Стиль поп арт в живописи: что такое поп арт, история, особенности, примеры поп-артовых работ. Известные картины и выдающиеся представители арт попа Энди Уорхол, Дэвид Хокни, Мортон Уэйн Тибо, Роберт Раушенберг

Содержание

что такое поп арт, история, особенности, примеры поп-артовых работ. Известные картины и выдающиеся представители арт попа Энди Уорхол, Дэвид Хокни, Мортон Уэйн Тибо, Роберт Раушенберг

Поп-арт (pop art) — это стиль, перенёсший потребительскую культуру в область искусства и научивший человечество видеть прекрасное в тридцати трёх банках супа. Название «Поп-арт» происходит от английского popular art, что в переводе означает популярное искусство.

Поп-арт не стоит путать с массовой культурой. Авторы смотрели на масскульт как на объект, подобно тому, как портретист смотрит на модель или пейзажист — на лоно природы. Предмет масскульта, на который падал взгляд художника, трансформировался в нечто оригинальное: в арт-объект, преломлённый через художественный взгляд творца.

История стиля поп-арт

Поп-арт стал ответом на торжественное, всепобеждающее шествие потребительской культуры. Его хронологические рамки — 1950-1960-е годы. Именно в это время оформилось так называемое «общество потребления». Это был социологический и культурный феномен исторического значения: впервые за историю человечества самые широкие массы людей смогли не только забыть о голоде, но и свободно покупать одежду, предметы обстановки, технику, тратить деньги на отдых и развлечения…

Соединённые Штаты, которые заработали на Второй мировой, бум потребления накрыл особенно мощной волной. «Американская мечта» (по сути, национальный потребительский идеал) овладела массами. Неудивительно, что поп-арт получил наибольшее развитие именно в Америке.

Пика своего расцвета это направление достигло в сердце потребительской цивилизации — Соединённых Штатах, но зародился стиль в Великобритании. В начале 1950-х годов эта страна ещё не оправилась от последствий Второй мировой войны и жила небогато. Бросая взгляд за океан, британцы испытывали противоречивые чувства.

С одной стороны, они критично и насмешливо воспринимали американский масскульт, поскольку в рекламе, кинематографе, комиксах низкопробного и кичевого было гораздо больше, чем сделанного со вкусом.

С другой стороны, любуясь на журнальный глянец заокеанской жизни, жители Великобритании тоже хотели приобщиться к этому обществу беззаботного потребления и невольно его идеализировали.

Вот на этой почве и возникло в Британии новое художественное направление. Точкой отсчёта считается 1952 год, в Лондоне возникло творческое объединение Independent Group (IG).

В середине 1950-х годов в Британии появился и термин pop art (кто был первым, употребившим это название, вопрос спорный). Но официально это название было закреплено в 1962 году на симпозиуме в Нью-Йоркском музее современного искусства.

В США новый стиль обрёл силу и размах. В отличие от британских художников, воспринимавших заокеанский масскульт со стороны, их американские коллеги жили внутри общества потребления, а потому в своём творчестве, чтобы дистанцироваться от развитой рекламной индустрии, использовали более яркие, смелые, агрессивные эффекты.

Ключевые художники поп-арта:

  • Энди Уорхол (Andy Warhol) — признанный лидер направления;
  • Дэвид Хокни (David Hockney) — один из лидеров в Британии.
  • Нью-йоркский карикатурист Кит Харинг (Keith Haring), испытавший сильное влияние граффити.
  • Джаспер Джонс (Jasper Johns), которого прославили «Числа в цвете».
  • мастер комиксов Рой Фокс Лихтенштейн (Roy Fox Lichtenstein).
  • Ричард Гамильтон (Richard Hamilton), навсегда запечатлевший для потомков в оригинальных коллажах эпоху послевоенного потребительского бума и накопительства.
  • Мортон Уэйн Тибо (Morton Wayne Thiebaud), чьей визитной карточкой стали изображения всевозможных кондитерских изделий в разных контекстах.

Художественные и концептуальные особенности поп-арта

С художественной точки зрения этот стиль апеллировал к вещности, предметности — в противоположность другому популярному направлению, абстракционизму. Поп-арт был рождён в борьбе с творчеством абстракционистов и провозгласил возвращение к отображению на полотне конкретных предметов.

Само по себе обращение к бытовым вещам не ново для истории живописи. Натюрморт — это ведь тоже взгляд художников на окружающие предметы. По сути, между вазой Караваджо и зелёными бутылками «Кока-Колы» Уорхола разница не так уж велика.

Но у поп-арта была своя концептуальная особенность: художники брали в качестве объектов знаковые предметы и образы масскульта, которые сейчас бы назвали «мэмами». Кроме того, они обращали внимание не только на предметы, но и на образы — типичным примером является «Диптих Мэрилин» Уорхола.

Некоторые мастера пошли ещё дальше. Они отражали в своих работах суть эпохи, включая её безликость, массовость, триумф супермаркетов.

Художественная призма, через которую преломлялись объекты, заинтересовавшие творцов, подразумевала:

  • помещение образов масскульта в новый контекст;
  • вычленение смыслового ядра и акцентирование внимания на характерных чертах;
  • смену масштаба;
  • доведение до максимума, до апофеоза типичных приёмов масскульта;
  • иронию;
  • создание коллажей из «мемов».

При этом стилистические особенности работ теснейшим образом переплетаются с масскультом. Форма подчёркивала содержание. Художники намеренно:

  • стилизовали свои работы под рекламу, афиши, плакаты, комиксы;
  • использовали яркие цвета;
  • вписывали в картины слоганы;
  • создавали коллажи из фотографических «срезов» реальности.

Насмешка над обществом потребления или культ американской мечты?

Поскольку форма плаката и коллажа получила широкое распространение в поп-арте, искусствоведы называют представителей этого направления наследниками дадаизма. Но, если дадаисты были нигилистами и подчёркивали бессмысленность современного им мира, то философия поп-арта была намного шире и включала много аспектов:

  • и отрицание серьёзности абстрактного искусства;
  • и противопоставление ему более лёгкого взгляда на жизнь и культуру;
  • и сатиру на потребительский идеал;
  • и утверждение образов масскульта;
  • и вычленение смысловых артефактов эпохи.

Некоторые пункты противоречат друг другу, что объясняется и разным подходом художников, и сложностью феномена массовой культуры. Некоторые авторы относились к теме с иронией и юмором, другие — как Энди Уорхол — были вполне серьёзны.

Отсюда и неоднозначное отношение критиков. Многие видели в работах художников завуалированную рекламу, обвиняли в вульгарности и прославлении культа потребительства.

Не стоит отрицать того факта, что поп-арт способствовал утверждению американской мечты, легитимации общества потребления и соответствующего стиля жизни. В то же время, он заложил основы критики философии потребления, которая впоследствии будет набирать силу. Помимо того:

На сайте VeryImportantLot в разделе аукционов нередко появляются работы этого направления. Участвуя в онлайновых аукционах, вы тоже можете приобрести для своей коллекции картины, ставшие частью культурного наследия планеты.

краткая исторические факты, особенности и интересные факты

Поп-арт возник на смену серьезному абстракционизму двадцатого века. Этот стиль по большей части основан на массовой культуре, поэтому он стал неким способом развлечения. Направление развивалось с помощью рекламы, трендов, а также моды. Никакой философии, духовности. Поп-арт (портреты) — один из разделов авангардного искусства.

Когда возник стиль?

Доступность и простота – те качества, благодаря которым данный стиль имел невероятную популярность. Целью изначально была широкая аудитория, таким образом возможно охватить наиболее обсуждаемые образы. Именно поэтому стиль поп-арт стал одним из самых влиятельных художественных движений в живописи 20 века и не только.

