насколько он сохранил свою идентичность после реставрации Мохаммеда Аль-Файеда (ссылка больше не работает), не могу сказать… Нашла только один старый вид отеля:

Остальное все новое:

Еще несколько интерьеров «Ритца» в виде кликабельных превью:

И просто старая фотография отеля, а также вид на президентский люкс — один из самых дорогих номеров в мире:

Рене Лалик (1860-1945 гг.), один из центральных мастеров 20-30-х годов по стеклу и ювелирным изделиям, получил признание уже на Всемирной выставке в Париже в 1900 г. К 1925 г. его творчество эволюционировало от причудливых изящных форм к более простым геометрическим, с референцией на индейские орнаменты. Его украшения в форме павлинов, морских коньков, стрекоз и мышей, выполнялись из камней со стеклом, эмали и даже пластика. Отдельные произведения были выполнены в десяти цветах и украшены эмалью.

АРХИТЕКТУРА

Мы видим смелое применение зигзагообразных и ступенчатых форм, широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно.

Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио Мьюзик Холла (Radio City Music Hall) и шпиля небоскреба Крайслер билдинг.

В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, появление и массовое производство которых совпало по времени с расцветом ар-деко, таких как «Иль де Франс» (Ile de France) и «Нормандия» (Normandie). Даже на декоративных плитках того времени изображались лайнеры:

Нельзя говорить об ар-деко в проектировании как о стиле в полном смысле слова, однако легко заметить, что архитектура 1920-30-х гг. использует достаточно характерный для этой манеры набор приемов: тонкая линия, ведущая свой род от модерна, но более жестко и схематично очерчивающая растительные формы, придающая им угловатость. Здания простых и строгих очертаний, оштукатуренные и покрашенные в светлые цвета, украшались фризами, полосами, изобразительными вставками, выполненными из цемента или песчаника и образующими ритмические композиции.

США

На американцев выставка в Париже 1925 г. произвела сильнейшее впечатление, и владельцы крупных универсальных магазинов «Мейсиз» и «Лорд и Тейлор» решили стимулировать спрос на современную мебель с помощью публичных экспозиций. Их шоу имели в США большой успех и спровоцировали в стране, и в первую очередь в Голливуде, моду на интерпретацию модерна в духе ар-деко. Так родился знаменитый «стиль звезд» 1930-40-х гг. Шуточный рисунок на тему:

Стиль получил в США необыкновенный расцвет из-за качества и количества созданных произведений и того неповторимого отпечатка, который они наложили на городской пейзаж (только в одном Манхэттене насчитывается около 150 небоскребов, возведенных в течение одного десятилетия).

Ар-деко обрел за океаном иное лицо, обратившись к местной архитектурной традиции, от самых архаических ее образов до Чикагской школы, и стал символическим выражением эмансипации от Европы и высокого уровня технологического прогресса Нового мира.

Сразу после посещения парижской выставки несколько ведущих членов Лиги архитекторов Нью-Йорка подписали документ о необходимости архитектуры, точно соответствующей требованиям их страны, но обращающейся к европейскому опыту в поисках технических и стилистических решений. Особенно характерен для ар-деко Крайслер Билдинг, построенный между 1928 и 1930 г. архитектором Уильямом ван Аленом как американский вариант Эйфелевой башни: его очертания стройны и динамичны, высокое и компактное основание постепенно уменьшается и тянется вверх, заканчиваясь башней с шестью полукруглыми ярусами и стальной иглой над ними. Это была передовая с точки зрения технологии конструкция, которая в то же время не отказывается от изысканно-элегантной декоративности.

Использование причудливых орнаментальных, металлических решеток, разнообразного декора из облицовочной керамической плитки отличают Шанин Билдинг, созданный Дж. Слоуном и М.Т. Робертсоном в 1929 г. Гостиница «Уолдорф Астория», по проекту Л. Шультце и Дж. Уивера, представляет собой современный вариант храма с большими куполами и является одним из самых выдающихся произведений ар-деко в США. Высочайшее здание Нью-Йорка Эмпайр Стейт Билдинг также построено в этом стиле:

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно и близко примыкало к ар-деко, был Streamline Moderne (название от англ. «streamline» — «линия обтекания», термина из области аэродинамики, характеризующего такие внешние формы машин и механизмов, которые обеспечивают им наилучшую функциональность и скорость при движении или полете).

Это влияние промышленных штамповочных и аэродинамических технологий, произрастающих из массового производства. Потому в произведениях этого стиля заметны очертания самолетов или револьверных пуль — предметов, для которых важны линии обтекания.

Когда дизайн первого автомобиля фирмы Крайслер, пущенного в массовую продажу «Chrysler Air-Flo» в 1933 г. оказался популярным, формы, использующие «линии обтекания» стали использоваться даже для таких предметов, как точилки карандашей или холодильники.

Самая популярная мебель стала выглядеть как обтекаемый автомобиль. Эффект обычно достигался довольно простыми средствами: массивные прямоугольные формы покрывались светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком. Плавные силуэты создавались с помощью гнутой фанеры. Ручки делали из бронзы или заменяли их углублениями для пальцев. Популярным было сочетание черного и светлого лака.

