Стиль ренессанс: Стиль ренессанс в интерьере – особенности стиля > 50 фото. Ренессанс в современном дизайне интерьера

Содержание

Стиль ренессанс в интерьере – особенности стиля > 50 фото. Ренессанс в современном дизайне интерьера

Ренессанс, это, пожалуй, первое направление в архитектуре и искусстве, сосредоточившее внимание не на фасадах зданий, а именно на интерьере.

Содержание:



История возникновения

Родиной течения считается Италия. Именно там зародился стиль ренессанс в интерьере и культуре в 14 столетии, сменив Средневековье. С Итальянского языка «Rinascimento» переводится как – возрождение, начало.

Новое направление возникло после того как чума забрала жизни миллионов людей. Количество населения существенно уменьшилось, и вместе с этим увеличились ресурсы для безбедного проживания – урожайные земли, полезные ископаемые, драгоценные металлы – все это дало новый виток в развитии человечества. Когда у людей появились все блага, они начали заниматься созданием новой культуры и усовершенствованием самих себя.

Окончание эпидемии чумы и уменьшение количества населения совпало еще с одним событием – падением Византийского государства.

Бежавшие из Константинополя византийцы прихватили с собой немало исторических документов со сведениями об античной культуре, которая никогда не забывалась в Византии. Средневековая Европа высоко оценила содержание мемуаров и начала реализовывать новую культуру, овеянную античностью.

Активный период ренессанса длился до 17 века, после чего он начал трансформироваться в барокко, которое прочно вступило в свои права в 18 столетии.







Особенности стиля

Рассмотрим основные особенности стиля ренессанс:

  • Пропорциональные, гармоничные, изящные формы.
  • Геометрия – круги, ромбы, квадраты.
  • Выразительные, торжественные черты.
  • Симметрия, делающая интерьер легким для восприятия.
  • Ключевой центральный объект. Например, если это стол, то вокруг него сосредотачивается остальная композиция.
  • Античный орнамент на стенах, колонах, потолке – растительный узор, грозди винограда, венки на древнеримский мотив.
  • Изображения красивых людей с детальными чертами.
  • Античные скульптуры.
  • Шторы из блестящих тканей с вышивкой.
  • Драпировка, ламбрекены, аппликации на гладких тканях.
  • Мебель в стиле ренессанс выдержана в геометрических формах. Присутствует декор.
  • Керамика и фарфор с характерным для стиля декором, венецианское стекло.
  • Текстиль из натуральных тканей.
  • Цвета натуральные, умеренной яркости с преобладанием белого.







Ренессанс и античный стиль

Античный стиль один из древнейших. Он появился еще в VIII столетии до н. э. в Древней Греции и Риме. Несмотря на то, что ренессанс многое заимствовал у античного стиля, благодаря исторической документации, различия между направлениями существуют.

Античности свойственна лаконичность и небольшое количество текстиля. В качестве материалов используется гипс, натуральный камень. Преобладает белый цвет.

Для декора характерны амфоры, колонны, лепнина, фрески, отсылающие к мифологии Древней Греции. Иногда колонны искусственно состаривают. Популярный элемент античности – декор в виде плюща и винограда.

Стиль ренессанс более торжественный и пышный по сравнению с античностью – мебель с мягкой обивкой, разнообразие цветовых гамм, применение золочения, серебрения и патинирования.








Ренессанс и барокко

Как уже было сказано в разделе «История возникновения», стиль барокко сменил ренессанс. Люди все больше тяготели к роскоши, помпезности, выряжая стремления в интерьерах, порой доходящих до невероятной ослепительности и даже безвкусицы.

Если ренессансу свойственна интеллектуальная основа, геометрия, правильные пропорции, то для барокко характерна динамичность, игра контрастов, уход от естественных форм. Например, если колонны в стиле ренессанс имеют правильные вертикальные линии, то колонны барокко часто можно встретить закрученными с массивным декором в верхней и нижней части.







Актуален ли стиль сегодня?

В погоне за новыми идеями только в 20 столетии зародилось немало современных направлений в интерьере. Однако не всем по душе жить в окружении пластика, металла и бетона. Поэтому люди начали стремиться оформлять жилища, выдержанные в давно появившихся жанрах с многовековой историей.

Стиль дизайна ренессанс не исключение. Его часто предпочитают ценители истории Европы и культурных ценностей. Также он будет по душе тем, кто увлекается творчеством Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело.

Яркий пример стиля можно наблюдать в Ватикане, где сосредоточено немало оригинальных работ великих живописцев, скульпторов и архитекторов.

На сегодняшний день, ренессанс в интерьере реализуют в просторных квартирах и загородных домах. Оформлять жилище рекомендуется с помощью опытного дизайнера, чтобы правильно выразить его черты и не допустить сходства с похожими направлениями.








Оформление жилища в стиле ренессанс

Рассмотрим идеи, как можно реализовать ренессанс в современном интерьере.

Стены.

  • Выполнены преимущественно в светлых тонах.
  • Чтобы стены не казались «холодными», оттенок может быть кремовым, светло-персиковым или светло-зеленым.
  • В качестве материалов используют натуральный камень, мрамор, венецианскую штукатурку или песчаник.
  • Допустимы вкрапления из дерева светлых и темных оттенков.
  • Отдельно предлагаем рассмотреть венецианскую штукатурку.
    В ее состав входят натуральные компоненты. Она ровно ложится на стены и красиво мерцает как при дневном, так и при вечернем освещении. Можно создать интересную фактуру.

Просторная гостиная в стиле ренессанс может быть дополнена настенными фресками – репродукциями популярных изображений великих мастеров эпохи Ренессанса.

Пол

  • Идеальный вариант пола – облицовка мрамором, натуральным камнем. В центре напольного покрытия и по периметру геометрический и симметрический узор.

Такое решение позволяет укладывать материалы в помещениях с повышенной влажностью (ванная, бассейн) и там, где пол быстро истирается (прихожая, кухня).

  • Более бюджетный вариант – керамическая плитка или керамогранит, имитирующий камень. Материал стойкий к истиранию и прочный.

Современные идеи для спальни в стиле ренессанс предусматривают и паркет из светлого дерева. Он нехолодный и приятный для ног. Художественный способ кладки паркетной доски позволяет реализовать характерный для ренессанса орнамент.

Полы при желании покрывают светлым ковром с низким ворсом в спальне и в обеденной зоне.

Потолок

  • Для стиля характерны высокие потолки сводчатого и многоуровневого типа.

Чаще всего их оштукатуривают мраморной штукатуркой светлых тонов. Многоуровневые потолки сочетаются с лепниной или росписью в центре, сосредоточенной вокруг центрального освещения.

  • Лепнина необязательно должна быть белой, как в античности.

Она может быть патинированной или позолоченной. Допустимы небольшие по площади фрески, но без такого размаха, как в Сикстинской капелле.

Если в многоуровневый потолок встраивается точечное освещение, то вокруг него есть окантовка с геометрическим орнаментом или узором в виде плетущейся листвы.

Мебель

  • Изготавливается преимущественно из темного дерева.

Формы выдержаны в симметрии и геометрии. Конструкции не содержат вычурных элементов, но поверхности оснащаются рельефным декором, часто золоченым.

  • Популярный предмет мебели — сундук-кассоне.

Сейчас он носит декоративных характер, но в эпоху Ренессанс в нем хранили вещи вместо шкафов. Он представляет собой вместительную емкость с резным деревянным декором и изображениями в стиле великих художников ушедшей эпохи.

  • Актуальны для стиля обеденные массивные столы с мраморными поверхностями или деревянные круглые столы с грифонами вместо ножек.
  • Буфеты с геометрическим декором, оббитые парчой кресла, стулья, диваны.
  • Кровати – с массивным изголовьем и часто с балдахином.

Помещение не перегружено мебелью. Каждый предмет несет практическую функцию. Центр остается свободным.

Декор

Интерьер эпохи ренессанса сложно представить без декоративных элементов. Они должны быть правильно подобраны и не нести черты похожих течений.

  • На стенах вешают картины эпохи Ренессанса – репродукции известных художников.
  • Актуальны копии скульптур великих мастеров, необязательно полноразмерных.
  • Достаточно будет уменьшенной копии, которая займет почетное место на столе или полке.

Не менее актуальны колоны и пилястры с прямыми вертикальными линиями. Если в стенах есть ниши, в них делают фрески или помещают характерные для стиля статуэтки.










✽ ✽ ✽

Дом или квартира в стиле ренессанс отличаются множеством архитектурных деталей, богатым убранством и безупречным вкусом. Если интерьер оформлен по всем правилам, создается впечатление, что он был создан не без помощи Бернини или Рафаэля, отголоски, деятельности которых ощущаются в каждой детали.

В нашей галерее множество ярких примеров интерьера в стиле Ренессанс – более 700 фото классического дизайна домов и ~ 500 фото классических интерьеров квартир →

Стиль ренессанс в интерьере – особенности стиля > 50 фото. Ренессанс в современном дизайне интерьера

Ренессанс, это, пожалуй, первое направление в архитектуре и искусстве, сосредоточившее внимание не на фасадах зданий, а именно на интерьере.

Содержание:



История возникновения

Родиной течения считается Италия. Именно там зародился стиль ренессанс в интерьере и культуре в 14 столетии, сменив Средневековье. С Итальянского языка «Rinascimento» переводится как – возрождение, начало.

Новое направление возникло после того как чума забрала жизни миллионов людей. Количество населения существенно уменьшилось, и вместе с этим увеличились ресурсы для безбедного проживания – урожайные земли, полезные ископаемые, драгоценные металлы – все это дало новый виток в развитии человечества.

Когда у людей появились все блага, они начали заниматься созданием новой культуры и усовершенствованием самих себя.

Окончание эпидемии чумы и уменьшение количества населения совпало еще с одним событием – падением Византийского государства. Бежавшие из Константинополя византийцы прихватили с собой немало исторических документов со сведениями об античной культуре, которая никогда не забывалась в Византии. Средневековая Европа высоко оценила содержание мемуаров и начала реализовывать новую культуру, овеянную античностью.

Активный период ренессанса длился до 17 века, после чего он начал трансформироваться в барокко, которое прочно вступило в свои права в 18 столетии.







Особенности стиля

Рассмотрим основные особенности стиля ренессанс:

  • Пропорциональные, гармоничные, изящные формы.
  • Геометрия – круги, ромбы, квадраты.
  • Выразительные, торжественные черты.
  • Симметрия, делающая интерьер легким для восприятия.
  • Ключевой центральный объект. Например, если это стол, то вокруг него сосредотачивается остальная композиция.
  • Античный орнамент на стенах, колонах, потолке – растительный узор, грозди винограда, венки на древнеримский мотив.
  • Изображения красивых людей с детальными чертами.
  • Античные скульптуры.
  • Шторы из блестящих тканей с вышивкой.
  • Драпировка, ламбрекены, аппликации на гладких тканях.
  • Мебель в стиле ренессанс выдержана в геометрических формах. Присутствует декор.
  • Керамика и фарфор с характерным для стиля декором, венецианское стекло.
  • Текстиль из натуральных тканей.
  • Цвета натуральные, умеренной яркости с преобладанием белого.







Ренессанс и античный стиль

Античный стиль один из древнейших. Он появился еще в VIII столетии до н. э. в Древней Греции и Риме. Несмотря на то, что ренессанс многое заимствовал у античного стиля, благодаря исторической документации, различия между направлениями существуют.

Античности свойственна лаконичность и небольшое количество текстиля. В качестве материалов используется гипс, натуральный камень. Преобладает белый цвет.

Для декора характерны амфоры, колонны, лепнина, фрески, отсылающие к мифологии Древней Греции. Иногда колонны искусственно состаривают. Популярный элемент античности – декор в виде плюща и винограда.

Стиль ренессанс более торжественный и пышный по сравнению с античностью – мебель с мягкой обивкой, разнообразие цветовых гамм, применение золочения, серебрения и патинирования.








Ренессанс и барокко

Как уже было сказано в разделе «История возникновения», стиль барокко сменил ренессанс. Люди все больше тяготели к роскоши, помпезности, выряжая стремления в интерьерах, порой доходящих до невероятной ослепительности и даже безвкусицы.

Если ренессансу свойственна интеллектуальная основа, геометрия, правильные пропорции, то для барокко характерна динамичность, игра контрастов, уход от естественных форм. Например, если колонны в стиле ренессанс имеют правильные вертикальные линии, то колонны барокко часто можно встретить закрученными с массивным декором в верхней и нижней части.







Актуален ли стиль сегодня?

В погоне за новыми идеями только в 20 столетии зародилось немало современных направлений в интерьере. Однако не всем по душе жить в окружении пластика, металла и бетона. Поэтому люди начали стремиться оформлять жилища, выдержанные в давно появившихся жанрах с многовековой историей.

Стиль дизайна ренессанс не исключение. Его часто предпочитают ценители истории Европы и культурных ценностей. Также он будет по душе тем, кто увлекается творчеством Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело.

Яркий пример стиля можно наблюдать в Ватикане, где сосредоточено немало оригинальных работ великих живописцев, скульпторов и архитекторов.

На сегодняшний день, ренессанс в интерьере реализуют в просторных квартирах и загородных домах. Оформлять жилище рекомендуется с помощью опытного дизайнера, чтобы правильно выразить его черты и не допустить сходства с похожими направлениями.








Оформление жилища в стиле ренессанс

Рассмотрим идеи, как можно реализовать ренессанс в современном интерьере.

Стены.

  • Выполнены преимущественно в светлых тонах.
  • Чтобы стены не казались «холодными», оттенок может быть кремовым, светло-персиковым или светло-зеленым.
  • В качестве материалов используют натуральный камень, мрамор, венецианскую штукатурку или песчаник.
  • Допустимы вкрапления из дерева светлых и темных оттенков.
  • Отдельно предлагаем рассмотреть венецианскую штукатурку.
    В ее состав входят натуральные компоненты. Она ровно ложится на стены и красиво мерцает как при дневном, так и при вечернем освещении. Можно создать интересную фактуру.

Просторная гостиная в стиле ренессанс может быть дополнена настенными фресками – репродукциями популярных изображений великих мастеров эпохи Ренессанса.

Пол

  • Идеальный вариант пола – облицовка мрамором, натуральным камнем. В центре напольного покрытия и по периметру геометрический и симметрический узор.

Такое решение позволяет укладывать материалы в помещениях с повышенной влажностью (ванная, бассейн) и там, где пол быстро истирается (прихожая, кухня).

  • Более бюджетный вариант – керамическая плитка или керамогранит, имитирующий камень. Материал стойкий к истиранию и прочный.

Современные идеи для спальни в стиле ренессанс предусматривают и паркет из светлого дерева. Он нехолодный и приятный для ног. Художественный способ кладки паркетной доски позволяет реализовать характерный для ренессанса орнамент.

Полы при желании покрывают светлым ковром с низким ворсом в спальне и в обеденной зоне.

Потолок

  • Для стиля характерны высокие потолки сводчатого и многоуровневого типа.

Чаще всего их оштукатуривают мраморной штукатуркой светлых тонов. Многоуровневые потолки сочетаются с лепниной или росписью в центре, сосредоточенной вокруг центрального освещения.

  • Лепнина необязательно должна быть белой, как в античности.

Она может быть патинированной или позолоченной. Допустимы небольшие по площади фрески, но без такого размаха, как в Сикстинской капелле.

Если в многоуровневый потолок встраивается точечное освещение, то вокруг него есть окантовка с геометрическим орнаментом или узором в виде плетущейся листвы.

Мебель

  • Изготавливается преимущественно из темного дерева.

Формы выдержаны в симметрии и геометрии. Конструкции не содержат вычурных элементов, но поверхности оснащаются рельефным декором, часто золоченым.

  • Популярный предмет мебели — сундук-кассоне.

Сейчас он носит декоративных характер, но в эпоху Ренессанс в нем хранили вещи вместо шкафов. Он представляет собой вместительную емкость с резным деревянным декором и изображениями в стиле великих художников ушедшей эпохи.

  • Актуальны для стиля обеденные массивные столы с мраморными поверхностями или деревянные круглые столы с грифонами вместо ножек.
  • Буфеты с геометрическим декором, оббитые парчой кресла, стулья, диваны.
  • Кровати – с массивным изголовьем и часто с балдахином.

Помещение не перегружено мебелью. Каждый предмет несет практическую функцию. Центр остается свободным.

Декор

Интерьер эпохи ренессанса сложно представить без декоративных элементов. Они должны быть правильно подобраны и не нести черты похожих течений.

  • На стенах вешают картины эпохи Ренессанса – репродукции известных художников.
  • Актуальны копии скульптур великих мастеров, необязательно полноразмерных.
  • Достаточно будет уменьшенной копии, которая займет почетное место на столе или полке.

Не менее актуальны колоны и пилястры с прямыми вертикальными линиями. Если в стенах есть ниши, в них делают фрески или помещают характерные для стиля статуэтки.










✽ ✽ ✽

Дом или квартира в стиле ренессанс отличаются множеством архитектурных деталей, богатым убранством и безупречным вкусом. Если интерьер оформлен по всем правилам, создается впечатление, что он был создан не без помощи Бернини или Рафаэля, отголоски, деятельности которых ощущаются в каждой детали.

В нашей галерее множество ярких примеров интерьера в стиле Ренессанс – более 700 фото классического дизайна домов и ~ 500 фото классических интерьеров квартир →

Стиль ренессанс в интерьере – особенности стиля > 50 фото. Ренессанс в современном дизайне интерьера

Ренессанс, это, пожалуй, первое направление в архитектуре и искусстве, сосредоточившее внимание не на фасадах зданий, а именно на интерьере.

Содержание:



История возникновения

Родиной течения считается Италия. Именно там зародился стиль ренессанс в интерьере и культуре в 14 столетии, сменив Средневековье. С Итальянского языка «Rinascimento» переводится как – возрождение, начало.

Новое направление возникло после того как чума забрала жизни миллионов людей. Количество населения существенно уменьшилось, и вместе с этим увеличились ресурсы для безбедного проживания – урожайные земли, полезные ископаемые, драгоценные металлы – все это дало новый виток в развитии человечества. Когда у людей появились все блага, они начали заниматься созданием новой культуры и усовершенствованием самих себя.