Популяризация стиля

Если рассмотреть подробнее, то стиль обрел популярность в 1960-е, несмотря на то, что основан он был чуть ранее, в 1950-е годы. Местом зарождения считается Великобритания, а активный подъем случился в Соединенных Штатах Америки. Отцами-основателями культурного направления поп-арт стали Энди Уорхол и Джаспер Джонс.

Все начиналось с инициативы «Независимой группы», которая была основана в Лондоне в 1952 году среди предприимчивых художников и архитекторов. Городская народная культура дополнилась современными технологиями при написании полотен. На примере американской культуры мастера изучали влияние психологии на массовую аудиторию, глубинный смысл и содержание лингвистики. В основном увлекала промышленная реклама, актуальные технологии производства рекламы, распространение коллажей.

«Это — завтра»

1956 год. Открытие выставки поп-арта «Это — завтра». Современному обществу были представлены кинокадры всеми любимых фильмов, голливудские идолы, увеличенные образы. Многих вдохновил новый необычный стиль. После выставки большинство выпускников школ искусств и не только захотели присоединиться к новому течению.

Основные мотивы

Поп-арт (портрет) обладает главными характеристиками, по которым несложно понять, что это определенный стиль:

  • Когда используют рисунки популярного искусства. Плакаты, граффити, комиксы, виниловые пластинки, графика Мэрилин Монро.
  • Кричащие, яркие цвета. Протест обыденным монотонным стилям в интерьере. Только диско-треш и молодежный фанк.
  • Предметная «пластмассовость» в интерьере. Яркие краски выгодно подчеркивают самобытность молодежной стилистики.

За основу взят первый мотив, но и другие отлично дополняют образ поп-арта. По сути, данный стиль не является самостоятельным, а лишь соединяет в себе всевозможные детали и создает конкретную гармонию.

Использование в интерьере

Детали – это те элементы, с помощью которых проявляется вся многогранность поп-арта в интерьере.

  • Свобода. Просторные площадки, высоченные потолки, минимализм. Отлично сочетается в дизайне гостиных комнат, общественных кафе.
  • Светлый колорит. Как правило, белый фон визуально расширяет пространство. Кричащая яркая мебель всегда отлично вписывается в нейтральные оттенки.
  • Креативность форм. Идейные создатели активно увлекались ретро-футуризмом, в дополнение к другим обывательским стилистикам. Когда находишься в интерьере стиля поп-арт, есть вероятность вспомнить добрую научную фантастику того времени.
  • Минимальное количество мебели. Все та же идея простоты и простора. Загруженных областей в комнате поп-арта не будет. Лишь самое необходимое для жизни. Многофункциональные шкафы, тумбы, диваны.
  • Многообразие аксессуаров. Несложно найти множество мелочей: такие, как элементы масс-культуры, цветастые детали и яркие акценты. Например, подушки, которые разбросаны по периметру, или же броские вешалки для одежды.
  • Необычное световое решение. От света многое зависит. В том числе и настроение объекта. Ленты светодиода, жидкие светильники, подсветка потолков. Такие вещи особенно подмечаешь, когда все внимание приковано к свету.

Особенности стиля

Яркий, оригинальный стиль поп-арт подходит не каждому. Его нужно использовать в первую очередь там, где находится зона отдыха. Многие отмечают явную схожесть с китчем. Но на самом деле это два отличных друг от друга стиля. Вызов обществу, протест скуке, принятие собственного уникального вкуса, стремление выделяться – все это раскрывает данный стиль в выгодном свете.

Портрет в стиле поп-арт

Не теряет своей актуальности яркий сюрприз. Такой подарок будет кстати для всех ценящих экспрессию, стиль, креативность и, как правило, отрицающих простоту.

Ни для кого не секрет, что нужно дарить эмоции. Портрет в стиле поп-арт отлично справится с этой задачей. Яркий, модный, броский. Он тотчас обратит на себя внимание. Все, что есть в стилистике и подаче, отражается на рисунке. Художники всегда подмечают интересные детали и факты.

Мы видим новый всплеск популярности картин поп-арт, у каждого из нас появился шанс побаловать близких и друзей уникальным стильным портретом. Для многих это послужит примером, и они сами начнут совершать такие приятные и романтичные поступки.

Интересные факты

В начале возникновения данный продукт не зря был отмечен многими богатыми и влиятельными людьми того времени, ведь он полностью перевернул культурную значимость. Концепт движения изменил последователей стиля. Поп-арт признали во всем мире.

Лоуренс Элловей выпустил резонансную статью о вызове культурному обществу, где подробно расписал намерения юных талантов. Это произошло в Америке, но что интересно, критик был родом из Великобритании.

В большинстве случаев материал для работ поп-артщиков создается из всевозможной информации и использует технологию в сочетании с еще более интересными объектами. Рой Лихтенштейн, как никто другой, осознал это в свое время и использовал.

Зарождение поп-арта можно отнести к периоду поп-музыки тех лет, именно этот факт повлиял на развитие движения в Лондоне. Не нужно далеко ходить за примерами, Питер Блейк создал обложку для группы The Beatles и Элвиса Пресли, тем более что главной основой его произведений являлся портрет Бриджит Бардо, подобно ему Энди Уорхол в Нью-Йорке использовал портрет Мэрилин Монро.

Сравнивая английский подход и американский, можно абсолютно точно утверждать, что второй намного более агрессивен и ироничен по посылу.

Хотя не стоит забывать великий девиз Энди Уорхола, который стал своего рода символом американской культуры в целом: «Если все в мире делается машинами, то и я буду думать, как машина. «

Четкие мотивы, символика, резкие линии. Антиискусство во всех его проявлениях. Своеобразные дадаисты, отказавшиеся раз и навсегда от стандартизации мира. Принято считать, что самой популярной темой в работах поп-арт художников была пища, но это заблуждение: они отдавали большее предпочтение объектам простого быта и туалета.

Уорхол сделал так, чтобы продукция популярных производителей вышла на новый уровень, размножая логотипы топовых брендов в произведениях.

Заключение

Таким образом, столь уникальный и неповторимый популярный арт действительно перевернул представление об искусстве. Совершил некую революцию в художественном мире и не только. До сих пор многие художники, дизайнеры, декораторы вдохновляются, живут и творят с помощью данного стиля, а также используют поп-арт в интерьере. Стиля жизни под названием поп-арт. Мы думаем, что он еще долгие годы будет так же популярен, как и в середине двадцатого века.

Надеемся, что статья была для вас интересной, и вы сумели найти ответы на все вопросы. Спасибо за внимание, дорогие читатели. Цените искусство.

Что такое поп-арт и для чего он нужен в интерьере?

Изначально данный стиль возник в середине прошлого столетия, как громкий и логичный ответ «чуждой массам» элитарной живописи и иным направлениям в искусстве. Поп-арт сошел со страниц комиксов, глянцевых журналов, «выпрыгнул» из провокационных газетных заголовков и даже переместился в обыденную жизнь из упаковок банок с фасолью, кетчупом и чипсами.

Прошло немного времени и идеи художников ловко перехватили дизайнеры помещений, решив использовать хорошо знакомые всем образы, как самостоятельные элементы декора. Менялся масштаб, методы обработки и способы нанесения изображения, но суть осталась неизменной, и уже более 60 лет люди украшают свои дома самыми стильными трендами массовой культуры. Наиболее известные из них: портрет Мэрилин Монро в кислотных тонах, художественные коллажи с изображениями героев комиксов, граффити на стене в виде логотипов топовых компаний.

Разумеется, этим «набор» не ограничивается.

С какой мебелью сочетается поп-арт?

Плюсом стиля является его неприхотливость и отсутствие высоких стандартов. Рядом с продуктами массовой культуры отлично смотрятся классические спальни из Италии или гостиные в стиле модерн от мироовых производителей. Пожалуй, требование тут будет только одно — не перебарщивать с цветом. Но соблюсти его довольно просто, поскольку, многие мебельные компании выпускают готовую мебель в естественных, светлых, или весьма нейтральных тонах. Отлично подойдет мебель с фурнитурой, которая окрашена под хромированную сталь. В 50-е годы как раз был массовый бум на похожую отделку и дизайнеры активно ее используют и по сей день.