Именно такую мебель выбирал Голливуд для съемок интерьеров высшего общества. Такая мебель находилась на печально известном Титанике, подборку интерьеров которого предлагаю здесь:

Интерьеры «Титаника» из фильма

А это настоящая мебель с «Титаника» в наши дни, снятая с борта перед тем трагическим рейсом:

В фильмах того времени видны представительные американские интерьеры 30-х гг. Это рациональный, тяготеющий к графичности так называемый стиль «чикагского кабинета»: мебель и панели из красного дерева с черными лаковыми вставками, солидная кожаная мебель, художественная роспись на тему городских пейзажей Нью-Йорка. Эти интерьеры можно видеть, например и в более позднем сериале о сыщике Ниро Вульфе, который жил как раз в эпоху ар-деко. Обратите внимание на характерную для ар-деко ступенчатость углов стола:

Светильники:

Обивка кресла с рисунком:

Светильник, драпировка занавеси:

Нарочито изломанный рисунок сводов:

Еще пара интерьеров из фильма:

Рисунок галстука Арчи, который, как известно, следил за модой. 🙂

К началу 2-й мировой войны ар-деко в чистом виде сохранился только в Америке, где большинство интерьеров оформлялось в этом стиле.

Кстати, в фильме о Ниро Вульфе также виден отход в сторону от ар-деко:

БАУХАУЗ

Хотя ар-деко был прямым наследником модерна, не забывал он и о классицизме, присматривался к примитивному этническому искусству, учитывал открытия промышленного дизайна. В ар-деко можно выделить два основных направления. Традиционное, для которого важна была красота линий и выразительность дорогих и экзотических материалов с инкрустацией. Модернисты, как представители другого направления ар-деко, применяли достижения индустриальной эры: например, мебель из стальных трубок, что производила фурор — стильно и недорого! Девиз модернистов – «прекрасное в полезном», причем это прекрасное должно быть доступным. Благодаря им в поздних формах стиль сблизился с геометрическим конструктивизмом. Считается, что проектировщики ар-деко — наследники венской архитектурной школы — оказали влияние на формирование программы немецкого Баухауза.

«Стиль звезд» научил человечество ценить эклектику. Ар-деко смешал взятые у модерна цветы с одолженной у конструктивизма геометрией, добавил к ним свою собственную страсть к экзотическим материалам и архаичным культурам и получил формулу роскоши, не потерявшую актуальность до сих пор.

СТИЛЬ ВО ВТОРОЙ ПОЛОВИНЕ ХХ ВЕКА

Взрывы популярности ар-деко спустя полвека (после мебельного аукциона в Париже в ноябре 1972 года, когда цены на предметы этого стиля неожиданно взлетели вверх) и с 1990-х годов, скорее всего, обусловлены усталостью человека от индустриальной неволи, сухих линий минимализма, оставляющих мало пространства для воображения, в то время как ар-деко наиболее ярко демонстрирует соединение искусства, роскоши и технологии.

Привлекательность Ар-деко прежде всего в его эмоционально-образном психологическом содержании. Этот стиль дает возможность человеку эмоционально отгородиться от всепроникающей индустриализации и, несмотря на тотальность научно-технического прогресса, создавать красивый и уютный частный интерьер. Популярность Ар-деко в начале прошлого века вызвана подавляющим воздействием машинного производства, в наши дни растущей глобализации и информатизации этот стиль привлекает своей способностью помочь человеку защититься от шквала прогресса и суеты проблем, особенно в больших городах.

В период нового противоречивого искусства появилась потребность в спокойном и понятном. Как и в прошлом веке, сегодня Ар-деко доступен не каждому. Этот стиль и сейчас позиционируется как стиль, который предпочитают состоятельные люди. Хотя новые технологии производства делают его доступным все большим слоям населения.

Стиль ар-деко вернулся в Европу в 1990-е и стал весьма популярен. Прогресс в развитии новых технологий открыл эру массового производства мебели. Наряду с оформлением частных домов растет число проектов интерьеров отелей, банков. Традиционные материалы в архитектуре и интерьерах заменялись новыми: прокатным металлом, стальными трубками, зеркальным стеклом, бетоном, клееной фанерой, полудрагоценными камнями.

Сейчас этот стиль переживает очередной взрыв своей популярности, вновь обратив на себя внимание дизайнеров и модельеров. Их привлек авангардистский взгляд на роскошь: простота линий, качество материалов, идеальные пропорции, смелые контрасты и яркие цвета этого стиля. Ориентируясь на ар-деко, создаются интерьеры отелей и ресторанов, бутиков, квартир, вновь вошли в моду «ателье художника», «павильон коллекционера». Ар-деко возрождается не только в оформлении интерьеров, но и в ювелирных украшениях, одежде, рекламной графике.

О том, что такое стиль ар-деко в наши дни, с помощью каких приемов и материалов достигаются его эффекты, надо рассказывать отдельно…

ССЫЛКИ

При подготовке материала использовались следующие источники:
http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%90%D1%80-%D0%B4%D0%B5%D0%BA%D0%BE
http://www.neopoliscasa.ru/news.phtml?item_id=10482
http://www.trianon.ru/history/id/268/
http://text.uuu.ru/antik/Style/20040512172453Style.html
http://www.masterovoi.ru/art_40.shtml
http://www.kultura-portal.ru/tree_new/antique/article.jsp?number=484&rubric_id=306&pub_id=469553
http://www.dom.999.by/index.php?id=5&id2=232&id3=3472&ses999=ce917c6f1c12a4613d033ebd3386a3b5
http://www.zagorod.spb.ru/articles/1666/
http://vitavet.ru/forum/index.php?showtopic=522&mode=threaded
http://www.sovinterior.ru/stat1.php?n=76&t=24
http://www.2282234.ru/news126.html
http://www.countries.ru/library/twenty/mat.htm
http://www.mnogomebel.ru/articles/detskaja-eto-serezno-20/ar-deko-stil-pokorivshij-mir?&forum_ext=1
http://cih.ru/ae/ae87.html
http://www.antiq.info/glass/6628.html
http://www.azastro.ru/designproject/styles/ardeko/
http://www.salon.ru/article.plx?id=4004&path=dict
http://www.primedesign.ru/links/furn_access/building_articles/650/
http://titanic.pottsoft.com/home/titanic/film_interiors.html
http://www.titanic-titanic.com/titanic_first_class_interiors.shtml
http://www.euronet.nl/users/keesree/palace.htm

Что такое архитектура ар-деко?