Окончание эпидемии чумы и уменьшение количества населения совпало еще с одним событием – падением Византийского государства. Бежавшие из Константинополя византийцы прихватили с собой немало исторических документов со сведениями об античной культуре, которая никогда не забывалась в Византии. Средневековая Европа высоко оценила содержание мемуаров и начала реализовывать новую культуру, овеянную античностью.

Активный период ренессанса длился до 17 века, после чего он начал трансформироваться в барокко, которое прочно вступило в свои права в 18 столетии.







Особенности стиля

Рассмотрим основные особенности стиля ренессанс:

  • Пропорциональные, гармоничные, изящные формы.
  • Геометрия – круги, ромбы, квадраты.
  • Выразительные, торжественные черты.
  • Симметрия, делающая интерьер легким для восприятия.
  • Ключевой центральный объект. Например, если это стол, то вокруг него сосредотачивается остальная композиция.
  • Античный орнамент на стенах, колонах, потолке – растительный узор, грозди винограда, венки на древнеримский мотив.
  • Изображения красивых людей с детальными чертами.
  • Античные скульптуры.
  • Шторы из блестящих тканей с вышивкой.
  • Драпировка, ламбрекены, аппликации на гладких тканях.
  • Мебель в стиле ренессанс выдержана в геометрических формах. Присутствует декор.
  • Керамика и фарфор с характерным для стиля декором, венецианское стекло.
  • Текстиль из натуральных тканей.
  • Цвета натуральные, умеренной яркости с преобладанием белого.







Ренессанс и античный стиль

Античный стиль один из древнейших. Он появился еще в VIII столетии до н. э. в Древней Греции и Риме. Несмотря на то, что ренессанс многое заимствовал у античного стиля, благодаря исторической документации, различия между направлениями существуют.

Античности свойственна лаконичность и небольшое количество текстиля. В качестве материалов используется гипс, натуральный камень. Преобладает белый цвет.

Для декора характерны амфоры, колонны, лепнина, фрески, отсылающие к мифологии Древней Греции. Иногда колонны искусственно состаривают. Популярный элемент античности – декор в виде плюща и винограда.

Стиль ренессанс более торжественный и пышный по сравнению с античностью – мебель с мягкой обивкой, разнообразие цветовых гамм, применение золочения, серебрения и патинирования.








Ренессанс и барокко

Как уже было сказано в разделе «История возникновения», стиль барокко сменил ренессанс. Люди все больше тяготели к роскоши, помпезности, выряжая стремления в интерьерах, порой доходящих до невероятной ослепительности и даже безвкусицы.

Если ренессансу свойственна интеллектуальная основа, геометрия, правильные пропорции, то для барокко характерна динамичность, игра контрастов, уход от естественных форм. Например, если колонны в стиле ренессанс имеют правильные вертикальные линии, то колонны барокко часто можно встретить закрученными с массивным декором в верхней и нижней части.







Актуален ли стиль сегодня?

В погоне за новыми идеями только в 20 столетии зародилось немало современных направлений в интерьере. Однако не всем по душе жить в окружении пластика, металла и бетона. Поэтому люди начали стремиться оформлять жилища, выдержанные в давно появившихся жанрах с многовековой историей.

Стиль дизайна ренессанс не исключение. Его часто предпочитают ценители истории Европы и культурных ценностей. Также он будет по душе тем, кто увлекается творчеством Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело.

Яркий пример стиля можно наблюдать в Ватикане, где сосредоточено немало оригинальных работ великих живописцев, скульпторов и архитекторов.

На сегодняшний день, ренессанс в интерьере реализуют в просторных квартирах и загородных домах. Оформлять жилище рекомендуется с помощью опытного дизайнера, чтобы правильно выразить его черты и не допустить сходства с похожими направлениями.








Оформление жилища в стиле ренессанс

Рассмотрим идеи, как можно реализовать ренессанс в современном интерьере.

Стены.

  • Выполнены преимущественно в светлых тонах.
  • Чтобы стены не казались «холодными», оттенок может быть кремовым, светло-персиковым или светло-зеленым.
  • В качестве материалов используют натуральный камень, мрамор, венецианскую штукатурку или песчаник.
  • Допустимы вкрапления из дерева светлых и темных оттенков.
  • Отдельно предлагаем рассмотреть венецианскую штукатурку.
    В ее состав входят натуральные компоненты. Она ровно ложится на стены и красиво мерцает как при дневном, так и при вечернем освещении. Можно создать интересную фактуру.

Просторная гостиная в стиле ренессанс может быть дополнена настенными фресками – репродукциями популярных изображений великих мастеров эпохи Ренессанса.

Пол

  • Идеальный вариант пола – облицовка мрамором, натуральным камнем. В центре напольного покрытия и по периметру геометрический и симметрический узор.

Такое решение позволяет укладывать материалы в помещениях с повышенной влажностью (ванная, бассейн) и там, где пол быстро истирается (прихожая, кухня).

  • Более бюджетный вариант – керамическая плитка или керамогранит, имитирующий камень. Материал стойкий к истиранию и прочный.

Современные идеи для спальни в стиле ренессанс предусматривают и паркет из светлого дерева. Он нехолодный и приятный для ног. Художественный способ кладки паркетной доски позволяет реализовать характерный для ренессанса орнамент.

Полы при желании покрывают светлым ковром с низким ворсом в спальне и в обеденной зоне.

Потолок

  • Для стиля характерны высокие потолки сводчатого и многоуровневого типа.

Чаще всего их оштукатуривают мраморной штукатуркой светлых тонов. Многоуровневые потолки сочетаются с лепниной или росписью в центре, сосредоточенной вокруг центрального освещения.

  • Лепнина необязательно должна быть белой, как в античности.

Она может быть патинированной или позолоченной. Допустимы небольшие по площади фрески, но без такого размаха, как в Сикстинской капелле.

Если в многоуровневый потолок встраивается точечное освещение, то вокруг него есть окантовка с геометрическим орнаментом или узором в виде плетущейся листвы.

Мебель

  • Изготавливается преимущественно из темного дерева.

Формы выдержаны в симметрии и геометрии. Конструкции не содержат вычурных элементов, но поверхности оснащаются рельефным декором, часто золоченым.

  • Популярный предмет мебели — сундук-кассоне.

Сейчас он носит декоративных характер, но в эпоху Ренессанс в нем хранили вещи вместо шкафов. Он представляет собой вместительную емкость с резным деревянным декором и изображениями в стиле великих художников ушедшей эпохи.

  • Актуальны для стиля обеденные массивные столы с мраморными поверхностями или деревянные круглые столы с грифонами вместо ножек.
  • Буфеты с геометрическим декором, оббитые парчой кресла, стулья, диваны.
  • Кровати – с массивным изголовьем и часто с балдахином.

Помещение не перегружено мебелью. Каждый предмет несет практическую функцию. Центр остается свободным.

Декор

Интерьер эпохи ренессанса сложно представить без декоративных элементов. Они должны быть правильно подобраны и не нести черты похожих течений.

  • На стенах вешают картины эпохи Ренессанса – репродукции известных художников.
  • Актуальны копии скульптур великих мастеров, необязательно полноразмерных.
  • Достаточно будет уменьшенной копии, которая займет почетное место на столе или полке.

Не менее актуальны колоны и пилястры с прямыми вертикальными линиями. Если в стенах есть ниши, в них делают фрески или помещают характерные для стиля статуэтки.










✽ ✽ ✽

Дом или квартира в стиле ренессанс отличаются множеством архитектурных деталей, богатым убранством и безупречным вкусом. Если интерьер оформлен по всем правилам, создается впечатление, что он был создан не без помощи Бернини или Рафаэля, отголоски, деятельности которых ощущаются в каждой детали.

В нашей галерее множество ярких примеров интерьера в стиле Ренессанс – более 700 фото классического дизайна домов и ~ 500 фото классических интерьеров квартир →

особенности, мебель, декор, кухня, спальня, ванная комната

История происхождения

Ренессанс (итал. «Возрождение») берёт корни в Италии 14 века, а в следующем столетии распространяется по всем странам Европы.

Возрождение культуры – так можно описать стиль в общих чертах. Интерес к человеку, творчеству и гуманизму. Один из главных источников влияния – античная культура, в оформлении декора прослеживаются греко-римские мотивы. Философия стиля: революция культуры и создание новой картины мира.

В интерьере ренессанс отличается монументальностью, изысканной торжественностью, пропорциональными и гармоничными формами, единством комнаты без контрастов.

Особенности стиля

Цвета и ткани

В ренессансе используются любые цвета и тона. Однако в интерьере не должно быть цветового контраста: все полутона переходят друг в друга плавно. Благодаря гармонии цветов выполняется главная идея ренессанса – создание спокойной, умиротворяющей атмосферы.

Парча, бархат, теснённая кожа — преобладающие ткани. Шторы обрамляются декоративными шнурками и ламбрекенами с золотистой окантовкой.

Золотой цвет не выступает в роли главенствующего, но используется в каждом помещении, чтобы сделать акцент на деталях и придать интерьеру дополнительную роскошь.

Линии

Симметричность и чёткие формы. Хаотичность в оформлении не допускается, равно как и рассеянность фокуса: всегда есть главный элемент, симметрично которому выстраивается композиция помещения.

Мебель

Мебель подчеркивает симметричность. Столы прямоугольные или восьмиугольные. В оформлении используются сундуки и секретеры. Стулья мягкие.

Сегодня в ренессансный интерьер впишется любая антикварная мебель XVIII века.

Материалы

Идея торжественности ренессанса прослеживается и в используемых материалах: они всегда дорогие и роскошные. Мрамор, песчаник, натуральный камень и расписное дерево – основа ренессанса.

Натуральный камень за счёт своей дороговизны сегодня заменяют искусственным, а вместо мрамора используют стилизованную керамику.

Освещение

В качестве освещения используются классические люстры, настенные бра и настольные светильники. Архаичность стиля подчеркнут светильники-канделябры, а также подсвечники с настоящими свечами.

Зеркала

Ренессанс не тяготеет к искусственному увеличению пространства, поэтому зеркал мало. Как правило, зеркало ставится только в ванную, по желанию в гостиную, а также как элемент туалета в дамской комнате.

Полы

При оформлении полов используются основные характерные ренессансу материалы: керамика, мрамор и камень. Распространены и деревянные полы, основные породы: дуб, эбеновое дерево, орех.

Потолок

Потолки многоуровневые, с расписной живописью или позолоченной лепниной. В традиционных интерьерах потолок высокий и куполообразный. Сегодня вместо мраморного потолка-купола делают деревянные, с углублениями, резьбой и греко-римскими орнаментами.

Декор

В комнатах умеренное количество элементов декора: предпочтение отдаётся открытому свободному пространству. Декор сливается с общим оформлением, подчёркивая гармонию стиля.

Вместе с ренессансом возобновился интерес к античной культуре. Присутствуют колоны, но без практической функции, сугубо как часть декора.

Распространены ниши в стенах, расписанные живописью. В нишах размещают бронзовые скульптуры, статуэтки. Стены украшаются картинами. Сегодня популярны репродукции ренессансной живописи: работы Рафаэля Санти, Леонардо Да Винчи, Микеланджело Буонарроти.

В двухэтажных коттеджах устанавливаются роскошные мраморные лестницы.

Тарелки, чаши и блюдца классической формы, оформлены в нежно-молочных и кремовых тонах. Часто присутствуют позолоченные орнаменты.

Особенности интерьера в комнатах

Кухня и столовая

При оформлении кухни важно выбрать один главный объект и обустраивать помещение исходя из него. Таким объектом может стать кухонный гарнитур или обеденный стол.

Оформление кухни светлое, нежно-кремового, молочного или бежевого цвета. Элементы лепнины отсутствуют.

Обязательно наличие одной роскошной люстры. По вечерам и во время романтических ужинов выставляются бронзовые канделябры с зажжёнными свечами.

Дизайн мебели делается в тон обивки стен и потолка: цвет кремовый или молочный, с золотистым орнаментом.

Столы декорированы под мрамор, стулья либо мягкие, либо деревянные с элементами резьбы.

Спальня и детская комната

Главным элементом дизайна в спальнях являются кровати, стоящие посередине комнаты.

От кроватей строится остальной декор: комод, туалет с зеркалом, книжный или бельевой шкаф. Лепнину в спальнях делают редко, а обрамление золотом, резьба по дереву и украшение мебели узорчатым орнаментом – типично для ренессансных спален.

Люстра одна, изящная, но не большая. Висит над кроватью.

Потолок глянцевый, комбинированный: натяжное полотно и гипсокартон.

На стенах висят репродукции картин эпохи Возрождения, пол покрыт ковром. Напольное покрытие в современных домах – неброский паркет светло-шоколадных оттенков.

На комодах и в углах размещаются живые растения. Туалетный столик украшают вазами со свежими цветами.

Спальни отличаются простором, поэтому мебели – по минимуму. Искусственное расширение пространства в ренессансе неприемлемо, поэтому количество зеркал ограничивается туалетным столиком.

Ванная

Главное правило ванны в стиле ренессанс – простор и минимум убранства.

Ванная или душевая кабинка, прямоугольное зеркало в узорчатой раме и раковина – самый частый вариант интерьера. Все предметы выполнены в кремовых, молочных или белых цветах. Дополнительный декор в виде настенных бра и панно: пастельно-розовых, зелёных или жёлтых тонов.

Стены и потолок оформлены керамической плиткой. Паласы подбираются под цвет и дизайн ванной.

Гостиная

Гостиная просторная, выполненная в светлых тонах и не заставлена мебелью. В помещении только самое необходимое: столик, стулья, диван и секретер. Если позволяет проектировка, устанавливается камин. К стене можно поставить пианино, если оно вписывается по дизайну.

Разбавляют строгость гостиной живые растения.

На потолке обязательно присутствует искусная лепнина, люстра с подсвечниками или стилизованная под канделябр.

Занавески лёгкие, выполненные в цветовой гамме интерьера.

Ренессанс в интерьере. Классические стили

Движение Ренессанс (итал. возрождение) берет свое начало в Италии (1400 – 1700 гг. В его основе — возрождение интереса в классическом искусстве, архитектуре и дизайне к древнему Риму, проявление античных мотивов сквозь призму средневекового интерьера. Стиль в дизайне заимствовал исторические концепции и детали, используя их для создания нового.


Стиль ренессанс в интерьере – это принцип пропорциональности и глубокой перспективы, гармония форм и плавных линий. Эстетика Ренессанса узнаваема по организации жизненного пространства: сводчатые потолки, округлые ниши, рациональность форм. Это большие помещения с округлыми арками, отделка резным деревом, самоценность и относительная независимость каждой отдельной детали, из которых набирается целое.

Богатство цветов и симметрия — ключевые черты стиля. Колонны, пилястры, антаблементы отличались геометрической симметрией. Шахты лестниц больших размеров. Декоративные молдинги, двери, и дверные коробки в домах. Стены были украшены паттернами и фресками, инкрустированы деревянными панелями, раскрашены в яркие цвета и декорированы пилястрами. Большое внимание уделялось росписям на стенах и потолках. Влияние Рима нашло отражение в колоннадах, колоннах, ломаных фронтонах, открытых арках и глиняных плитках кровли.


В качестве напольных покрытий использовался кирпич, плитка, мрамор; укладка выполнялась с геометрическим рисунком. В богатых домах плитка и бетон «терраццо» (венецианская мозаика) были выложены в огромные узоры. Ковры были редкостью и никогда не стелись на пол, иногда ими покрывали столы. Мебель демонстрировала роскошные вкусы владельцев дома. Изготавливалась из дуба или грецкого ореха с резными спиралями, бриллиантами, звездами или мотивами картуши – орнаментальных завитков (на капители), свитков. В обиход вошли сундук-кассоне («cassone»), скамьи «cassapanca», жертвенники, стулья «savanarola» и «sgabello». Стулья начали заменять табуреты и скамьи в качестве обычной мебели для сидения. Диванные подушки добавлялись для комфорта и были богато украшены. Кровати устанавливали на подиумы и имели подголовники, изножья и столбы, которые поддерживали балдахины и занавеси.



Совет руководителя студии

Юлия Семенцова

Руководитель студии

Каждый наш проект отражает потребности, вкус и образ жизни нашего клиента

Аксессуары. В интерьере большая роль отводилась картинам. Небольшие картины имели множество рам (часто позолоченных), как в венецианских зеркалах. Часы были новым изобретением для того времени и вызывали интерес, поэтому стали любимым аксессуаром во многих домах. Любовь итальянцев к музыке нашла отражение в том, что в домах присутствовали музыкальные инструменты. Для освещения использовали свечи с подсвечниками. Позднее появились близкие им по стилю дневные «торшерные» лампы.

В качестве текстильного декора использовался вельвет, дамастная ткань или камчатное полотно, парча (для скатертей), шелк с крупным рисунком и ярких цветов.


Итальянский ренессанс оказал влияние на Францию спустя 100 лет (1500 – 1700 гг). Для стиля характерна симметрия двойных спиралевидных лестниц с геометрически спланированными элементами. Мебель украшали резьбой и инкрустацией (техника «маркетри»), облицовывали эбеновым деревом, скрывали стыки, обивали тканью.


Стиль ренессанс в интерьере, архитектуре и искусстве в каждой стране имел свою историю становления и характерные черты. Испанский ренессанс (1475 – 1780 годы) был уникальным соединением итальянских и французских влияний и существующих традиций Испании (европейская готика и мавританский стили). Мавританские дизайны были основаны на Исламе. Они использовали сплошную поверхность, декоративно составленную из каллиграфии, растительных паттернов и геометрических орнаментов. В результате стиль был оформлен в дизайнерский стиль ренессанса, полностью отличавшийся от того же стиля, который развивался в других странах. Безусловно, стиль ренессанс в интерьере и архитектуре Испании имеет яркий самобытный национальный колорит. Термин «mude’jar» использовался для описания смеси мавританского и христианского стилей в течение позднего Средневековья и раннего периода ренессанса (приблизительно 1200 – 1700). Стиль mude’jar характеризуется сильно выраженным присутствием геометрического орнамента в дереве, штукатурке и плитке, а также использованием ярких красных, зеленых, синих и белых цветов.