Как без лишних затрат изменить помещение?

  • Создайте акцентную стену.

    Очень желательно чтобы стена была белого или хотя бы бежевого цвета. На появившемся пространстве легко творить, повесив яркие картины, например, триптих с портретами звезды или андеграундного городского пейзажа.

  • Поставьте скульптуру.

    Время дорогих гипсовых монументов безвозвратно ушло. Сейчас можно заказать по индивидуальному проекту нужное изображение из полиуретана или иного «пластика». Ограничителем может быть только Ваша фантазия.

  • Используйте текстиль.

    Не стесняйтесь украшать дом яркими покрывалами. Стильные принты с фотографиями забавных животных или геометрическими фигурами выглядят ярко, броско и точно не оставят Ваших гостей равнодушными.

Как видите, поп-арт — это искусство, которое продолжает жить вне рамок и традиционных устоев. Если Вы противник серости и обыденности, то этот стиль для Вас!

h2:  Что такое поп-арт и для чего он нужен в интерьере?

10 идей, где применить стиль поп-арт | Canva

Вы точно встречали яркие кричащие плакаты с героями комиксов, коллажи из фотографий на контрастном фоне и портреты знаменитостей в квадратах разных цветов. Это все поп-арт.

Pixels

Pixels

Поп-арт — популярное и доступное искусство. Оно понятно, его легко узнать и объяснить.

Что такое поп-арт и почему он появился

Поп-арт — художественное направление, которое зародилось в 1950-х годах в Великобритании, но наиболее популярным сперва стало в США. Это направление искусства возникло как реакция на абстрактный экспрессионизм, который был популярен с 1940-х годов. Экспрессионизм был серьезный, беспредметный и неочевидный:

Джексон Поллок, «Алхимия»

Джексон Поллок, «Алхимия»

Попробуйте угадать, что нарисовано на этой картине. Это сложно. В абстрактном экспрессионизме художник выражает свой внутренний мир, как он «видит» и «чувствует». Неподготовленный человек не поймет суть без подсказок опытного искусствоведа.

В 50-х годах популярность экспрессионизма стала проблемой: не все понимали абстрактные работы художников. Чтобы оценить картины, человек должен был разбираться в искусстве. Такое направление стало доступным не для всех, а для «избранных». Ему в противовес появился простой и понятный поп-арт:

Энди Уорхол, «Диптих Мэрилин»

Энди Уорхол, «Диптих Мэрилин»

Идея поп-арта — возвращение к реальности. Поэтому источниками вдохновения стали упаковки продуктов, знаменитости, комиксы, рекламные плакаты, телевидение, предметы быта, стереотипы. Все, что встречается в обычной жизни обычных людей. Поп-арт стал искусством социального равенства, понятным всем.

Когда поп-арт стал по-настоящему популярным 

Мир активно заговорил о поп-арте в 1956 году. В Лондоне прошла выставка «Это – завтра», состоящая из фотографий голливудских кинозвезд и кадров из фильмов. В рамках выставки мир увидел потрясающий коллаж художника Ричарда Гамильтона — «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». Коллаж стал знаковым.

Ричард Гамильтон, «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»

Ричард Гамильтон, «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»

Характерные черты поп-арта

Как отличить поп-арт от других видов искусства?

Яркие и контрастные цвета, цветовой беспорядок

Поп-арт картинки — это настоящее цветовое безумие. Художники раскрашивают кожу людей в неестественные оттенки, заполняют фон однотонным контрастным цветом, добавляют внезапные яркие фигуры.

Behance

Behance

Коллажи

Картинки, где объекты очевидно взяты из разных мест. Они «парят в воздухе», оторваны от реальности, накладываются друг на друга. Объекты могут быть как логически связаны, так и не иметь друг к другу никакого отношения. А могут быть не связаны только на первый взгляд. Например, на этой поп-арт картинке объекты кажутся разрозненными, но по факту взяты из работ одного из самых известных поп-арт художников — Энди Уорхола.

Pinterest

Pinterest

Сейчас такие коллажи часто используют в дизайне и рекламе: в соцсетях, на плакатах, в открытках. Люди без опыта в дизайне, могут легко создавать подобные коллажи в приложении Canva. Можно выбрать один из стандартных шаблонов и добавить текст и объекты из коллекции сервиса. Можно использовать этот шаблон открытки:

Надписи, будто на рекламном плакате

Короткие фразы, слоганы, девизы, диалоги, звукоподражание и стикеры с аббревиатурами. Будто это реклама. Впрочем, бывает и реклама в стиле поп-арт.

Behance

Behance

Комбинации с фотографиями, реальными предметами

Картинки, будто составленные из кусков разных фотографий.

Кумиры, герои комиксов

Это могут быть как фотографии звезд, так и графические рисунки.

Behance

Behance

Логотипы известных брендов 

Чаще всего на поп-арт картинках появляются Coca-Cola, McDonald’s, Shell, Campbell’s. Не обязательно эти бренды будут на своих классических упаковках. В поп-арте приветствуется высмеивать общество потребления:

Pinterest

Pinterest

Элементы промышленной рекламы

Сценарии из повседневной жизни. На поп-арт картинках люди едят, курят, пьют, покупают вещи.

Pinterest

Pinterest

Легко узнаваемые объекты: еда, предметы быта 

На картинках вы видите телевизоры, мыло, пылесосы, диваны… Это вещи, которые есть в доме у каждого.  

Сюда можно отнести ту самую работу Ричарда Гамильтона — «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». И многочисленные поп-арт картинки в этом стиле:

Pinterest

Pinterest

Цветные точки

Вместо игры с цветом или однотонного фона, художники могут использовать пунктир:

Pinterest

Pinterest

Как использовать поп-арт в дизайне

Поп-арт уместен в вещах, где приветствуются легкий сарказм, буйство красок и отсылка к 50-м и 60-м годам.

Поп-арт в айдентике

Яркие и контрастные цвета привлекают. Почему бы не выстроить на этом стиль компании? Для полноценного образа можно добавить характерные забавные рисунки:

Pinterest

Pinterest

Или сделать упор на «плакатные» шрифты и добавить мемы — современную альтернативу героям комиксов:

Pinterest

Pinterest

Визитку в стиле поп-арт можно сделать в приложении Canva. Просто выберите шаблон, добавьте свой текст и по необходимости поменяйте цвета.

Поп-арт в интерьере

Картины, цвета и сценарии комиксов можно перенести на стены и мебель. В каждом предмете использовать разные приемы:

Pinterest

Pinterest

А можно взять только яркую цветовую палитру и настроение, а больше связи с поп-артом добавить за счет картин в этом стиле:

Pinterest

Pinterest

Поп-арт в стилизации мебели

Разрисовывать квартиру в стиле поп-арт — дерзкий шаг, на который пойдет не каждый. Проще согласиться на веселый диван или тумбочку:

Etsy

Etsy

Поп-арт в печатной продукции

Открытки, пригласительные, календари и т.п. Все, что должно оставить яркое первое впечатление. Например, календарь с сотрудниками для компании:

Pinterest

Pinterest

А для молодоженов пригласительные в формате комикса:

Pinterest

Pinterest

Поп-арт в одежде

Элементы поп-арта любит использовать у себя в коллекциях бренд Moschino. На одежде бренда женщины из комиксов с яркими губами, а также сам принцип подбора цветов:

Pinterest

Pinterest

Tommy Hilfiger выпустил в этом стиле целую коллекцию. После встречи с Энди Уорхолом в 80-х у Томми появилась предрасположенность к поп-арту.