Что такое архитектура ар-деко?

«Chrysler Building NYC NY» от dog97209 под лицензией CC BY-NC-ND 2.0 ShareShare

• Facebook

• Twitter

• Pinterest

• WhatsApp

• WhatsApp Mail

Или

https://www.archdaily.com/972018/what-is-art-deco-architecture

Архитектура ар-деко происходит от одноименного стиля изобразительного искусства, который возник в Европе в 1920-х годах. которые также повлияли на киноиндустрию, моду, дизайн интерьеров, графический дизайн, скульптуру, живопись и другие виды искусства, помимо архитектуры.Вехой в создании этого стиля стала Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства, проходившая в Париже в 1925 году, от которой он и получил свое название.

+ 11

Как и во многих областях, на которые влияет этот стиль, архитектура ар-деко сочетает в себе современный дизайн с традиционными элементами, такими как изысканное мастерство и роскошные материалы, включая нефрит, лак и слоновую кость. Как преемник движений декоративно-прикладного искусства и ар-нуво, ар-деко также находился под влиянием абстрактных и геометрических форм кубизма, ярких цветов фовизма и экзотических ремесел и стилей таких стран, как Китай, Япония и Египет.Декоративный аспект и композиционные решения также происходят из архитектуры Beaux-Arts через симметрию, прямые линии, иерархию в планировке этажей и фасады, разделенные на основание, шахту и столицу (классическое трехстороннее деление) — хотя на этот раз с более рациональным объемы и случайное использование орнаментов. Это была щедрая смесь стилей, которую приняла богатая послевоенная буржуазия.

«Крайслер-билдинг» от AdeRussell находится под лицензией CC BY-NC-ND 2.0

Однако с 1930-х годов стиль начал устанавливать более тесный диалог с промышленным производством и возможностью массового производства. В этот период ар-деко становится более умеренным и трезвым, включая такие материалы, как бетон и нержавеющая сталь. В то время появились самые знаковые произведения этого стиля, в том числе Крайслер-билдинг, Рокфеллер-центр и Эмпайр-стейт-билдинг, все в Нью-Йорке, представляя новый язык небоскребам, которые изменили облик города, отражая новый современный и современный стиль. технологическое общество.Эти здания раскрывают некоторые из самых ярких характеристик стиля, которые способствовали его укреплению в истории архитектуры. Среди них — использование железобетона, прямых линий, четких прямоугольных форм, террасных домов, острых углов, шевронов и зигзагов. Последний является яркой особенностью лифтов Крайслер-билдинг и показывает, что узоры распространяются за пределы фасада во внутренние помещения.

«Рокфеллер-центр» Франко Фолини находится под лицензией CC BY-SA 2.0

Помимо небоскребов Нью-Йорка начала 20-го века, в городе Рио-де-Жанейро также было несколько примечательных примеров этого стиля, таких как Театр Карлоса Гомеша и Центральный вокзал Бразилии с его лестницами, витражами и т. Д. знаки, среди других элементов. Скульптура Христа-Искупителя, одна из самых известных достопримечательностей Рио, является произведением ар-деко и считается самой большой скульптурой этого стиля на сегодняшний день.

Фото Келли Репрезента, через Unsplash

Тонкая грань между поиском простоты, особенно по сравнению с предыдущими движениями, и экстравагантностью ее форм многие эксперты сочли парадоксом.Однако архитектура ар-деко сыграла важную роль в истории, представляя процесс модернизации городского ландшафта, уравновешивая элементы прошлого с новыми геометрическими конфигурациями и орнаментальными элементами.

Истоки и влияния ар-деко

Истоки и влияния ар-деко

Истоки

Art Deco черпал свой облик из таких глобальных концепций, как деревенские племенные узоры Африки, гладкая изысканность Парижа, элегантная геометрия и скульптура, использованные в древней греко-римской архитектуре, геометрическое влияние на репрезентативные формы Древнего Египта и ступенчатые пирамидальные конструкции и резные барельефы доколумбовых культур Мезоамерики.Элементы дизайна включали все, от роскошных египетских мотивов гробницы Тутанхамона — открытие 1922 года всколыхнуло мировое воображение — до футуристических художественных течений фовизма, кубизма, Баухауза и других.

Древнеегипетские формы и стилизация:
Обратите внимание на сходство между тростником, изображенным на египетском свитке (1), и декоративным мотивом, используемым для дверей лифта в здании Крайслер (2). Вы также можете увидеть присвоение формы древнеегипетского храма (3) в часах храма Картье (4).

Африканский племенной дизайн и формы:
При сравнении геометрических форм племенного африканского церемониального текстиля (1) с основанием здания Макгроу-Хилл (2) геометрическое сходство становится очевидным. Окна, двери и декоративные элементы здания можно свести к основным геометрическим формам текстиля. Вы также можете увидеть, как ар-деко позаимствовал формальные качества племенной мебели, сравнив табурет Ashanti Ghana (3) с табуретом Пьера Легрена (4).

Мезоамериканские формы и украшения:

Наиболее распространенным мезоамериканским влиянием в архитектуре, декоративном искусстве и дизайне ар-деко является зиккурат (1) или ступенчатая пирамида. Это можно увидеть при сравнении зиккурата майя с вершиной здания Paramount (2). Также часто декоративные украшения имитируют мезоамериканский скульптурный рельеф, что видно при сравнении ацтекского рельефа (3) с рельефом в Рокфеллер-центре (4).