Более ранние этапы испанского ренессанса (1475 – 1550 столетия) обычно связывают с «plateresque». Этот период получил такое название после того, как ювелиры начали использовать тщательно разработанные орнаменты в своей работе. Эти орнаментации были смесью деталей итальянского ренессанса и деталями мавританского стиля. Чуть позже, примерно в 1550 году, начал развиваться стиль «desornamentado» (неорнаментированный).

Неорнаментированный стиль был очень простой, почти полностью исключавший орнамент и декорирование. Стены из камня или штукатурки были украшены одеждой или свисающей кожей животных. Новые веяния внесли перемены в стиль ренессанс в интерьере и мебели, теперь мебель использовалась скупо, была украшена минимальным количеством орнамента и несла скорее функциональную, чем эстетическую, нагрузку.


Вскоре после того, как неорнаментированный стиль «desornamentado» сошел со сцены, стала развиваться другая фаза испанского ренессанса – «griggugueresco». Это был наиболее узнаваемый период дизайна в стиле ренессанс в Испании, он продолжался примерно в 1650 – 1780 гг. Говоря о стиле сriggugueresco, можно провести параллели с барокко и рококо других стран, этот стиль был формой реакции против радикально простого стиля «desornamentado». В этот период стиль ренессанс в интерьере приветствовал орнаментацию в поверхности предметов, которая была чрезвычайно щедрой и живо расцвеченной. Поскольку многие домов в Испании были построены без использования даже штукатурки, они использовали мозаичные плитки при постройке стен как декорации.

Выделенные железом орнаменты, особенно подсвечники и медники, жаровни использовались для держания горящих карандашей для обогрева. Потолки с деревянными панелями были также типичными для этого периода. Массивные деревянные двери устанавливались в ниши, подобные оконным. Окна закрывали деревянными ставнями, с железной решеткой или занавесками. Ковры, покрывающие пол и изготовленные вручную элементы из кожи, украшали стены.


На изготовление мебели шло ореховое дерево, дуб, сосна и кедр. Появились стулья из кожи, процарапанной спереди и сзади, расположенной на петлях, чтобы стулья могли складываться и легко перемещаться, «монашеские» стулья, покрытые тисненой кожей. Кордовская цветная дублёная кожа, козлиная или конская, стала ведущим предметом экспорта Испании, с широким спектром финишных отделок, тиснений, рельефов, украшений и цветов.

Знаковым элементом мебели стал письменный стол «vargueno», состоящий из выдвижных ящиков с петлеобразным покрытием спереди и выдвигающейся письменной поверхностью. Внутри было много места для хранения персональных вещей и ценностей. Ткацкий процесс изготовления шелка стал обычным явлением в период criggugueresco, это был шелк с яркими цветными узорами, с вышивкой золотом или серебром. Дамасткая ткань или камчатное полотно для скатертей, парча и вельвет также использовались для оформления интерьеров.

Во времена Ренессанса жилые помещения стали разделять на зоны. Кухня отделяется от столовой, появляется комната для приема гостей, которая отделена от приватной зоны – спальни и кабинета.


Стиль ренессанс в интерьере | WESTWING

Если Вы когда-нибудь бывали во Франции и видели своими глазами величественный дворец Фонтенбло или залы Версальского дворца, Аполлонову галерею в Лувре, либо посещали прекрасный кафедральный собор Санта Мария дель Фьоре в Италии, тогда Вам более чем знаком стиль ренессанс. И даже если все эти монументальные сооружения Вы рассматривали лишь по фото и картинкам, все равно, наверняка Вы знаете этот роскошный стиль.

Мягкие, теплые оттенки эпохи Возрождения, вся ее пафосная роскошь, которая выражалась порой в уровне достатка и наличии «голубых» кровей, дошла и до наших дней. Многие консерваторы, стремящиеся показать достаток семьи, ее принадлежность к высокопоставленным господам, зачастую стараются воссоздать стиль ренессанс в своих домах. У кого-то это получается хорошо, у кого-то не очень – о вкусах не спорят. Мы же поговорим о стиле эпохи Возрождения в целом и его особенностях, а также об основных чертах интерьера.

Характерные черты стиля ренессанс

Цветовая гамма стиля ренессанс в интерьере никогда не выделялась при помощи контрастов. Это мягкость, которой пропитан каждый элемент. К слову сказать, их немало. Ренессанс богат различными вензелями, скульптурной лепниной, сводчатыми арками, выступами. Все в нем располагается строго симметрично, словно создавался он в XV-XVI веках людьми исключительной логики. В нем нет хаоса и разноплановости, зато можно встретить множество повторов, которые не надоедают. Каждую деталь архитектуры ренессанса хочется рассматривать и каждый раз находить что-то новое.

Основой ренессанса в интерьере является бежевый цвет, в сочетании с золотом он дает невероятно богатые оттенки. Некоторые осенние мотивы прослеживаются в интерьере с такой цветовой гаммой, ведь характерными для ренессанса цветами также считаются: бордовый, шоколадный, белый, багряный, желтый, красный и фиолетовый. Все они выражаются в неагрессивных оттенках, дабы не было разрозненности.

Богатство убранства помещения подчеркивается резьбой по дереву дорогих пород, коваными люстрами со множеством ламп, шикарными коврами и, конечно, камином. Все линии в этом стиле плавные, потолки очень высокие.

Особенности интерьера в стиле ренессанс

Для тех, кто хочет воссоздать в своей квартире данное направление, есть огромное количество предметов интерьера, которые может представить Вашему вниманию шоппинг-клуб WESTWING.

Если брать каждый элемент этого стиля в отдельности, то все они вполне могут существовать и вне его рамок, ведь у каждого есть свое «лицо» и характер, к тому же нередко они являются антикварными предметами, либо выполненными под заказ в единственном экземпляре.

Мебель в стиле эпохи Возрождения – это небольшие диваны, не раскладные, часто обивка мягкая с узором из орнамента или цветов. Это резные стулья с высокими спинками округлой формы, столы на изогнутых ножках, мягкие низкие пуфы, которые используются как подставки для ног. Обязательно на каждом диване можно увидеть обилие подушек с декоративными кисточками, а если в комнате установлен гарнитур, то он непременно состоит из дивана с креслами.

Особенностью ренессанса также можно считать шторы с ламбрекенами. Как правило, они однотонные, выполненные из тяжелой ткани с глубоким темным цветом, либо гобеленовые. Подхваты для них всегда кованые, на концах может быть изображение львиной морды, листья или вензеля.

Что касается обоев, то применяемые в эпоху Возрождения бархат, парча и кожа с тиснением, вряд ли доступны для повторения в современных квартирах. Равно как и мраморные или стены из гладкого камня. Поэтому, при подготовке интерьера стиле ренессанс, стоит обратить внимания на обои теплых нейтральных оттенков, с неброским, но часто повторяющимся узором. К примеру: бежевые обои с золотыми тонкими вензелями, вертикальные полосы, либо однотонные.

Интересным вариантом для этого стиля будут выделенные молдингами участки на стенах, куда впоследствии помещают картины или фото в витиеватых рамках.

Гостиная в стиле ренессанс: Вы можете удивлять

Комнатой, для которой стилистика ренессанса идеально подойдет – это гостиная. Она может по праву называться главной комнатой в доме, а потому прекрасно подчеркнет имидж своего владельца и степень его благополучия.

Мебельные гарнитуры, в состав которых входят следующие предметы, наиболее удачный вариант для наполнения гостиной:

Нельзя сказать, что в богатое убранство комнаты входит также большое количество мебели. Скорее наоборот – мебели в гостиной может быть мало, однако оформлена она должна быть роскошно. Поэтому всегда обращайте внимание на материалы, из которых сделана ваша мебель в стиле ренессанс. Лучше, чтобы это был массив натурального дерева – дуба, ореха или красного дерева, а с первого взгляда было заметно, как потрудился над нею мастер. Умело выполненная резьба и придает большей эстетики ренессансу.

Камин в гостиной – это практически неотъемлемая деталь эпохи Возрождения. Отсутствие центрального отопления вынуждало людей устанавливать камины, а в наше время он играет чисто декоративную роль. Камин должен быть высоким, оформленным колоннами и лепниной. Лучше, чтобы он был полноценным дровяным, но тогда Вы обязательно должны подумать систему вентиляции и дымохода. Также можно приобрести электрокамин или биокамин, дабы проблем с установкой стало меньше.

Декор для дома в стиле ренессанс

Для ренессанса характерно обилие декоративных элементов. Они могут быть повсюду, потому как именно декор является логическим завершением интерьера.

Возможно, Вы длительное время любовно собирали коллекцию уникальных декоративных тарелок, либо увлекаетесь творчеством великих художников – Леонардо да Винчи, Микеланджело или Сандро Боттичелли и их работы Вас вдохновляют. Значит, самое время оформить свой дизайн интерьера излюбленным декором.

Картины для стиля эпохи Возрождения означают целую плеяду гениальных творцов, чьи работы навсегда вошли в историю человечества. В интерьере их может быть много, только развешивать их следует строго симметрично, никакого хаоса быть не должно.

А вот декоративные тарелки на подставках займут свое место в серванте. Туда же можно поместить фарфоровые фигурки балерин, либо животных.

Кстати, скульптуры занимают также не последнее место в оформлении стиля ренессанс. На камине или журнальных столиках можно разместить бюсты, вазы и интересные подсвечники. Да и сам камин также оформляется скульптурами, изображающими женщин или мужчин, которые поддерживают колонны, либо виноградными лозами.

Стиль Ренессанс, прочитайте советы — Mebel.ru

Ренессансом, или Возрождением, называют эпоху в истории Европы, начало которой приходится на первую половину четырнадцатого века, а конец — на последнюю четверть шестнадцатого. Отличительная черта эпохи Возрождения — проявившийся впервые со времен Древней Греции интерес к человеку и его деятельности, а также к античной культуре. В это время происходит ее возрождение, или, по-французски, ренессанс — именно так возникло само название.

Переход от готики к Возрождению

В предшествующую Ренессансу готическую эпоху мебель не отличалась как разнообразием, так и удобством. Многие предметы мебели, которые, казалось бы, существовали всегда, в то время еще не использовались — или появлялись их прототипы, не слишком похожие на то, что мы видим сегодня. Ренессанс стал первой со времен античности эпохой, когда мебель обрела множество разнообразных форм и богатую отделку, а вертикальные линии и прямые углы готики сменились более спокойными и гармоничными очертаниями.

Когда мебель перестала напоминать грубо сколоченный ящик

Самым главным предметом мебели в то время был большой сундук, или ларь. Именно он стал основой буквально всей мебели, которую мы знаем сегодня. Сам по себе он мог заменить и скамью, и шкаф.

Откиньте крышку сундука, положите внутрь перину — и получите кровать. Оставьте крышку откинутой и закройте верх обычной доской — будет стул, и если добавить подлокотники — то кресло или даже трон. К слову, и подлокотники тоже представляли собой маленькие сундучки или ящички. В эти готические образцы мастера из Италии (а Ренессанс возник именно в Италии) добавили античной согласованности пропорций, а также обильно их украсили.

У мебели, в том числе и у сундуков, которые по-итальянски назывались «кассоне», стали появляться ножки, в том числе точеные, резные, украшенные позолотой. В Италии в то время впервые начались раскопки римских городов, и найденные при этом предметы мебели сыграли свою роль: появились украшения в виде львиных лап, театральных масок, фантастических животных, гирлянд и венков.

В мебели стали использоваться и архитектурные детали, такие, как колонны, карнизы. Примерно в это врем я был изобретен станок, позволяющий делать тонкие доски, и вслед за скамьей-ларем вошли в обиход стулья привычного нам вида на трех и четырех ножках, большие парадные кровати со столбиками по углам и балдахинами, затем мягкие кресла, бюро, прямоугольные и круглые столы, посудные шкафы. Все это украшалось многоцветной инкрустацией, росписью, позолотой, резьбой.

Деревянная мебель изготовлялась большей частью из ореха, но с развитием мореплавания, освоением Азии и Африки, мастера получили в свое распоряжение красное и тюльпанное дерево, палисандр, тик и бамбук, слоновую кость и перламутр.

Основные признаки стиля

Эпоха Возрождения снова и снова привлекает к себе исследователей и просто любителей. Не удивительно, что и мебель стиля Ренессанс, гармоничная, величественная и удобная сразу, до сих пор охотно используется при оформлении интерьера. Конечно, для такой мебели и пространство требуется соответствующее — но в домах большой площади стиль ренессанс раскрывается во всем своем великолепии.

Этот стиль не признает контрастов: все цвета, сколько бы их ни было, плавно перетекают один в другой. Его принципы — упорядоченность, гармония и симметрия. В каждой комнате, каждом помещении обстановка начинается с основы — главного предмета, вокруг которого строится интерьер. Этим предметом может быть, например, обеденный стол в гостиной — прямоугольный или восьмиугольный, с мягкими стульями, украшенными резьбой, — или камин, или низкий столик в окружении кресел, или даже большое окно, задрапированное шторами из однотонной гладкой ткани с ламбрекенами и витым шнуром.

Материалы

Стиль Ренессанс помнит об античности, об ее любимом материале — натуральном камне, и об античной архитектуре, так что в интерьере должны присутствовать детали из мрамора или песчаника или их имитации: мраморная столешница, каминная доска. Высокий потолок, особенно куполообразный, с лепными украшениями в виде гирлянд и венков из виноградных листьев или гроздьев, арочными конструкциями добавит воздуха и света.

Мебели не должно быть слишком много, чтобы каждый ее предмет можно было разглядеть со всех сторон, оценить богатство отделки и роскошь цвета. В этом интерьере будет к месту венецианское стекло, бронзовые или мраморные статуэтки и, конечно, картины — копии работ великий итальянских мастеров.

Мебель в стиле ренессанс

Что касается мебели, то как нельзя лучше поможет погрузиться в глубины истории тот самый «кассоне» — резной, украшенный росписью, инкрустацией или позолотой ларь на ножках. Его можно использовать как комод или скамью, или просто как декоративный элемент, центр симметрии. Подойдет для гостиной деревянный резной книжный шкаф, секретер, стулья или кресла, обитые бархатом или даже парчой мягких оттенков.

Еще больше подчеркнет атмосферу большой буфет с открытыми полками, на которых выставлена керамическая посуда: стеклянной в эпоху Ренессанса практически не пользовались, зато была очень популярна так называемая майолика — особая техника изготовления керамики. Тогда же возникла мода на фарфоровую посуду, которая тоже будет уместна и в гостиной, и в кухне.

Для кабинета можно выбрать большой письменный стол с множеством отделений, с деревянной или мраморной столешницей, мягкое кресло на ножках крест-накрест и все то же бюро. Центром спальни в стиле ренессанс станет кровать — очень часто ее не придвигают к стене, а устанавливают на середине комнаты. Вокруг нее выстраивается вся прочая обстановка: комод, туалетный столик с зеркалом, бельевой шкаф. Все это дополняется мягкими шторами, ковром на полу и живыми цветами в горшках.

Без сомнений, такой интерьер будет стоить очень недешево, но для создания его совсем не обязательно использовать настоящую антикварную мебель, настоящий мрамор и так далее. Ведь мы не воссоздаем интерьер в стиле Ренессанс досконально, а лишь пытаемся передать свое впечатление о нем. И тем не менее, его упорядоченность, симметрия, отсутствие лишнего по-прежнему привлекательны даже спустя годы.

Раннее Возрождение Искусство + Архитектура – ​​История

Начало Раннего Возрождения

Проторенессанс 1300-х годов

Раннее Возрождение. Ранний историк искусства и художник Джорджио Вазари считал, что в средние века художники Чимабуэ и Джотто сохранили эстетические принципы классического искусства в работах, которые заложили основу для следующего Возрождения.

Как и большинство художников своего времени, Сенна ди Пеппи, известный как Чимабуэ, создавал преимущественно религиозные произведения. В ту эпоху преобладала византийская иконография и стилизация, изображающие человеческие фигуры в двухмерной форме на плоских изобразительных плоскостях. Тем не менее, в резком контрасте, работы Чимабуэ подчеркивали натуралистические элементы, такие как его Распятие Санта-Кроче (1287-1288). Все еще помещенная в рамки византийской иконографии, работа новаторски опиралась на анатомические наблюдения, чтобы создать ощущение физических и эмоциональных страданий Христа.

Художники этого периода проходили обучение в мастерской мастера, а самым известным помощником Чимабуэ был Джотто де Бендоне, известный просто как Джотто. Популярный анекдот повествует о том, как Чимабуэ обнаружил Джотто маленьким мальчиком, когда тот рисовал и наблюдал за овцами своей семьи.

Джотто был новаторской фигурой, его важность была подтверждена тем, что в 1334 году он был назван Магнусом Магистром (Великим Магистром) Флоренции.1303-10) в Падуе были новаторскими благодаря их скульптурной фигуративной обработке. Изображенные натуралистично, его фигуры стали обретать трехмерность, населяя реальное пространство и передавая настоящие эмоции. Это был радикальный отход от византийских стилей, до сих пор практикуемых многими из его современников, и он оказал исключительное влияние не только на своих современников, таких как Таддео Гадди, Бернардо Дадди и известный Мазолино, но и на художников раннего Возрождения, включая Фра Анджелико, Пьеро делла Франческа и Мазаччо.

Определение термина: Ренессанс

Джорджи Вазари в своей книге «Жизнеописания художников» (1550 г.) впервые ввел термин rinascita , означающий возрождение. Однако французский термин «Возрождение» стал широко использоваться для обозначения исторического периода позже, в середине 19 -го -го века, после того, как историк Жюль Мишле написал « Histoire de France » (1855 г.). Впоследствии модель Якоба Буркхардта периода, начиная с Джотто и заканчивая Микеланджело, определенная в его Цивилизация эпохи Возрождения в Италии (1860), получила широкое распространение.

Современная наука пересмотрела эти определения, так как в 1980-х годах историк Рэндольф Старн описал всеобщее Возрождение как «… сеть разнообразных, иногда сходящихся, иногда конфликтующих культур, а не единую, ограниченную временем культуру» и Стивен Гринблатт определил его как «ранний современный», описывая этот период как переход от Средневековья.

Раннее Возрождение, основанное на гуманизме и классическом римском и греческом искусстве и архитектуре, возглавлялось Брунеллески, чьи работы в архитектуре и открытие линейной перспективы повлияли на эпоху, а также новаторские работы Донателло в скульптуре и Мазаччо в живописи. .Вместе эти трое были названы «триумвиратом Раннего Возрождения» с центром во Флорентийской республике, поскольку растущая мощь Флоренции и покровительство богатых семей, таких как Медичи, создали благоприятную среду для движения.