Поп-арт аксессуары

Если просто одежда — слишком избито, можно перейти на аксессуары:

Pinterest

Pinterest

Pinterest

Pinterest

Поп-арт в упаковке товаров

Даже если у компании сдержанный фирменный стиль, один вид продуктов можно упаковать в обертку в стиле поп-арт. Производители батончиков для профилактики переутомления Optimist выбрали такой стиль, чтобы сделать пачку динамичной — это соответствует концепции.

Pinterest

Pinterest

Концепт баллончиков с краской для волос Dye Me. Любители красить волосы в яркий цвет быстро заметят такую упаковку среди других на полке:

Pinterest

Pinterest

Поп-арт в дизайне сайтов

Сайт в стиле поп-арт может быть составляющей айдентики компании. Также в этом стиле можно делать отдельные лендинги под определенный продукт. Отлично подойдет для страниц с рекламой мероприятий:

Behance

Behance

Поп-арт в соцсетях 

Это тоже может быть частью айдентики или стать отдельным визуальным проектом, цепляющим взгляд. Актуальнее всего для соцсети, где любят картинки — Инстаграм. Элементы стиля поп-арт в соцсетях успешно используют @skyeng_school, @colorpopsv и @fuentes_studio:

Плакаты в стиле поп-арт

Реклама на билборды, афиши, баннеры для онлайн-рекламы — все это будет смотреться отлично. Чаще всего поп-арт используют, чтобы привлечь внимание к мероприятиям:

Pinterest

Pinterest

Где искать вдохновение

В Pinterest по запросам pop art, pop art design и любые вариации с уточнениями, например, pop art furniture.

В Behance по тем же запросам.

В Инстаграм у пользователей @thomeaston, @morysetta и @philipp.igumnov.

5 художников поп-арта, повлиявших на моду

Воспев культуру массового потребления, поп-арт сам стал одним из наиболее цитируемых направлений в современной культуре. Мы выбрали 5 художников поп-арта, которые влияют на моду до сих пор

18 августа в штате Индиана откроется выставка «POPOP: поп- и оп-арт», которая продемонстрирует то, как «массовое» искусство повлияло на современную культуру и направления в живописи. А мы в этой связи решили вспомнить, какие художники направления поп-арт внесли важный вклад в развитие моды.

1. Энди Уорхол

Икона поп-арта, превращавший в произведение искусства в принципе любой продукт широкого потребления, не обошел вниманием и одежду. Знаменитое бумажное платье The Souper Dress, созданное по мотивам его работ с банками супа Campbell’s, положило начало долгой связи Уорхола и моды. Так, в той же коллекции, что и платье «Мондриан», Ив Сен-Лоран обратился к творчеству Энди, используя на трапециевидных платьях коллаж из его портретов. На этом влияние Уорхола на мир моды не закончилось. В 2013 году Dior выпускают коллекцию платьев и аксессуаров с эскизами обуви, сделанными Уорхолом, а Жан-Шарль де Кастельбажак создает ироничное платье с черно-белым портретом отца поп-арта и белым синтетическим мехом вместо волос.

2. Рой Лихтенштейн

По использованию мотивов картин в дизайне одежды и мебели Лихтенштейн занимает чуть ли не первое место. В 2011 году Lisa Perry выпустили коллекцию платьев, целиком посвященную картинам-комиксам знаменитого художника. Через год их примеру последовали Karla Spetic, а Markus Lupfer выпустили серию кашемировых свитеров с вышитыми пайетками надписями с картин Лихтенштейна. А уж количество пар обуви, созданной по работам художника, и вовсе не счесть: кроссовки Nike, туфли Charlotte Olympia, кеды Vans и Converse — найдется пара на любой вкус и стиль жизни.

3. Кит Харинг

Работы Харинга настолько плотно вошли в современную культуру, что в прошлом году универмаг Colette запустил pop-up-магазин, весь заполненный вещами, созданными под влиянием его творчества. Целая коллекция маек, аксессуаров и даже скейтборды пользовались огромной популярностью. Гвоздем модной программы тогда стало платье, придуманное Vivienne Westwood. Это не первый раз, когда модельеры обращаются к творчеству знаменитого ученика Уорхола: дизайнер обуви Николас Кирквуд уже создавал провокационную коллекцию туфель по мотивам работ Кита, впрочем, как и adidas, и даже Томми Хилфигер (дизайнер выпустил резиновые сапоги со знаменитыми человечками Харинга).

4. Такаси Мураками

Один из самых успешных современных японских художников работает в очень близкой к поп-арту стилистике. Источник его вдохновения — культура манга и анимэ. Сам Мураками говорит, что «это более всего представляло современную жизнь Японии». Его интерес к моде как части современной поп-арт-культуры вылился в сотрудничество с Марком Джейкобсом для линии сумок и других предметов коллекции Louis Vuitton. В итоге бутики по всему миру превратились в сказочную «страну Мураками», населенную анимэ-персонажами и по-детски яркими цветами.

5. Яей Кусама

Дом Louis Vuitton вообще занимает первое место по количеству коллабораций с художниками поп-арта. Яей Кусама — японская художница, известная на весь мир своим узнаваемым рисунком в горошек, которым она заполняет комнаты, предметы и даже обнаженные тела своих ассистентов, не стала исключением. В 2012 году результат ее коллаборации с Louis Vuitton превратил бутики бренда в арт-инсталляции, а образ художницы послужил прототипом для манекенов витрин марки по всему миру. Сотрудничество с Кусама продолжило добрую традицию привлекать живописцев к работе над коллекциями Марка Джейкобса. До этого знаковые сумки уже превращались в произведения искусства с помощью Ричарда Принса и Стивена Спрауза.

Присоединяйся офлайн к аудиовизуальной инсталляции «Портрет поколения» по случаю 10-летия BURO. — получи иммерсивный опыт.

Купить билет

Мастер класс по рисованию в Новосибирске. Интерьерные картины. Живопись акрилом на больших форматах

Стоимость мастер-класса зависит от размера холста:
1950 руб — холст формата 30/40 см
2500 руб — холст форматом 40/60 см
форматы, свыше 40/60 требуют двух дней работы:
3900 руб — холст формата 50/70 см
4130 руб — холст формата 60/80 см

*отдельно дополнительный день дорисовки будет стоить 1300 руб
**так же можно согласовать любой другой размер холста на ваш выбор и даже форму)
***предварительно обязательно нужно согласовать фотографию, на которой может быть один или два человека 

«POP-ART», как стиль в живописи, развивается свободными художниками. Цель “поп-арта” вернуться к реальности, от которой отступили абстракционисты. Для нас же это возможность научиться переносить фотографию, изучать контуры лица, работать с акрилом, сочетать цвета. Главное ощущение своего творения, с добавлением нотки своих ценностей. Ведь мы не пишем портреты актеров, а пишем портреты семьи, себя, друг друга, близких людей) Особенностью стиля являются яркие цвета, но вы подбираете именно те, что по душе вам! Стиль собрал вокруг себя множество противоречий. У него есть не одно течение и  характер выполнения. Предлагаем вам окунуться, придумать идею своей картины, выбрать фото и создать объект современного искусства)

Чтобы реализовать такую смелую идею, нужно немного магии, смешанной со современными технологиями — отправляйте нам фотографию и мы всё подготовим, обработаем изображение определенным образом, чтобы вам было легко перенести портрет на холст. А дальше самое интресное — создаете фон и прорабатываете детали.  

