Художники по направлению: Ар-деко — WikiArt.org

направление

Ар-деко́ (фр. art déco, букв. — «декоративное искусство», от фр. Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств) — стилевое течение в изобразительном и декоративном искусстве стран Западной Европы и Америки второй четверти XX века. Получило название от Международной выставки декоративного искусства и промышленности (Париж, 1925).

Впервые появилось в основном в архитектуре, моде и живописи во Франции в 1920-х годах и стало популярным в 1930—1940-е годы в международном масштабе. Этот эклектичный стиль представляет собой синтез модернизма и неоклассицизма.

На стиль ар-деко также значительное влияние оказали такие художественные направления, как кубизм, конструктивизм и футуризм, спле­тав­шие­ся с вос­точ­ны­ми, аф­ри­кан­ски­ми и другими эк­зо­тическими мо­ти­ва­ми.

Для стиля характерны строгая закономерность, смелые геометрические линии, этнические геометрические узоры, оформление в полутонах, отсутствие ярких цветов в оформлении, при этом — пёстрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «ар-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х годов. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne[en] — американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Эйлин Грей, изделия из кованого металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

Символом ар-деко в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х годов, который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства».

Классическими представителями ар-деко в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

Хотя термин ар-деко возник в 1925 году, он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников.

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Активно применяли зигзагообразные и ступенчатые формы, широкие и энергичные кривые линии (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио-сити и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» и «Нормандия».

Ар-деко был роскошен, и считается, что эта роскошь — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Ар-деко

Ар-деко в живописи, да, вы не ослышались! И он родом из России! | Сквозь искусство

Всем привет! Сегодня необычная статья, а проигранная мной в споре. Мы с приятелями общались в чате и делали ставки на дочитывания канала. В итоге я недооценил ваш интерес к искусству и проиграл. Теперь мы почитаем об очень своеобразном явлении в живописи первой половины 20 века — ар-деко!

Немного истории

Как вы помните, я уже писал про модерн, направление искусства, которое было аналогом арт-деко (ар-деко) в живописи, вобрав в себя все основные мотивы из архитектуры и дизайна. Так что же представлял из себя арт-деко в живописи и где он проявил себя?

Давайте сразу же с интересных фактов? Это первое направление в живописи, где доминировали женщины. С одной стороны это можно объяснить логически с точки зрения дня сегодняшнего. Для начала 20 века феномен был крайне необычным.

Арт-деко пришёл в живопись из смежных сфер — иллюстрации, архитектуры, декоративного искусства, где начал набирать обороты ещё в первом десятилетии 20го века. Точкой распространения, как и многих других направлений был Париж, однако прижился стиль и в России, а самый пик получил в немного видоизмененном виде в США.

Особенности Арт-деко в живописи

В отличие от модерна, который вобрал в себя от арт-деко именно стилистические особенности — такие как природные мотивы и кривые линии, флоральные мотивы и использование золота и серебра, сам арт-деко в живописи был прообразом будущего глянца:

• Гламурность образов изображаемых моделей;
• Богемные сюжеты;
• Декоративный характер как сюжетов, так и стиля написания;
• Превалирующий жанр — портреты, как одиночные, так групповые.

Лица и личности

А теперь время самого интересного — личности и их работы. Начать, конечно же, стоит с главного действующего лица всей живописи арт-деко — Тамары Лемпицки. Тамара родилась и выросла в России, после революции уехала в Париж вместе со своим мужем, а после в США и Мексику. Основной период творчества приходится как раз на период обучения и жизнь в Париже. Давайте посмотрим на эти работы!

Тамара Лемпицка — Оранжевый шарф, 1927г

Тамара Лемпицка — Оранжевый шарф, 1927г

Тамара Лемпицка — Портрет доктора Букара, 1928г

Тамара Лемпицка — Портрет доктора Букара, 1928г

Тамара Лемпицка — Спящая девушка, 1930г

Тамара Лемпицка — Спящая девушка, 1930г

Тамара Лемпицка — Портрет маленькой мадемуазель, 1933г

Тамара Лемпицка — Портрет маленькой мадемуазель, 1933г

А теперь время поговорить о других русских художницах, которые писали в жанре арт-деко. Конечно же, это Зинаида Серебрякова — одна из самых интересных художниц начала 20го века. Она происходила из знаменитой семьи архитекторов и художников, поэтому сложно представить ей другую судьбу. Я с радостью напишу отдельную статью про неё, а пока давайте посмотрим на её работы!

Зинаида Серебрякова — Балетная уборная. Снежинки, 1923г

Зинаида Серебрякова — Балетная уборная. Снежинки, 1923г

Зинаида Серебрякова — Балетная уборная (Большие балерины), 1922г

Зинаида Серебрякова — Балетная уборная (Большие балерины), 1922г

Зинаида Серебрякова — Снежинки. Балет П.И. Чайковского Щелкунчик, 1923г

Зинаида Серебрякова — Снежинки. Балет П.И. Чайковского Щелкунчик, 1923г

И пожалуй, завершим сегодня ещё одной русской художницей — Александрой Экстер. Как и предыдущие героини, она так же начинала свой творческий путь в России, а потом уехала и не вернулась. Большая часть её работ в стиле арт-деко — декорации, эскизы и костюмы, но есть и несколько картин, давайте посмотрим на них.

Александра Экстер — Женщина с рыбой, 1934г

Александра Экстер — Женщина с рыбой, 1934г

Александра Экстер — Пикник на пляже, 1928г

Александра Экстер — Пикник на пляже, 1928г

Александра Экстер — Саломе, костюмы для танца семи покрывал, дата неизвестна

Александра Экстер — Саломе, костюмы для танца семи покрывал, дата неизвестна

Вместо послесловия

Пусть арт-деко и не был настолько же популярным и влиятельным направлением в живописи, как в остальных направлениях искусства, его роль нельзя недооценивать. Это первое художественное направление, в котором роль женщины как художника была признана действительно высоко. Если вам понравилось читать про стили в живописи, рекомендую посмотреть на статьи ниже:

Не забывайте ставить лайки и подписывайтесь на канал — мне очень важна ваша обратная связь. Оставляйте комментарии, если есть какие-либо пожелания по тому о чём вам захочется спросить или почитать, я всегда рад обратной связи.

Нежный стиль Ар Нуво, Альфонс Муха и Сара Бернар

Приветствую вас друзья, подписчики и посетители сайта!

Если вы знакомы с моим творчеством, то скорее всего знаете, что с этим утонченным стилем я пересекаюсь в своем творчестве чаще всего. К тому же, я отношу его к одному из самых любимых моих стилей в живописи!

Речь идет о стиле Ар Нуво (L’art Nouveau), что переводится с французского «Новое искусство». Пик своей популярности пришелся особенно с 1885 до 1914 года, чуть позже ему на смену пришел другой, не менее красивый стиль — Ар Деко.

Ар Нуво относится к декоративно-орнаментальному жанру и зародился во Франции

«Назад к природе! » — такой лозунг несет этот стиль 

Ар нуво в живописи

Извилистые линии, плавные и причудливые изгибы мягко переплетаются с другими элементами в композиции. Вьющиеся растения, цветы, кувшинки, а также птицы и рыбы – являются самыми популярными мотивами Ар Нуво.

Но, чаще всего стиль узнаваем по своему характерному признаку — изображение женщин… вы их видели,  например, на картине «Поцелуй» 1907—1908 года, написанной австрийским художником Густавом Климтом…или  на афишах и иллюстрациях в творчестве Альфонса Мухи.
О нем  и о его работах я напишу чуть ниже…

Густав Климт «Поцелуй» 1907—1908 Холст, масло. 180 × 180 см, сусальное золото

Если говорить про корни Ар Нуво, то множество элементов этого стиля характерны в японской культуре. Художник и гравер из Франции Феликс Бракмон первым позаимствовал японские мотивы, видоизменив их и добавив некоторой новизны … отсюда и началось зарождение «мира Ар Нуво»

Изысканностью, утонченностью и одухотворенностью пропитан стиль живописи Ар Нуво

Цветопередача в картинах часто характеризуется блеклыми, приглушенными и нежными оттенками…. Такие природные и пастельные..

Очень интересным фактом в становлении этого стиля является то, что это течение, завоевав признание людей и популярность, в каждой стране имеет свое название.

Например во Франции и Бельгии он называется Ар Нуво, в Италии называется Либерти, в Англии- Модерн стайл, в Германии- Югендстиль, в США-Тиффани, а в России назывался просто –Русский модерн

Чешский художник Альфонс Муха — ( 1860-1939 гг.), был просто мастером театральных плакатов и рекламных афиш, именно с ним чаще всего связывают стиль Ар Нуво.

В то время можно было встретить повсюду присутствие этого стиля: на пачках папирос, на рекламных афишах, на этикетках конфет…

Любимым сюжетом художника были, конечно же, женщины: томные, спокойные, очаровательные и загадочные барышни, утопающие в море цветов.… Символизирующие день и ночь, свет и тьму, времена года, поэзию, танец, драгоценные камни…

«Драгоценные камни»: Рубин, Топаз, Аметист, Изумруд

Альфонс Муха был востребованным художником декоративного жанра и достаточно долго работал театральным художником в Париже, создал огромное множество афиш для известной и божественной театральной актрисы — Сары Бернар, которую называли «самой знаменитой актрисой за всю историю».

Он изображал актрису в разных театральных костюмах на рекламных афишах для разных спектаклей. Говорят, что у них даже был роман… Но не только рекламные афиши создавал Альфонс Муха для Сары Бернар… Также , по заказу актрисы, и по эскизам художника были изготовлены ювелирные украшения

По эскизам Мухи было создано немало оригинальных ювелирных изделий. Известный Парижский ювелир  Жорж Фуке, очарованный нежными девушками с афиш, предложил художнику стать дизайнером ювелирных изделий. И эта идея была блестящей и очень удачной.

Материалы использовались для изготовления украшений разные: золото и жемчуг, слоновая кость и опалы, маленькие бриллианты и эмаль.

Жорж Фуке считал, что украшение может состоять не только из драгоценного камня, а и из других материалов в ансамбле с художественным дизайном. По заказу Сары Бернар было изготовлено немало изумительных украшений, которые она надевала на спектакли

Самое экстравагантное и яркое украшение в творчестве Альфонса Мухи, изготовленное Жоржом Фуке в 1899 году по эскизам художника был золотой браслет «Медея», с изображением змеи, сползающей вниз по руке.

Золотой браслет «Медея» с кольцом, 1899. Городской Музей в Сакаи, Япония

Вообще Сара Бернар любила удивлять и ослеплять людей своей игрой на сцене, при этом используя роскошные ожерелья и браслеты

Произведения, которые создал Альфонс Муха в стиле Ар Нуво, признаны самым ценным и важным вкладом в истории мирового искусства!  Именно Альфонс возвел этот жанр искусства в разряд культа

Я люблю посещать так называемые «блошиные рынки» на юге Франции, так как на них можно действительно попасть на какие-нибудь редкие безделушки. Так вот на этих рынках не редко можно встретить афиши Альфонса Мухи, написанные для княжества Монако, предназначенных для различных рекламных целей.

Я живу недалеко от Монако, примерно в 60 км, поэтому именно афишы творчества Альфонса Мухи можно встретить у нас.

Стиль Ар Нуво в интерьере

В дизайне интерьеров этот стиль получил призвание в конце 19 века. Для интерьеров использовался светлый мрамор, красное дерево, полудрагоценные камни и серебро, также витражи из цветного стекла. По сей день в этом стиле работают многие художники и архитекторы… он до сих пор востребован и популярен

В оформлении интерьера этот стиль вносит уют и комфорт. Скошенные и закругленные углы, нестандартные проемы, асимметрия в оформлении помещения – основополагающие аспекты этого жанра в декорировании помещений. Этим и оправдывается популярность Ар Нуво в современном дизайне

Проникнувшись настроением этого стиля, можно самостоятельно создать уникальные творения художественного искусства. Для того, чтобы полноценно погрузиться в жанр Ар Нуво, необходимо сполна насладиться работами Альфонса Мухи.

Нежные, чувственные, изысканные работы способны пробудить в человеке настоящие чувства…

Кстати, вот одна из моих работ, реализованная на стекле по мотивам Альфонса Мухи для Парижского заказчика. Проявив фантазию, можно создать удивительные вещи!