Флорентийская республика и Медичи

Период раннего Возрождения процветал во Флорентийской республике, которая называла себя «Новыми Афинами», указывая на то, что город-государство считает себя наследником классической традиции.Городом правили торговое сословие и дворянские семьи, в первую очередь семья Медичи, которая должна была стать правящей династией, просуществовавшей до 1737 года. Семья Медичи сделала свое состояние в основном на торговле текстилем, управляемой Arte della Lana, гильдией шерсти. во Флоренции, а в 1377 году Джованни ди Биччи ди Медичи основал во Флоренции банк Медичи. Его сын, Козимо ди Медичи, никогда не занимал должности, но использовал свое богатство и политические союзы, чтобы фактически стать правителем Флоренции. Он был исключительным меценатом, потратив значительную часть своего состояния на заказ произведений искусства, коллекционирование классических текстов и поддержку культурных проектов, таких как основание первой публичной библиотеки. Как он сказал: «Все эти вещи доставили мне величайшее удовлетворение и довольство, потому что они предназначены не только для чести Бога, но и для моей собственной памяти. В течение пятидесяти лет я только и делал, что зарабатывал и тратил деньги; и стало понятно, что тратить деньги доставляет мне большее удовольствие, чем их зарабатывать». Впоследствии частное покровительство богатых семей стало важной движущей силой художественного творчества, позволив использовать темы и методы, которые были недоступны для религиозных и гражданских комиссий.

Конкурс баптистерия

Утверждается, что Раннее Возрождение началось в 1401 году с конкурса, проведенного городом Флоренцией для присуждения комиссии на новые бронзовые двери для баптистерия св. Иоанна, и последствий вражды, которая последовал. На дверях должны были быть панели, изображающие сцены из Ветхого Завета, и семь скульпторов были выбраны для создания одной панели, изображающей жертвоприношение Исаака для конкурса. Сохранились только проекты Лоренцо Гиберти и Филиппо Брунеллески, и обе работы отражают гуманистический и натуралистический стиль эпохи Возрождения. Восхитившись обеими работами, судьи признали Гиберти и Брунеллески равным и предложили двум художникам сотрудничать в проекте. Однако, уязвленный поражением, Брунеллески ушел, и Гиберти один взялся за проект, сделавший его знаменитым. Тем не менее, именно последующая работа Брунеллески стала основой Раннего Возрождения, так как, горько разочарованный, когда его проект не выиграл конкурс, он отказался от скульптуры и обратил свое внимание на архитектуру.

Филиппо Брунеллески

Путь, который привел к открытию Брунеллески линейной перспективы, в которой относительный размер, форма и положение объектов определяются нарисованными или воображаемыми линиями, сходящимися в точке на горизонте, начался после его сокрушительного поражения в проект баптистерия и радикально изменить искусство и архитектуру.Он продал свою небольшую семейную ферму и на вырученные деньги отправился в добровольное изгнание в Рим в сопровождении своего друга, художника Донателло. В течение нескольких лет, часто разбивая лагерь в руинах, пока местные жители не приняли их за охотников за сокровищами, два художника измеряли здания, делали обширные заметки и исследовали принципы классического дизайна. Отказавшись от скульптуры в пользу архитектуры, Брунеллески разработал свою теорию и практику перспективы и математические принципы дизайна.

Вернувшись во Флоренцию, он принял участие в конкурсе 1418 года, проводимом гильдией торговцев шерстью, на строительство купола собора.Над собором работали несколько предыдущих архитекторов, в том числе Джотто, спроектировавший колокольню в 1330-х годах, и к 1418 году здание было почти завершено, за исключением зияющей дыры, ожидающей купола, который никто не знал, как построить. И снова основным конкурентом Брунеллески был Гиберти, который, будучи ведущим художником того времени, не имел большого архитектурного опыта. Конкурс требовал, чтобы каждый архитектор попытался поставить яйцо вертикально на мраморную поверхность.

Раствор Брунеллески стал легендарным, как писал Вазари, «ударив одним концом по плоскому куску мрамора, [он] заставил его встать вертикально….Архитекторы возражали, что могли бы сделать то же самое; но Филиппо ответил, смеясь, что они могли бы сделать купол, если бы увидели его проект». Ибо на самом деле Брунеллески уже создал технически совершенную модель купола. Чтобы создать свой проект, он провел дальнейшие эксперименты в перспективе, и создал несколько устройств с использованием зеркал и расписных панелей. Своими открытиями он делился только с такими друзьями, как Донателло и Мазаччо, так как считал: «Раскрывать слишком много своих намерений и достижений — значит…. отказаться от плодов своей изобретательности.» Соответственно, именно Леон Баттиста Альберти написал ранние окончательные работы по перспективе и технике, хотя он признал лидерство Брунеллески во всех искусствах, посвятив О живописи (1435) ему.

Донателло

Донато ди Никколо ди Бетто Барди, известный просто как Донателло, также участвовал в конкурсе на создание дверей баптистерия, хотя в то время ему было всего 15 лет, и он обучался в мастерской Гиберти.Его близкая дружба с Брунеллески началась около в то же время.У них было много общего: оба скульптора сначала получили образование ювелира, и они должны были оставаться близкими на протяжении всей своей жизни, которую современники описывали как «неразлучные». В Риме Донателло изучал римскую скульптуру и процесс литья по выплавляемым моделям, используемый для создания классической бронзы. Вернувшись во Флоренцию, его работы стали первыми произведениями искусства, в которых использовалась линейная перспектива, как видно из его мрамора «Святой Георгий и дракон» (ок. 1416 г.), где он использовал перспективу и впервые применил новый стиль мелкой резьбы. создать атмосферный эффект.Его бронзовый рельеф Праздник Ирода (1423-1427) сочетал в себе эмоциональную выразительность и классическую форму с системой перспективы, основанной на ортогональных диагоналях и трансверсалях, чтобы привлечь внимание зрителя к пустому пространству между двумя группами на обоих концах стола. тем самым создавая ощущение напряжения.

Мазаччо

Мазаччо, художник, чья карьера продлилась всего семь лет, потому что он умер от чумы в возрасте 27 лет, также был назван «отцом Возрождения».«В его работах использовалась линейная перспектива и натуралистическая фигуративная обработка по-новому, что произвело революцию в живописи. Мало что известно о его жизни или его художественном образовании, хотя к 1426 году он дружил с Донателло и Брунеллески. Работа Брунеллески о перспективе повлияла на Мазаччо, поскольку он консультировался более старый художник на своем Святая Троица (1427-1428), который считается одним из самых ранних примеров перспективы в живописи.Инновации в живописи Мазаччо включали использование одноточечной перспективы, подход trompe l’oeil , натуралистический моделирование человеческой фигуры и единый постоянный источник света, отбрасывающий точные тени.Он также первым применил светотени , создав таким образом иллюзию глубины и изобразив свои фигуры с эмоциональной выразительностью, передав их индивидуальность. Как писал историк искусства Марк Майкл Астарита о Мазаччо, «отличительный знак oeuvre d’art олицетворяет отход от унылой готики … и постепенный переход к картинам, олицетворяющим возрождение или ренессанс классического искусства и архитектуры».

Леон Баттиста Альберти

Леон Баттиста Альберти был самым важным интеллектуальным теоретиком Раннего Возрождения благодаря своим трем томам: De Statua ( О скульптуре ) (1435), Делла Питтура ( О живописи) (1435) и De Re Aedificatoria ( Об архитектуре ) (1452). О скульптуре ознаменовал собой первое использование терминов аддитивной скульптуры, в которой материал добавляется для создания произведения, и субтрактивной скульптуры, в которой материал вырезается или удаляется, чтобы показать произведение, а также подчеркивается натуралистическая обработка и классические пропорции.

Его О живописи , состоявший из трех томов, описывал живопись «как проекцию линий и цветов на поверхность». Он кодифицировал одноточечную линейную перспективу Брунеллески, а также концепции композиции, пропорции и использования disegno , рисунка или линии, и colorito , окраски, в создании живописной гармонии.Он опирался на современные практики таких художников, как Донателло, Гиберти, Лука делла Роббиа и Мазаччо, хотя и помещал их в теоретическую основу, основанную на гуманистической литературе и классических произведениях римлян и греков.

Раннее Возрождение: концепции, стили и тенденции

Ренессансный гуманизм

Ренессанс был философски обусловлен гуманизмом, верой, которая ставила человеческую жизнь в центр вселенной. Широкое культурное движение, начавшееся в 14 -м веке в Италии, выступало за изучение и изучение гуманитарных наук, как видно из произведений классического Рима и Греции.Многие гуманисты были священниками или церковными лидерами, которые считали, что энтузиазм в отношении науки и ее рациональных открытий, интерес к геометрии и математике, понимание классической этики и логики, а также эстетическая оценка искусства и архитектуры классического периода обогатят христианское понимание. . В результате возникнет новое сложное общество, обширное по своим масштабам и знаниям.

Одним из первых лидеров гуманизма был великий поэт 14 -го -го века Франческо Петрарка, по-английски Петрарка, которого называли «основателем гуманизма», а также «основателем Возрождения».Известный ученый и собиратель классических текстов, он заново открыл для себя произведения классических авторов, таких как римлянин Цицерон. Его поэзия также была революционной в том смысле, что он писал на итальянском, а не на латыни средневековой Европы, период, для которого он придумал Термин «темные века». Возрождение классических текстов стало ключом к гуманистической мысли. семь пап за всю его жизнь.Во Флоренции Никколо де Никколи стал лидером гуманистической мысли, прежде всего благодаря его обширной библиотеке латинских и греческих классических текстов, которые стали известным кормом для флорентийской интеллектуальной жизни. Он был тесно связан с Козимо Медичи.

Архитектура

Здания и проекты Брунеллески широко использовались более поздними архитекторами. Его инновации включали использование круглых колонн с классическими капителями, круглых арок и сегментированных куполов, построенных с помощью математических соотношений.Его ранняя Ospedale degli Innocenti (1419–1427), или Госпиталь невинных, отличалась декоративным мотивом, сочетающим стены из белого камня с серыми архитектурными элементами, который стал известен как pietra serena , или безмятежный каменный стиль. Его проекты флорентийских церквей Сан-Лоренцо (ок. 1425 г.) и Санто-Спирито (ок. 1428 г.) положили начало использованию модульной конструкции и церкви в форме латинского креста. Для Санта-Мария-дельи-Анджели (1434 г.) он впервые спроектировал церковь с централизованным планированием, которая получила широкое распространение в эпоху Возрождения.

Другими известными архитекторами были Леон Баттиста Альберти и Микелоццо ди Бартоломео Микелоцци. Козимо ди Медичи поручил Микелоцци спроектировать свой дворец, Палаццо Медичи (1444-1484) во Флоренции. Микелоцци использовал трехчастное деление, чтобы придать массивному зданию вертикальный подъем и отразить классическое чувство гармонии и порядка. Получившийся в результате стиль стал известен как стиль Палаццо и продолжал оставаться популярным в 19 и 20 веках.

В 1440-х годах Альберти активно занимался архитектурой.Его De Re Aedificatoria ( Об архитектуре ) был получен из De Architectura Брунеллески и римского архитектора Витрувия , который выступал за пропорциональную гармонию, основанную на золотой середине. В 1450 году он предпринял свой первый архитектурный проект, перепроектировав церковь Сан-Франческо в Римини, а затем ему было поручено спроектировать и завершить фасад церкви Санта-Мария-Новелла (1456–1470) во Флоренции. Как архитектора Альберти называют «архитектором-призраком», который предпочитает сосредотачиваться на дизайне и редко занимается практическими вопросами строительства.Два из его самых известных объектов, церковь Сан-Себастьяно в Мантуе и церковь Санта-Андреа во Флоренции, были завершены после его смерти, и его проекты, и особенно его письмо, повлияли на последующую архитектуру.

Живопись

Многие великие произведения Раннего Возрождения были религиозными фресками, начиная с фресок Мазаччо в Капелле Бранкаччи, которые изучались последующими мастерами Возрождения. Многие из известных мастеров фресок, в том числе Фра Липпи, Фра Анджелико, Пьеро делла Франческа, Алессандро Боттичелли и Андреа Мантенья, сосредоточились на религиозной тематике, используя при этом новые приемы перспективы, ракурс, флорентийский акцент на плавных линиях, натуралистический и анатомические детали, и trompe l’oeil .

Также была введена масляная живопись, как видно на картине Антонелло да Мессина Sibiu Crucifixion (1454-1455). Другие художники, такие как Пьеро делла Франческа в его Бичевании Христа (ок. 1455 г.), экспериментально сочетали масло с темперой на панелях. А некоторые художники привнесли новаторский акцент на цвет и текстуру в темперную живопись, как это видно в пастельно-розовой и зеленой палитре Алтаря Святой Люси Доменико Венециано (1445-1447) под влиянием венецианской школы.

Также был введен новый предмет. Фреска Андреа дель Кастаньо по заказу «Цикл известных мужчин и женщин » (ок. 1449–1451) изображала портреты трех тосканских поэтов, трех известных женщин древности и трех военачальников из Флоренции. Его обращение также было новым, поскольку он рисовал их в архитектурных нишах, чтобы создать иллюзию скульптуры. Портреты знатных семей пользовались большим спросом, как видно из «Портретов герцога и герцогини Урбино » (1465–1472) Пьеро делла Франческа, в то время как Доменико Гирландайо стал пионером портретов, сосредоточив внимание на глубоко индивидуализированных, но обычных людях, как видно из его «Портрета ». старика с внуком (1490).

Художник Паоло Уччелло стал пионером батальной живописи, создав знаменитую картину Battle of Romano (1435-1460), изображающую битву 1432 года между Флоренцией и Сиеной. Уччелло был известным математиком, создавшим своеобразный стиль, сочетавший новаторское использование перспективы с элементами стиля поздней готики. Его Погребальный памятник (или Конный памятник ) сэру Джону Хоквуду (1436), как и многие другие работы, представлял собой фреску, которая казалась почти скульптурной.

Скульптура

Наиболее известными скульпторами Раннего Возрождения были Донателло, Гиберти, а позже в этот период Андреа дель Верроккьо. Натурализм и классические пропорции римской и греческой скульптуры вдохновляли их работы, хотя и интерпретировались через акцент эпохи на индивидуальности и гуманизме. Самые известные скульптуры того периода были созданы с использованием процесса утраченного воска, также возрожденного в римскую эпоху.

Гиберти должен был спроектировать два набора дверей для баптистерия во Флоренции, из которых второй, изображающий десять панелей со сценами из Ветхого Завета, завершенный в 1452 году, стал самым известным.В них Гиберти усовершенствовал использование перспективы и фигуративного моделирования для создания работ, которыми восхищались как за их классическую красоту, так и за их эмоциональную индивидуальность. Микеланджело назвал их «Вратами рая», так с тех пор называли двери высотой 17 футов, позолоченные.

Gattamelata (1453) Донателло, произведение реалистического величия, создано под влиянием бронзовой Конной статуи Марка Аврелия (ок. 173-76 н.э.). Однако версия Донателло оживила тему, подчеркнув индивидуальность Аврелия, анатомическую мускулатуру лошади и включив такие символические элементы, как копыто лошади, опирающееся на пушечное ядро.Вызывая военную мощь Венеции, он стал характерным отражением эпохи Возрождения.

Донателло считался величайшим скульптором Раннего Возрождения, отчасти из-за его разнообразия предметов и его способности к индивидуальному выражению каждого. Это можно увидеть в его новаторски эротизированной статуе Давида или в его мощной выразительной более поздней работе Кающаяся Магдалина (1453-1455). 1473-1475) и его Конная статуя Бартоломео Коллеони (1480-1488).

Более поздние разработки — после раннего Возрождения

Влияние Раннего Возрождения невозможно переоценить, поскольку его нововведения не закончились в конце 1400-х годов, а распространились из Флоренции по всей Италии и Европе. Работы художников раннего Возрождения стали основой для последующих периодов Высокого Возрождения, Североевропейского Возрождения, маньеризма и барокко. Сама Флоренция продолжала оставаться вдохновляющей художественной средой для следующего поколения, поскольку здесь жили и учились Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль.Микеланджело находился под особым влиянием Мазаччо, его учителя Гирландайо и его обучения в мастерских семьи Медичи. Леонардо да Винчи обучался у Андреа дель Верроккьо. Фреска Мазаччо Изгнание из Эдемского сада , 1426-1427 повлияла на него, а его исследования Альберти О живописи (1435), а также исследование перспективы Пьеро дель Франческа повлияли на его мысли и работу.

Рисунки Альберти, Микелоцци, Брунеллески и потолочной росписи Мантеньи trompe l’oeil должны были информировать различные архитектурные стили и проекты в 19-м и 20-м -м веках.Картины Боттичелли, заново открытые в 19 веке, оказали заметное влияние на Братство прерафаэлитов, а впоследствии стали одними из самых популярных и художественно переосмысленных произведений 20 века.

Концепция гуманизма, которая так сильно определила период раннего Возрождения, остается важной моделью для процветающего общества и вечным уроком о преимуществах интеллектуальных и творческих занятий, основанных на глубоких знаниях в области искусства и науки в конкретном обществе.

Рождение стиля Возрождения

Окружающая среда.

Развитие уникального стиля эпохи Возрождения было сосредоточено во Флоренции, городе, который часто называют «местом рождения Возрождения». Хотя жители Флоренции не в одиночку создали возрождение культуры и образования, которое произошло в Европе в тот период, они, тем не менее, стали пионерами новых архитектурных стилей, которым подражали сначала в Италии, а затем и за рубежом. Это возрождение было очевидным для посетителей города в пятнадцатом веке, когда они видели, как городская ткань преображается за счет строительства множества новых архитектурных памятников, большинство из которых создано в стиле, имитирующем здания античности.В этот период строительство Флоренции эпохи Возрождения было важной отраслью, основу которой можно проследить до особых обстоятельств истории города в позднем средневековье и раннем Возрождении.

Население.