Греко-римский рельеф, узор и материалы:

Существует сильная эстетическая взаимосвязь между фронтальным орнаментом, часто используемым в греко-римских храмах, и украшением портала, используемым в архитектуре ар-деко.Эта взаимосвязь очевидна в большинстве нью-йоркских зданий в стиле ар-деко, но особенно заметна при сравнении реконструкции храма Нереиды (1) с этим входом в Рокфеллер-центр (2). Ар-деко также включает в себя греко-римское предпочтение геометрического орнамента, а также использование мозаики. Если посмотреть на древнеримскую мозаику, изображающую Ахилла, протаскивающего тело Гектора через Трою (3), по сравнению с мозаикой Хильдрет Мейер в храме Эману-Эль (4), выбор материала и геометрический узор явно связаны.

Влияния

Дизайн в стиле ар-деко можно найти во всех предметах своего времени — простой флакон для духов был сделан в виде пирамиды майя; мебель была вдохновлена ​​динамичной окраской богатых пород дерева, использованных в африканском дизайне; и египетские мотивы нашли свое отражение в роскошно оформленных дворцах кино. Рекламные плакаты той эпохи сегодня высоко ценятся как примеры смелого стиля, дизайна и элегантности эпохи ар-деко. Посмотрите видео ниже, чтобы познакомиться с декоративным искусством и дизайном в стиле ар-деко.

Ар-деко не носило официального названия до 1966 года. Обозначение было взято непосредственно из названия Парижской всемирной выставки 1925 года — Международной выставки декоративного искусства и современной промышленности. Один из первых примеров перехода к новому направлению дизайна можно увидеть в 1909 году, когда Сергей Дягилев создал Ballets Russes в Париже. Новая балетная труппа произвела ажиотаж благодаря экспериментам на многих уровнях, которые способствовали инновационному сотрудничеству между новыми дизайнерами, композиторами, хореографами и самыми известными танцорами, преимущественно обучавшимися в России.Балет воплотил идею смелого цвета и дизайна в костюмах и декорациях.

Пешеходная экскурсия по лучшей архитектуре в стиле ар-деко в Майами

Отель-волнорез в стиле ар-деко на Оушен-драйв | Филипп Пессар / Flickr

Майами известен своим районом ар-деко, построенным в 1925-1940 годах. Есть несколько жемчужин ар-деко, которые по-прежнему сильны в Майами и придают ему ощущение ретро. Архитектура ар-деко включает блочные элементы, вертикальные структуры, изогнутые и геометрические формы, яркие, насыщенные цвета и использование таких материалов, как лепнина, бетон, гладкий камень, стекло и терракота.Если вы хотите посетить некоторые из этих красот самостоятельно, вот вам предложенная экскурсия с местом для обеда!

Театр «Колония» восходит к 1935 году и был отреставрирован сначала в 1976 году, а затем несколько лет назад. Здесь показывают фильмы, танцевальные представления, музыку и даже оперу. Если вы прогуливаетесь по Линкольн-роуд, вы наткнетесь на нее, и ее дух ар-деко по-прежнему сильно выделяется среди других, более современных зданий, которые можно найти в остальной части торгового центра под открытым небом. Принадлежащий городу Майами-Бич, это знаковое место в Майами для архитектуры ар-деко и используется как место для проведения фестиваля фильмов геев и лесбиянок Майами каждый год в мае.

Театр «Колония» в Майами-Бич | Phillip Pessar / Flickr

Этот отель, построенный в конце 1930-х годов, является одной из жемчужин Майами в стиле ар-деко. Здание было спроектировано Генри Хохаузером в 1938 году и может похвастаться оригинальной фреской графа ЛеПана над камином эпохи ар-деко. Сегодня он представляет собой стильный ретро-отель в паре кварталов от пляжа и предлагает 70 уютных номеров, которые можно снять на ночь (или немного дольше!). Расположенный прямо на углу Коллинза и 10-й улицы, Essex House предлагает легкий доступ к пляжу, поэтому вам, возможно, придется сделать небольшую остановку на пляже во время вашего тура в стиле ар-деко.

Эссекс Хаус на Коллинз | Ed Schipul / Flickr

Carlyle был построен в 1939 году и служил декорацией для нескольких фильмов, таких как Scarface , Pronto , Bad Boys 2 , Random Hearts и The Birdcage . Это один из самых знаковых памятников архитектуры в стиле ар-деко в Майами, который до сих пор возвышается и гордится, почти не изменив своей первоначальной формы, что делает его невероятно особенным. Хотя многие другие здания в стиле ар-деко были отремонтированы и отреставрированы в соответствии с современными временами, этот отель по-прежнему сохраняет свой первоначальный шарм.Он находится прямо на Оушен-драйв, всего в 100 метрах от особняка Версаче.

Отель Карлайл на Оушен Драйв | Дэн Лундберг / Flickr

После того, как вы проголодались до осмотра достопримечательностей, вам понадобится перерыв на обед. Если вы оказались на Оушен Драйв, молодец, вы следили за туром! Рыба под названием Avalon — это ресторан в отеле Avalon. Отель имитирует традиционную архитектуру ар-деко, наполненную блочными узорами, разбитыми на части геометрическими или изогнутыми узорами, которые были символами этой творческой и стильной эпохи.Ресторан находится прямо на пляже, и вы сможете насладиться вкусной едой, пока люди наблюдают за печально известной протяженностью Оушен Драйв. Снаружи вы также найдете припаркованные ретро-автомобили в стиле ретро Майами-Бич. Блюда здесь включают свежие крабовые лепешки, омаров, севиче, лосося в кленовой глазури и филе миньон. Если вы поклонник свежих морепродуктов, это ваше заведение.