роспись на стекле

НА ФОТО:  Большой расписной витраж на стекле в стиле Ар Нуво в металлической дверной конструкции высотою 2 метра 50 см и шириною 1 метр 60 см. Цель: расписать стекло, сохраняя легкость и прозрачность верхней части, а нижнюю часть наоборот — сделать не прозрачной, создать визуальную гармонию между прозрачным стеклом и непрозрачным

Больше моих творческих работ на стекле, дереве, холсте и стене, можно посмотреть в Галерее

Ар Нуво поражает любителей искусства своей легкостью и романтичностью, изяществом и нежностью, этот стиль расслабляет и вдохновляет людей, насыщая душу спокойствием и выдержанностью.

Природа и женщина, вот основные источники вдохновения для нежного и изысканного стиля -Ар Нуво.

Друзья, поддержите статью лайком, также поделитесь с друзьями в соц.сетях с левой стороны.

Видео на десерт: Картина- витраж на стекле с нотками Ар-Нуво 

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Вечно модный ар-деко

Ар-деко или ар деко, арт деко, арт-деко (от фр. art déco, букв. «декоративное искусство», сокращенное название Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств, Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) — направление в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, дизайне, моде и живописи. Жизнь термину «ар-деко» дала выставка, прошедшая в 1925 году в Париже. На ней были представлены предметы роскоши, сделанные во Франции и доказавшие, что Париж остался признанным международным центром стиля и после Первой мировой войны. Направление ар-деко, существовавшее и до выставки, было заметным течением в европейском искусстве 1920-х гг. Ар-деко — воплощение буржуазной роскоши начала 20 века. Люкс и роскошь безраздельно правят миром. Любовь к дворцовому великолепию немного поутихла, на смену ей пришли мотивы века джаза. Двадцатые годы прослыли шальными не случайно. Пережив войну, люди стремились наслаждаться каждым отпущенным днем. Хотелось жить красиво и расточительно. Американские капиталы и европейские традиции создали стиль, ставший воплощением гламура и элегантности. В нашу жизнь он вошел под именем ар-деко и сейчас необыкновенно востребован: одна за другой появляются реплики и стилизация мебели и аксессуаров тех лет. Совет руководителя студии Создайте интерьер своей мечты с дизайнерами нашей студии Каждый наш проект отражает потребности, вкус и образ жизни нашего клиента Рассчитать стоимость Ар-деко — удачный синтез неоклассицизма и модерна (ряд исследователей считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма). Характерные черты стиля — строгая закономерность, этнические геометрические мотивы в оформлении, растительные и животные мотивы и формы, тропическая растительность; роскошь, шик, использование дорогих современных материалов (слоновая кость, шкуры экзотических животных — крокодиловая кожа, кожа акулы и зебры, редкие ценные породы дерева — древесина эвенги, австралийского эвкалипта, махагона, черного и розового дерева, инкрустации и резьба по дереву, серебро) и металла в дизайне (аллюминия, нержавеющей стали, бронзы), уход от светлых тонов классицизма к ярким насыщенным цветовым сочетаниям, многочисленные декоративные элементы (скульптура, лепнина, мозаика), много стекла (вазы, зеркала, статуэтки, стеклянная мебель). Стиль ар-деко отражал атмосферу эпохи джаза и периода межвоенного благоденствия, он был своего рода психологической реакцией на аскетизм и ограничения времен Первой мировой войны. Центром стиля оставался Париж. В мебели его воплощал краснодеревщик Жак-Эмиль Рульманн, в изделиях из кованного металла — Эдгар Брандт, в металле и эмали — Жан Дюнан. Символом стиля в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Яркие примеры ар-деко в архитектуре — небоскреб компании «Крайслер» в Нью-Йорке и «Морской дом» на набережной Ванкувера. Стиль использует самые разные декоративные элементы, яркие, смелые и одновременно тщательно подобранные цветовые сочетания. Большую роль играет текстиль, его много. Тяжелые атласные и бархатные портьеры, мебельные чехлы, подушки с бахромой и золотыми нитями, тканевые абажуры для потолочных, настенных и настольных светильников, скатерти, декоративные панно. Используются дорогие ткани (натуральный бархат, шелк, парча, атлас), вышивка золотом и серебром. В ар-деко классические формы сочетаются с нехарактерными для классики прямолинейными и асимметричными элементами, характерно смелое применение зигзагообразных и ступенчатых форм, широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Для отделки стены используют дорогие обои, которые имитируют кружево или ткань, для отделки полов — мрамор черного или черно-белого цвета. В жилых помещениях поверх мраморного пола можно постелить ковер или шкуры животных. Большое внимание уделяется освещению, чаще всего оно многоуровневое — хрустальная люстра на потолке и настольные бронзовые светильники с тканевыми абажурами, дающие рассеянный свет. В отличие от роскошного ампира, ар деко отличается рациональностью и продуманностью. В Нидерландах, Франции и ряде других стран ар-деко со временем эволюционировал в функционализм. В США в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne (от англ. «streamline» — «линия обтекания», термина из области аэродинамики) — ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой десятилетия. Популярность дизайна ар-деко распространялась как на частные апартаменты, так и на общественные заведения. Особенно близок стиль оказался рестораторам, владельцам кинотеатров и судоходным компаниям. В этом стиле оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как шикарные «Иль де Франс» и «Нормандия». В годы подъема массового производства, когда к нему стали относиться как к кричащему, излишне роскошному, ар-деко незаметно отошел на второй план. Во время Второй мировой войны о нем практически забыли. В колониальных странах (Индии и др.) ар-деко перетек в модернизм и существовал до 1960-х гг. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х гг. было связано с графическим дизайном, ассоциациями ар-деко с «фильм нуар» и очарованием 30-х гг. Ар-деко — один из самых популярных современных стилей интерьера. В наши дни этот стиль выбирают те, кто далек от аскестизма минимализма, строгости и антикварности классики. При помощи предметов интерьера, мебели и декора выгодно подчеркивается статус и благополучие владельца интерьера, выполненного в стиле ар-деко. При этом, при разработке интерьера стоит стремиться к созданию современного и в то же время комфортного для проживания пространства.

Ар деко. — Красота в деталях. — LiveJournal

    Эпоха джаза и сухого закона на киноэкране смотрятся необыкновенно элегантно – во многом благодаря стилю ар деко. Он диктовал не только оформление стен и мебели, но и форму серег, холодильников и точилок для карандашей…
   
Тамара де Лемпицка. Автопортрет в зеленом «бугатти». 1929. Дерево, масло. 

    Буквально несколько лет понадобилось рожденному в Париже стилю Ар Деко, чтобы приобрести популярность в Голливуде под именем «стиля звезд» и превратиться из чисто французского явления во всемирно признанный символ эффектности. Термин «Арт деко», более удобный для обозначения декоративного искусства в период между двумя мировыми войнами, обозначает стиль, сочетающий в себе классичность, симметричность  и прямолинейность.
    Как художественное течение он оформился в 1908-1912 годы и достиг расцвета межу 1925 и 1935. Своим возникновением он обязан влиянию таких различных источников, как Art Nouveau (Арт Нуво), кубизм и Баухауз с одной стороны и древние искусства Египта, Востока, Африки и американских континентов с другой.
    Легкость и изящество, заложенные в основу новаторской идеи ар деко, навеянной балетными «Русскими сезонами», вскоре переродились в выражение невероятной простоты и умеренности новой жизни в век машин. Представители всех направлений современных изобразительных искусств искали способ выражения скорости и напора, с которым автомобили, поезда, аэропланы, радио и электричество изменяли существующий мир — старались найти цвета и формы, которые были бы отчетливее и сильнее тех, что они применяли ранее.
    Как художественный стиль ар деко  впервые получил признание в Европе, но очень быстро его влияние охватило Соединенные Штаты Америки, где его огромной популярности в немалой мере способствовало всеобщее увлечение голливудской кинопродукцией. Костюмы и декорации картины «Клеопатра» (1943г.) студии «Парамаунт» вызывали прямые ассоциации с орнаментом и горгульями нового нью-йоркского небоскреба Крайслер-билдинг, а Грета Гарбо в костюме Маты Хари из фильма «МГМ»(1932г.) выглядела, как статуэтка Ар деко из бронзы и дерева.

Крайслер-билдинг                                               Грета Гарбо
    
    Термин «Ар деко» происходит от названия Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modernes — Международная выставка современных декоративных искусств и ремесел 1925 года в Париже, на которой в полном объеме были представлены достижения декоративно -прикладных искусств того времени. Однако сам термин возник много позже — в 1966 году, во время возрождения выставки в парижском Musee des Arts Decoratifs (Музее декоративных искусств).
    Эта композиция возвестила о возраждении интереса к декоративным искусствам того периода, когда все они процветали под общим названием «модерн», но в силу естественного развития художественных стилей, были вытеснены еще более популярным и универсальным «интернациональным» стилем — безорнаментной архитектурой выразительных конструкций, заключавших динамическое пространство в закрытом объеме массы. Ар деко был также известен как «джазовый модерн», «зигзаг модерн» и «обтекаемый модерн» — последний термин относится к формам, базировавшимся на обтекаемых силуэтах автомобилей, кораблей и самолетов.  
  Ар деко формировал сам  образ жизни в межвоенные годы, их манеру одеваться, разговаривать, путешествовать, работать и отдыхать. В его власти находились индустрия развлечений и сферы искусства — его дух чувствовался в кинотеатрах, доходных домах, небоскребах, композициях внутренних интерьеров и узорах драгоценных украшений, в дизайне курительных и питейных аксессуаров, кухонной посуды и уличных фонарей, в скульптурах и плакатах, в книжных и журнальных иллюстрациях, в тканях, картинах, в общественных зданиях и сооружениях.

Обложка журнала Vogue 1922 года. Выпуск посвящен Домам Моды, основанным русскими эмигрантками.
      Мосты, туннели, бензоколонки, рестораны быстрого обслуживания и неподражаемый символ того времени — неоновая реклама, всё создавалось в стиле «модерн», а точнее «ар деко». Школы, дворцы юстиции, магазины, муниципальные здания и павильоны всемирных ярмарок строились в стиле, сочетавшем одновременно неоклассицизм и обтекаемость, грациозность и игривость, монументальность и элегантность.
 По всей стране люди смотрели фильмы в кинотеатрах, украшенных роскошными фасадами, неоновыми вывесками и и изысканными интерьерами в стиле ар деко. В Нью-Йорке стилизованные орнаменты над порталами зданий, неоклассические скульптуры Рокфеллеровского центра, арочный стиль Крайслер-билдинг, характерная башня Эмпайр Стэйт -билдинг и алюминиевая выколотка парадных входов и легких пристроек особняков сформировали одновременно доступный и неповторимый облик города.

Эмпайр Стэйт-билдинг 1931г.
     Во Франции ар деко ориентировался в первую очередь на рынок предметов роскоши. Он охватил все сферы дизайна: живопись, графику, театральный дизайн, ювелирное искусство, дизайн интерьеров, архитектуру и т.д.
     Сегодня общества ар деко во многих городах работают над сохранением наследия Деко, но нет сомнения в том, что наиболее яркими памятниками этого архитектурного направления остаются здания знаменитых кинодворцов с их грандиозными фасадами и причудливыми неоновыми вывесками, свидетельствующие о том, что лучшие и наиболее эффектные образцы этого стиля сочетали в себе отпечаток общественной полезности и красивости.
    Ар деко считают первым среди стилей XX века и одновременно последним из всех известных художественных стилей в мире.
            Франция.
            Мебель в стиле ар деко.
     Дизайн мебели был той областью, в которой развился французский интернациональный стиль. Мебель ар деко отличается использованием таких дорогостоящих материалов, как эбеновое дерево, гонкало с инкрустациями из слоновой кости, черепахового панциря и кожи. Полированный меалл, стекло и зеркала присутствуют во многих дизайнерских проектах. Такие дизайнеры, как Рене Лалик и художники фирмы «Даум», сделали стекло своим любимым материалом для изготовления чаш, ваз и ламп. Их ранние работы в стиле ар нуво теперь приобрели формы ар деко.

Рене Лалик
       Мебель Жака Эмиля Рульманна создавалась из дорогих материалов искусными мастерами, точно также, как и предметы обстановки в традиционном стиле. Луи Сю в партнерстве с Андрэ Маром приступили к производству похожей мебели с акцентом на дорогие материалы, но в упрощенном виде.