В течение тринадцатого и начала четырнадцатого веков население Флоренции быстро росло, быстрее, чем в большинстве европейских городов того времени. Около 1200 года, например, город был меньше соседней Пизы. Немногим более века спустя, во времена Данте и Джотто, его число увеличилось как минимум в четыре раза.Население города тогда, вероятно, составляло около 90 000 человек. Несмотря на небольшой размер по современным меркам, город считается одним из крупнейших в Европе. Это грандиозное расширение вызвало строительный бум, начавшийся с возведения новых стен для защиты города. Новая система укреплений была построена вокруг Флоренции в конце двенадцатого века, но столетие спустя уже была необходима другая. Эти новые стены, начатые около 1284 года, не были завершены до середины четырнадцатого века. Когда они были завершены, они в пять раз увеличили площадь, окруженную городскими укреплениями.Однако такие амбициозные планы оказались излишними. Между 1347 и 1351 годами Черная смерть сильно поразила Флоренцию, как и другие европейские города того времени; Население Флоренции внезапно и резко сократилось, поскольку болезнь быстро распространилась по густонаселенным улицам и переполненным домам. Население Флоренции могло сократиться наполовину после Черной смерти, а численность населения города оставалась ниже уровня до чумы в конце четырнадцатого и начале пятнадцатого веков, отчасти из-за возобновления вспышек болезни.

Капитализм.

Несмотря на то, что Черная смерть вызвала внезапные экономические потрясения в городах и сельской местности Европы, гораздо труднее делать общие выводы о долгосрочных экономических последствиях эпидемии. Убыль населения по-разному повлияла на различные отрасли промышленности Европы. Например, виды деятельности, требующие большого труда, имели тенденцию к росту реальной заработной платы их рабочих, поскольку рабочих было меньше, чем до Черной смерти. Во многих частях Европы дворяне и крестьяне обращали свои земли в скотоводческие цели, разводя овец и других животных, что требовало меньше рабочей силы, чем другие виды сельского хозяйства.Увеличение производства шерсти это преобразование предоставило производителям в таких городах, как Флоренция, постоянный источник дешевого сырья для переработки в готовую ткань. В то время как многие богатые семьи вымерли во время эпидемий четырнадцатого века, те, кто выжил, теперь оказались в идеальных условиях, в которых они могли укрепить свой контроль над местной экономикой. К 1400 году все данные свидетельствуют о том, что в руках богатых флорентийских купцов, банкиров и промышленных производителей накопилось огромное количество богатств.В последующие годы большая часть этого богатства пошла на строительство зданий, призванных прославить и увековечить самые известные семьи города. В результате строительные торги стали свидетелями беспрецедентное расширение, поскольку города по всей Италии, но особенно во Флоренции, направляли значительные капитальные ресурсы на строительство.

Приманка древности.

Флоренция, как и многие итальянские города начала пятнадцатого века, была республикой, в которой долгое время господствовала олигархия, состоящая из видных семей.В течение пятнадцатого века семья Медичи, в частности, усилила свой контроль над политической структурой Флоренции, в то же время поддерживая претензии Флоренции на статус республики. Контроль города распространился на окружающую сельскую местность, и в течение пятнадцатого века Флоренция продолжала завоевывать многие соседние города Тосканы, взяв их под свой контроль. Эти завоевания, которые происходили в течение многих лет, теперь были все более необходимы для защиты города от угрозы внешнего вторжения.Около 1400 года Флоренция чудом предотвратила серьезную угрозу своей независимости от Миланского герцогства, когда внезапная вспышка чумы поразила вражеские армии. Спустя десятилетие нависла еще одна угроза, на этот раз со стороны Неаполитанского королевства на юге. Болезнь снова помешала завоеванию города. В этой ситуации постоянной опасности образ города как Давида, противостоящего великим Голиафам Италии, стал мощным символом городской мифологии. В то же время философы-гуманисты, художники и архитекторы города изучали античный мир Рима и Греции, находя родство с урбанистической изысканностью и республиканскими ценностями греческой, этрусской и ранней римской цивилизаций.В течение десятилетий после 1400 года богатые семьи Флоренции окружили себя атрибутами античности не только в своей интеллектуальной культуре, но также в своем искусстве и архитектуре. Хотя это пристрастие к античности, безусловно, было отличительной чертой флорентийского Возрождения, в то время оно также становилось общим явлением по всей Италии. Даже в городах, управляемых деспотическими князьями, правители и подданные приходили к более глубокому пониманию и оценке древнего мира. Однако во Флоренции возрожденный классицизм архитектуры эпохи Возрождения сыграл жизненно важную роль в выражении ценностей независимости, гражданской активности и местной идентичности.

Средневековые проекты.

Несмотря на резкое сокращение населения Флоренции в результате Черной смерти, многие проекты общественных зданий продолжались в четырнадцатом веке. Некоторые из этих проектов все еще находились в стадии строительства, даже когда новая архитектура эпохи Возрождения изменила городской пейзаж.Около 1300 года правительство города начало строительство новой ратуши. Сегодня известное как Палаццо Веккьо (или Старый дворец, чтобы отличить его от другого гражданского комплекса, датируемого шестнадцатым веком), здание было построено в полностью средневековом стиле, с сильно рустованными стенами и зубчатой ​​башней. К концу четырнадцатого века город также открыл новую площадь за пределами ратуши, снеся средневековые дома, стоявшие на этом месте. Правительственная площадь Флоренции отличалась своими размерами и привлекательной формой, и, несмотря на средневековое происхождение, на площади были выставлены скульптурные работы самых выдающихся художников города эпохи Возрождения, и эта практика сохранилась и по сей день. Второй крупный проект четырнадцатого века, городской зерновой рынок, начался в 1336 году. Когда он был завершен, крытый рынок Орсанмикеле стал самым сложным в Европе. Построенное из камня, здание было более 120 футов в высоту и имело два этажа сводчатых площадей для торговых точек. Еще до завершения строительства отцы города Флоренции переоборудовали здание, позволив его использовать городским братствам и гильдиям в качестве центра их благотворительной деятельности и религиозных обрядов.Оформление нового религиозного комплекса поглотило энергию многих флорентийских художников и скульпторов в эпоху раннего Возрождения. Хотя их дизайн все еще носил средневековый характер, масштабы Орсанмикеле и Палаццо Веккьо выходили далеко за рамки других проектов, построенных во Флоренции в предыдущие века. Они, в свою очередь, вскоре затмятся строительством городского собора, самого крупного проекта, когда-либо реализованного в городе, и по-прежнему одной из крупнейших церквей в мире.

Собор.

Хотя работы над Флорентийским собором начались в 1296 году, на завершение гигантского сооружения ушло более полутора веков. Создатели собора изначально задумывали его как общественный памятник, а не церковный объект. Городское правительство и местные гильдии, например, финансировали строительство церкви, и архиепископы Флоренции мало что могли сказать о том, как было построено сооружение. Со временем самая влиятельная гильдия города, Arte de Lana или «гильдия шерстяных мастеров», контролировала строительство собора, учредив специальный Совет по работам собора, которому было поручено контролировать все вопросы, касающиеся строительства.Этот совет назначил многих известных художников и скульпторов города для украшения проекта, в том числе Джотто Бондоне (ок. 1277–1337), которому уже давно приписывают проектирование изящной колокольни или колокольни собора, в качестве руководителя работы. в последние годы своей жизни. Большинство европейских городов с аналогичными проектами, реализуемыми во время Черной смерти, отказались или радикально урезали свои планы в годы после эпидемии. Это не было случай во Флоренции, где строительство собора продолжалось, несмотря на сокращение населения города после Черной смерти. В 1350-х годах строители завершили колокольню сооружения, а вскоре после этого флорентийцы заложили опоры массивного перехода церкви, участок между нефом и хором. Масштабность, заложенная для этих причалов, обязывала Флоренцию к строительству здания поистине огромных размеров. В течение многих лет проект продолжался, хотя никто не имел ни малейшего представления о том, как пересечение сооружения диаметром более 130 футов должно было быть покрыто крышей.

ОСВОЕНИЕ ДРЕВНИХ СТРОИТЕЛЬНЫХ ПРАКТИК

Введение: Флорентийский ученый Антонио Манетти (1423–1491) первым написал биографию великого архитектора раннего Возрождения Филиппо Брунеллески.В нем он хвалит Брунеллески за его новаторство. Следующий отрывок из этой биографии описывает, как архитектор овладел процессом строительства, изучая сооружения Древнего Рима.

Увидев большие и трудные проблемы, которые решались в римских постройках, он исполнился немалого желания понять, какие методы они переняли и какими инструментами [они работали]. В прошлом он делал для своего удовольствия часы и будильники с различными типами пружин, собранных из множества различных приспособлений.Все или почти все эти пружины и приспособления он видел; это очень помогло ему в воображении различных машин, используемых для переноски, подъема и тяги, в зависимости от случаев, когда он видел, что они были необходимы. Он делал записи или нет, в зависимости от того, что он считал нужным. Он видел некоторые развалины, некоторые еще стояли прямо, а другие были опрокинуты по разным причинам. Он изучил способы центрирования сводов и других подмостей, а также то, где можно обойтись без них, чтобы сэкономить деньги и силы, и каким методом следует следовать.Точно так же [он рассмотрел] случаи, когда нельзя использовать леса из-за слишком большого свода и по разным другим причинам. Он видел и рассматривал множество прекрасных вещей, которые с тех античных времен, когда жили добрые мастера, до сих пор не использовались, насколько нам известно, никем другим. Благодаря своей гениальности, путем опытов и ознакомления с этими методами, он тайно и с большим усилием, временем и усердной мыслью, под предлогом того, что делает не так, как он, достиг полного овладения ими, как он потом доказал в нашем городе и в другом месте …

В этот период в Риме он почти постоянно был со скульптором Донателло. С самого начала они были согласны в вопросах скульптуры, в частности… [но] Донателло никогда не открывал глаза на архитектуру. Филиппо никогда не говорил ему о своем интересе, то ли потому, что не видел в Донателло никаких способностей, то ли потому, что сам не был уверен в своей хватке и с каждой минутой все отчетливее видел свои трудности. Тем не менее, они вместе сделали грубые чертежи почти всех зданий в Риме и во многих местах в окрестностях, с измерениями ширины, длины и высоты, насколько они могли установить их на основании суждения.Во многих местах были произведены раскопки, чтобы увидеть соединения частей зданий и их природу, и были ли эти части квадратными, многоугольными или идеально круглыми, круглыми или овальными, или какой-либо другой формы… Причина, по которой никто не понял почему они сделали это, так это то, что в то время никто не думал о древнем методе строительства, и не думал в течение сотен лет.

источник: Антонио Манетти, Жизнь Филиппо ди Сера Брунеллеско , in Документальная история искусства . Том. I. Ред. Элизабет Г. Холт (Нью-Йорк: Doubleday Anchor, 1957): 177–178.

Купол Брунеллески.

В годы после 1400 года архитектор Брунеллески работал над решением этой головоломки. Первоначально получив образование скульптора, Брунеллески стал финалистом конкурса на создание новых дверей для баптистерия Флорентийского собора в 1401 году. Судьи не смогли выбрать между представлениями Брунеллески и его конкурента Лоренцо Гиберти и присудили комиссию, которую должны разделить оба.Брунеллески, согласно давней легенде, отказался принять этот план, и с этого момента он отвернулся от скульптуры, чтобы посвятить себя архитектуре. Он отправился в Рим, где изучал здания древнего мира, измеряя их пропорции и анализируя структурные элементы. К 1420 году он усовершенствовал свои навыки архитектора. Его проекты купола для завершения городского собора были приняты, и началась работа над его новой концепцией. Существующая структура, собор в готическом стиле, сформировала планы Брунеллески для этой работы, и, за исключением фонаря, который находится на вершине конструкции, в куполе архитектора мало классических влияний. Однако изобретательные решения, которые Брунеллески разработал для покрытия этого огромного пространства, указывают на его выдающиеся навыки инженера, навыки, которые он позже применит в ряде церквей, часовен и общественных зданий, которые он спроектировал во Флоренции. Брунеллески руководил собором проект в течение ряда лет, ежедневно руководя рабочими бригадами и решая острые вопросы проектирования и строительства. Его решения практических задач строительства показывают сильное изобретательское напряжение его ума.Одной из проблем возведения купола такого масштаба оказался вопрос строительных лесов. Было подсчитано, что он может потреблять древесину из нескольких лесов, чтобы построить леса, достаточно большие для возведения купола сооружения. Вместо этого Брунеллески разработал инновационную систему, в которой леса, расположенные в верхней части барабана купола, можно было перемещать вверх по мере завершения строительства новых секций конструкции. Он также создал устройство, с помощью которого строительные материалы можно было поднимать на эти леса по мере необходимости, изобретение, которое уменьшило количество рабочих, необходимых для перевозки материалов. Структурные элементы купола состояли из восьми ребер, которые поддерживали как внешнюю, так и внутреннюю обшивку. Узорчатая кирпичная кладка между ребрами добавила прочности конструкции, позволив двум элементам — каменным ребрам и кирпичной кладке — поддерживать внутреннюю обшивку купола. Ряд контрфорсов, расположенных вокруг основания или барабана купола, также дополнительно поддерживал всю массу проекта. Это решение позволило зданию с поразительной простотой возвышаться почти на 40 этажей над горизонтом Флоренции.С момента завершения строительства в 1436 году купол Брунеллески стал самым известным и легко узнаваемым символом города.

Прочие проекты.

Когда строительство купола Брунеллески подошло к концу, во Флоренции начался строительный бум беспрецедентных масштабов. Для архитектора Брунеллески управление проектом собора было постоянной работой, требующей его ежедневного присутствия. Несмотря на то, что требования к этой работе были значительными, Брунеллески все же нашел время для проектирования ряда построек в других частях города. Эти проекты помогли сформировать характерный архитектурный стиль эпохи Возрождения, которому подражали более поздние архитекторы. В этих проектах Брунеллески еще больше использовал классический язык, который он изучил, изучая древнюю архитектуру в Риме. Планы архитектора Ospedale degli Innocenti показывают первые попытки художника разработать законченный стиль под влиянием классических пропорций и элементов дизайна. Ospedale, основанный в 1410 году, был приютом для подкидышей или приютом — одним из первых европейских учреждений, занимавшихся проблемой брошенных детей.Столь же новаторским был и дизайн, который Брунеллески разработал для приюта учреждения. В нем он создал аркаду из одиннадцати стройных колонн, которые поддерживали округлые римские арки. Одной из самых значительных вещей в архитектуре, созданной здесь художником, было использование геометрически правильной системы пропорций. Высота каждой колонны, например, равнялась ширине арки, которую она поддерживала, и равнялась расстоянию между внешней колоннадой и внутренней стеной. Брунеллески аналогичным образом использовал правильные пропорции во всех своих планах, создавая таким образом работу, которая была простой, элегантной и визуально сбалансированной.Единственными декоративными элементами, которые он включил в свои первоначальные планы, были коринфские капители с листьями аканта, венчавшие колонны колоннады. Таким образом, в отличие от сложности готической архитектуры, построенной в то время в большей части Европы, его проекты для Ospedale были образцом сдержанности, ясности и простоты. Ключевой особенностью брунеллесской архитектуры было использование числовых отношений. На фасаде здания пропорции, на которые он опирался, использовали отношения один к двум, один к пяти и два к пяти.Брунеллески повторил те же числовые соотношения в интерьерах здания. Эти числа были выбраны не случайно, а имели религиозное значение: один был числом, связанным с Богом-Отцом, два — с Иисусом Христом, а пять — числом ран, полученных Спасителем во время распятия. Кроме того, кратное двум и пяти равняется десяти, числу Заповедей, которые были важным набором строгостей, используемых при воспитании детей приюта. Таким образом, математические отношения Брунеллески, которые были легко понятны проницательному наблюдателю пятнадцатого века, выражали определенные лежащие в основе религиозные идеалы, особенность его архитектуры, которая стала одной из отличительных черт дизайна эпохи Возрождения.И в пятнадцатом, и в шестнадцатом веках архитекторы использовали числовые отношения, пропорции и формы не только для создания гармоничных проектов, но и для выражения основополагающих философских и религиозных истин.

Церкви.

В серии церквей и часовен, спроектированных по всей Флоренции, архитектор усовершенствовал свой новый классический язык. Работа над планами Брунеллески для церкви Сан-Лоренцо началась в 1421 году. Семья Медичи, которая в то время приобрела известность, профинансировала большую часть строительства этого проекта, и их связи с церковью оставались прочными на протяжении пятнадцатого и шестнадцатого веков. .В своих проектах для Сан-Лоренцо Брунеллески впервые применил архитектурную систему одноточечной перспективы. Глядя вниз на церковь от главного алтаря до конца нефа, линии и колонны церкви спроектированы так, что они уменьшаются и сходятся в одной точке в задней части строения. Вместо тайны готической церкви Брунеллески выразил здесь архитектурную систему, в которой игра света на простых изысканных поверхностях напоминала величественные внутренние пространства древнего Рима.Вместо традиционного латинского креста обычно полагались в западной церковной архитектуре зодчий заменил Т-образную форму древнеримской базилики. По обеим сторонам нефа колоннада коринфских колонн, поддерживающих римские арки, выделяет боковые проходы, в которых часовни церкви снова утоплены в римские арки. Над этими арками круглые окна, известные как oculi , пропускают свет в пространство. Во всей конструкции Брунеллески ограничил использование материалов серым камнем, известным в Италии как pietra serena , и белой штукатуркой.Хотя полученный эффект суров, он также рационален, гармоничен и в целом привлекателен. Использование двухцветной палитры серого и белого, найденной в самых ранних творениях Брунеллески, стало давней чертой тосканского дизайна, сохранившейся до девятнадцатого века. Архитектор усовершенствовал этот новый классический стиль церковной архитектуры в своих планах новой церкви Санто-Спирито, здания, которое в конечном итоге заменило старое средневековое сооружение на месте. Здесь Брунеллески полагался на другой набор пропорций, чтобы создать структуру, которая кажется более массивной и внушительной, чем более легкий и элегантный Сан-Лоренцо.В случае обеих церквей Брунеллески планировал разместить строения на впечатляющих площадях, которые служили бы центром общественной жизни. К сожалению, ни тот, ни другой проект не был выполнен так, как хотел художник, хотя позже архитекторы изучали его планы. Таким образом, они оказали косвенное влияние на развитие идей городского дизайна в эпоху Возрождения. Для церкви Санта-Кроче во Флоренции Брунеллески спроектировал третий архитектурный шедевр — небольшую капеллу Пацци, которая представляет собой отдельно стоящее сооружение на территории церкви. В этом здании контраст между позднесредневековым архитектурным миром и развивающимся Ренессансом становится еще более очевидным. В отличие от сложности и таинственности готических пространств планы Брунеллески для часовни одновременно ясны, изящны и гармоничны. Они также выражают развивающуюся чувствительность гуманистического движения с его упором на представления о вселенной, наполненной вдохновленными Богом гармониями и пропорциями, которые могут быть поняты человеческим разумом.В капелле Пацци художник снова опирался на цветовую схему, которую он выбрал для Санто-Спирито и Сан-Лоренцо: холодный серый и белый. Тем не менее, в этом пространстве оттенки синего — от терракотовых медальонов, разработанных для часовни скульптором Лукой делла Роббиа — смягчают строгость, присущую более ранним постройкам. Кроме того, Брунеллески изменил свои пропорции, чтобы уменьшить масштаб каждого из трех этажей часовни. В результате коринфские пилястры, служащие декоративным элементом на стенах часовни, приобретают еще большее визуальное значение.