Отель Breakwater был построен в 1939 году и остается одним из самых знаковых зданий Майами в стиле ар-деко. Отель был спроектирован Антоном Скислевичем и представляет собой стиль Streamline Moderne, который был популярен в то время, когда он был построен.Башни и вертикальные элементы были изюминками движения ар-деко, и об этом ясно свидетельствует вывеска The Breakwater, которая выступает в ночное небо Майами и ярко светится неоном после захода солнца. Интенсивные цвета также были элементом ар-деко, что снова подчеркивается использованием в отеле желтых и синих акцентов на кремовой основе.

Отель «Волнорез в стиле ар-деко» на Оушен-драйв | Phillip Pessar / Flickr

Наконец, наш тур заканчивается в The Delano, и мы оставили лучшее напоследок! Это великолепная жемчужина в стиле ар-деко на Майами-Бич с огромным бассейном и открытой площадкой сзади.В этом роскошном бутик-отеле вы найдете вздымающиеся белые занавески, идеально ухоженные деревья и большие кабинки для переодевания, на которых можно расположиться под ярким солнцем Майами. Пребывание здесь заставит вас почувствовать себя знаменитостью, и это тоже будет стоить вам немалых денег. Отель был построен в 1947 году и до сих пор сохраняет большую часть своей оригинальной атмосферы ар-деко, от блочных окон и дизайна до геометрических изогнутых элементов и вертикальной башнеобразной конструкции. Зайдите в роскошный бар Rose Bar, чтобы выпить джин с тоником, и расслабиться после дня.

Отель Delano в Майами-Бич | Филипп Пессар / Flickr

Архитектура в стиле ар-деко: факты и история | Руководство по архитектурным стилям

Модернистский архитектурный проект, разработанный в 1922 году известным финским архитектором в ответ на всемирную конкуренцию.

Обзор

Canopy, Kennedy-Warren Apts, Вашингтон, округ Колумбия

Творческое, но недолговечное движение, дизайн ар-деко не только повлиял на архитектуру большинства американских городов, но также повлиял на моду, искусство и мебель.С 1925 по 1940 год американцы восприняли архитектуру ар-деко как освежающий переход от предшествовавших ей эклектичных и возрожденческих чувств. Стиль получил свое название от Международной выставки декоративного искусства, проходившей в Париже в 1925 году как витрина нового вдохновения.

Bethesda Theater, Bethesda, MD

Стиль ар-деко по сути был прикладным декором. Здания были богато украшены резкими краями, с низким рельефом, геометрическими формами (включая шевроны и зиккураты) и стилизованными цветочными узорами и узорами восхода солнца.Формы и украшения, вдохновленные произведениями искусства коренных американцев, были одними из архетипов лексикона ар-деко. Хотя в некоторых зданиях использовались дорогие украшения ручной работы, в других использовались повторяющиеся украшения, сделанные машиной. Чтобы снизить затраты, декоративная обработка часто ограничивалась наиболее заметными частями здания.

проектов ар-деко породили динамичное сотрудничество между архитекторами, художниками, скульпторами и дизайнерами, что иногда приводило к созданию законченной среды ар-деко, такой как Старый Майами-Бич, Флорида.

Greyhound Terminal, Вашингтон, округ Колумбия

В свое время часть того, что мы сейчас называем архитектурой ар-деко, часто называли Moderne или Art Moderne , термин, используемый для описания самых передовых дизайнерских идей с 1930-х годов до конца Второй мировой войны. Будучи близкими родственниками, Art Deco и Art Moderne разделяли урезанные формы, но Art Moderne имело горизонтальный, а не вертикальный акцент, закругленные, а не угловые углы и небольшое поверхностное украшение.

Дизайн в стиле ар-деко впервые был применен в общественных и коммерческих зданиях в 1920-х годах. Хотя отдельные дома редко проектировались в стиле ар-деко, архитекторы и застройщики, особенно в Большом Вашингтоне, округ Колумбия, обнаружили, что стиль ар-деко довольно хорошо адаптировался к многоквартирным домам. Большинство этих зданий все еще используются, что свидетельствует о богатой архитектурной истории города.

AFI Silver Theater, Силвер-Спринг, Мэриленд

Несмотря на всю красоту, архитектура ар-деко была чрезвычайно практичной в исполнении.Для проектов с ограниченным бюджетом простую коробку можно было бы украсить узорами и дополнениями, которые делали концептуально элементарную структуру модной и современной. Визуальный интерес можно усилить, растянув линейные формы по горизонтали и вертикали по всему зданию. Это часто делалось с помощью кирпичных лент, навесов или колпаков.

Книга 1984 года, Вашингтон-деко Ханса Вирца и Ричарда Страйнера, каталогизирует более 400 зданий в стиле ар-деко в Вашингтоне, округ Колумбия.C. площадь. Два примера дизайна ар-деко находятся на Капитолийском холме: бывший магазин Kresge на 666 Pennsylvania Avenue SE, построенный в 1936 году и недавно расширенный, и Penn Theater на 650 Pennsylvania Avenue SE, построенный в 1935 году. Хотя сам Penn Theater был снесен, шатер и часть фасада была встроена в новое здание.

Дополнительными примерами ар-деко в Вашингтоне, округ Колумбия, являются апартаменты Kennedy-Warren на 3133 Connecticut Avenue NW, склад Hecht Company на New York Avenue NE и вывеска бывшего автовокзала Greyhound на New York Avenue NW.

Характеристики

В классическом ар-деко прямоугольные блочные формы часто располагались геометрическим образом и разбивались изогнутыми элементами орнамента. Целью классического ар-деко всегда было достижение монолитности с нанесенными декоративными мотивами.