Но помните, что от вашего фото очень много зависит. Поэтому лучше чтобы это был портрет, где четко видны контуры лица и тела) на нем можете быть один, двое или трое человек.
Требования к фотографии:
— максимально качественное, светлое фото
— высокого расрешения (размер фото)
— без наложенных фильтров

Стиль поп-арт в интерьере – молодежный и яркий. Оформляем интерьер в стиле поп-арт Интерьерные травмы в стиле поп арт

Стиль поп-арт зародился в США и западной Европе в середине прошлого века. Его история насчитывает почти 70 лет. Изначально он бурно развивался только в живописи, затем постепенно перешел на фотографию, скульптуру, одежду и дизайн интерьера. Название является сокращенной формой от словосочетания «popular art», которое дословно переводится, как «популярное искусство». Стиль черпает вдохновение в продуктах массового потребления. Направление возникло, как противоположность экспрессионизму, который доживал свои последние дни. На смену известным творцам увядающего жанра (Поллока, Кандидского) пришли новые таланты, среди которых яркой звездой на небосклоне искусства выделялся Энди Уорхол. Художник, оформитель и фотограф — он создал отдельную, самостоятельную ветвь направления. Она получила название коммерческого поп-арта. Пожалуй, самым знаменитым творением мастера стала картина-диптих с лицом голливудской звезды — Мэрилин Монро. Уорхол наложил более пятидесяти изображений актрисы, выполненных в разных цветах, пользуясь техникой шелкографии. Манера исполнения работы настолько понравилась широким массам, что подобными стилизованными картинами и фотографиями украшают помещения до сих пор. Главное предназначение поп-арта — удивлять, а порой и шокировать публику. Сначала направление просочилось в интерьерные решения кафе и модных ресторанчиков, и только потом — в жилые помещения. Выясним, каковы отличительные черты стиля, и как найти грань между поп-артом и безвкусицей.

Особенности стиля

Поп-арт относится к провокационным и вызывающим направлениям. Его развитие стало предпосылкой к безумно яркой и кричащей моде 70-80-х. Если вы попадете в помещение, оформленное по канонам направления, вы не спутаете его ни с чем другим. Среди основных отличительных особенностей выделяют:

  • Использование сочетания белой отделки стен с «кислотными» цветами в интерьере;
  • Обилие плакатов и стилизованных фотографий. На них изображают сценки из комиксов, лица знаменитостей в технике Уорхола и бытовые предметы (продукты массового потребления и питания): банки с газировкой, бутылки, шоколадные батончики, авто, музыкальные пластинки. Картины часто повторяются в разных расцветках;
  • В отделке преимущество отдается пластику, синтетике и искусственным материалам. Поп-арт не приемлет роскоши и шика;
  • Потолок и пол оформляются в нейтральных цветах, так как акценты расставляют в обстановке;
  • Большое внимание в поп-арте уделяют мелкому декору: сувенирам, статуэткам, фотографиям;
  • Главный принцип выбора мебели — ее практичность. Приветствуются нестандартные футуристические линии и формы.

Вышеперечисленные черты имеют некоторое сходство с ретро 80х годов. По сути пик развития стиля пришелся именно на этот период.

Материалы и отделка

В квартире используют искусственные материалы для отделки стен, потолка и пола. Акценты будут расставлены на наполнении помещения. По этой причине поп-арт считается одним из наиболее бюджетных стилей. При минимуме затрат владельцы жилья могут получить оригинальный и модный интерьер.

Стены

Покрытие обязательно выбирают в белом цвете. Этот вариант считается оптимальным фоном для ярких красок в мебели и декоре. Стены оформляют несколькими способами:

  • Клеят обои. Выбирают самые простые виды: бумажные, флизелиновые или более современный винил. Естественно необходимо учитывать особенности комнаты. На кухне или в ванной используют материалы устойчивые к повышенной влажности и перепадам температур. Рельефная фактура не приветствуется. Чем проще, тем больше соответствия стилю. Допустимо использование глянцевых поверхностей;
  • Гипсокартон. Панели из этого материала быстро монтируются и легко скрывают слой утеплителя или изъяны поверхности стен;
  • Декоративная штукатурка. Используется самый практичный ее вариант: белое, нерельефное покрытие;
  • ПВХ-панели. Материал чувствителен к механическим повреждениям, но легко моется, а испорченный участок всегда можно заменить. Поп-арт любит пластик, поэтому в интерьерную картину последний впишется органично;
  • Краска. Несколько устаревший вариант, который не подходит для стен с заметными дефектами. Отличается низкой стоимостью.

В стиле поп-арт совершенно не смотрится декоративная плитка. Исключение можно сделать только на кухонном фартуке и в ванной.

Пол

Напольное покрытие из ламината или паркетной доски используют в редких случаях. Зачастую предпочтение отдают однотонному линолеуму, который не требует особых затрат, а в стилистику помещения впишется. Более дорогой вариант — наливной пол. Он отличается прочностью, отсутствием швов и глянцевым блеском. Эффект «лакированного» покрытия применяется не только в отделке, но и поверхностях мебели. Допустимо использование дополнительных возможностей материала: нанесение ярких картинок или одиночных персонажей в какой-то отдельной области. К примеру, в углу на гостей может подозрительно смотреть кот Том, а на стене от него будет прятаться Джерри. Это только один из вариантов оформления, которое «подгоняют» под себя и свои предпочтения.

Потолок

Потолок грунтуют и наносят сверху слой штукатурки. Самый простой и дешевый вариант. В более дорогих интерьерах используют гипсокартонное покрытие, но «ступеньки» из этого материала не приветствуются. В качестве исключения многоуровневый потолок можно применить только для дополнительного зонирования в совмещенных комнатах. Подвесные или натяжные варианты тоже гармонично вливаются в стилистическую картину, но никаких узоров и орнамента на них быть не должно. Лучше оставить потолочное покрытие белым, так как его главная задача — оттенять и уравновешивать «разношерстную» обстановку комнаты.

Цветовые решения

«Коробку» помещения, как правило, отделывают в светлых тонах. Это дань первым оформительским экспериментам, которые проводили на заре формирования стиля. Сейчас в помещениях допускают использование белой отделки потолка и стен с черным или красным напольным покрытием. Игра контрастов — один из «столпов» направления. В меблировке и декоре активно используют следующие оттенки:

  • Кричащий красный;
  • Насыщенная фуксия;
  • Кислотный зеленый;
  • Сочные желтый;
  • Глубокий синий или голубой.

Поп-арт относят к бунтарским течениям. Если бы у направлений был «психологический возраст», то этот стиль изображался бы в виде юноши в пубертатном возрасте на волне максимализма. По этой причине сочетания цветов могут быть самыми неожиданными. В любом другом направлении их бы сочли за безвкусицу, а в поп-арте такие комбинации считаются органичным выражением нестандартного мышления.

Мебель

В этом стиле отдают предпочтение нестандартным формам и недорогим материалам. Из текстиля выбирают синтетику, искусственную кожу, полиэстер. Диваны в форме губ, накрашенных красной помадой, или мягкие уголки «полые» внутри — акцентный элемент обстановки. Если стулья, то только из пластика с яркими картинками на поверхностях. Гармонично выглядят диванчики-скамьи, собранные из круглых «кусков» обитых искусственной кожей. Они соединяются между собой тонкими металлическими штангами, которые переплетаясь создают сложный узор. Если вы выбираете кресло, то отдайте предпочтение дизайнерскому «трону» с резными подлокотниками на витых ножках, но цветастой обивкой с геометрическим узорами. Вместо журнального столика приобретите оригинальный элемент: имитацию передней части автомобиля с бампером, на которой установлена стеклянная столешница. Используются шкафы и комоды с полосатыми принтами на поверхностях. Эффектно смотрятся круглые пуфы, обтянутые текстилем «космических» цветов: серебристый, золотой, бронзовый.

Не забывайте, что из меблировки используют только необходимый минимум. В данном случае поп-арт сходен с минимализмом: только практичность и простота. Из-за большого количества акцентов помещение может показаться «захламленным», поэтому соблюдайте меру.