Жак Эмиль Рульманн. Интерьер в стиле арт деко.
              Жан Дюнан был видным представителем ар нуво до Первой мировой войны, но в 1920-х годах обратился к ар деко с его геометрическими формами. Он создал фабрику, где производил ширмы, шкафы, кресла и столы, поверхности которых обычно покрывались лаком. Он также работал как декоратор, оформляя интерьеры для богатых клиентов, которые могли служить достойной декорацией для его мебели.
             Морис Дюрфен также перешел от ар нуво к ар деко. Он пользовался широкой известностью и влиянием благодаря своим сочинениям, преподавательской работе, а также своим дизайнерским проектам мебели, изделий из текстиля, стекла, металла и целых интерьеров.
             Жан Мишель Франк разработал направление в ар деко, которое обращается к таким новым течениям в современном искусстве, как сюрреализм. Его диван в форме губ изображен на картине Сальвадора Дали. В 1932 году он открыл в Париже мастерскую, где с его мебелью могли познакомиться английские и американские дизайнеры, такие как Сири Моэм и Френсис Элкинс.
            Эйлин Грей занималась дизайном ширм и других предметов мебели, а также целых интерьеров, часто используя лакированные панели. Ее мебель отличалась оригинальностью, выдумкой и была кубистической по характеру.
    
            Ковры, ткани и обои.
      
        Значение ковров, тканей и обоев стало расти после 1925 года, когда возникла необходимость «освежить» цвета и текстуру интерьеров, становившихся все более аскетичными. Мода на цвета менялась быстро: от ярких оттенков до приглушенных тонов, предлагавшихся, в частности, монохроматической природой кубизма. Интерес к рисункам, нанесенным на ткань, сменился увлечением к структуре тканного материала.
          Производители текстиля и ковров выпускали изделия, удовлетворявшие спрос на ар деко. Некоторые из них прибегали к услугам ведущих дизайнеров, другие просто просили своих штатных дизайнеров разрабатывать образцы в этом стиле. Естественная мягкость и красота нитей подчеркивалась лучшими ткачихами Баухауза Анни Альберс и Гюнтой Штадлер-Штольц.
        Большой известностью  пользовалась художница Соня Делоне, которая занималась дизайном текстиля, произодившегося на мануфактуре в Лионе в 1922г.
 
   
              Французкая керамика.
       В наибольшей степени классические мотивы французского ар деко в керамике проявлялись в произведениях  «для особого случая». Э.Декёр, О.Дэлареш и Анри Симман прославились глазурованными и керамическими сосудами. Керамика Эмиля Ленобля украшалась гравировкой, живописными сюжетами или барельефным узором из завитков и геометрических мотивов и стилизованными цветами. Одним из замечательных французских художников по росписи керамики считался Рене Буто. Он нача расписывать керамику в 1919году. Излюбленным декоративным приемом было покрытие живописи потрескавшейся глазурью. Мужчины и женщины изображались Буто,в основном, в современном ему стиле неоклассицизма.
       На северной мануфактуре работали известные художники и дизайнеры, в том числе Ж.-Э. Рульманн и Рауль, Жан Дюфи. Наиболее привлекательные образцы, выпускаемые на мануфактуре Хавиланд, в Лиможе — это чайный и кофейный сервизы в форме птиц и животных, шкатулки и графины работы скульптора Эдуарда Марселя Сандоца.
    Изделия из стекла в стиле французского ар деко создавали Морис Мариино и Рене Лалик, первый специализировался на своеобразных изящных сосудах, а второй изготавливал разнообразные изделия массового производства . Мариино получил образование художника в начале 1920гг. стал создавать произведения из дутого стекла. Его толстенные вазы, флаконы и кувшины с внутренним декором и простыми формами ценились за красоту, оригинальность и мастерство.
    Рене Лалик в период массового производства изделий из стекла не имел себе равных в этой области. Его первые попытки были в технике cire-perdue (литье по выплавленным моделям). С 1910 года он начал выпускать флаконы для духов с парфюмером Франсуа Коти. За исключением редких образцов cire-perdue, вазы Лалика изготавливались из дутого стекла или выдавливались в форму. Они делались из прозрачного матового, одноцветного стекла, с узорами из накладного или вставного стекла, с опалово-молочным отливом и синевато-желтым блеском или окрашенные цветовыми пятнами с наружной стороны. Часто вазы украшались стилизованным цветочным и лиственным орнаментом или выразительным абстрактным рисунком, таков его Turbillions (вихри). Он выпускал и столовую посуду, талисманы для машин, письменные и туалетные столы, курительные принадлежности, осветительные приборы и архитектурные элементы.
  

 Украшения для радиаторных решеток автомобилей.
Victoire Car Mascot (Spirit of the wind — Victorie) Дух ветра.
Литое аметистовое стекло. Известны также варианты в прозрачном стекле, прозрачном сатинированном, топазовом и др.
Бесполая человеческая голова, с открытым то ли в крике, то ли в судорожном полувздохе ртом,  «оперённая» клином струящихся по ветру волос- олицетворение мощи и скорости автомобиля. 
Система подсветки позволяла менять их цвет во время поездки – это считалось невероятным шиком. Во всем мире известно всего около 30 этих маленьких шедевров и коллекционеры скупают их по цене золота как минимум. 
        В 1920-30гг. популярным стало производство pate-de-verre, разновидности полупрозрачного стекла, которое широко применялось для украшений изделий из стекла, как один из мотивов ар деко. Парижский мастер Габриель Аржи-Руссо украшал таким способом свои яркие вазы и чаши из тонкого стекла экзотическими, классическими или вызывающими фигурами. В 1920-30гг, братья Даум в основном создавали толстостенные сосуды и лампы, украшая их сплошным геометрическим или стилизованным природным орнаментом в технике кислотного травления.

техника pate-de-verre
      
            Мастера по металлу, скульпторы, мастера по эмалям, лакировщики и заводы по выпуску металлоизделий создавали предметы из металла в стиле ар деко. Французские мастера приуспели в создании изделий, как в традиционном, так и в новаторском стиле. 
            Ведущим французским мастером по металлу был Эдгар Брандт — его гигантские ворота и каминные экраны, украшенные цветочным, лиственным орнаментом и завитками, которые декорировали фигуры из бронзы или живописные панели.
Одна из его работ — лампа «Кобра» 1925г.

 
 
      Раймонд Сьюбе изготавливал мебель, часы, лампы и другие изделия для парижских салонов. В 1930-е годы появились предметы из стали и алюминия, а его завитки и другие элементы декора упростились, приобрели большие размеры, несколько абстрактные очертания. Поражающие своим великолепием работы парижского скульптора Альберта Шёре были выполнены в стиле ар деко, например каминные часы в форме египетского головного убора.
     В период ар деко промышленный дизайн достиг огромного размаха. Кроме изделий из керамики и металлоизделий, выпускались предметы массового производства. Например, в период между войнами выпускалось огромное количество декоративных компактных пудрениц. Талантливые ювелиры Картье и Бушерон украшали их золотом и драгоценными камнями, в огромном количестве выпускались косметички из цветных металлов с эмалевыми покрытиями, дерева, пластмассы и других недорогих материалов. Их выпускали Эванс, Волупте и Элгин (в США) и Страттон ( в Великобритании).  
Ювелиры предлагали изделия в стиле ар деко.
      Не лишним будет отметить, что знакомство широкой публики с ар деко состоялось когда в 1920-30х гг. в этом стиле стали оформляться интерьеры ресторанов, отелей и огромных океанских лайнеров. Французский пароход «Нормандия» стал детищем французских архитекторов, декораторов, художников и ремесленников. Ответственность за оформление «Нормандии» была возложена на Ричарда Боуэнса и Роджера Экспера. Хотя некоторые проекты они разработали сами, для выполнения всего объема работ они привлекли других французских художников и декораторов, в том числе Раймонда Сьюбе, Жана Дюнана. Их совместная работа над проектом была своеобразным манифестом ар деко.




                                                          Соединенные Штаты Америки.
        Некоторые американские дизайнеры, работавшие в стиле ар деко, были иммигрантами из Европы. Поль Франколь родился и получил образование в Вене, но большую часть своей жизни провел в Соединенных Штатах. Именно он обратил внимание на ступенчатую форму американских небоскребов и применил ее в дизайне, в так называемой «высотной» мебели, выпускавшейся  1930-х гг. Полки делались навесными, что позволяло продемонстрировать фанеру, современный материал, который заменил собой дерево, которое ипользовалось  в прошлом.
       Йозеф Урбан, также получил образование в Вене, приехал в Америку в качестве художника — оформителя. Работая в стиле ар деко, он в свою очередь обратился к дизайну мебели и интерьеров. Интерьеры, проектируемые для Новой Школы Социальных Исследований в Нью-Йорке (1930), являются прекрасными образцами его творчества.
     Фредерик Кислер, в родной Вене работавший художником-оформителем, прежде, чем перебраться в Америку в 1926году, провел некоторое время в Нидерландах, где познакомился с понятием «Стиль». Первым его проектом в Америке, было небольшое здание кинотеатра в Нью-Йорке, «Филм Голд Синема» на 8-й стрит. Здесь он создал один из первых современных интерьеров для широкой публики. Его творчество в основном было связано со скульптурой, но он был также известен как теоретик и футурист, в основном благодаря его не воплощенному в жизнь проекту криволинейного Бесконечного дома, сохранившегося в рисунках и моделях.

          Обтекаемые силуэты новой мебели, выглядевшие так, словно были машинами или даже сами были машинами, пользовались огромной популярностью. Распространению обтекаемого стиля способствовало использование подобной мебели при съемке голливудских фильмов.
          Люди хотели покупать мебель, которая бы смотрелась на уровне обстановки особняков знаменитых голливудских кинозвезд, таких как Рита Хэйуорт.
          Хотя количество предметов мебели ручной работы было ограничено, для удовлетворения общественного спроса был налажен выпуск огромного потока недорогих изделий ар деко.
          Стильность мебели достигалась путем покрытия обычных прямоугольных форм светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком или созданием обтекаемых силуэтов изогнутой фанеры. Ручки изготавливались из обычной бронзы или просто заменяли их углублениями для пальцев.
          Популярны были сочетания черного и светлого лака. Жизнь в новых небоскребах предполагала в целях экономии места использование многофункциональной мебели. Возник девиз «чем компактнее, тем лучше». Созданный по заказу магазина «Лорд и Тейлор» письменный столик со скамеечкой изготовлен из покрытого красным лаком дерева с хромированной металлической фурнитурой, а его необычные наклонные тумбы в 1931 году могли привлечь лишь очень смелого покупателя. Он в точности повторяет форму столика работы парижского мебельщика Леона Жалло, выставленного на Осеннем салоне 1928г. в Париже.
          В некотором смысле промышленная элегантность кресла Марселя Бройера, изготовленного из хромированных стальных трубок, крашенного дерева и парусины ознаменовала окончательный разрыв с традициями, конец эпохи ар деко и приход «интернационального» стиля. Как сказал сам Бройер: «наша работа безжалостна и не позволяет оглядываться назад, она презирает традиции и установившиеся нормы. » 

И все же для этого кресла, спроектированного Бройером в 1928 году и воплощенного в материале в 1933г., нашлось место в истории ар деко. Его обтекаемые линии не противоречат принципам ар деко.
                        
                         Американская керамика.
     В период ар деко многие американские фирмы изготавливали керамику. Наибольшим успехом пользовались изделия Futura 1928, выпускаемые гончарной мастерской Roseville Pottery в Занесвилле. Там создавались угловатые вазы и чаши, покрытые матовой глазурью, поразительных цветовых сочетаний.
 
      Среди наиболее новаторских предприятий была мастерская Кована Поттери близ Кливленда, которая с середины 1920-х гг. до 1931 выпускала яркую глазурованную керамику. Наиболее популярны изделия ограниченного тиража, созданные по проектам художников или скульпторов, в том числе Виктора Шрекенгоста, чаша с его росписью «Джаз» примечательна рельефной глазурью.
       В 1920-е гг стекольный завод Steuben Glass Works Корнинга в Нью-Йорке под руководством Фредерика Кардера, начала выпускать изделия из стекла. Серии Cintra и Cluthra  — толстостенные сосуды, укршенные пузырьками и другим декором, серию «Интарсия» под влиянием стекла Graal Оррефора и вазы шестиугольной, яйцеобразной и других форм, выполненные методом кислотного травления. Большой популярностью пользовалось стекло, получаемое методом «депрессии» и выпускаемое для массового производства Анкором Хокингом, компанией «Даймонд» и «Федеральной стекольной» компанией.
 