Материалы

Материалы ар-деко включают лепнину, бетон, гладкий камень и терракоту. Сталь и алюминий часто использовались вместе со стеклоблоками и декоративным непрозрачным листовым стеклом (витролитом).

Крыша

Дизайнеры в стиле ар-деко украсили плоские крыши парапетами, шпилями или башенными конструкциями, чтобы подчеркнуть угол или вход. Декоративные раритеты, такие как дымоходы, были добавлены для дальнейшего улучшения дизайна

Окна

Окна в дизайне ар-деко обычно выглядят как перфорированные отверстия, квадратные или круглые. Чтобы сохранить обтекаемый вид здания, их часто располагали непрерывными горизонтальными полосами из стекла. Проемы в стенах иногда заполняют декоративным стеклом или стеклоблоками, создавая контраст твердых и пустотных форм при пропускании дневного света.

Многие большие многоквартирные дома достигли эстетического успеха благодаря размещению декоративных тисненых перемычек под окнами. Апартаменты Kennedy-Warren представляют собой образец дизайна в стиле ар-деко.

Подъезд

Дверные проемы в архитектуре ар-деко иногда окружены замысловатыми пилястрами и фронтонами, а дверные проемы часто украшены рифтингом (выпуклый орнамент) или рифлением (вогнутый орнамент). Качество и объем декоративных мотивов варьируются в зависимости от проекта и дизайнера.

Посмотреть еще фотографии архитектурных стилей »

Исследуйте культовую архитектуру Канзас-Сити в стиле ар-деко в этом самостоятельном туре | KCUR 89,3

Эта история была впервые опубликована в информационном бюллетене KCUR Creative Adventure. Вы можете подписаться на получение подобных историй на свой почтовый ящик каждый вторник.

Посмотрите вокруг Канзас-Сити, и вы наверняка заметите здание или произведение искусства, вдохновленные ар-деко, даже если вы этого не замечаете.Обращать внимание на ар-деко — значит путешествовать во времени почти 100 лет назад, когда гражданские и экономические лидеры и архитекторы предприняли согласованные усилия по превращению Канзас-Сити в современный город.

Ар-деко, или современный стиль, получил свое название от Arts Décoratifs и появился на Международной выставке современного декоративного и промышленного искусства 1925 года в Париже, Франция. Это движение распространилось по Европе и США в 1930-е годы. Стиль ар-деко олицетворяет экстравагантность, современность и смелый, динамичный дух начала 20 века, проявленный через технический прогресс.

Промышленная революция привела к переходу от сельского хозяйства к производству и массовому производству на фабриках. Период жесткой экономии во время Первой мировой войны привел к возрождению архитектуры в конце войны. К середине 1920-х годов возникла очень декоративная и гладкая эстетика ар-деко, которая охватила архитектуру и визуальный дизайн.

Дизайнеры и архитекторы, вдохновленные ар-деко, использовали сочетание искусственных и машинных материалов, включая хром, нержавеющую сталь, лепнину, терракоту и непрозрачное листовое стекло.Этот стиль известен использованием слоновой кости, нефрита, известняка и мрамора, собранных в простые формы с острыми углами и линиями, геометрическими узорами и повторяющимися узорами.

Вы можете исследовать замысловатый дизайн в стиле ар-деко в этих знаковых зданиях, расположенных в центре и в центре Канзас-Сити.

Муниципальная аудитория

Муниципальная аудитория DLC

открылась в 1935 году как окончательное подтверждение нового статуса Канзас-Сити как современного города 20-го века.

Municipal Auditorium открылся в 1935 году как окончательное подтверждение нового статуса Канзас-Сити как современного города 20-го века. Массивная конструкция заменила большой конференц-зал, разрушенный в 1900 году пожаром. Hoit, Price & Barnes была одной из двух архитектурных фирм, разработавших эти планы. Фирма также спроектировала здание Kansas City Power and Light.

Построенный из стали и железобетона, зрительный зал представляет собой спартанский объемный холст, украшенный орнаментом.Обойдите зрительный зал и полюбуйтесь его линейно-геометрическим дизайном. Барельефные медальоны с классическими фигурами украшают обширный фасад из известняка. Другие элементы интерьера в стиле ар-деко включают в себя осветительные приборы и геометрический кафельный пол, который вы можете увидеть воочию в этом виртуальном туре по Муниципальному залу.

Канзас-Сити Пауэр энд Лайт Билдинг

Roy Harryman

Построенный в 1931 году в разгар движения ар-деко, здание Kansas City Power and Light Building представляет собой легко узнаваемый небоскреб на горизонте города.

Построенное в 1931 году в разгар движения ар-деко, 36-этажное здание Kansas City Power and Light Building представляет собой легко узнаваемый небоскреб на горизонте города. Здание теперь называется Power & Light Apartments, элитным жилым комплексом рядом с районом Power and Light.

Элементы ар-деко включают в себя подробные изображения, выгравированные на дверях лифта, использование граненого стекла и мотив солнечных лучей — фирменный узор ар-деко. 21-футовый фонарь в стиле ар-деко на верхнем этаже — это, пожалуй, завершающий штрих.В дополнение к внешнему освещению фонарь служит маяком, который светится красным и оранжевым светом, создавая теплый, похожий на пламя эффект при включении.

Отступы, которые постепенно отступают от контура здания, подчеркивают вертикальность и геометрическую форму, типичные для зданий в стиле ар-деко. Стилизованные архитектурные детали фасада здания также демонстрируют орнаментальный вид, связанный с ар-деко.