Детали и декор

В декоре интерьера используют простые вещи, которые обретают новую жизнь. Такие элементы можно приобрести у маститых дизайнеров или сделать ничуть не хуже своими руками. Из использованных консервных банок или пустых бутылок оформляют вазы. Поверхность тары не нужно очищать от этикеток, наоборот их наличие будет соответствовать стилю. Даже не обладая талантом художника или оформителя, вы можете создать уникальный постер. Возьмите старые газеты, вырежьте из них заголовки или целые статьи и наклейте эти куски на лист картона в хаотичном порядке. Затем полотно декорируют рамкой и вешают на стену. Обклейте высокое зеркало в прихожей вырезками из комиксов и обмотайте гирляндой из лампочек-шариков. Если у вас остались старые пластинки для патефона, то с ними можно поступить несколькими способами:

  • Подогрейте их в духовом шкафу. Наденьте на руки перчатки, чтобы не обжечься, и загните податливые края в одну сторону, создавая волнообразную окантовку. Готовый элемент можно использовать в качестве цветочного горшка или подставки под сувенир. Дополнительно его раскрашивают акрилом или темперой;
  • Через отверстия в мембранах проденьте шпагат, завяжите его узелком над краешком каждой пластинки, чтобы они держались вертикально. Сделайте несколько таких «гирлянд», которые украсят часть стены.

Чтобы сшить мягкие подушки для диванов и кроватей вам потребуется всего лишь поролоновая набивка и синтетические ткани ярких цветов. Помимо традиционных квадратных форм, сшейте круглые, треугольные и фигурные (сердечки или надкусанные яблоки) декоративные элементы. Обивку на твердых стульях можно заменить на скрепленные вместе клубки разноцветных ниток. В тон таким же покрытием декорируют подлокотники дивана и журнальные столики. На любые поверхности наносят большое количество наклеек-слайдеров.

В поп-арте тривиальные, бытовые вещи могу стать стильным элементом оформления. Не бойтесь экспериментировать. Настенные картины «переживут» любые воплощения. Это могут быть любимые персонажи из мультфильмов, тематические фотографии владельцев квартиры или диалоги из комиксов в типичных круглых рамках, какими их изображают в графических романах.

Освещение

Освещение создают на трех уровнях по стандартному образцу:

  • Потолочное;
  • Дополнительное;
  • Направленное (локальное).

Забудьте о типичных люстрах. Потолок украшают оригинальными плафонами:

  • Люстры с ярким матовым покрытием, имитирующие старинные подсвечники с лампочками;
  • Круглые плафоны, собранные в одну виноградную «гроздь»;
  • Имитация воздушных шариков, наполненных гелием, которые взлетели к потолку. В дополнение к ним снизу прикрепляют «ниточки»;
  • Плоские круглые люстры, словно собранные из нескольких «слоев» кружков разных размеров, один из которых источает свет;
  • Сложные композиции из плафонов, которые соединены между собой штангами на манер молекул.

Это всего лишь несколько вариантов из сотен возможных. Чтобы приобрести оригинальный плафон, лучше обратиться к дизайнерским коллекциям. Дополнительное освещение представлено настенными бра и настольными светильниками, не уступающим по оригинальности потолочным люстрам. Точечные источники света заменяют на гирлянды из белых лампочек, провода прятать не стоит, так как они добавят интерьеру особый колорит.

Оформление помещений в стиле поп-арт

В стиле поп-арт помещения должны выглядеть нестандартно, примитивно и кричаще-ярко. Тему «вызова» обществу стиль принес с собой из искусства. Философию свободы необходимо обыгрывать по-разному в каждой комнате. Как правило, дизайн помещений не повторяется, а только имеет сходные черты. Чтобы почерпнуть вдохновение, откройте страницы любимых графических романов или фотографии модных галерей с полотнами в стиле поп-арт.

Кухня

Для кухни выбирают яркий гарнитур с эффектом лакированного покрытия. Одну из стен можно оформить фотообоями с графическим рисунком или изображением стильного акцента (красные губы, глаза с синими тенями на веках, банки кока-колы, батончики или упаковки известных конфет) на белом фоне с такими же яркими кружками. Вокруг глянцевой барной стойки или обеденного стола ставят пластиковые стулья необычных форм. Особое внимание уделяют фартуку, на него тоже наносят рисунок или картинку из комиксов. На потолке монтируют плоские люстры, которые комбинируют с плафонами геометрических форм, свисающими на длинных, тонких «ножках». Группы последних приборов размещают прямо над акцентной зоной — обеденным столом.

Бурные 60-е, яркие цвета, четкие геометрические формы, необычные фактуры, много глянца и пластика, газетные вытяжки и рекламные постеры на стенах, триптих Мерилин Монро, вазы из консервных банок, – первые ассоциации, возникающие при упоминании стиля поп-арт. Поп-арт рассматривает привычные вещи как произведения искусства, главной своей чертой провозгласив образы продуктов питания и потребления.

Стиль поп-арт перекочевал в интерьеры квартир и домов из художественных галерей в 1950-х годах и явился своеобразным откликом на абстрактный экспрессионизм. Такой стиль применяется и сейчас, его можно использовать практически для любого помещения в квартире. Поп-арт подходит молодым активным людям, которые любят эпатажные решения и не боятся шокировать окружающих.


Материалы и отделка помещений

Для интерьера в стиле поп-арт характерны глянцевые поверхности и использование разных видов пластика. Этот стиль допускает применение как натуральных, так и синтетических материалов, за основу берутся пластмасса, металл, бумага, стекло, возможно – натуральная и искусственная кожа.

  • Потолок должен быть светлым и глянцевым, он может быть как одноуровневым, так и многоуровневым, асимметричным; допустимы любые варианты – окрашенный, натяжной, подвесной.
  • Стены можно красить, оклеивать обоями, покрывать декоративной штукатуркой. Органичны обои с оптической иллюзией, когда в зависимости от угла обзора рисунок или меняется, или исчезает.
  • Для отделки пола подойдет глянцевый ламинат или ковролин. Пол в интерьере может быть сложным, допустима установка подиума.

Цветовые решения


В основе стиля поп-арт лежит использование ярких контрастных цветов при отделке помещения. Ключевые тона – черный, белый, синий и красный, допустимы также неоновые оттенки. Наиболее популярный вариант — однотонные поверхности с яркими акцентами, однако, нередко встречаются и сочетания несочетаемых цветов, органично смотрится и черно-белая гамма.


Стоит учитывать, что обилие красок быстро надоедает, поэтому желательно использовать в отделке поверхностей не более трех цветов, а яркими акцентами сделать мебель и аксессуары.

Обычно в поп-арт интерьере основную смысловую нагрузку несут стены. Традиционно используются два варианта оформления: стены белого или холодного серого цвета как фон для разных цветных акцентов – картин, постеров, фотографий, или цветные – в этом случае приветствуются яркие контрастные сочетания, могут плавно переходить друг в друга. Органично будут смотреться всевозможные узоры – полосы, горох, геометрические фигуры. На одной из стен можно применить технику цикличности композиции, когда один элемент или узор многократно повторяется.

Чтобы интерьер не выглядел перегруженным, пол и потолок должны быть нейтрального цвета. В качестве яркого акцента можно использовать ковер, соответствующий концепции – яркий, с четким геометрическим узором, или имитация звериной шкуры.

Мебель в стиле поп-арт


Нельзя однозначно сказать, как должна выглядеть мебель в стиле поп арт. Главное – интересные формы и яркие краски. Это могут быть:

  • дизайнерские стулья необычной формы;
  • яркие ;
  • большие цветные диваны и кресла;
  • кровать в форме сердца;
  • разноцветные пластиковые полки и стеллажи;
  • маленькие яркие пуфы;
  • кресло в форме губ.

Материал для мебели может быть любым – пластик, дерево, стекло, приветствуются яркие обивочные ткани с рисунками.