Микелоццо.

Все завершенные здания Брунеллески во Флоренции были общественными по своей природе. В то же время в отечественной архитектуре происходила революция, которую возглавил младший конкурент архитектора Микелоццо ди Бартоломео (1396–1472). Микелоццо и его студия спроектировали многочисленные часовни, церкви и монастырские здания во Флоренции и ее окрестностях, а также городские палаццо (дворцы) и загородные виллы. Качество домашней архитектуры в средневековой Флоренции было низким, она состояла в основном из средневековых многоквартирных домов, заполненных многолюдными жилыми домами.Даже самые богатые семьи в городе долгое время цеплялись за дома, похожие на крепости, которые в нестабильном и небезопасном мире Средневековья часто располагались вокруг массивной оборонительной башни. В 1440-х годах Козимо Медичи, глава богатой банкирской семьи и тайный манипулятор флорентийской политики, поручил архитектору Микелоццо спроектировать новый фамильный дворец или палаццо. В то время, как и сейчас, слово «палаццо» в итальянском языке относилось ко всем видам солидных городских построек.Дворец Медичи, спроектированный Микелоццо, стал нервным центром банковских и деловых кругов Медичи, а также домашней резиденцией семьи. В то время Медичи были сравнительно новой богатой семьей, у которой не было дворянского титула. Следовательно, Козимо Медичи хотел использовать свой новый палаццо для создания правильного имиджа. Мы знаем, например, что первоначально он обратился к Брунеллески с просьбой спроектировать здание, но отверг планы архитектора, поскольку считал их слишком показными и сложными.Поскольку Флоренция была республикой (хотя якобы в значительной степени контролируемой Козимо), он хотел дворец, который укрепил бы имидж его семьи как культурных и состоятельных частных жителей города. Выбранный им дизайн Микелоццо несколько изменился на протяжении веков. Он состоял из трех этажей. Первый этаж, который был центром Банк Медичи в эпоху Возрождения изначально имел большие арки в римском стиле, которые были открыты на улицу, чтобы торговцы и бизнесмены могли получить свободный доступ к зданию. Внешние стены этого этажа отделаны деревенскими каменными блоками, а выше, на втором и третьем этажах, кладка становится все более изысканной. В верхней части здание венчает классический карниз. Хотя дворец Медичи имеет высоту более 70 футов, общий эффект не величия, а приземистости. Внутренний двор наполняет сооружение светом и разбавляет внешний вид крепости. Колоннада, окружающая этот двор, демонстрирует влияние проектов Брунеллески для Ospedale, хотя Микелоццо использовал колонны, которые были короче и массивнее, чтобы выдерживать тяжелый вес верхних этажей.На современный взгляд внешний вид дворца Медичи кажется далеко не домашним, поскольку его высокие потолки и неприступный деревенский внешний вид, кажется, больше напоминают внешний вид общественных, а не домашних помещений. Однако такие различия не играли большой роли в перегретом коммерческом мире пятнадцатого века. Флоренция, так как большинство семей жили и работали в одном помещении. Дворец Медичи, напротив, предлагал семье большую степень уединения и комфорта, чем обычно было в темных и сырых домах, в которых жили даже многие из самых богатых горожан. Ржавый внешний вид здания также копировал сохранившиеся памятники Древнего Рима, а не средневековые модели, чтобы придать семье Медичи большую респектабельность. Для наблюдателя пятнадцатого века внешний вид дворца, вероятно, производил впечатление достоинства и солидности. Наблюдая с этой стороны, нетрудно понять, почему дворец оказал влияние на строительство многих подобных сооружений для знатных семей Италии.

Альберти.

Леон Баттиста Альберти (1404–1472) был лучшим архитектором XV века, последователем Брунеллески во Флоренции.Один из великих «универсальных людей» эпохи Возрождения, Альберти был гуманистом по образованию и работал во Флоренции в середине 1430-х годов. Хотя он был членом одной из самых знатных семей города, молодой Альберти родился незаконнорожденным и вырос в Венеции в один из периодов изгнания его отца из города. Его отец умер в студенческие годы Альберти, в результате чего молодой ученый остался без достаточных средств, чтобы содержать себя. Таким образом, Альберти искал покровителей в богатых, образованных семьях Италии, среди его выдающихся сторонников были Эсте из Феррары, Гонзага из Мантуи, по крайней мере два папы и семья Ручеллаи во Флоренции. Он спроектировал ряд построек для этих покровителей, а в 1450 году закончил свои Десять книг по архитектуре , работу, возродившую идеи древнеримского ученого Витрувия об архитектурных пропорциях. Хотя его архитектурные идеи не пользовались большим влиянием среди флорентийских строителей пятнадцатого века, архитекторы в других частях Италии подражали его принципам дизайна.

КРАСОТА В СТРОИТЕЛЬСТВЕ

Введение: Книга Леона Баттисты Альберти Об искусстве строительства тесно связана с идеями древнеримского дизайнера Витрувия.Более поздние архитекторы и покровители читали трактат Альберти, и многие идеи Альберти должны были сформировать эстетические ценности позднего Высокого Возрождения. Определение красоты, данное ученым, часто повторялось в эволюции мысли эпохи Возрождения.

Поэтому, чтобы быть как можно более кратким, я определяю Красоту как гармонию всех частей, в каком бы предмете она ни проявлялась, соединенных вместе с такой пропорцией и связью, что ничто не может быть добавлено, уменьшено или изменено, но в худшую сторону. Качество настолько благородное и божественное, что вся сила ума и искусства была потрачена на то, чтобы приобрести его; и лишь очень редко кому-либо или даже самой природе дано произвести какую-либо вещь во всех отношениях совершенной и завершенной. Как необычно (говорит лицо, представленное в «Туллии») красивый юноша в Афинах! Этот Критик Красоты находил, что в людях, которые ему не нравились, было что-то несовершенное или лишнее, что не совместимо с совершенством красоты, которое, как я полагаю, могло быть достигнуто с помощью Орнамента, раскрашивая и скрывая все безобразное, подравнивая и полировка того, что было красиво; так что некрасивые части могли доставить меньше обиды, а более красивые, больше удовольствия.Если это допустимо, мы можем определить Украшение как создание вспомогательной яркости и улучшение Красоты. Таким образом, красота есть некая прелесть, которая присуща и врожденна и распространяется по всему телу, а украшение несколько добавлено или закреплено, а не присуще и врожденно. Поэтому вернуться туда, где мы остановились. Тот, кто хочет строить так, чтобы его постройка была отмечена похвалой, чего желал бы каждый разумный человек, должен строить в соответствии с справедливостью или пропорцией, и эта справедливость пропорции должна быть обязана искусству.Итак, кто станет утверждать, что красивое и справедливое сооружение может быть воздвигнуто иначе, чем средствами искусства? и, следовательно, эта часть строительства, относящаяся к красоте и украшению, будучи главной из всех остальных, должна, без сомнения, руководствоваться некоторыми верными правилами искусства и пропорции, которыми тот, кто пренебрегает, сделает себя смешным. Но есть такие, которые ни в коем случае не допустят этого и скажут, что люди руководствуются различными мнениями в своих суждениях о красоте и зданиях и что формы строений должны различаться в соответствии с особым вкусом и фантазией каждого человека. и не быть привязанным к каким-либо правилам ст.Обычное дело с невеждами презирать то, чего они не понимают!

источник: Леон Баттиста Альберти, Об искусстве строительства , в Документальная история искусства . Том. I. Ред. Элизабет Г. Холт (Нью-Йорк: Doubleday Anchor, 1957): 230–231.

Конструкции.

По приглашению Папы Николая V (1459–1557), папы-ученого, с которым Альберти познакомился в студенческие годы, архитектор выполнил первые планы перестройки собора Святого Петра.Базилика Святого Петра в Риме. Хотя этот проект застопорился еще почти на полвека, Браманте, Рафаэль и Микеланджело — главные строители Ватикана в шестнадцатом веке — все изучали его планы. Идеи Альберти об архитектуре утверждали, что красота — это истина, и что здания должны быть спроектированы рационально, чтобы предоставить людям гармоничное и красивое пространство. В то же время он осознавал функциональность созданных им пространств, настаивая на том, что здания должны служить практическим целям и, следовательно, быть предназначены для их обитателей.Теории Альберти об архитектурной красоте очевидны во дворце, который он спроектировал для семьи Ручеллаи в середине 1440-х годов. Архитектор отказался от тяжелого стиля крепости чуть более раннего дворца Медичи Микелоццо и вместо этого создал фасад, который был в целом более изысканным. В отличие от Брунеллески, который использовал колонны для поддержки своих изящных колоннад и арок, Альберти превратил колонну и пилястру в простые декоративные элементы. Он настаивал, что сама арка представляет собой отверстие в стене, и большинство его проектов сохранили ее сущность.Альберти, например, не создавал колоннады из колонн, поддерживающих римские арки, как это сделал до него Брунеллески. Он развил эти идеи в ряде заказов, которые он выполнил для итальянских принцев, собрав отличительный список творений, которые повлияли на развитие позднего стиля Высокого Возрождения. Одно из самых необычных зданий, которое он спроектировал, предназначалось для печально известного деспота Сиджизмондо Малатеста, в то время правителя Римини. Альберти тогда работал в папском дворе, а также был членом религиозного ордена, но это не помешало ему помочь Малатесте в его планах построить храм, прославляющий языческую ученость и ученых-гуманистов.Первоначально Малатеста планировал перестроить местную церковь, чтобы она соответствовала его амбициям стать языческим святилищем. Однако по наущению Альберти тиран начал полностью заключать бывшую церковь в совершенно новую мраморную оболочку. К сожалению, судьба Малатесты изменилась до завершения строительства святыни, и работа над сооружением была прекращена. Однако внешний вид этого строения показывает успешное освоение Альберти классических элементов дизайна, ассимиляцию, которая также была выражена в планах архитектора церкви Сант-Андреа в Мантуе.Архитектор закончил разработку этого проекта в 1470 году, незадолго до своей смерти, и большая часть его строительства пришлась на его смерть. Здесь он опирался на традиционную латинскую крестообразную планировку конструкции, хотя в своих трудах он выступал за использование центрального стиля, в котором ни одно из расходящихся крыльев церкви не было больше другого. Вместо рядов колонн, которые Брунеллески и другие архитекторы пятнадцатого века использовали для поддержки своих сводчатых потолков, Альберти создал однонефную церковь с боковыми часовнями, утопленными в стены внутри гигантского римского собора. арки.Кроме того, он спроектировал потолок этой церкви как единый округлый бочкообразный свод, который движется к перекрестку и встречается с такими же цилиндрическими сводами в трансептах и ​​хорах. Общий эффект произведенного дизайна одновременно гармонично пропорционален и величественно красив. Поэтому неудивительно, что у элементов стиля Сант-Андреа со сводчатым сводом было множество подражателей, в первую очередь в планах Браманте для новой базилики Святого Петра и иезуитской церкви Иль Джезу, важных проектов шестнадцатого века в городе. Рима.

После Альберти.

Влияние гармоничных творений Альберти вдохновило многих дизайнеров второй половины пятнадцатого века. В Риме работа Альберти для Папы Николая V создала новый городской дизайн города с центром в комплексе собора Святого Петра и Ватикана. Ряд зданий, построенных после 1450 года, кажется, находится под влиянием его идей и проектов, хотя их архитекторы неизвестны. Эти безымянные фигуры скопировали планы Альберти для фасада Санта-Мария-Новелла во Флоренции в нескольких римских церквях в 1470-х и 1480-х годах. Кроме того, архитектурные идеи Альберти очевидны во дворе, построенном для Палаццо Венеция в Рим где-то после 1455 года. Хотя влияние архитектора на последующих дизайнеров было глубоким, новаторы также продолжали появляться на итальянской сцене. Один из них, Джулиано да Сангалло, был первым представителем выдающейся семьи архитекторов. Подобно Брунеллески и Альберти, Сангалло изучал здания Древнего Рима, записав ряд зданий, которые с тех пор исчезли. В Прато, пригороде Флоренции, он спроектировал церковь Санта-Мария-делл-Карчери, в которой образно использовались элементы Альберти, а также планы Брунеллески для капеллы Пацци.В этой конструкции он поместил ребристый купол, подобный тем, которые Брунеллески спроектировал во Флоренции. Сангалло спроектировал саму церковь в центральном стиле, в отличие от традиционного латинского креста, который использовался на протяжении большей части средневековья. В теоретических трудах Альберти по архитектуре подчеркивалось, что центральный стиль, в котором расходящиеся трансепты здания были одинакового размера, был более гармоничным и красивым. Интеграция Сангалло стилей Альберта и Брунеллеска продолжалась во всем интерьере и экстерьере здания.Внутри он украсил конструкцию палитрой pietra serena и белой штукатуркой, типичной для Брунеллески. Однако на внешней стороне церкви архитектор обыграл блестящий белый и зеленый мрамор, подобно фасадам, которые Альберти создал для своих построек. Сангалло создал популярную дизайнерскую практику во Флоренции, и в конце пятнадцатого века он разработал планы ряда очаровательных построек, в том числе новой загородной виллы Медичи в Поджо-а-Кайано.

Дворцовое здание.

В период между 1450 и 1500 годами наблюдался бум строительства городских дворцов для богатых купцов и дворян итальянских городов. Во Флоренции патрицианский класс города бросился подражать Медичи и другим семьям, которые уже построили дворцы в первой половине XIX века. Пятнадцатый век. Фасады этих построек были либо построены из рустованного камня, либо отделаны грубой штукатуркой, известной как интонако. В некоторых случаях оба материала сочетались на одном фасаде.Как и дворец Медичи, впечатление большинства флорентийских дворцов с улицы не производило впечатление роскоши или величия, хотя такие здания выделялись бы в городском пейзаже, заполненном однообразными и ничем не примечательными средневековыми домами. Однако внутри интерьеры были залиты светом стильных двориков, которые обычно служили центром внимания здания. Контраст между темными пространствами, типичными для средневековых домов, и домами эпохи Возрождения, вероятно, поразил наблюдателей пятнадцатого века.Со временем палацци становились все больше и сложнее, поскольку семьи соревновались, чтобы превзойти друг друга. Например, в 1490-х годах известная семья Строцци начала строительство дворца, который, как они надеялись, затмит все остальные в городе. Не завершенный до 1507 года, Палаццо Строцци, как и многие из этих дворцовых проектов, был ранним мероприятием по обновлению города, которое потребовало сноса многих ранее существовавших построек. Семья снесла огромный городской квартал, в который входила массивная средневековая башня, принадлежавшая знатному графу, несколько магазинов и как минимум четыре других дома, чтобы построить свой новый дом.В то время как интерьеры этих жилищ предлагали определенные улучшения комфорта по сравнению с большинством средневековых построек, стены дворца часто были простыми и неукрашенными. Накопление коллекций произведений искусства, обычай, который стал более популярным в то время, во многом уменьшил монотонность новых внутренних пространств Флоренции. Однако даже с этими великими коллекциями дворец не был уютным строением в современном понимании.

Последствия.

Строительство стольких великих сооружений за столь короткое время изменило флорентийский городской пейзаж.Строительство дворца вынудило огромное количество людей покинуть свои дома, поскольку богатые семьи скупали большие участки земли в черте города и сносили бывшие многоквартирные дома. По мере того как бедные жители расселялись по другим районам города, возникали модные и немодные кварталы. Самые богатые семьи города толпились в определенных районах и даже на определенных улицах, а бедняки искали жилье на окраинах застроенных районов города. В результате появились более заметные различия между богатыми и бедными в городе.Известный флорентиец, писавший около 1470 года, заметил, что при его жизни было построено тридцать внушительных городских дворцов. Полвека спустя другой наблюдатель отметил еще двадцать построек, которые были добавлены к городу, но он также заметил, что любому, кто захочет перечислить все главные дворцы города, будет действительно трудно. Строительство такого большого количества внушительных сооружений требовало столь же большого количества дизайнеров и торговцев. Среди архитекторов, которые часто проектировали и руководили строительством этих зданий, были Джулиано да Сангалло, его брат Антонио и их племянник Антонио.Сангалло поддерживали популярный и прибыльный бизнес по строительству дворцов. Но Флоренция также произвела в это время ряд компетентных дизайнеров, людей, которые удовлетворяли потребности богатых горожан в новых помещениях. Большинство из этих деятелей выросли в своих соответствующих гильдиях — ювелирах, столярах и резчиках по камню — и приобрели заметные навыки в искусстве строительства. Около 1500 года художники также входили в число тех, кто проектировал городские здания, и длинный список художников шестнадцатого века, которые проектировали такие здания, включал Рафаэля Санцио, Микеланджело и Джорджо Вазари.Но в большинстве случаев архитектура не была самоокупаемой профессией, как в современном мире. Большинство дизайнеров занимались другими ремеслами, помимо проектирования зданий, и многие просто проектировали одну или две конструкции по просьбе своих покровителей.