Здание суда округа Джексон

Карлос Морено

Построенное в 1934 году здание суда округа Джексон украшено элементами дизайна в стиле ар-деко внутри и снаружи.

Здание суда округа Джексон — еще одно здание, построенное в начале 1930-х годов с широким использованием элементов дизайна в стиле ар-деко и неоклассицизма. Построенное в 1934 году, 28-этажное здание включает около 90 000 кубических футов известняка, широко используемого материала того времени.

Мрамор, используемый в колоннах, стенах и прилавках, широко представлен в вестибюле, в основном из карьеров Миссури. Изысканный металлический орнамент, покрывающий окна и над входом в здание суда, а также великолепная люстра еще раз демонстрируют роскошный стиль ар-деко.

Мэрия

Ноа Джеппсон

Скульптурные латунные двери лифта в здании мэрии иллюстрируют четыре основных вида современного транспорта (железная дорога, самолет, автомобиль, пароход), доступных в Канзас-Сити.

Архитектурная фирма Канзас-Сити «Уайт энд Уайт» разработала планы мэрии, 30-этажного здания со смотровой площадкой, завершенной в 1937 году. Фирма также работала над проектом здания суда округа Джексон. К слову сказать, в дизайне использованы элементы архитектурных стилей неоклассицизма и изящного искусства.Возрожденческий дизайн Beaux-Arts, иногда встречающийся в ар-деко, представляет собой отдельное, но похожее движение, которое также означает разрыв с промышленной революцией.

Подобно другим строениям в центре города, здание мэрии построено из известняка, привезенного из Индианы. Для украшения интерьера использовались пиренейский мрамор, импортированный из юго-западной Франции, травертин из Тиволи, Италия, и античный мрамор Верде из Вермонта.

Другие элементы стиля ар-деко включают стилизованные светильники на потолке вестибюля, геометрические узоры плитки, скульптурные латунные двери лифтов, которые иллюстрируют четыре основных вида современного транспорта (железная дорога, самолет, автомобиль, пароход), и изготовленные на заказ латунные накладки на дверные ручки.

Внешние скульптуры на фасаде здания изображают людей и достопримечательности региона, такие как сенатор США Томас Харт Бентон, штат Миссури, Бенуа Троост, Льюис и Кларк, торговый пост Шуто и тропа Санта-Фе.

Fidelity National Bank and Trust Company Building

Карлос Морено

Здание Национального банка и траста Fidelity, ныне известное как «909 Walnut Apartments», было построено на пике ар-деко в 1931 году.

Построенный в 1931 году отель Fidelity National Bank & Trust Building находится в пределах 9-й и 10-й улиц Уолнат и Гранд-стрит.35-этажное здание неоднократно менялось и ремонтировалось. Здание было переоборудовано в апартаменты и теперь известно как 909 Walnut.

Здание Fidelity Building, спроектированное с использованием архитектурных мотивов в стиле ар-деко и готического возрождения, отличается своей двойной шпилем. Архитектурные элементы ар-деко включают использование геометрических форм, общей симметрии, вертикальности и отступов, чтобы подчеркнуть величественную высоту здания и геометрический профиль, а также декоративный орнамент.

Юнион Карбайд Билдинг

Michael D Morse

Классический дизайн в стиле ар-деко можно увидеть на экстерьере Union Carbide Condominiums.

В настоящее время преобразованное как Union Carbide Condominiums, здание украшено богатыми деталями ар-деко, включая стилизованные металлические конструкции и геометрическую симметрию дверей у парадного входа. На переднем фасаде также представлены геометрические светильники и классические терракотовые панели в стиле ар-деко под названием здания и кирпичная кладка.

Саутвелл Билдинг

Loopnet

Богато детализированные панели на втором этаже здания Саутуэлла являются примерами полихромного терракотового орнамента в стиле ар-деко.

Возможно, вы миллионы раз проезжали мимо заметного, но менее очевидного экспоната ар-деко на пересечении Мэйн-стрит и Вестпорт-роуд. Посмотрите на витрины нижнего этажа здания Саутвелл, построенного архитекторами МакКекни и Траск в 1929 году, на восточной стороне Мэйна.

Меломаны из Мидтауна могли вспомнить, как они отправились в Harling’s Upstairs, несуществующий классический гриль-бар, где мама Рэй и ее бэк-группа однажды устраивали еженедельный блюзовый джем по субботам. Геометрические светильники вдоль линии крыши были разработаны, чтобы залить светом тротуар. Богато детализированные панели на втором этаже коммерческого здания являются образцами полихромного терракотового орнамента в стиле ар-деко. Это недооцененное сокровище, ради которого стоит не спешить.

Хотите еще подобных приключений? Подпишитесь на рассылку Creative Adventure от KCUR.

Для отображения этой формы требуется Javascript, который ваш браузер не поддерживает. Зарегистрируйтесь здесь вместо этого

15 великолепных примеров архитектуры ар-деко

Architects: продемонстрируйте свой следующий проект через Architizer и подпишитесь на нашу вдохновляющую новостную рассылку .

Ах, бурные двадцатые, тот период упадка, когда люди выбросили традиции в окно, и действительно начали их воплощать.Роскошные вечеринки, дымные джаз-клубы, подпольные кафе — если бы мы только могли там побывать! Автоиндустрия, радио и кино процветали; литературный мир горел; и индустрия моды сходила с ума (что может быть прекраснее обтягивающего платья-крылышка?). Архитектура тоже переживала славный момент. Ар-деко стал определяющим стилем эпохи, характеризуемым смелой геометрией и драматическими элементами. Он распространился на 1930-40-е годы, а затем исчез после Второй мировой войны.