Фредерик Кардер. Steuben Glass Works.
          Значительными примерами американского промышленного дизайна являются столы для радиоприемников с передней частью из стекла. Уолтер Дорвин Тиг — автор «Модели 517» с круглым передним фасадом из голубого зеркального стекла и хромированного металла, а также модель «Патриот Аристократ 400» для компании Эмерсон.

Emmerson 517

«Patriot 400» Emmerson
   
        Великобритания.
    В Великобритании ар деко не получил широкого распространения и как правило ипользовался в интерьерах театров, гостиниц и ресторанов.
    Британская мебель
    Мебель в стиле ар деко создавала Бетти Джоэль, в выставочном зале в Лондоне продавались мебель и ковры ее работы. Для ее произведений характерна мягкая изогнутость форм, в качестве декоративных мотивов часто использовались волокна древесины, как и в произведениях Амброуза Хилла.
    Богато украшенную мебель создавал русский по происхождению архитектор Серж Чермаефф, работавший в Великобритании, в 1933г. он переехал в США. Богатую мебель изготавливал архитектор Эдвард Моф, известен его стол из камфорного и черного дерева. Компания «Изокон» (1932-1939) выпускала в основном мебель, изготовленную по проектам Марселя Брейера и Вальтера Гропиуса из клееной фанеры.
   
Бетти Джоэль. Daybed.

Мебель работы Сержа Чермаеффа. 1930гг.
      Керамика.
    Британское ар деко связано с творчеством Кларисс Клифф. За ее яркими произведениями причудливой геометрической формы, 1928-1937, последовали Fantasque, Biarritz и другие жанры. Клифф создавала много керамических изделий и обычно расписывала их от руки яркими сочетаниями желтых, оранжевых, красных и, синих и других цветов. Изделия декорировались геометрическим орнаментом и стилизованными растениями и животными. Серия «Век Джаза», 1930г., расписана изображениями джазовых музыкантов и танцоров.

Clarice Cliff 
            Среди заводов по выпуску керамики в стиле ар деко можно отметить Уилшо и Робинсона, где выпускались Карлтонская керамика, Пулльская керамика Картера, Стэблера и Адамса.

Stabler and Adams
    Среди британских фирм, выпускающих в 1920-300е гг. примечательные изделия из стекла, был завод Монкрифа в Перте, Шотландия, где изготавливалось стекло типа Монарт. Выполненные в этой технике толстостенные сосуды украшались изнутри во французском стиле. Влияние модернизма ощущается в изделиях из серебра, позолоченных и посеребренных, созданных британскими ювелирами. Лондонские мастера Уэйкли и Уиллер выпускали качественные изделия из серебра и других металлов с галванопокрытием.
    По изготовлению ковров, в Великобритании выделялись три мастера Эдвард Мак-Найт Кауффер, известный графическими работами, его жена Марион Дорн в 1934г. возглавила ею же созданную компанию по изготовлению ковров по индивидуальным заказам и Бетти Джоэль выпускавшая по своим проектам мебель и ковры. Творчество Сержа Чермаефф оказывало влияние на рисунок и композицию ковров.
    Интерьеры британских океанских лайнеров таких как «Королева Мери» и «Мавритания» были оформлены в стиле ар деко.
Публика сталкивалась с ар деко в лондонском метро, дизайн которого разрабатывался под руководством Фрэнка Пика.
 
    И в заключении, проанализировав и объединив  всё вышесказанное, хочется подвести итог и ответить на вопрос: «Что представляет собой этот потрясающий, роскошный, утонченно элегантный, немеркнущий стиль «Ар Деко»»?
 
      Обострившийся вкус к жизни, осознание бренности бытия и жажда красоты породили ар деко – стиль, который стал воплощением утонченной роскоши, блеска и элегантного комфорта. При этом он оказался невероятно восприимчивым к новым веяниям времени. Аэродинамические очертания новых роллс-ройсов и бентли породили моду на мебель с обтекаемым углами. Ломаные силуэты нью-йоркских небоскребов вдохновили создателей шкафов и секретеров ступенчатых очертаний. Успехи металлургии и промышленный авиационный дизайн вызвали к жизни ручки, спинки и ножки из хромированной стали и использование металла в инкрустациях. Прекрасная технологическая база ремесленников стиля модерн пришла на службу новой эпохи – изделия получались столь же качественными и продуманными, но – безусловно современными. Поэтому сегодня новейшие образцы аудио- и видеотехники становятся непременными атрибутами интерьеров в стиле ар деко. Плазменные панели, домашние кинотеатры великолепно сочетаются с мраморными столешницами и богатыми бархатными драпировками. Деревянная мебель с хромированными ручками, стеклянные поверхности и дорогая кожа, олицетворяющие современный автомобильный и авиационный дизайн, – вот источники вдохновения этого стиля. Плюс всевозможные драгоценные украшения, курительные и питейные аксессуары, хромированная кухонная посуда. Ар Деко – это полет фантазии и воплощение роскошной функциональности.
       Интерьер в стиле ар деко может современно и необычно сочетать восточные или индейские мотивы, элементы старины с совершенно новыми шедеврами искусства. Используя одновременно неоклассические формы и обтекаемость, грациозность и игривость декора в стиле модерн, ар деко является воплощением монументальности и элегантности. Сегодня этот стиль по праву считается синонимом роскоши и эффектности. Приверженцы этого стиля игнорируют массовое промышленное производство товаров, они выбирают эксклюзивное изготовление предметов. В фаворе изделия из ценных и дорогих материалов — змеиная кожа, слоновая кость, бронза, кристаллы, экзотическая древесина. Излюбленные аксессуары – необычные произведения египетской, африканской, китайской и других экзотических культур. Интерьер в стиле ар деко может быть как элегантно-классическим, так и экспрессивно-этническим. Главное – это эффектность, яркость и роскошь смелых сочетаний. Интерьеры, оформленные в стиле ар деко, часто не имеют законченной композиции, а представляют сумму отдельных составляющих, причем каждая из них – эксклюзив или предмет искусства.
            Любимые приемы ар деко: контраст темно-коричневого или черного с позолотой; соединение текстуры ценных пород дерева с безупречной геометрией форм. Авторы мебели вдохновлялись открытиями аэродинамики: скругленные линии добавляют автомобилям и самолетам лучше характеристики скорости, почему бы не использовать это в дизайне. Плавные очертания носов аэропланов и даже револьверных пуль стали отличительной чертой многих интерьерных объектов. В поверхностях активно используется цвет – лаки и эмали. Широко применяются экзотические кожи – скат, акула, угорь. Стиль любит цитировать экзотические темы: ведь именно в эту эпоху была найдена гробница Тутанхамона и в моду, благодаря африканским статуэткам, вошел кубизм. Но при всей страсти к новизне и экспериментам, ар деко никогда не забывал о функциональности и комфорте (это наследие модерна, который возвел быт в культ). Восхищение вызывает синтез тонкой роскоши и конструктивной ясности – в силуэтах мебели нет ничего лишнего, а диванные подушки при этом уютно мягки.
     Ар деко показал миру новые образы, сочетая при этом абсолютно несочетаемые вещи: утонченность красоты мира и неприличную роскошь буржуазной прослойки общества.
     Ар деко – стиль, который для многих кажется немного парадоксальным и ироничным, однако игра его символов и образов позволила ему стать востребованным как в годы его становления, так и после. Несмотря на прошедшие десятилетия, он остается все еще востребованным в интерьере, благодаря своей элегантности и холодной красоте. Стиль ар деко подарил миру множество невероятно красивых вещей.
       Драматичный по своей природе стиль Ар деко не теряет способности придавать всем своим проявлениям блистательную ауру Голливуда, и пока современная культура продолжает хранить память о мифах и символах, созданных на белом экране, ар деко будет сохранять свою силу.

     Sincerely yours, Julia….
     

Ар деко — геометрия и искусство

Шевроны и кубы… Геометрический рисунок входит в моду

Проще всего проследить формирование нового стиля на примере рисунков и фактур, используемых в моде и оформлении интерьеров. Позже они перешли в плакатный и рекламный дизайн. Кубистическая живопись 1907-1914 годов, созданная Браком и Пикассо, основывалась на отрицании художниками мысли о том, что искусство должно копировать природу. Геометрия изображений акцентировала плоскость, заставляя глаз скользить по поверхности картины, рассматривая мириады кубических форм. Примером такого стиля служат картины Поля Сезанна. Теория Сезанна постулировала, что природу можно синтезировать, а все формы свести к  конусу, сфере и цилиндру:

«Трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса, при-чем все должно быть изображено в перспективе, чтобы каждая сторона всякой фигуры была направлена к центральной точке. Линии, параллельные горизонту, передают пространство… Линии, перпендикулярные горизонту, сообщают картине глубину». (Поль Сезанн Эмилю Бернару, 15 апреля 1904 года.)

Благодаря картинам Сезанна и кубистическим экспериментам Пикассо и Брака интерес к кубизму в живописи, скульптуре и мебели распространился из Франции по всей Европе, повлияв на творчество художников от Москвы до Мадрида, от Берлина до Лондона. С 1910 по 1914 годы возник орфизм, разновидность кубизма. Представителями этого направления были испанский художник Хуан Грис (1887-1927), французские художники Фернан Леже (1881-1955) и Робер Делоне (1885-1941), а также его жена Соня Делоне (1885-1979), урожденная Терк, талантливая художница и дизайнер по текстилю русского происхождения.

Именно кубизм, и аналитический, и синтетический, больше чем любой другой стиль, повлиял на дизайн текстиля, применяемый в модной и мебельной индустриях; большую популярность получил характерный для эстетики кубизма мотив «шеврона». Во всех областях, имеющих отношение к декоративному искусству — от автомобильной промышленности до архитектурного дизайна — геометрический мотив прочно занял свое место.

(М.Робинсон. Ар деко.Лучшие произведения. 2008-10)

Выставка «Гений ар-деко. Эрте» откроется в Самарском областном художественном музее

15 ноября в 19:00 в Самарском областном художественном музее (ул. Куйбышева, 92) состоится открытие выставки графики и скульптуры выдающегося художника, гения стиля ар-деко Романа Тыртова — Эрте.

Стиль ар-деко (дословно – «декоративное искусство» — течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930—1940-е годы в международном масштабе, проявившись в основном в архитектуре, моде и живописи.

Это эклектичный стиль, представляющий собой синтез модернизма и неоклассицизма. Основные черты стиля — строгая закономерность, при этом пестрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро).

Фаворитом в этой области стал художник Роман Тыртов (1892 – 1990 гг.). Имя Р. Тыртова (Эрте) ассоциируется с великолепием, характерным для ар-деко. Он стал самым известным художником-иллюстратором, модельером и декоратором ХХ столетия. Популярность пришла к нему еще до Первой мировой войны.

Он начинал во времена Русских сезонов. Эрте создавал костюмы для спектакля «Минарет», в котором блистала знаменитая танцовщица Мата Хари. Он автор костюмов для балетных номеров Анны Павловой «Гавот», «Времена года», «Дивертисмент».

В 1915 году обложка журнала Harper’s Bazaar впервые была выполнена по эскизу Эрте. И с этого момента художник продолжал работать для журнала, выполняя рисунки моделей одежды и обложки, долгое время – до 1936 года. Его журнальная графика, можно сказать, заложила основы эстетики ар-деко. Он сотрудничал с журналами мод «La Gazette du Bon Ton», «Cosmopolitan», «Dilineator», «Sketch» и «Vogue».

В 20 – 30-е годы Эрте работал в Америке в опере Чикаго. Его работы оценивались высоко и пользовались огромным успехом в оперных, театральных и балетных труппах Парижа, Нью-Йорка, Монте-Карло, Чикаго.

Эрте рисовал эскизы и создавал костюмы для голливудских актрис немого кино. Здесь отразился дух парижской моды и русского балета, а также эстрадных ревю. Его работы в кино оказывали влияние и на других художников по костюмам. Эрте создавал эскизы, используя только свои собственные идеи. Его образы рождались под влиянием древнегреческой и древнеегипетской мифологии, индийской миниатюры и русского классического искусства.

Одновременно он работал и создавал костюмы в различных парижских мюзик–холлах для ревю и шоу.