Со времен Брунеллески архитекторы часто представляли площади и площади, окружающие построенные ими сооружения; но, как и часто незавершенные фасады церквей эпохи Возрождения, немногие из этих планов когда-либо были реализованы в пятнадцатом веке.Опыт наблюдения за римским форумом, даже в его ветхом и разрушенном состоянии, навел ученых, архитекторов и художников эпохи Возрождения на мысль о общественной жизненной силе античной жизни. Стремясь восстановить такое использование городского пространства, архитекторы пятнадцатого века все чаще обращались к изучению древнего дизайнера Витрувия, а также к работам Полибия. Они часто представляли себе совершенно новые города, спланированные по образцу, предложенному этими античными писателями. Хотя они редко приносили результаты, у этих планов были заядлые ученики в лице художников и дизайнеров, которые пришли позже.Однако XV век дал один прекрасный пример спланированного города. В течение 1460-х годов папа Пий II приказал перестроить свою родную деревню к югу от города Сиены по образцу, предложенному современными архитекторами эпохи Возрождения. В конце концов, названный в его честь Пьенцой, город имел план, в котором улицы и вспомогательные площади расходились лучами от центральной площади. В Пьенце различные архитектурные пропорции установили видимую иерархию между различными постройками города. Архитекторы и художники восхищались такой централизованной рациональной планировкой. Придворный художник Урбино Лучано Лаурана разработал один из самых известных планов идеального города такого рода. В плане примерно 1475 года архитектор сгруппировал все постройки в большой город. вокруг центральной площади, на которой он разместил круглый «храм» в классическом стиле, вдохновленный архитектурными сочинениями Альберти. Центральный итальянский художник Пьеро делла Франческа увековечил визуально привлекательные планы Лаураны в знаменитом панно «Видение идеального города ». Большинству архитекторов пятнадцатого века, включая Лаурану, приходилось довольствоваться гораздо более ограниченными успехами, такими как дизайн небольших площадей, окружающих их архитектурные творения.

Теория.

В пятнадцатом веке также возродился интерес к теории архитектуры. Брунеллески и другие архитекторы изучали здания Древнего Рима, измеряя их пропорции и анализируя элементы конструкции и дизайна. Этот первоначальный интерес породил повышенный интерес к теории архитектуры. Ученый-гуманист и художник Альберти был одним из первых, кто прочел страницы сочинений древнего строителя Витрувия по архитектуре.В своем труде «Об искусстве строительства» , завершенном около 1450 г., он систематизировал представления древних об убранстве и пропорциях в свод архитектурных «законов». Витрувий настаивал на том, что человеческое тело было основной моделью для архитектурного дизайна, и он основывал строительство своих сооружений на пропорциях и элементах дизайна, взятых из тела. Альберти также утверждал, что красивые здания возникли из принципов, аналогичных принципам строения человеческого тела. По словам Альберти, красота возникает в результате взаимодействия элементов дизайна внутри здания, так что, как и в случае с человеческим телом, ни одна часть не может быть удалена без уменьшения эффекта целого.Однако трактат Альберти был прежде всего литературным произведением. Другими словами, он не предоставил никаких иллюстраций, чтобы прояснить, как именно могут выглядеть здания, спроектированные с учетом этих принципов. Чтобы найти ключ к применению его идей, его более поздние ученики изучили многие из них, которые он запланировал по всей Италии.

Филарете и ди Джорджио.

Вскоре после завершения трактата Альберти «Об искусстве строительства» флорентийский скульптор и архитектор Антонио Аверлино (1400–1469), широко известный как Филарете, завершил аналогичную теоретическую работу.Однако, в отличие от работы Альберти, Филарете проиллюстрировал свой «Трактат об архитектуре » примерами зданий, которые он задумал. Архитектор написал работу для герцога Миланского, и, хотя она не была напечатана в следующих поколениях, она получила широкое распространение в виде рукописи. Филарет написал свою теорию с евангельским тоном, пытаясь обратить своих читателей на флорентийский способ построения. Он отмечал возрождение античности, недавно произошедшее в его родном городе, и пытался убедить своих читателей в превосходстве античных стилей строительства.Попутно он консультировал по темам, связанным с орнаментом, украшением, пропорциями и городским дизайном. Однако он писал свои работы не с расчетом на дизайнеров, поскольку адресовал свои комментарии не архитекторам и художникам, а князьям и дворянам. Он надеялся побудить этих деятелей покровительствовать новой архитектуре. Он использовал сложный и надуманный стиль во всей работе, которая включала повествовательный сюжет, в котором придворный архитектор обучает молодого принца строительному искусству. Напротив, Франческо ди Джорджио (1439–1501), сиенский художник, скульптор и архитектор, был более систематичен в своем «Трактате о гражданской и военной архитектуре» , который он, вероятно, написал где-то в 1480-х годах, а затем переработал в совершенно новой рукописи. версия.Как художник, ди Джорджио уделял большое внимание как изобретательности, так и навыкам рисования, которые были необходимы тем, кто надеялся заниматься архитектурой. Как и Филарете, ди Джорджио иллюстрировал свои работы, но делал это более систематически, чем предыдущий теоретик. Его иллюстрации, другими словами, развивали вопросы, которые он обсуждал в тексте, даже если они передавали дополнительную техническую информацию, необходимую практикующему. Это техническое напряжение повторяется и в тексте, поскольку ди Джорджио включил много практической информации о методах измерения высоты и глубины, военной инженерии и гидравлике.Как и многие художники того периода, ди Джорджио также хотел поднять практику своей дисциплины и продвигать ее как усилие, равное по интенсивности и серьезности гуманитарным наукам. В его трактате восхвалялись навыки, необходимые архитектору, включая знание геометрии и арифметики. Он праздновал их как знаки благородства призвания. Вместе с работами Филарета и Альберти трактаты ди Джорджио помогли создать свод архитектурной теории, изучаемой практиками конца шестнадцатого века в Италии и по всей Европе.

Достижение.

Итальянские архитекторы эпохи Возрождения пятнадцатого века добились многих успехов. В начале века Филиппо Брунеллески совершил паломничество в Рим, чтобы изучить конструктивные элементы античных зданий и измерить их пропорции. Вернувшись в родную Флоренцию, он использовал полученные там знания, а также собственные навыки скульптора и каменотеса, чтобы создать потрясающей красоты купол для городского собора. В работах, проводимых по всему городу, он также полагался на свои новые знания классической античности для проектирования зданий, отличающихся изящными гармониями и пропорциями.Успех его первоначальных построек вдохновил других деятелей на создание памятников, в которых использовался визуальный язык классических зданий. Эти архитекторы, первоначально набранные в основном из гильдий каменотесов, ювелиров и плотников, производили работы для постоянно усиливавшегося строительного бума, который происходил в Флоренция в конце пятнадцатого века. Результатом этого строительного бума стало появление в городе новых облицованных мрамором церквей, жилых дворцов и общественных зданий, отличавшихся своими размерами и элегантностью.Другими словами, Флоренция превратилась из средневекового города, заполненного монотонными, похожими на крепости зданиями, в город, перемежающийся большими площадями, внушительными церквями и величественными жилыми домами. Эти события не остались незамеченными в других частях Италии. Во всех городах центральной и северной Италии архитекторы наблюдали за элементами флорентийского дизайна и подражали некоторым его нововведениям. В то время как влияние города было велико, дизайнеры из других городов, такие как Лучано Лаурана и Франческо ди Джорджио, указывают на растущую жизнеспособность и оригинальность центров за пределами Флоренции.К концу пятнадцатого века эта производительность подготовила почву для еще более великой эпохи архитектурных достижений, которая развернулась в следующем столетии.

источники

Р. Голдтуэйт, Здание эпохи Возрождения во Флоренции (Балтимор: Издательство Университета Джона Хопкинса, 1980).

Ф. Хартт и Д. Уилкинс, ред., История итальянского искусства эпохи Возрождения: живопись, скульптура и архитектура. 4-е изд. (Нью-Йорк: Абрамс, 1994).

р.Кинг, Купол Брунеллески (Лондон, Англия: Chatto and Windus, 2000).

Дж. Т. Паолетти и Гэри М. Радке, Искусство в Италии эпохи Возрождения (Нью-Йорк: HN Abrams, 1997).

Р. Тавернор, Об Альберти и искусстве строительства (Нью-Хейвен, Коннектикут: издательство Йельского университета, 1998).

П. Уокер, Вражда, положившая начало эпохе Возрождения: как Брунеллески и Гиберти изменили мир искусства (Нью-Йорк: Harper Collins, 2002).

см. также Изобразительное искусство: раннее Возрождение в Италии

5 зданий, демонстрирующих красоту архитектуры эпохи Возрождения

Слева направо: собор Св.Собор Святого Петра, Фрагмент Базилики Святого Петра, Сикстинская капелла, Палаццо Фарнезе, Интерьер Палаццо Фарнезе, Палаццо Медичи-Риккарди, Шато-де-Шамбор, Фрагмент Шато-де-Шамбор

Ренессанс хорошо известен как период художественного возрождения и творчества, который длился с начала 14 века до начала 16 века. Это «возрождение» было радикальным периодом, изменившим культуру, искусство, ремесло, скульптуру и, конечно же, архитектуру. Эстетически он часто был сосредоточен на возвращении к упорядоченным элементам древнегреческой и римской архитектуры.

Хотя искусство и архитектура эпохи Возрождения быстро распространились по всей Европе, они начались во Флоренции, Италия, с нескольких избранных проектов, которые усовершенствовали идеи симметрии, пропорций и красоты. Поскольку Ренессанс предшествовал периоду декадентского барокко, некоторые из работ эпохи Возрождения в этом списке представляют собой переходы от одного стиля к другому. Другие представляют собой переход от архитектуры эпохи Возрождения к более готическим стилям дизайна.

В этой статье мы разберем общие характеристики, определяющие архитектуру эпохи Возрождения, и познакомим вас с пятью нашими любимыми зданиями, спроектированными в стиле эпохи Возрождения.Вы можете просто найти следующий пункт назначения в своем списке путешествий!

В этой статье мы рассмотрим характеристики архитектуры эпохи Возрождения и некоторые из лучших образцов этого стиля.

 

Характеристики архитектуры эпохи Возрождения

Собор Святого Петра в Ватикане (Фото: стоковые фото с сайта silverfox999/Shutterstock)

Архитектура эпохи Возрождения, как и другие произведения искусства эпохи Возрождения, ориентирована на создание совершенной красоты. Это часто принимает форму симметрии, сосредоточения внимания на пропорциях и подхода к основам классического греческого и римского порядков.

Изучение пропорций — Представления о природной красоте коренились в изучении масштаба и пропорций. Архитектурные элементы были разработаны в соответствии с человеческой формой. Это привело к идее математического процесса, который привел к идеальной архитектурной работе.

Элементы классической архитектуры — Архитектура эпохи Возрождения была поистине «возрождением».Частью возрождения было возвращение к тому, что некоторые считали вершиной архитектуры и искусства. В работах эпохи Возрождения часто использовались классические элементы, включая купола, арки, перемычки и колонны. Некоторые проекты также включают классические ордера: дорический , ионный , коринфский и составной ордера.

Прямоугольные, симметричные планы — Поскольку дизайн архитектуры эпохи Возрождения был в значительной степени ориентирован на порядок и совершенство природной красоты, здания, как правило, были симметричными в плане и были прямолинейными или квадратными.

 

Примеры архитектуры эпохи Возрождения

 

Собор Святого Петра

Собор Святого Петра в Ватикане (Фото: стоковые фотографии Владимира Сазонова/Shutterstock)

Собор Святого Петра иногда называют величайшей из всех христианских церквей и одним из лучших образцов архитектуры эпохи Возрождения. Он также включает в себя множество элементов дизайна в стиле барокко. Хотя работа велась в течение длительного периода времени, большая часть дизайна была создана в основном известными архитекторами и мастерами, включая Донато Браманте , Микеланджело , Карло Мадерно и Джан Лоренцо Бернини .

Вы также можете найти Собор Святого Петра в нашем списке зданий в стиле барокко, которые прославляют экстравагантность архитектурного движения.

Собор Святого Петра в Ватикане (Фото: стоковые фотографии Mahara/Shutterstock)

 

Сикстинская капелла

Часовня Систена в Ватикане (Фото: стоковые фотографии Анны Тарасенко/Shutterstock)

Сикстинская капелла — известная часовня в Апостольском дворце в Ватикане. Он наиболее известен своими знаменитыми фресками эпохи Возрождения Микеланджело , а именно на потолке. Хотя внешний вид часовни очень прост, утонченный интерьер полон невероятных фресок, созданных одними из лучших художников и мастеров того времени.

Чтобы узнать больше, прочитайте нашу статью об истории за потолком Сикстинской капеллы.

Часовня Систена в Ватикане (Фото: стоковые фотографии Krikkiat/Shutterstock)

 

Палаццо Фарнезе

Palazzo Farnese в Риме, Италия (Фото: стоковые фотографии Baloncici/Shutterstock)

Палаццо Фарнезе , спроектированный для семьи Фарнезе в 1517 году, иногда называют высшим образцом архитектуры Высокого Возрождения или, по крайней мере, палаццо эпохи Возрождения.

Первоначально он был спроектирован Антонио да Сангалло Младшим, но его продолжили многие из самых влиятельных архитекторов эпохи Возрождения, в том числе Якопо Бороцци да Виньола, Джакомо делла Порта и Микеланджело.

Несмотря на то, что Палаццо Фарнезе является прекрасным образцом итальянского искусства и архитектуры, в настоящее время он действует как посольство Франции.

Палаццо Фарнезе в Риме, Италия (Фото: стоковые фотографии Массимо Санти/Shutterstock)

 

Палаццо Медичи Риккарди

Палаццо Медичи-Риккарди во Флоренции, Италия (Фото: стоковые фотографии JJFarq/Shutterstock)

Палаццо Медичи-Риккарди — важный пример архитектуры эпохи Возрождения во Флоренции, Италия, спроектированный для знаменитой семьи Медичи .Он описывается как дом эпохи Возрождения, «где все началось», поскольку он позволял работать таким художникам, как Микеланджело , Донателло , Беноццо Гоццоли и Боттичелли .

Палаццо Медичи Риккарди был спроектирован Микелоццо ди Бартоломео и завершен в 1484 году. Проект дворца является прекрасным примером трехсторонней схемы или трех отдельных вертикальных возвышений. Эта обработка фасада была очень популярна в эпоху Возрождения, потому что она символизировала акцент на влиянии человеческого масштаба на архитектуру.

Палаццо Медичи-Риккарди во Флоренции, Италия (Фото: Stock Photos from Federico Magonio/Shutterstock)

 

Замок Шамбор

Замок Шамбор в Шамборе, Центр-Валь-де-Луара, Франция (Фото: стоковые фотографии Tsomchat/Shutterstock)

Шато-де-Шамбор является примером архитектуры французского Возрождения , хотя он имеет много черт французских средневековых замков. Первоначально замок был построен как охотничий домик для короля Франциска I, правившего с 1515 по 1547 год.Хотя план проекта, вероятно, был разработан Доменико да Кортона, возможно, с большим влиянием Леонардо да Винчи , окончательный дизайн был сильно изменен во время строительства.

Одним из явных архитектурных элементов, вдохновленных творчеством Да Винчи, является культовая центральная лестница. Его двойная спираль, или лестница ДНК, — хорошо известная дизайнерская идея, имеющая значение за пределами Шато-де-Шамбор.

Хотя этот проект хорошо известен своей экстравагантностью, в том числе тщательно ухоженной территорией, превышающей весь интерьер Парижа, поддерживать его не всегда было легко.Многие из оригинальных предметов мебели и украшений были проданы во время и после Французской революции, а работы из Лувра и Шато-де-Компьень заменили утраченные работы.

Замок Шамбор в Шамборе, Центр-Валь-де-Луара, Франция (Фото: стоковые фотографии с сайта saiko3p/Shutterstock)

 

Статьи по теме:

5 зданий в стиле модерн, олицетворяющих элегантность этого архитектурного стиля
5 постмодернистских зданий, передающих игривую сторону движения
5 зданий в стиле ар-деко, воплощающих винтажный гламур этого архитектурного стиля
5 зданий в стиле барокко, прославляющих экстравагантность архитектурного движения
5 впечатляющих готических соборов, прославляющих яркий архитектурный стиль

Ренессанс | Реальный виртуальный | Колумбийский университет в городе Нью-Йорк

В архитектуре эпохи Возрождения доминирует группа архитекторов, которые занимались как теорией, так и строительством. Повторное открытие «Де архитектуры», единственного сохранившегося трактата древнеримского архитектора Витрувия, установило модель для понимания принципов архитектуры способом, который заметно отличался от средневекового прошлого. Филиппо Брунеллески, Леон Баттиста Альберти, Донато Браманте, Леонардо да Винчи, Микеланджело и Андреа Палладио — лишь некоторые из наиболее известных архитекторов, чьи постройки изменили городские и сельские пейзажи по всей Италии в пятнадцатом и шестнадцатом веках и продолжали оказывать влияние на Архитектура Европы в ХХ веке.Среди этих имен преобладают люди, которые называли себя гражданами Флоренции, и поэтому именно в этом городе мы находим первое выражение того, что стало считаться архитектурой эпохи Возрождения. Церкви Сан-Лоренцо и Санто-Спирито Брунеллески остаются неоспоримыми примерами строгого интеллектуального понимания меры и дизайна в рамках, охватывающих уроки классической древности. Часовня Пацци, построенная в комплексе францисканской церкви Санта-Кроче, долгое время считалась одним из бесспорных шедевров Брунеллески, зрелой работой, отражающей всю жизнь обучения и достижений.

В последнее время некоторые современные ученые приписывают капелле Пацци имя Микелоццо ди Бартоломео, одного из талантливых современников Брунеллески и архитектора Палаццо Медичи. Эта ситуация отражает постоянную активность исследований в области архитектуры эпохи Возрождения. Если эта новая атрибуция принята, это также предполагает сильное положение, которое Брунеллески занимал в умах своих современников, поскольку капелла Пацци так ясно отражает его стиль.Кто бы ни был фактическим архитектором капеллы Пацци, это небольшое, но важное здание середины пятнадцатого века выражает ясный визуальный язык флорентийского Возрождения. В 1520 году Микеланджело заложил Новую ризницу в Сан-Лоренцо как погребальную часовню для членов правящей семьи Медичи. Часовня Пацци, а также Старая ризница Брунеллески в Сан-Лоренцо оказали сильное влияние на дизайн Микеланджело как образец для подражания, вызов и превосходство.