Когда мы, наконец, вернулись в двадцатые годы — пусть и в 2020-е — можем ли мы увидеть новую волну архитектуры ар-деко, подпитываемую тенденциями столетней давности? Для вдохновения в стиле ретро мы собрали 15 великолепных примеров дизайна в стиле ар-деко по всему миру.

Colony Hotel (1935)
Дизайн Генри Хохаузера
Майами
Фото: Уолтер Смоллинг

Union Terminal (1933)
Разработано Альфредом Т. Феллхаймером, Стюардом Вагнером, Полом Филиппом Кре и Роландом Ванком
Цинциннати, Огайо
Фото: Buildipedia

Niagara Mohawk Building (1932)
Разработан Мелвином Л.King and Bley & Lyman
Сиракузы, Нью-Йорк
Фото: Fine Art America

American Radiator Building (1924)
Раймонд Худ и Андре Фуйу
Фото: Википедия
Нью-Йорк

Здание Восточной Колумбии (1930)
Разработано Клодом Билманом
Лос-Анджелес
Фото: Санни в Лос-Анджелесе

SS Normandie Ocean Liner (1932)
Дизайн интерьера — эксперт Роджера-Анри
Построен во Франции
Фото: The Magazine Antiques

Обсерватория Гриффита (1935)
Разработано Остином и Эшли; восстановлено компаниями Pfeiffer Partners и Levin & Associates в 2006 г.
Лос-Анджелес
Фото: Wikipedia

Капитолий штата Небраска (1932 г.)
Разработан Бертрамом Гудхью
Линкольн, Небраска
Фото: Википедия

Башня Лурса (1929)
Разработано Trost & Trost
Phoenix
Фото: Rita Boehm Photography

Folies Bergère (1869 — начало ар-деко!)
Дизайн Plummet
Париж
Фото: Wikipedia

LeVeque Tower (1924)
Разработан К.Говард Крейн
Колумбус, Огайо
Фото: Wikimapia

China Tang в Дорчестере (1931)
Отель, спроектированный Оуэном Уильямсом и Уильямсом Кертисом Грином; ресторан разработан JLA
Лондон
Фото: Дорчестер

Chrysler Building (1930)
Разработано Уильямом Ван Аленом
Нью-Йорк
Фото: Simonpix на Flickr

ЦИФРОВАЯ КАМЕРА OLYMPUS

Рокфеллер-центр (1939)
Разработано Рэймондом Худом
Нью-Йорк
Фото: Дэвид Шанкбоун, через Википедию

РАЗРЕШЕНО! Richfield Tower (1929; снесен в 1969)
Дизайн Стайлза О.Clements
Лос-Анджелес
Фото: Skyscraper City

Верхнее изображение: Оушен Драйв, Майами, через Википедию

Architects: продемонстрируйте свой следующий проект через Architizer и подпишитесь на нашу вдохновляющую новостную рассылку .

Decopunk | Вики по эстетике | Фэндом

Декопанк

Плакат с эстетикой

Связанные СМИ

BioShock, Бэтмен: мультсериал, Дик Трейси, Тень

Decopunk — это недавнее подмножество жанров панк-фантастика (в частности, Dieselpunk), сосредоточенное вокруг художественных стилей ар-деко и Streamline Moderne, которые были популярны в бурные 20-е и оставались в моде примерно до 1950-х годов.У него более гладкая и блестящая эстетика по сравнению с Dieselpunk, который имеет тенденцию быть более грубым и мрачным. Часто Decopunk использует немного более современные технологии по сравнению с теми временами, которые он должен вызывать, как кассеты VHS.

Визуальный

Decopunk имеет много общего с эстетикой Dieselpunk, но больше внимания уделяется стилю ар-деко, который был популярен в то время. Прекрасным визуальным примером эстетики Decopunk может быть оригинальная видеоигра BioShock .

Мода

Многие в моде Decopunk имеют тенденцию опираться на аналогичные влияния Dieselpunk, но определенно больше внимания уделяется тому, чтобы выглядеть модно и классически презентабельно, чем жесткости, которую можно найти в жанре Dieselpunk. Определенно ожидайте больше костюмов, платьев и модной одежды в кругах Decopunk, чем вы найдете в эстетическом жанре Dieselpunk.

Музыка

Плейлист Spotify

Поджанры

Когда дело доходит до декопанка, существует две точки зрения.Это пикрафтовские и оттенсийские.

Пикрафтовский декопанк

Пикрафтианский Декопанк имеет тенденцию сосредотачиваться на эстетике, популярной во время Первой и Второй мировых войн, и обычно сосредотачивается на том, как человеческая культура будет развиваться перед лицом постоянных широкомасштабных войн. Это может привести к тому, что пикрафтианский декопанк будет несколько сливаться с дизельпанком, поскольку основное внимание в пикрафтианском декопанке уделяется больше выживанию, чем эстетической эволюции. Примеры Piecraftian Decopunk включают такие фильмы, как оригинальный фильм «Безумный Макс», а также фильм Джорджа Оруэлла «1984», «Wolfenstein: The New Order» и эксклюзивную «Killzone» для PS3.

Оттенсиан Декопанк

Ottensian Decopunk сфокусирован на эстетике и декадансе ревущих двадцатых. Это приводит к предположениям о том, как оно могло бы развиваться, если бы оно не было полностью прервано рыночным крахом 1929 года (Черный вторник), приведшим к Великой депрессии, или мировой войной, и в целом имеет более утопическое видение будущего (аналогично отношениям между Solarpunk и Cyberpunk) и является скорее версией ретро-футуризма. Примеры художественной литературы, которая работает на лейбле Ottensian Decopunk, включают The Rocketeer, Sky Captain и World of Tomorrow, а также (задним числом) работы Айзека Азимова.