В конце 1960-х годов снова вспыхнул интерес к искусству ар-деко. На экраны вышли фильмы «Кабаре», «Смерть на Ниле», «Великий Гетсби», которые воскрешали память об ушедших 20-х годах. Эрте, которому уже было под 70, снова пригласили рисовать афиши в мюзик-холл «Фоли-Бержер», в котором ему уже доводилось работать с 1917 по 1930 годы.

Последней его работой стал бродвейский мюзикл «Звёздная пыль», который он оформил, когда ему было 97 лет.

В России впервые выставка произведений Эрте была показана в Эрмитаже в 2016 году.

Работы художника, представленные в Самарском областном художественном музее, можно будет посмотреть до 13 января 2019 года.

 

Дополнительная информация для СМИ:

8 (846) 332-33-09, 332-05-64

известных картин в стиле ар-деко — лучшие произведения искусства 1920-х годов в стиле ар-деко

Набиравший популярность в межвоенный период художественный стиль ар-деко оказался очень влиятельным движением с точки зрения его современности. Как очень декоративный стиль искусства, тип произведений искусства в стиле ар-деко, возникший в результате этого движения, включал картины, рисунки, мебель и архитектурные сооружения. Сегодня несколько известных картин в стиле ар-деко все еще обсуждаются с точки зрения их знаковых особенностей и отношения к стилю. Поскольку эти картины пользуются большим уважением в нынешнем художественном обществе, мы рассмотрим 10 самых знаменитых работ.

 

 

Введение в арт-движение ар-деко

Известно, что культовое движение ар-деко зародилось в Западной Европе примерно в 1920-х годах. Однако решающий момент произошел в 1925 году, когда в Париже прошла знаменитая Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства, которая, как говорили, прочно закрепила этот стиль в мире искусства.После своей первой официальной выставки ар-деко в 1930-х годах перекочевал в Соединенные Штаты, где горстка художников вдохновилась поиграть с особенностями движения.

Произведения искусства в стиле ар-деко характеризовались безупречными линиями, сильными геометрическими формами и замысловатыми узорами, которые можно было увидеть во всех произведенных работах.

Промышленная революция послужила источником вдохновения для художников, поскольку зарождающиеся идеалы современности быстро захватили мир. Внезапно произведения искусства, созданные в стиле ар-деко, стали отчетливо современными по своей природе — настоящее празднование наступающей эпохи прогресса.

Девушка-валентинка (1928) Эдварда Мейсона Эгглстона; Эдвард Мейсон Эгглстон (1882-1941), общественное достояние, через Wikimedia Commons

Произведения ар-деко 1920-х годов изначально олицетворяли идею богатства и роскоши. Хотя несколько известных художников того времени были известны своими уникальными произведениями искусства, основной причиной их славы был тот факт, что они использовали очень дорогие материалы для создания своих работ.Поскольку стиль ар-деко возник после периода индустриализации и стал широко известен в период между двумя мировыми войнами, большая часть общества в то время испытывала финансовые трудности.

Это означало, что произведения искусства в стиле ар-деко из-за их богатства были предназначены исключительно для аристократического общества.

Известное в основном в области декоративно-прикладного искусства и архитектуры, движение ар-деко в конечном итоге охватывало различные жанры, включая дизайн костюмов и декораций, дизайн интерьера, изготовление мебели, скульптуру и живопись.Поскольку ар-деко представлял собой концепцию модернизма, ставшего модой, его произведения искусства были как индивидуально изготовленными экстравагантными предметами, так и изделиями массового производства. Конечной целью этого вида искусства, потрясшего мир, было создание гладкой и нетрадиционной элегантности, которая олицетворяла новую развивающуюся эпоху.

 

 

Произведения в стиле ар-деко, типичные для этого движения

Пожалуй, одной из самых отличительных черт стиля ар-деко была его невероятно обтекаемая форма.Независимо от того, какой тип произведения искусства создавался, будь то простая картина или грандиозное архитектурное произведение, большинство художников в стиле ар-деко использовали простые линии и чистые формы, чтобы подчеркнуть гладкие и элегантные идеи движения. Хотя большинство произведений в стиле ар-деко редко выпускались серийно, типичные характеристики работ отражали истинное восхищение современной машиной и всем, на что она была способна.

Художественный стиль, господствовавший до ар-деко и вызывавший у многих художников скуку, был известным и замысловатым стилем ар-нуво.

Художники и дизайнеры, работавшие в соответствии с идеалами модерна, заметили, что стиль вдруг сильно устарел по сравнению с быстро модернизирующимся миром, что дало ар-деко пробел для входа. Из-за этого все созданные произведения искусства в стиле ар-деко демонстрировали очень явные намеки на современность, поскольку это новшество в обществе широко отмечалось.

Крайслер-билдинг, вестибюль на 42-й улице, центральный лифт с подсветкой в ​​стиле ар-деко; «Аксель Ченчер», CC BY-SA 4.0, через Викисклад

Известное искусство в стиле ар-деко полностью загипнотизировало мир, как только оно появилось на арт-сцене. Примером этих знаковых произведений искусства, привлекших внимание общества, было строительство как Крайслер-билдинг, так и Эмпайр-стейт-билдинг, поскольку они были спроектированы в соответствии с идеалами и характеристиками ар-деко.

Хотя стиль ар-деко вышел из моды во время Второй мировой войны, ар-деко пережил возрождение в конце 1960-х годов и продолжает оставаться огромным источником вдохновения в декоративно-прикладном искусстве сегодня.

 

 

Наши лучшие 10 самых известных картин в стиле ар-деко

Движение ар-деко было очень хорошо известно своими предметами мебели, модой, украшениями и дизайном интерьера. Хотя живопись не была стандартной средой, практиковавшейся во время движения, несколько художников также экспериментировали с живописью и создали несколько заметных работ. Ниже мы рассмотрим 10 самых известных картин в стиле ар-деко, созданных выдающимися деятелями этого новаторского направления в искусстве.

 

Pivolo Aperitif Aux Vins De France (1924) от A.M. Кассандра

Художник	утра Кассандра
Дата покраски	1924
Средний	Литографический плакат
Размеры	35,8 см x 25,4 см
Где он находится в настоящее время	Неизвестно

Французский художник и плакатист Адольф Жан-Мари Мурон, более известный под псевдонимом «А.M. Cassandre», был наиболее известен своими рекламными плакатами как дизайнер шрифтов. Влиятельный графический дизайнер в движении ар-деко, Кассандр создал ставший культовым Pivolo Aperitif Aux Vins De France в 1924 году. Этот плакат получил награду на Международной выставке современного декоративного и промышленного искусства в Париже в 1925 году.

Многие считали, что плакат Кассандры

помог запустить стиль ар-деко в глобальном масштабе. Используя характерные и гладкие линии, а также сильные геометрические формы, Кассандра использовала в этом плакате основные характеристики ар-деко.В изображении птицы, сидящей за бокалом вина, элементы кубизма просматриваются через очевидную деконструкцию и наложение форм, составляющих общий контур птицы и бокала.

На этом плакате Кассандра упростила оба объекта, чтобы их стилизация стала более очевидной.

Опираясь на еще более простую цветовую палитру черного и серого цветов, смешанную с холодными и теплыми тонами, Кассандре удалось еще больше подчеркнуть некоторые элементы на этом плакате.Например, название плаката и жидкость в стакане являются наиболее привлекательными элементами, поскольку Кассандра сопоставила цвета, используемые для обоих, друг с другом. Кассандра упомянула, что причина этого заключалась в том, чтобы продемонстрировать гармоничное сосуществование, которое может происходить между различными компонентами, как показано в этом произведении.

 

Автопортрет в зеленом Bugatti (1925) Тамары де Лемпицка

Художник	Тамара де Лемпицка
Дата покраски	1925
Средний	Масло на панели
Размеры	35 см x 26.6 см
Где он находится в настоящее время	Частная коллекция, Швейцария

Польская художница Тамара де Лемпицка известна как одна из самых знаковых женщин-художников во всем мире искусства. Создавая весьма наводящие на размышления композиции, Лемпицка была широко известна своим специфическим изображением женской независимости. Одной из ее самых известных работ является ее портрет в стиле ар-деко под названием Автопортрет в зеленом Bugatti , который она написала в 1925 году. На этой картине Лемпицка изобразила себя за рулем спортивного автомобиля Bugatti.

Поскольку она, как известно, вела очень гламурную жизнь, в картинах Лемпицкой часто можно было увидеть элементы роскоши. На этом автопортрете Лемпицка одета в очень элегантную и модную одежду.

Картина Лемпицки, оснащенная водительскими перчатками, приталенной шляпой, напоминающей шлем, и шарфом, который театрально развевается за ее спиной, наполнена большим преувеличением и весьма захватывающим взглядом. В этой работе можно определить мягкое кубистическое качество, поскольку Лемпицка использовала геометрические формы, чтобы очертить свое лицо и одежду.

Складки на ткани и хромированные детали автомобиля представляли собой общие черты стиля ар-деко. Эффектный тип освещения также усиливал впечатление скорости и движения, как будто зрители поймали Лемпицку на короткий момент времени. Все это были элементы модернизации, проводившейся в начале 20 ^-го века, с созданием образа очень современной женщины.

Это еще больше подчеркивается бесстыдной сексуальностью Лемпицкой, поскольку она прямо и комфортно противостоит тем, кто смотрит на нее.

 

Группа из четырех обнаженных (1925) Тамары де Лемпицка

Художник	Тамара де Лемпицка
Дата покраски	1925
Средний	Холст, масло
Размеры	Неизвестно
Где он находится в настоящее время	Частная коллекция

Еще один примечательный портрет в стиле ар-деко, написанный Тамарой де Лемпицкой, — « Группа четырех обнаженных тел» , созданный ею в 1925 году. Как и в большинстве других ее картин, Лемпицка использовала насыщенные цвета и четкие линии, чтобы подчеркнуть гладкий и элегантный стиль движения ар-деко. Как провокационная художница, эта работа подчеркивает темы эротики и мощной женственности, которые выражены в большинстве работ Лемпицкой. Однако в этой картине Лемпицка усиливает эти темы, изображая четыре обнаженных тела друг над другом.

Нарисовав эти тела в искаженном виде, Лемпицка изображает женщин, удобно лежащих друг над другом в запутанном беспорядке плоти и частей тела.

Несмотря на резкие очертания кожи этих женщин, округлость их изгибов все еще очевидна через их чувственную кожу, которую можно увидеть. Говорят, что знойные лица женщин, которые, кажется, наклонились от удовольствия, напоминают обнаженных купальщиц, написанных Матиссом и Пикассо.

Как и в других ее картинах, элементы кубизма также можно увидеть в Группа четырех обнаженных , поскольку Лемпицка изобразила купальщиц довольно искаженным, но нежным образом. Добавление поверхностного фона было очень типично для кубистских произведений искусства, так как это приводило к тому, что женщины чувствовали себя еще более сжатыми в небольшом пространстве, что помогало усилить эротизм. Слегка обрезав свою композицию, Лемпицка еще больше сосредотачивает своих зрителей, которые, как предполагалось, в основном женщины, на удовольствии, которое ясно видно на этом изображении.

 

Девушка в перчатках (1930) Тамары де Лемпицка

Художник	Тамара де Лемпицка
Дата покраски	1930
Средний	Холст, масло
Размеры	61.5 см х 45,5 см
Где он находится в настоящее время	Центр Помпиду, Париж

Последней из известных картин Лемпицки в стиле ар-деко, включенных в этот список, является « Девушка в перчатках» , которую она написала в 1930 году. , резкость, геометрия и цвет краски. Изображая великолепную молодую женщину в зеленом платье, Лемпицка столкнулась с множеством споров и негативной реакции вокруг этой картины.Это произошло из-за того, что шелковое платье было окрашено так, чтобы оно повторяло контуры тела женщины, подчеркивая ее грудь и соски.

Несмотря на то, что женщина на картине изображена очень пикантно, она кажется очень застенчивой. Перчатки и шляпа, которые Лемпицка изобразила в цвете чистоты, добавляют скромности женщине, поскольку видно, как она пытается натянуть шляпу еще ниже, пытаясь избежать пристального взгляда. Тем не менее, ее яркая красная помада не помогает ей оставаться невидимой, поскольку она действует как еще один фокус работы, привлекающий зрителей.