Архитектура эпохи Возрождения в Северной Европе приняла совершенно иную форму. Например, Королевский замок в Шамборе предает итальянские идеалы в четкой формулировке первоначального плана, но пропорции, расположение окон, архитектурные детали и эффектная линия крыши требуют сочетания итальянских и французских идей, создающих здание с ярко выраженным французским характером. . Этот стиль строительства представляет собой появление французского классицизма, который во многом обязан «Трактату об архитектуре», написанному Себастьяно Серлио. Другие примеры французского классицизма, развившегося в шестнадцатом веке, включают части замка в Блуа и площади Лувра, начатые Пьером Леско в 1546 году.

Архитектурные модели, созданные в эпоху Возрождения, стали прочным наследием для более поздних архитекторов, которые в своих лучших проявлениях всегда помнили об этом наследии.

Эволюция архитектуры эпохи Возрождения в 15 проектах

Когда мы слышим слово «Ренессанс», мы думаем о Микеланджело, Медичи и Италии. Из всех художественных движений и архитектурных периодов в мире Ренессанс является одним из самых значительных периодов, зародившихся в Европе, особенно во Флоренции, Италия.
Архитектура эпохи Возрождения характеризуется симметричными фасадами, куполами, римскими колоннами и пилястрами. То, что возникло в начале 15 века и превратилось в архитектурный стиль барокко к концу 16 века, мы называем «эпохой Возрождения». По мере того, как этот период подходил к концу и переходил в другие стили в Италии, в начале 16-го и 17-го веков этот стиль возродился в других частях мира, таких как Португалия, Польша, Россия, Англия и т. д. 

Благодаря следующим проектам мы можем увидеть, как со временем развивался этот незабываемый стиль: 

Принять участие сейчас

РАННЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ (ок.1400- ок. 1500)

1. Ospedale degli Innocenti, Флоренция (ок. 1419-27) | Архитектура эпохи Возрождения

Этот детский приют, ставший историческим музеем, широко известный как «Больница для невинных», был спроектирован итальянским архитектором Филиппо Брунеллески. Его наиболее заметной особенностью является девятиарочная лоджия или галерея. С этим зданием Брунеллески положил начало использованию геометрии и симметрии в архитектуре.

©en.wikipedia.org

©www.inexhibit.comcom

2. Флорентийский собор, Флоренция (ок. 1436 г.)

Несмотря на то, что строительство этого собора началось в 13 веке, только в 1436 году, когда Брунеллески добавил его купол, структура была завершена. В течение многих лет собор стоял без крыши, так как никто не мог сообразить, как разместить такой большой купол на этой гигантской церкви. Используя свои математические способности и новаторское мышление, Филиппо превзошел всех, в том числе и самого себя, и воздвиг великолепный купол, который в жизни еще более великолепен, чем на изображениях.

©www.britannica.com©in.pinterest.com©www.askideas.com

3. Капелла Пацци, Флоренция (c.1442-43)

Еще один шедевр Филиппо Брунеллески, капелла Пацци, одно из самых совершенных его сооружений. Он использовал все свои знания по геометрии и планированию, которые он узнал во время своих путешествий и учебы, в этом проекте. К сожалению, он умер, не успев досмотреть его до конца. Его коринфские колонны и купол в форме зонтика — некоторые примечательные особенности.

Принять участие сейчас ©www.flickr.com©www.italymagazine.com©www.cca.qc.ca

4. Кафедральный собор Пиенцы, Пиенца (c.1459-62)

Собор Пиенцы, построенный на руинах древней романской церкви, является одним из самых значительных творений эпохи Возрождения. Этот знаменитый собор был спроектирован Бернардо Росселлино, и его фасад имеет некоторые новаторские элементы своего времени. Строение также имеет нотки готической архитектуры в окнах и внутренней планировке.

©www.arttrav.com©www.arttrav.com©www.arttrav.com

5. Базилика Сан-Лоренцо, Флоренция (ок. 1470) | Архитектура эпохи Возрождения

Сан-Лоренцо был приходской церковью семьи Медичи, спроектированной Филиппо Брунеллески, с его классическими элементами римских колонн и двухэтажной лоджией. Это также место, где похоронена большая часть семьи Медичи, и самая старая церковь Флоренции. Часовня Медичи, спроектированная Микеланджело, в комплексе Сан-Лоренцо — это самое захватывающее дух место.

©in.pinterest.com©www.artribune.com©www.firenzetoday.it

6. Санта-Мария-Новелла, Флоренция (ок. 1470)

Поскольку церковь была спроектирована двумя братьями-доминиканцами в 14 веке, в Санта-Мария-Новелла преобладает готический стиль, но к тому времени, когда она была завершена в 1470 году, наставник Брунеллески Л.Б. Альберти взял на себя строительство, благодаря чему эта церковь стала прекрасным сочетанием архитектурных стилей эпохи Возрождения и готики.

©www.britannica.com©en.wikipedia.org©commons.wikimedia.org

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ (ок. 1501– ок. 1520)

7. Сан-Пьетро-ин-Монторио, Рим (ок. 1500 г.)

Архитектора Донато Браманте попросили спроектировать церковь Сан-Пьетро в Риме именно на том месте, где был замучен Святой Петр. Созданная им структура до сих пор известна как сама сущность высокого ренессанса. Внутри церкви находится часовня, спроектированная Лоренцо Бернини вместе с фресками известных итальянских художников.

©simple.wikipedia.org©www.atlasobscura.com©mediakron.bc.edu

8. Собор Святого Петра, Ватикан (ок. 1506 г.)

Люди со всего мира едут в Рим, чтобы посетить этот объект всемирного наследия ЮНЕСКО не просто так; Базилика Святого Петра, самая большая церковь в мире, была спроектирована Донато Браманте в типичном греческом поперечном плане. После его смерти Микеланджело взял на себя проект и возвел знаменитый купол над церковью. Эта базилика была построена в период расцвета архитектуры эпохи Возрождения.

©www.britannica.com©www.romewise.com©www.flickr.com

9. Санта-Мария-делла-Консолационе, Тоди (около 1508)

В отличие от обычного крестообразного удлиненного плана, паломническая церковь была задумана как квадрат с апсидами со всех четырех сторон. Хотя нет сведений о том, кто был главным архитектором, многие итальянские архитекторы участвовали в завершении проекта.

©en.wikipedia.org©commons.wikimedia.org©www.expedia.com

10. Замок Шамбор, долина Луары (ок. 1519) | Архитектура эпохи Возрождения

За пределами области архитектуры итальянского Возрождения этот всемирно известный замок во Франции сочетает в себе французскую классическую архитектуру и стиль эпохи Возрождения, создавая собственный особый стиль.

©www.ft.com© www.leschateauxdelaloire.org©culturezvous.com

МАНЕРИЗМ И ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ (ок. 1521– ок. 1600)

С 1520-х годов стиль ренессанса в архитектуре постепенно переходит в стиль барокко. Эти последние несколько проектов отражают то, как стиль Ренессанса воспринимался в Италии и за ее пределами, прежде чем полностью перейти к барокко.

11. Лаврентьевская библиотека, Флоренция (ок. 1523-71)

Библиотека Лаврентия была спроектирована Микеланджело и расположена внутри уже упомянутой капеллы Медичи. Лестница библиотеки является ее главной особенностью, но хотя Микеланджело разработал ее планы, ему так и не довелось увидеть ее лично.

©www.flickr.com©www.flickr.com©www. arttrav.com

12. Палаццо дель Те, Мантуя (ок. 1525–35)

Палаццо — итальянский дворец и музей, спроектированный Гилио Романо.Первоначально предполагалось, что это будет дворец удовольствий для герцога Мантуи. Сегодня дворец является общественным музеем и культурным центром.

 

©www.inexhibit.com©www.wikidata.org©www.inexhibit.com

13. Королевский летний дворец, Прага (около 1538 г.)

Прекрасным образцом архитектуры позднего Возрождения в Европе является Летний дворец королевы Анны, спроектированный итальянскими каменщиками. Оригинальная лестница дворца расписана сценами из чешской истории.

©prague-information.eu©prague-information.eu©www.prague-stay.com

14. Мэрия Антверпена, Антверпен (c.1561)

Мэрия Антверпена, спроектированная Корнелисом Флорисом де Врейндтом, представляет собой сплав фламандского и итальянского мастерства. Фасад представляет собой чистую архитектурную красоту эпохи Возрождения, покрытую флагами всех стран Европейского Союза.

©www.visitantwerpen.be©www.travelsignposts.com©www.budgetyourtrip.com

15. Хардвик-холл, Англия (ок. 1590 г.) | Архитектура эпохи Возрождения

К концу 16-го века стиль Ренессанс, наконец, достиг Англии, но он смешался с елизаветинской архитектурой и породил Хардвик-холл.Он был спроектирован Робертом Смитсоном как загородный дом, а сейчас является туристическим центром.

©www.flickr.com©www.flickr.com©www.flickr.com

10 вещей, которые вы не знали об архитектуре эпохи Возрождения — RTF

Ренессанс – возрождение классического искусства и «эпоха открытий». Стиль перенял черты классической римской архитектуры и со временем видоизменился. Большинство светских произведений искусства и архитектуры принадлежат мастерам эпохи Возрождения. Эпоха глобальных исследований с культурными трансформациями.

1. 60 церквей Флоренции

Город Флоренция отмечен как родина итальянского Возрождения. Он сохраняет свою красоту более чем шестьюдесятью церквями, лежащими в пределах городских стен. Через каждые девяносто метров можно было найти церковь, прогуливаясь по местности, которая по численности превышает любой другой город того периода. Для здешних церквей характерны различные материалы, техника и величественное наслаждение, которое они предлагают.

Принять участие сейчас Собор Санта-Мария-дель-Фьоре ©in.pinterest.com

2. Великий конфликт власти в Италии

Рим и Флоренция были разожжены соперничеством в эпоху Возрождения на почве культуры, политического статуса и архитектурного значения. Флорентийский собор, построенный в 1296 году, был признан величайшей церковью той эпохи. Церковь должна была продемонстрировать процветающее превосходство Флоренции остальной Италии. Рим в ответ построил базилику Святого Петра, чтобы олицетворить свою мощь и амбиции и обозначить свое лидерство на христианском фронте.

Собор Санта-Мария-дель-Фьоре ©www.britannica.comSt. Базилика Святого Петра ©www.whatalifetours.com

3. Изучение линейной перспективы

Новые эстетические эффекты были достигнуты художниками эпохи Возрождения благодаря развитию новых приемов и художественного подхода к методам композиции. Гуманисты эпохи Возрождения использовали достоинства Витрувия, чтобы сформулировать свои принципы гармоничной архитектуры.

Альберти дал принципы пропорции и симметрии, необходимые для красоты архитектуры.Одним из величайших художественных достижений того периода является линейная перспектива. Исследования Брунеллески и Альберти дали новый способ представления трехмерных рисунков всем другим художникам в Италии.

Картина Пьетро Перуджино ©www.invaluable.com

4. Божественное соперничество

Микеланджело и Леонардо да Винчи были мастерами эпохи Возрождения. Два художника были прямыми конкурентами, когда их наняли для рисования обширных батальных сцен на стене Зала Совета.На момент заказа Леонардо было около 50 лет, и он был известным художником в Европе, а Микеланджело было всего 29 лет. Разногласия и разногласия привели к возникновению между ними ситуации холодной войны. Конфликт то и дело приводит к двум незавершенным работам на грандиозной стене. В отличие от другой, картина Микеланджело была закончена позже. Леонардо, оставив эту работу незавершенной, начал тренд и был помечен как незакончивший.

Принять участие сейчас Картина, изображающая Божественное соперничество © www.earlybirdbooks.com

5. Выход из темноты

Великая Римская империя пришла в упадок в 476 г. н.э., а Ренессанс возник в 14 -м веке. Период между ними стал известен как «средневековье». Итальянский ученый Франческо Петрарка обнаружил огромную потерю хорошей литературы в это время и назвал этот период «темными веками». Этот период отмечен культурной и экономической деградацией общества.

Подъем Ренессанса определяется как «выход из темных веков».Возрождение культур, научные открытия и архитектурные чудеса эпохи Возрождения знаменуют этот исторический период.

Темпьетто ©www.wikidata.org

6. Планарный классицизм

Планарный классицизм можно назвать периодом возрождения классических элементов архитектуры. Округлые арки, порядки колонн и купола готического периода обретают здесь новое начало благодаря отказу от запутанности и подразумеваемой согласованности с простотой и пропорциями.

Стены в этом стиле имеют характер минимальных украшений с незначительной физической глубиной и минимумом вторжений.Плоский классицизм (плоский классицизм) стилизует фасад, разделяя его на отдельные секции с использованием плоских элементов. Характерной чертой здесь является струнный ход, проходящий между историями.

Палаццо Фарнезе ©www.essential-humanities.net

7. Двойной купол Флоренции

Флорентийский собор строился около 140 лет, а купол только 16 лет. Этот собор символизирует могущество и господство Флоренции в эпоху итальянского Возрождения.Вдохновение римского Пантеона можно увидеть в этом купольном соборе.

Забавный факт- Проектировщик двойного купола Флоренции Филиппо Брунеллески родился в 1377 году, к тому времени собор строился уже 80 лет. Брунеллески выиграл конкурс дизайна купола с простой концепцией яйца без демонстрации планов.

Собор Санта-Мария-дель-Фьоре ©www.filippo-brunelleschi.com

8. Высокое Возрождение

Период около тридцати лет, отмеченный новаторским искусством и архитектурой, называется Высоким Возрождением.Этот период переопределяет классическое искусство с растущей культурой гуманизма. Были созданы новые четкие средства для передачи социального положения через картины, скульптуры и здания. Римские проекты Рафаэля, Микеланджело, Браманте и Леонардо да Винчи являются главными событиями этого периода.

Мона Лиза ©www.wikimedia.orgSt. Собор Святого Петра ©www.whatalifetours.comДавид Микеланджело ©www.walksofitaly.com

9. Протестантская архитектура

Протестантский подход имел далеко идущие политические, культурные и экономические последствия для общества эпохи Возрождения.Принципы искусства и архитектуры в этот период претерпели изменения в результате социального разделения христианской общины. Французская архитектура подверглась максимальной ревизии в течение двух столетий протестантского мышления.

Архитектура протестантского периода очень разнообразна и не имеет собственного стиля. Запрещение религиозных статуй и картин привело к тому, что алтарь исчез из церквей. Интерьеры были реорганизованы, и теперь акцент был смещен на трапезу для причастия.Наличие большого количества окон по-прежнему украшает интерьеры и оживляет конструкции.

Сравнение ©www.stream.org

10. Il Divino Fresco art

Ренессанс был периодом, когда привилегированные слои общества становились покровителями художников. Это дало художникам свободу творчества, выходящую за рамки обычного. Микеланджело был одним из таких пионеров эпохи, чьи работы были признаны и оценены. Il Divino — его фреска в Сикстинской капелле, получившая мировое признание.Цвета украшают потолок часовни. Его картина на алтарной стене насчитывает несколько сотен фигур, изображающих Второе пришествие Христа, и на ее завершение ушло более 4 лет.

Сикстинская капелла ©www.vrscout.comСикстинская капелла ©www. vrscout.com

Архитектура и отделка итальянского Возрождения

ОБ АРХИТЕКТУРЕ ВОЗРОЖДЕНИЯ РЕНЕССАНСА

Архитектура эпохи Возрождения (начало 15-17 вв.) представляла собой сознательное возрождение и развитие архитектуры греко-римской цивилизации.Ему сопутствовал интерес к классической мысли и материальной культуре.

Впервые разработанный во Флоренции под руководством Филиппо Брунеллески в качестве одного из новаторов, этот стиль быстро распространился по Италии, а затем и по всей Европе. Однако гораздо более поздний период возрождения архитектуры итальянского Возрождения начался в викторианский период.

Архитектура Возрождения эпохи Возрождения сильно отличалась от других известных стилей того времени, таких как готическое возрождение и стили гальки. Этот архитектурный стиль отразил возрождение классической культуры, что проявилось в ее классических элементах и ​​деталях.

См. примеры архитектуры и лепнины эпохи Возрождения.

ХАРАКТЕРИСТИКИ АРХИТЕКТУРЫ ВОЗРОЖДЕНИЯ РЕНЕССАНСА

Стиль эпохи Возрождения делает упор на симметрию, пропорции, геометрию и регулярность частей.

Упорядоченное расположение колонн, пилястр и перемычек, а также использование полукруглых арок, полусферических куполов, ниш и эдикулов заменили более сложные пропорциональные системы и неправильные профили средневековых зданий.

Общие элементы стиля Возрождения:

  • Симметричный фасад
  • Кирпичная (обычно каменная) конструкция
  • Плоская или пологая крыша
  • Прочное разделение полов
  • Парапет линии крыши или балюстрада
  • Аркадный и рустованный цокольный этаж
  • Внушительные масштабы 

 

МОДЕЛИ В СТИЛЕ ВОЗРОЖДЕНИЯ РЕНЕССАНСА

Лепнина в стиле ренессанс заимствована из классической храмовой архитектуры.Среди сторонников этого стиля — Якопо Бароцци да Виньола, Андреа Палладио, Микеланджело ди Лодовико Буонарроти и другие.

ИСТОРИЯ ВОЗРОЖДЕНИЯ АРХИТЕКТУРЫ

Стиль итальянского Возрождения (иногда также называемый архитектурой «неоренессанс») был более элегантным архитектурным стилем, который стал популярным на восточном побережье Америки примерно в 1890 году. Этот стиль достиг северо-запада Америки к 1930-м годам. Обычно он использовался в элитных зданиях, таких как особняки.Этот стиль чаще всего можно было увидеть в городских условиях.

МОДЕЛКИ В СТИЛЕ ВОЗРОЖДЕНИЯ РЕНЕССАНСА И ГАЛЕРЕЯ


The Breakers, Ньюпорт, Род-Айленд
Дом Алонзо Роберсона, Бингемтон, Нью-Йорк
The Breakers, Очер-Пойнт-авеню, Ньюпорт, округ Ньюпорт, Род-Айленд

Burgess-Maschmeyer House, 1209 Government Street, Mobile, Mobile County, AL

.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*