Поп-арт в интерьере: декор и детали

Для декора интерьера в стиле поп арт незаменимы оригинальные скульптуры, постеры, фотографии знаменитостей в оригинальных рамках, затейливые стеклянные или пластиковые вазы. Приветствуются предметы, сделанные своими руками.


поп-арт

Важными атрибутами интерьера в стиле поп-арт являются картины, выполненные в кислотной гамме. Сюжет может быть любым – от портрета любимого кота, написанного с искаженной цветопередачей, до стилизованных фото современных кинозвезд или кумиров прошлого. Как правило, такие полотна создаются с помощью фотопечати.

Создать уют в помещении поможет текстиль – яркие шторы, ковровые дорожки, покрывала или диванные подушки кислотных цветов или с яркими узорами, постельное белье с принтами.

Вписывая поп-арт в мировую историю искусства, Энди Уорхол и не подозревал, что направление затронет все сферы жизни человека на полвека вперед. Дизайн интерьеров не смог остаться в стороне.

История в интерьере

Поп-арт в любой части жилища (гостиная, офис или ванная комната) рассказывает, чем живет человек, хозяин помещения, какое у него хобби и кем работает. Каждый предмет несет в себе историю. Это авторский стиль, где вы – художник. Использовать фантазию разрешается!

Яркие цвета, необычные фактуры и формы как особенность стиля

В стиле поп-арт используются хаотичные цветовые миксы и зонирование с яркими акцентами. Удерживать внимание можно цветной плиткой на полу или диваном в форме облака. Если этого окажется недостаточно, добавьте блеск и сияние. Глянец – обязательный элемент покрытий потолка, пола, мебели и декора.

Удобная мебель

Вычурные завитушки или дорогие кованые детали в оформлении помещения – это не о стиле поп-арт.

Поп-арт – это понятный и функциональный набор мебели округлых форм, который не загромождает пространство. Единственное, что стиль признает из декора – придание мебели формы других предметов или геометрических фигур.

Декор как на выставке

Декор и аксессуары показывают индивидуальность хозяина. В поп-арте детали повторяются, создают композиции. Чем интереснее, тем лучше. Украшайте стены плакатами, комиксами, характерными цветными портретами и картинами, простыми на первый взгляд товарами масс маркета. Например, декорированные бутылки coca-cola в поп-арте становятся самостоятельной инсталляцией. Поп-арт признает вещи, сделанные своими руками. Создавайте то, что сложно вписать в повседневные рамки, идите против системы, используйте простые мелочи для вдохновения. Вспомните того же Уорхола с его банкой супа Cambells.

Функциональное освещение

Освещение расставляет акценты в интерьере. Точечные светильники подчеркивают находящиеся рядом детали. В то же время центровая люстра или светильник в форме животного при соответствующей задумке сами становятся акцентами – предметами искусства и обсуждения.

НЕоформление окон

Поп-арт пространство – подобие галереи. В нем достаточно декора, чтобы не отвлекаться на текстиль.

Краткая характеристика поп-арта

Поп-арт разноплановый и индивидуальный. Равнодушным он не оставит точно. Это настроение, живущее в каждой детали. Главное – не перегрузить интерьер. Наш сервис поможет с проработкой стиля, который расскажет вашу историю. Смотреть портфолио

Многие стили дизайна интерьеров берут свои истоки в изобразительном искусстве. Детская в стиле поп-арт полно раскрывает особенности одного из самых ярких, провокационных и экстравагантных течений в искусстве XX века.

Яркий стиль поп-арт отлично подходит для оформления детских комнат

Название стиля восходит к английскому словосочетанию popular art, что можно перевести как «общедоступное искусство». Поп-арт возник во второй половине 1950-х годов в Великобритании и США, был своеобразным манифестом и одновременно ироничной самопародией массовой культуры.

Стиль поп-арт в искусстве — это выражение иронии над массовой культурой

Самый известный арт-объект этого экспрессивного стиля – работа Энди Уорхала с изображением кинодивы Мэрилин Монро.

Картина Энди Уорхала «Мао»

Энди Уорхал — один из основоположников стиля поп-арт

В искусстве поп-арт декларирует отказ от обычных методов и приемов живописи, логических и образных закономерностей. Для него характерны:

  • широкое использование образов массовой популярной культуры;
  • сочетание в едином изобразительном пространстве случайных вещей;
  • использование современных технологий изготовления рекламы, техники создания коллажей и граффити;
  • применение при создании работ техники фотопечати, комбинирования с реальными предметами, проектирования;
  • необычное видение привычных вещей;

Стиль поп-арт активно использует образы массовой культуры

Поп-арт — это использование случайных вещей, это «разрыв бомбы», это привлечение внимания и эпатаж. Данный плакат посвящен Американской мечте.

Поп-арт — это необычное прочтение новых вещей

Главная цель искусства поп-арт – возвращение к реальности; той самой «грубой» ткани действительности, от которой отказались в начале XX века художники абстракционизма. Воскрешали реальность представители «популярного искусства» чрезвычайно замысловато: через призму хорошо узнаваемых и широко тиражируемых образов из мира кинематографа, рекламы, глянцевых журналов, комиксов, телевидения и другой коммерчески успешной продукции.

Поп-арт — это донесение искусства до массового зрителя путем узнаваемых форм

Несмотря на кажущуюся легкость и поверхность, поп-арт стал один из самых влиятельных течений в изобразительном искусстве XX века, оказавшем огромное влияние на все сферы современной культуры, в том числе и дизайнерское искусство.

Дизайн интерьеров в стиле поп-арт

Интерьеры в стиле поп-арт понравятся тем, кто любит все яркое и необычное, ведет активный образ жизни, интересуется искусством, модой, музыкой и кино. Оценят его и те, кто интересуется бурными и ослепительными 60-ми годами прошлого века, их неповторимой эстетикой и запоминающимися образами.

Интерьер в стиле поп-арт очень яркий и красочный, а также сочетает вещи с различных стилей и фактур

Основные признаки стиля в дизайне интерьера:

  • преобладание ярких цветов и контрастов;
  • сочетание в одном пространстве предметов, изготовленных из материалов различных фактур;
  • яркое искусственное освещение;
  • большинство декоративных элементов связано с узнаваемыми персонажами массовой культуры, образами из рекламы.

В интерьере в стиле поп-арт преобладают яркие контрастные цвета

В интерьере в стиле поп-арт часто используются узнаваемые образы масс-медиа

Отделка и цветовое решение

В оформлении помещений в стиле поп-арт широко используются пластик с глянцевыми поверхностями, стекло, акрил и ламинат. Вообще, приветствуется все яркое и искусственное.

В гостиной в стиле поп-арт отдают предпочтение искусственным современным материалам

Важно! Правило яркости не распространяется на стены: они должны быть, скорее, фоном для оригинальных деталей насыщенных цветов (мебели, аксессуаров и т. д.), чем довлеющим элементом. В отделке стен лучше использовать светлые глянцевые и матовые оттенки.

Стены в интерьере в стиле поп-арт — это полотно для ярких акцентов и деталей

Одна из характерных черт поп-арта – неоновая подсветка, поэтому в стенах часто делают ниши, а потолки могут быть многоуровневыми. При небольшой высоте комнаты потолок может быть просто окрашенным или натяжным.

Неоновая подсветка в интерьере в стиле поп-арт обращает на себя внимание

При отделке пола чаще всего используются:

  • фактурный однотонный ковролин;
  • паркетная доска насыщенных оттенков;
  • линолеум;
  • ламинат.

Окрашенный ярко деревянный пол в интерьере в стиле поп-арт

Глянцевый темный пол в интерьере в стиле поп-арт можно дополнить яркими ковриками

В цветовом решении поп-арт не знает никаких ограничений, однако чаще всего используются:

  • кислотные цвета;
  • чередование спокойных и ярких красок;
  • яркие акценты на светлом однотонном фоне.