Смелый цвет ее помады, в дополнение к очевидной чувственности работы, отражает типичный для Лемпицкой стиль ар-деко.

В этом портрете в стиле ар-деко Лемпицка уделяет особое внимание деталям. И разбитые плоскости платья, и резкое взаимодействие света и тени демонстрируют влияние кубизма на ее стиль. Несмотря на это влияние, Лемпицка рисует гораздо мягче, что каким-то образом полностью избегает обширной абстракции кубизма.Выбор цвета, одежды и черт личности в этой работе — все это перекликается с чертами модернизирующегося общества, где Лемпицка смело придерживается идеалов модной и прогрессивной женщины.

 

Типси (1930) Кобаякава Киёси

Художник	Кобаякава Киёси
Дата покраски	1930
Средний	Гравюра на дереве
Размеры	43 см x 27 см
Где он находится в настоящее время	Музей искусств Гонолулу Аксессион, Гавайи

Стиль ар-деко 1920-х годов оказался очень влиятельным и распространился по всему миру, включая Японию. Подобно стилю ар-деко в Европе, этот стиль был обнаружен в проектах зданий, украшениях, картинах, плакатах, одежде и даже в некоторых образах жизни в Японии. Художник Кобаякава Киёси также участвовал в этом движении и создал произведения искусства в стиле ар-деко, рассказывающие об образе жизни японских женщин в 1930-х годах. Он создал примечательную гравюру на дереве Tipsy в 1930 году.

Изданный как часть серии, «Типси» был первым из опубликованных изданий и по праву считается лучшим во всей коллекции.

Tipsy (1930) Кобаякава Киёси; Киёси Кобаякава, общественное достояние, Wikimedia Commons

Демонстрируя жанр син-ханга, который относится к новой печатной форме, появившейся в Японии в начале 20 ^-го -го века и пытающейся модернизировать традиционную гравюру на дереве, работа Киёси умудряется уловить тон, но не быть чрезмерно сентиментальной.

На этом принте изображена современная и независимая японка на ярко-красном фоне, держащая перед собой сигарету и напиток.

Многие элементы этой гравюры в то время вызывали споры. Во-первых, экзотический красный цвет ее губ и фона намекают на что-то, возможно, более чувственное, поскольку видна очевидная свобода женщины от условностей. Ее короткая стрижка «боб», которая была очень популярна в то время, еще больше подчеркивала концепцию автономии в этом принте, поскольку видно, что женщина явно наслаждается своим вечером в одиночестве. Об этом свидетельствует ее лукавая ухмылка и титулованная голова, а также изображённая на фото сигарета и коктейль.

 

Ритм (1938) Сони Делоне

Художник	Соня Делоне
Дата покраски	1938
Средний	Холст, масло
Размеры	182 см x 149 см
Где он находится в настоящее время	Собрание Музея современного искусства Парижа, Париж

Еще одной очень известной художницей, появившейся в период ар-деко 1920-х годов, была Соня Делоне, которая была замужем за коллегой-художником Робером Делоне. Хотя Делоне в основном экспериментировала с модой и дизайном одежды, за свою карьеру она написала несколько очень известных картин. Одна из ее знаменитых картин в стиле ар-деко включает в себя Rythme , которую она написала в 1938 году.

Это произведение имеет особое значение, поскольку Делоне создал его для 15-й ежегодной выставки Salon des Tuileries в Париже, состоявшейся в 1938 году.

Типичной характеристикой живописного стиля Делоне, как видно из Rythme , было использование геометрических и абстрактных рисунков в сочетании с невероятно яркими и живыми цветами.Эти дизайны и цвета были очень популярны в эпоху ар-деко , а картины Делоне демонстрировали лучшие черты. При довольно большом размере Rythme заставляет зрителей сосредоточиться на ярких концентрических кругах, используя яркие основные цвета, контрастирующие с монохромным черным и белым.

Располагая слои полукруглых кривых неравномерно рядом друг с другом, Делоне смог сформировать линию непересекающихся окружностей, которые соединялись вдоль центральной оси. Хотя в этой композиции используется множество цветов, несколько черно-белых кругов — это то, что действительно заземляет произведение искусства и устанавливает баланс на холсте. На протяжении 1930-х годов Делоне был очень сосредоточен на изучении темы «ритмов». Размещая разные цвета рядом друг с другом, взаимодополняющие и противоречивые круги помогли создать серию новых ритмов для просмотра.

 

Портрет Наташи Заколковой Гельман (1943) Диего Риверы

Художник	Диего Ривера
Дата покраски	1943
Средний	Холст, масло
Размеры	115 см x 153 см
Где он находится в настоящее время	Частная коллекция

Художник, который регулярно упоминается во многих списках самых известных когда-либо созданных картин в стиле ар-деко, — это Диего Ривера. Возможно, более известный как муж культовой художницы Фриды Кало, Ривера также написал много картин за свою карьеру и экспериментировал с различными художественными движениями в дополнение к ар-деко, такими как кубизм, реализм и мексиканский мурализм. Портрет Наташи Заколковой Гельман , написанный им в 1943 году, был выполнен по заказу Жака Гельмана, мужа Наташи.

На этом портрете миссис Гельман в стиле ар-деко Ривера изобразил очень элегантную и стильную женщину.

Одетая в красивое белое платье, подчеркивающее ее изгибы и обнажающее кожу, Наташа выглядит очень гламурно и очаровательно, когда она нежно опирается на диван во время позирования. Ее крупные кольца и браслет также приковывают взгляды зрителей и деликатно напоминают им, что они смотрят на портрет богатой женщины.

Ярко-красный цвет ее губной помады и лака для ногтей добавляют картине чувственности, поскольку она выглядит очень уверенной в себе женщиной.

Позади нее Ривера изобразил гигантские каллы, которые со вкусом обрисовывают ее форму. Включение лилий, которые, как известно, были очень плотскими и скульптурными цветами, также указывало на мексиканское происхождение Риверы, поскольку буйная флора была классическим примером его родины. Этот портрет миссис Гельман в стиле ар-деко существует как одна из самых щедрых фантазий Риверы.

 

Обнаженная с каллами (1944) Диего Риверы

Художник	Диего Ривера
Дата покраски	1944
Средний	Масло на панели
Размеры	157 см x 124 см
Где он находится в настоящее время	Частная коллекция

Второе известное произведение Диего Риверы в стиле ар-деко, которое мы включили в наш список, — это «Обнаженная с каллами» , которую он написал в 1944 году. Как и в приведенном выше произведении, Ривера имел тенденцию включать элемент чувственности в большинство своих произведений, поскольку он работал над точным изображением скульптурной стороны женского тела. С точки зрения характеристик ар-деко, акцент Риверы на телесности по отношению к женщинам продемонстрировал модернизацию, которая происходила в обществе в то время.

Эта картина, также известная как Desnudo con alcatraces , была одной из самых загадочных работ Риверы. Это произошло потому, что в нем отсутствовали жестокие социальные и политические комментарии, которые часто фигурировали в большинстве других картин Риверы. Будучи политически левым, Ривера обычно вставал на сторону более бедных слоев общества и изображал крестьянскую жизнь на небольших полотнах.

Тем не менее, эта картина была довольно большой и сосредоточена в основном на красивых лилиях и спине женщины, стоящей перед ними на коленях.

В Обнаженная с каллами Ривера изображает простую сцену обнаженной женщины, обнимающей лилии.Поскольку цветок всегда был известен своей изысканной красотой, было высказано предположение, что вместо этого женщина наслаждалась красотой самих калл. Поместив женщину в непосредственный контакт с лилиями, Ривера попытался провести справедливое сравнение между нежностью цветка и женской природой.

 

Портрет Сра. Дона Елена Флорес де Каррильо (1953) Диего Риверы

Художник	Диего Ривера
Дата покраски	1953
Средний	Холст, масло
Размеры	140 см x 221. 5 см
Где он находится в настоящее время	Частная коллекция

Еще одна работа Диего Риверы в нашем списке — Портрет Сра. Дона Елена Флорес де Каррильо , написанная в 1953 году. Долгое время считавшаяся хорошим образцом известного искусства ар-деко, эта картина имеет очень похожую композицию с его «Портрет Наташи Заколковой Гельман», , которую он написал 10 лет назад. .

Изображая женщину, развалившуюся на кровати и уверенно смотрящую на зрителя, Ривера создал еще одну картину, в которой воплощена идея чувственности через непримиримую позу и взгляд женщины.

С легкой ухмылкой на лице зрители могут только предположить, что женщина на этом портрете в стиле ар-деко довольна тем, что ее видят другие. В дополнение к ее привлекательной одежде, украшениям и яркой помаде дается изображение более современной женщины, поскольку она не уклоняется от противостояния тем, кто смотрит на нее.

При просмотре этого произведения искусства создается впечатление, что она бесстрашна в своей вновь обретенной свободе, вызванной модернизирующимся миром.

 

Симфония в черном (1983) Эрте

Художник	Эрте
Дата покраски	1983
Средний	Шелкография на бумаге
Размеры	54. 6 см х 43,8 см
Где он находится в настоящее время	Неизвестно

Культовый французский художник и дизайнер Роман де Тиртофф, более известный под псевдонимом «Эрте», был хорошо известен в движении ар-деко своими проектами, которые распространялись в самых разных средствах массовой информации. Широко известный как «отец ар-деко», Эрте на протяжении всей своей карьеры создал множество памятных произведений искусства. Произведение, которое многие согласились назвать одним из самых известных его произведений в стиле ар-деко, — это « Симфония в черном» , которую он создал в 1983 году.

На этом плакате изображена очень стройная женщина в красивом черном платье, пальто с перьями и в самом авангардном головном уборе.

Рядом с ней она выгуливает такую ​​же стройную черную собаку. Это прекрасный пример искусства ар-деко, поскольку для изображения этих двух фигур использовались очень гладкие и чистые линии. Орнаментальные штрихи также можно увидеть на головном уборе женщины, манжетах на ее руке, которые удерживают ее пальто на месте, и стильном ошейнике, который носит ее собака.

Считается великолепным произведением искусства ар-деко, Симфония в черном сочетает в себе таланты Эрте в графическом искусстве с ювелирными изделиями, модой и дизайном костюмов. Глядя на эту грациозную женщину с ее столь же элегантной собакой, вы не можете не поднять брови от абсолютной изысканности работы Эрте. Хотя на лице женщины не видно никаких отличительных черт лица, нельзя спутать с уверенностью, с которой она стоит, поскольку Эрте удалось так хорошо передать уверенность и естественную красоту женщины.

 

Картины, созданные в стиле ар-деко, до сих пор пользуются популярностью в современном арт-сообществе. Это связано с тем, что большинство основных черт этих картин вдохновляли различные другие художественные движения и все еще могут быть идентифицированы в некоторых произведениях искусства, которые в настоящее время заимствованы из стиля ар-деко. Хотя мы рассмотрели только 10 самых известных существующих картин в стиле ар-деко, стоит упомянуть и несколько других. Мы рекомендуем вам прочитать об этих других произведениях искусства в стиле ар-деко, если вы заинтересованы.

 

ар-деко против ар-нуво

Ар-нуво и ар-деко — два определяющих направления в искусстве 20-го века, влияющие на все элементы визуальной культуры, от изобразительного искусства и дизайна до архитектуры и графики. В то время как модерн славится элегантными изгибами и длинными линиями, ар-деко состоит из острых углов и геометрических форм.

Хотя эти два движения часто путают, они обозначают совершенно разные направления в развитии современного искусства.Однако оба стиля едины в своем отражении времени, в которое они возникли, и диапазона их влияния. Охватывая существующую культурную атмосферу и заботясь об обществе, ар-нуво и ар-деко сформировали большую часть изобразительного искусства, которое мы видим сегодня.

Закат Гарета Гриффитса

модерн

Стиль модерн появился во второй половине 19 века.Ар-нуво, или «новое искусство», часто считается первым стилем современного искусства, проложившим путь для последующих авангардных художественных движений. Родившийся из желания объединить все искусство и покончить с границами, которые существовали для разделения изобразительного и декоративного искусства, модерн черпал вдохновение из настоящего и обещания будущего, а не из прошлого. Глядя в будущее, модерн отказался от ограничений традиционного искусства и обозначил новый стиль для нового века.

Промышленное происхождение стиля модерн

Рождение ар-нуво произошло во времена индустриализации, когда современная идентичность Европы определялась индустриальным отношением и постоянно растущим ростом массового производства.Стиль ар-нуво одновременно принял промышленную революцию и отреагировал на нее, прославляя мастерство и мастерство художника, в то же время используя стилизованные формы автоматизации и индустриализации.

Abstract 601  от Jinsheng You

Цвет и изображение

Так много в характере ар-нуво заключается во вдохновении природных образов. Вторя формам и линиям органических форм, искусство, архитектура и дизайн в стиле модерн обычно состоят из плавных кривых, изящных изгибов и танцующих линий.Каждый элемент дизайна плавно соединяется, образуя гармоничную эстетику. Формы и линии, как правило, имеют большее значение, чем цвет, а нейтральная палитра в основном работает, чтобы подчеркнуть композицию и рисунок. Цвет не является определяющей чертой ар-нуво, он не особенно смел или бросается в глаза. В стиле модерн в основном используются приглушенные цвета, от жженого апельсина и горчично-желтого до оливково-зеленого и нежно-голубого.

Молекула №8 Александра Григорева

Поцелуй Густава Климта

«Поцелуй» Густава Климта часто называют одним из самых известных образцов стиля модерн. Созданный в последней части первоначального прорыва движения, «Поцелуй» включает в себя органические формы, узорчатые мотивы и декоративное качество, которое соответствует венскому сецессиону, который был местной вариацией стиля ар-нуво. Картина также знаменует поворотный момент в эволюции модерна, когда движение, которое когда-то было линейным, диверсифицировалось и стало стимулом для будущих авангардных разработок.

Поцелуй Густава Климта (любезно предоставлено «gustav-klimt.ком»)

Арт-деко

После тридцати лет господства ар-нуво его очарование начало угасать по мере возникновения других художественных течений. К 1920 году возникло ар-деко , возникших в результате Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства в Париже в 1925 году. Движение получило свое название от этой крупной выставки искусства и дизайна, и оно не было придумано «ар-деко» до более позднего времени. в 1960-х годах.

Вдохновленный технологиями

Изящное, обтекаемое и симметричное искусство ар-деко декоративно благодаря своему вниманию к балансу.С акцентом на вертикальные линии, зигзагообразные узоры и прямолинейные формы, большая часть внешнего вида ар-деко была вдохновлена ​​развитием технологий. От появления машин до достижений в таких материалах, как алюминий, нержавеющая сталь, стекло и пластик. Ар-деко воплотил стремительный, смелый и захватывающий дух начала 20-го века.

Окно от Найджела Берда

Взлет ар-деко и закат ар-нуво

Ар-деко ознаменовал собой изменение, но при этом сохранил некоторые ключевые проблемы движения ар-нуво.Во многом ар-деко возник в результате упадка ар-нуво. Сохраняя признание современного мастерства, ар-деко сочетал творческую ловкость с прославлением технического прогресса. На ар-деко также повлияло египетское, ацтекское и центральноамериканское искусство, которое открывалось западным миром на протяжении всего столетия.

Влияние авангардного искусства

В отличие от ар-нуво, ар-деко возник в то время, когда на художественной сцене доминировало авангардное искусство. Кубизм  Особое влияние оказало искусство, от его четких форм и геометрического внешнего вида до прославления машин и индустриальной эпохи. Стилистические элементы ар-деко также можно почерпнуть из угловатых и динамичных произведений футуристического искусства. Тем не менее, ар-деко оставался своеобразным в преодолении разрыва между искусством, дизайном и архитектурой и продвигался вперед по всей территории США. Известные здания в Нью-Йорке, такие как Крайслер-билдинг и Эмпайр-стейт-билдинг, воплощают стиль ар-деко и до сих пор существуют как одни из самых известных произведений современной архитектуры.

Квадраты, линии и время. Найджел Берд

Актуальные тенденции в стиле ар-деко и модерн

Тенденции в стиле ар-нуво и ар-деко менялись с момента их зарождения, но оба они оставались неотъемлемой частью курса современного дизайна. Примеры ар-нуво и ар-деко можно найти по всей Европе и США, и они по-прежнему чрезвычайно популярны во всем, от домашних интерьеров и дизайна мебели до масляной живописи и керамической скульптуры.Во всем мире художники до сих пор придерживаются стилистических особенностей модерна и ар-деко. Адаптируя их, объединяя или полностью следуя им, художники продолжают демонстрировать, что оба стиля остаются преобладающими в современном искусстве и культуре.

«Баронесса с кистью»

© 2019 Tamara Art Heritage / ADAGP, Paris / ARS, NY

После Первой мировой войны «ревущие двадцатые» были временем захватывающих социальных и политических перемен в США и Европе. Наряду с высоким экономическим ростом и расцветающей культурой потребления многие женщины испытали освобождение.Наконец-то они смогли голосовать, и многие стали работать и стали более финансово независимыми. Эта вновь обретенная свобода отразилась и на том, как они одевались и вели себя.

Символом той эпохи, которую многие сегодня узнают, является «флаппер» — женщина, носившая свободную одежду, с короткими стриженными волосами и ведущая гедонистический образ жизни. Это женщины, которые вдохновили на работу польскую художницу Тамару де Лемпицкую . По прозвищу «Баронесса с кистью», она стала известна своими автопортретами и картинами женщин, выполненными в ее шикарном стиле ар-деко.Ее стильные работы источают женскую силу и чувственность и прославляют независимость и освобождение женщин 1920-х годов. Лемпицка однажды сказал: «Я живу на задворках общества, а правила нормального общества не распространяются на тех, кто живет на задворках».

© 2019 Tamara Art Heritage / ADAGP, Paris / ARS, NY

Кем была Тамара де Лемпицка?

Тамара де Лемпицка (имя при рождении Мария Горска) родилась 16 мая 1898 года в Варшаве, Польша, в семье русского еврейского адвоката Бориса Гурвика-Горского и польской светской львицы Мальвины Деклер.Она рано познакомилась с искусством и начала рисовать, когда ей было 10 лет, и в этот момент она создала портрет своей младшей сестры. После непродолжительного пребывания в школе-интернате в Лозанне, Швейцария, юная художница уехала жить к своей бабушке в Италию, где она открыла для себя работы итальянских художников эпохи Возрождения.

В 16 лет она влюбилась и вышла замуж за польского юриста по имени Тадеуш де Лемпицка. Вскоре после их пышной свадьбы в Санкт-Петербурге он был арестован чиновниками нового большевистского правительства, но был освобожден после того, как Лемпицка убедил своих похитителей освободить его.Затем молодая пара бежала от русской революции и переехала в Париж, где изучала искусство у Мориса Дени и Андре Лота. Здесь Лемпицка быстро стала частью парижской авангардной сцены вместе с Пабло Пикассо, Жаном Кокто и Андре Жидом. Она отвергла художников-импрессионистов того времени, которые, по ее мнению, рисовали «грязными» красками. Напротив, она решила, что ее собственный стиль будет ярким, чистым и элегантным. Однажды она сказала: «Моя цель — никогда не копировать, а создать новый стиль, чистые яркие цвета и почувствовать элегантность моделей.

 

© 2019 Tamara Art Heritage / ADAGP, Paris / ARS, NY

 

Подняться к славе

Готовясь к своей первой крупной выставке в Милане в 1925 году, Лемпицка наспех написала 28 картин в течение 6 месяцев. Ее тяжелая работа окупилась, и вскоре она начала выставлять свои работы в самых эксклюзивных галереях Европы. Ее первая настоящая известность произошла после того, как она приняла участие в Международной выставке современного декоративного и промышленного искусства, где ее работы заметили модные журналисты из Harper’s Bazaar .Примерно в то же время она получила заказ от немецкого журнала мод Die Dame , для которого она нарисовала свой культовый автопортрет Тамара в зеленом Bugatti (1929).

В качестве одного из самых известных образцов портретной живописи в стиле ар-деко Лемпицка изобразила себя за рулем зеленого гоночного автомобиля Bugatti, в кожаном шлеме, длинных белых перчатках и закутанной в шелковый шарф. На самом деле у художницы не было «Бугатти», а был маленький желтый «Рено», но тем не менее на картине запечатлены ее красота, яростная независимость и богатство.

 

© 2019 Tamara Art Heritage / ADAGP, Paris / ARS, NY

 

Личные скандалы

Во время своего пребывания в Париже 1920-х годов Лемпицка прославилась своими дикими вечеринками и ненасытным сексуальным аппетитом как к мужчинам, так и к женщинам. Когда она работала, она рисовала портреты богатых и знаменитых, в том числе королевы Греции Елизаветы, короля Испании Альфонсо XIII и итальянского поэта Габриэле д’Аннунцио.

Из-за ее «скандального» образа жизни муж развелся с ней в 1928 году.Лемпицка редко видела своего единственного ребенка, Кизетту, оставленную на попечение бабушки. Несмотря на это, ее дочь увековечена во многих картинах матери, в том числе «Кизетта в розовом» , 1926; Спящая Кизетта , 1934 год; и Баронесса Кизетта , 1954.

 

© 2019 Tamara Art Heritage / ADAGP, Paris / ARS, NY

 

Упадок Лемпицки на фоне абстрактного экспрессионизма

Лемпицка вышла замуж за своего второго мужа, барона Куффнера, в 1933 году.В 1939 году, незадолго до Второй мировой войны, супруги навсегда поселились в Соединенных Штатах. Лемпицка продолжила свой путь к успеху и заработала свой успех, рисуя портреты многих голливудских звезд. Однако после войны вкусы общества начали меняться, и спрос на портреты Лемпицкой в ​​стиле ар-деко стал снижаться в пользу абстрактного экспрессионизма.

В растерянности Лемпицка занялась абстрактными работами и разработала новый стиль с помощью мастихина. Однако ее новая работа не была принята хорошо, и в 1962 году она перестала выставляться на публике.Она прожила свою жизнь в Хьюстоне со своей дочерью, а позже провела свои последние годы в Куэрнаваке, Мексика.

 

Возрождение и Наследие

Интерес к творчеству Лемпицкой начал возрождаться в 1970-х годах после ретроспективной выставки 1972 года « Тамара де Лемпицка с 1925 по 1935 год » в Люксембургском дворце в Париже. Сейчас, спустя почти 40 лет после ее смерти в 1980 году, ее работы стали чрезвычайно востребованы, особенно среди знаменитостей. Джек Николсон, Барбара Стрейзанд и Мадонна — одни из самых заядлых коллекционеров Lempicka.Ее картины даже представлены в музыкальных клипах Мадонны для Vogue , Open Your Heart и Express Yourself .

 

Все изображения © 2019 Tamara Art Heritage / ADAGP, Paris / ARS, NY и используются с разрешения.

Статьи по теме:

Ар-деко: знакомство с ослепительным современным искусством

9 художниц-первопроходцев отметят Международный женский день

Редкие фотографии Фриды Кало в молодости 1920-х годов

15+ феминистских образов, которые помогут сильным женщинам в вашей жизни

Ар-деко | Национальные галереи Шотландии

Получив свое название от крупной выставки декоративно-прикладного искусства, проходившей в Париже в 1925 году, ар-деко был стилем дизайна, олицетворяющим 1920-е и 1930-е годы.Для него характерны геометрические или стилизованные формы и яркие цвета.

Истоки стиля

Во многом ар-деко был продолжением эпохи декоративно-прикладного искусства и модерна. Как и их предшественники, художники и дизайнеры ар-деко стремились стереть границы между изобразительным искусством и дизайном, сосредоточив внимание на хорошо сделанных предметах. Стиль ар-деко, каким мы его знаем сейчас, был основан группой французских художников, которые называли себя Societe des Artists Decorateurs (Общество художников-декораторов), , в которое входили признанные и начинающие творческие люди. Один из ее членов, Франсис Журден, писал: «Поэтому мы решили вернуть декоративному искусству… то важное, почти преобладающее место, которое оно занимало в прошлом».

Группа планировала провести крупномасштабную обзорную выставку в 1914 году, но она была отложена до окончания войны. Наконец, он состоялся в Париже в 1925 году после того, как его спонсировало правительство Франции, под названием Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes , на котором были представлены работы более 15 000 художников и дизайнеров с особым акцентом на функциональные объекты.Первоначально новый стиль, который открыл чрезвычайно успешный показ, назывался Style Moderne или Paris 1925 ; термин ар-деко не использовался в полной мере до 1960-х годов.

Стиль ар-деко

Идеи нового стиля в искусстве и дизайне черпали из самых разных источников. Многие из авангардных художественных движений начала двадцатого века, в том числе фовизм, кубизм, футуризм и экспрессионизм, повлияли на преобладающие геометрические линии, узоры и формы ар-деко, переведенные в доступные, спроектированные объекты. Упорядоченный, рациональный взгляд Чарльза Ренни Макинтоша на ар-нуво имел отчетливо современный характер для следующего поколения, как и многие сложные декорации и костюмы в «Русском балете» Сергея Дягилева. Открытие гробницы Тутанхамона в 1922 году открыло новый интерес к египетскому золоту и металлам, в то время как жесткие края и блочные формы африканской «примитивной» скульптуры продолжали влиять на искусство и дизайн.

Стиль деко отошел от цветочных декоративных качеств ар-нуво, сосредоточившись вместо этого на гладких и простых конструкциях, изготовленных из роскошных материалов.Писатель Олдос Хаксли писал об этом стиле: «Простота формы в настоящее время контрастирует с богатством материалов… Современная простота богата и роскошна». Там, где ар-нуво делал упор на ручную работу, создателей ар-деко соблазняли машины. века, ища способы, как промышленные объекты могут быть оживлены качественным дизайном. Они увидели в этом более эгалитарный подход, при котором множественные версии высококачественных предметов массового производства могут быть доступны каждому.

Хотя ар-деко был в основном сосредоточен на трехмерном дизайне, таком как архитектура, мебель, керамика, стекло, часы и ювелирные изделия, ар-деко также был переведен в два измерения, что можно увидеть в смелых угловатых картинах французской художницы Тамары де Лемпицка, украинского графического дизайнера А.Элегантные плакаты М. Кассандра для транспортных компаний и яркие, плоские цветовые плоскости и изогнутые формы шотландского художника Яна Чейна, увиденные в Hell’s Glen, 1928.

В Соединенных Штатах стиль ар-деко, который стал известен как Streamline Moderne , был особенно популярен, приобретая еще более глянцевую и обтекаемую эстетику, чем его французские аналоги. Крайслер-билдинг Уильяма ван Алена, пожалуй, самый известный пример, яркая эмблема эпохи ар-деко с его плавным сочетанием формы и функциональности.Интерьер мюзик-холла Radio City был столь же амбициозным, спроектированным Дональдом Дески, чтобы быть «полностью и бескомпромиссно современным по сути, таким же современным в дизайне мебели, обоев и фресок, как и в технических устройствах для сценических представлений». Искусство. Деко стал популярным в нескольких других столицах, включая Гавану, Кубу, Мумбаи и Джакарту.

Несмотря на свой геометрический стиль, после Второй мировой войны ар-деко считался декоративной роскошью, которую позже заменили резкие грани и четкие, простые линии модернизма.Сегодня он признан весьма отличительным символом своего времени, синонимом живого и авантюрного духа «ревущих двадцатых». Аспекты его всепроникающего стиля с тех пор просочились во многие другие стили дизайна, особенно в модернизм середины века.

Как покрасить комнату в стиле ар-деко | Главная Путеводители

Стиль ар-деко приобрел всемирную популярность в 1930-х годах. Его целью было создать атмосферу современности и роскоши, и он характеризовался любовью к богатым поверхностям, изысканным материалам, чистым линиям и замысловатым стилизованным орнаментам.Окрашивание комнаты в стиле ар-деко требует использования цвета и рисунка, чтобы сбалансировать простую элегантность с украшениями в стиле ар-деко.

Цвета краски

Эстетика ар-деко сосредоточена на четких линиях и роскошных поверхностях, поэтому неброские цвета краски, которые дополняют элегантные отделки, такие как металл и полированное дерево, являются хорошим выбором. Цвет стен не должен конкурировать с украшениями и аксессуарами в комнате; мерцающие нейтральные тона, такие как серые, серебристые и не совсем белые, создают фон для мебели, не создавая собственного подавляющего заявления.Когда требуется смелое заявление, глянцевый черный цвет хорошо подходит для акцента на отделке, дверях или шкафах.

Трафареты

Дизайны в стиле ар-деко обычно украшены геометрическими узорами, замысловатыми переплетенными линиями или стилизованными цветочными мотивами. Орнаменты часто добавляют в виде бордюров вдоль верхней части стены, вокруг проема в стене или в качестве акцента в углу. Эти орнаменты можно легко добавить в цветовую схему комнаты в стиле ар-деко с помощью трафаретов. Эти предварительно напечатанные дизайны доступны в неразрезанном или предварительно вырезанном виде; художник прикрепляет вырезанный трафарет к окрашенной стене, а затем наносит краску через трафарет на стену с помощью кисти или палочек для рисования.

Бордюры

Более быстрый и простой способ добавить орнаменты в стиле ар-деко на окрашенную поверхность — использовать печатные бордюры обоев. Бордюры доступны в дизайне, похожем на мотивы, которые используются в трафаретах в стиле ар-деко, а в бордюрах для обоев используются металлические пигменты и тонкие цветовые акценты, которые создают визуальный интерес, оставаясь при этом в рамках общей эстетической чувствительности стиля ар-деко. Для наилучшего эффекта цветовая гамма бордюрного рисунка должна гармонировать с цветами стенной краски, не привлекая к себе излишнего внимания.

Обои

Обои можно использовать в окрашенной комнате в качестве акцента на отдельной стене или стеновой панели. Как и в случае с бордюрами обоев, обои в стиле ар-деко доступны со стилизованными и геометрическими узорами, и в них обычно используются металлические пигменты и сдержанные цвета. При использовании обоев, чтобы сделать определенную стену центром внимания, декоратор должен согласовать доминирующие цвета дизайна обоев с цветами краски на других стенах.

Ссылки

Писатель Биография

Эван Гиллеспи вырос, работая в семейном бизнесе по ремонту и ремонту дома, и является опытным садовником.Он пишет на темы дома, сада и дизайна с 1996 года. Его работы публиковались в South Bend Tribune, Fort Wayne Journal-Gazette, журнале Arts Everywhere и во многих других изданиях.

Художественное направление: Ар-деко — Журнал Artland

Ар-деко — направление в изобразительном искусстве, архитектуре, дизайне и декоративно-прикладном искусстве, которое зародилось во Франции до Первой мировой войны, но по-настоящему расцвело в 1925 году. Декоративное искусство) проходила в Париже, и художники, архитекторы и дизайнеры демонстрировали работы в этом стиле, тем самым продвигая движение в мейнстрим.Пересекая различные среды, стиль сочетал современную эстетику с превосходным мастерством и богатыми материалами. Областями, в которых он доминировал, были архитектура, дизайн, одежда, украшения, мебель и изделия ручной работы. Таким образом, особый стиль стал заметен во всех слоях современной жизни.

Ключевой период: 1925-1940
Ключевые регионы: Европа, США
Ключевые слова: геометрические формы, новые материалы, роскошь, обтекаемость, декоративно-прикладное искусство, прикладное, простота
Ключевые художники: Тамара де Лемпицка , Кассандр, Рене Буто, Рафаэль Делорм, Жан Габриэль Домерг, Жан Дюпа, Поль Пуаре, Соня Делоне, Рауль Дюфи, Эктор Гимар, Пьер Шаро, Фрэнсис Журден, Эжен Грассе

Плакат для Всемирной выставки «Век прогресса в Чикаго», Weimer Pursell, шелкография Neely Printing Co., Чикаго

Истоки ар-деко

Хотя ар-нуво возник из ар-нуво, ар-деко одновременно представлял собой реакцию против него, сосредоточив внимание на острых геометрических углах вместо естественных, органических форм, с которыми был пропитан ар-нуво. Под влиянием кубизма, венского сецессиона, фовизма и эстетики Русского балета, а также стилей восточных культур этот стиль стал любимым благодаря своим смелым геометрическим формам, роскошной природе и использованию новых материалов, икон современности, таких как алюминий, нержавеющая сталь, хром и пластик.

Скорость, дизайн украшения радиатора, созданный Харриет Уитни Фрисмут, 1925 год.

Как объяснил Франсис Журден, один из французских художников, основавших Societé des Artistes Décorateurs (Общество художников-декораторов), ар-деко бросил вызов иерархической структуре изобразительного искусства, которая ставила художников-декораторов на более низкий уровень, чем более высокие. классических средств живописи и скульптуры: «Поэтому мы решили вернуть декоративному искусству, с которым бесцеремонно обращались как с Золушкой или бедной родственницей, допущенной к трапезе с прислугой, на то важное, почти преобладающее место, которое оно занимало в прошлом, во все времена и во все времена. страны земного шара.Первоначально группа намеревалась создать выставку, представляющую новый вид декоративно-прикладного искусства, в 1914 году, но этот план пришлось отложить до окончания Первой мировой войны. Выставка, наконец, состоялась в 1925 году в Париже в течение шести месяцев. Более 16 миллионов посетителей увидели выставку, которая стала катализатором движения к взлету. Название «ар-деко» впервые было уничижительно использовано модернистским архитектором Ле Корбюзье, который написал яростную статью, критикующую стиль за его орнаментацию.

Что такое ар-деко? | Искатель искусства

Художественное движение, зародившееся в начале 20-го века в Европе, особенно во Франции, ар-деко безраздельно господствовало до Второй мировой войны, принеся с собой эклектичное сочетание влияний, материалов и форм.

Что такое ар-деко?

Определение визуального стиля никогда не бывает легким, но в случае ар-деко попытка классификации еще более трудна. Это потому, что ар-деко — эклектичное движение, которое часто ускользает от стандартных определений.Арт-деко, часто описываемый как смесь форм, материалов и влияний, может быть трудно отличить от подобных движений, таких как модерн, ар-нуво или школа Баухаус.

Движение ар-деко появилось во Франции в 1920-х годах и проявилось в живописи и скульптуре, а также в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве. В то время как художники ар-деко часто находились под влиянием модернистских движений, таких как кубизм (например, Пикассо), футуризм и де стиль, их композиции изобрели совершенно новый стиль.

Искусство сочетается с функциональностью

По своей сути ар-деко наполнил функциональные предметы художественными штрихами. Появление крупномасштабного производства позволило дизайнерам и художникам улучшить внешний вид серийно выпускаемых предметов повседневного обихода, начиная от пепельниц и часов и заканчивая зданиями. Конечный результат, роскошный и привлекательный на вид, ознаменовал собой период вновь обретенного оптимизма после Великой депрессии и прославления прогресса и современных идей.

Прирученный кубизм

Сравнение с кубизмом связано с тем, что ар-деко заимствовал многие элементы кубизма, но трансформировал его таким образом, что сделал его привлекательным для людей из всех слоев общества.Как и кубисты, художники ар-деко были очарованы абстрактной геометрией и фрагментарными формами. Движение также имело общие характеристики со школой дизайна Баухаус, особенно когда дело касалось использования симметричных композиций и геометрических форм в декоративно-прикладном искусстве.

Каковы отличительные черты ар-деко?

Простые, четкие формы являются определяющими элементами ар-деко. Большинство дизайнов геометрические или вдохновлены репрезентативными формами и стилизованы.Что касается материалов, то художники ар-деко отдавали предпочтение искусственным материалам, таким как пластик, железобетон и витастекло.

Какие знаменитости есть в ар-деко?

Дизайнер Эмиль-Жак Рульманн считается пионером движения ар-деко. Вместе с Пьером Лораном он был основателем компании, специализирующейся на производстве предметов роскоши для дома и дизайне интерьеров. Его работа основана на убеждении, что каждый элемент дизайна интерьера должен быть изготовлен индивидуально вручную, отказавшись от использования массового производства.

С другой стороны, Жан Депре, еще одно значимое имя в движении ар-деко, прославлял индустриализацию своей эпохи и ее технологические разработки. Он прославился своими концептуальными и инновационными геометрическими дизайнами украшений, и многие из его работ были основаны на кубистических картинах, неоклассических произведениях или реальных деталях машин.

Ар-деко сегодня

Хотя популярность стиля ар-деко снизилась после Второй мировой войны, оно возродилось в 1960-х годах и до сих пор присутствует в промышленном дизайне и моде.Более того, недавно обретенное признание движения ар-деко привело к созданию многочисленных фондов, которые работают над восстановлением и сохранением архитектурных памятников, построенных во время золотых веков ар-деко.

Обложка через Gitana Vaicys

.