В интерьере в стиле поп-арт актуальны кислотные цвета

В интерьере в стиле поп-арт также актуальны яркие краски на светлом фоне

Предметы интерьера, декора и аксессуары

Большое внимание в интерьерном стиле поп-арт уделяется мебели. Она должна быть:

  • нестандартных форм;
  • яркой расцветки;
  • с различными стилевыми особенностями;
  • изготовлена из самых разных материалов: пластика, дерева, металла, с кожаной или тканевой обивкой.

В интерьере в стиле поп-арт отлично впишется мебель необычных форм из современных материалов

Винтажный классический диван можно оформить в разноцветный цвета, и он отлично впишется в интерьере в стиле поп-арт

Совет! шкафы лучше делать незаметными, встроенными в стены.

Предметы декора в поп-арте несут большую смысловую нагрузку, поэтому их следует выбирать с особой тщательностью. Особенно важны:

  • светильники самых различных форм и размеров: яркие настольные лампы, бра, торшеры, хрустальные люстры, неоновая точечная подсветка;
  • многочисленные постеры, коллажи и аппликации с героями любимых кино и мультфильмов, комиксов, логотипы известных брендов, вариациями на темы работ известных представителей поп-арта;
  • обилие яркого текстиля: диванные подушки, обивка мебели, половики, накидки и покрывала на кровать, кресла и диваны.

Интересно смотрятся в интерьере в стиле поп-арт разноцветные классические люстры как новое прочтение старых вещей

Использование для создания люстры в стиле поп-арт приема несочетаемости вещей и иронии

Стены в стиле поп-арт активно украшаются разнообразными графическими постерами и комиксами

Текстиль для интерьеров в стиле поп-арт стоит выбирать также яркий, например, подушки могут контрастировать с покрытием дивана

Шторы на окнах могут быть самыми различными — от жалюзи до тяжелых портьер.

Интересно смотрится рулонная штора в виде комикса

Важные преимущества стиля поп-арт: богатство воплощений; он не требует больших денежных средств и создает радостную приподнятую атмосферу.

Дизайн интерьера детской комнаты в стиле поп-арт

Этот динамичный и яркий стиль как никакой другой подходит для оформления детской комнаты. В ней он может раскрыться наиболее полно и, что не менее важно, с той долей самоиронии и озорства, что характерны, на самом деле, для стиля поп-арт.

Цветовая гамма

Детская в стиле поп-арт должна быть яркой, но без использования раздражающих кричащих цветов. Лучше всего оформить комнату в контрасте текстиля по отношению к другим предметам обстановки. При этом могут быть использованы следующие цвета и оттенки:

  • розовый;
  • бежевый;
  • белый;
  • голубой.

В детской в стиле поп-арт лучше избегать кричащих оттенков, чтобы ребенок не был перевозбудимым

Еще один, более насыщенный, вариант сочетаний:

  • желтый;
  • белый;
  • оливковый;
  • коричневый.

Хороший приём для создания поп-арт стиля в детской — это дополнение простых светлых оттенков яркими акцентами

Мебель и другие предметы интерьера и декора

Детская в стиле поп-арт – это пространство, позволяющее воплотить самые смелые фантазии подрастающего поколения, да и родителей тоже. Особенности стиля, его «всеядность» и тематическая направленность прекрасно реализуются в бесконечном множестве воспроизводимых массовой культурой предметов. В комнате есть место всему, что нравится ее юному хозяину. Это могут быть запечатленные на мебели, текстиле, постерах, рисунках на стенах:

  • герои любимых мультфильмов и кинофраншиз;
  • персонажи комиксов: Человек-паук, Супермен, Флэш, Бэтмен и другие;
  • сказочные герои;
  • рекламные бренды.

Отлично дополнить детскую в стиле поп-арт помогут принты с любимыми супергероями

Тематика принтов, как, впрочем, и другие детали убранства комнаты, определяются возрастом и, конечно, полом ребенка.

Кровати могут быть самых необычных форм, например, в виде:

  • автомобиля;
  • космического корабля;
  • всевозможных животных;
  • трюма пиратского фрегата.

Кровать-машина также отлично подходит для интерьеров в стиле поп-арт

Совет! Хорошо вписываются в интерьер кресла-мешки, легкие пластиковые стулья и столы ярких расцветок. Также уместна мебель четких геометрических форм.

Отлично впишутся в интерьер в стиле поп-арт в детской разнообразные кресла-мешки

Среди других аксессуаров следует упомянуть:

  • фотоколлажи;
  • деревянные и мягкие игрушки;
  • светильники необычных форм;
  • текстиль ярких расцветок;
  • полки с фигурными панелями.

Шкаф в стиле поп-арт можно раскрасить в разноцветные оттенки

В целом для детской комнаты в стиле поп-арт характерны:

  • яркие акценты;
  • нестандартные детали;
  • оригинальные сочетания;
  • обилие изображений героев комиксов и других представителей современной визуальной культуры;
  • общая экстравагантность оформления.

На стену можно повесить портрет ребёнка в детской в стиле поп-арт в технике Энди Уорхала

Конечно, этот стиль подходит не абсолютно всем детям. Вряд ли он понравится спокойному ребенку, предпочитающему размеренный образ жизни и не увлекающемуся подвигами супергероев.

Детская комната в стиле поп-арт – это воплощение детских фантазий, погружение в мир сказок для малышей и плацдарм для самовыражения у подростков. В любом случае – это создание яркого и неповторимого жизненного пространства, образ которого запомнится на всю жизнь.

Мне нравится

Любите неожиданные решения в интерьере и яркие цвета? Тогда поп-арт — ваш выбор. В красочности с ним не может соревноваться ни один из других стилей интерьера.

Пор-арт переводится как популярное искусство: 1950-1960 годы это направление развилось именно в искусстве и затем быстро распространилось и на дизайн интерьера. Существуют американский, итальянский и английский поп-арт, а самые яркие представители направления — Энди Уорхол, Рой Лихтенстайн и Ричард Гамильтон. При создании интерьера дизайнер может вдохновляться как искусством конкретного автора, так и общими принципами стиля. В таком интерьере будет не только много красок, но и узнаваемые с первого взгляда образы современного массового искусства и рекламы.



Для реализации поп-арта нужно обширное пространство. Насыщенные цвета и изобилие узоров визуально уменьшают интерьер. Использовать орнаменты для создания иллюзии расширения пространства — целое искусство. Если квартира небольшая, можно сделать микс скандинавского стиля с поп-артом, тогда белая спокойная основа будет работать на размер помещения, а декор — создавать настроение.



Стиль поп-арт в интерьере: цветовая гамма

Буйство красок, яркие (включая кислотные и неоновые) цвета, контрастные сочетания — отличительная особенность поп-арта. Пастельным оттенкам здесь не место. Для того, чтобы в таком интерьере можно было жить, не сойдя с ума, за основу часто берется белый, черный или черно-белый в равной пропорции. Если оформляется интерьер нежилого помещения, или хозяева квартиры слишком устали от серого города за окном, основой могут служить сразу несколько цветов, присутствующих в одинаковом количестве.






Единственное допущение полутонов в поп-арте, — это наложение одного полупрозрачного цвета на другой с целью создания такого фильтра, как на поп-арт фотографиях.

Материалы

Большую роль в поп-арт интерьере играют стены. Они не хотят брать на себя фоновую роль, а заявляют о себе как настоящие произведения искусства с помощью росписи или фотообоев. Самые популярные темы — граффити, анимационные персонажи, комиксы, стилизация под Энди Уорхола. У поп-арта есть своя особая стилистика, в которой можно исполнить любое изображение, даже ваше собственное фото.




На стенах могут быть и обычные обои, но непременно с интересным рисунком. Например, повторяющиеся геометрические узоры, создающие визуальную иллюзию будут очень кстати. Для того, чтобы не перегружать пространство, оформите так только одну, акцентную стену. Больше про этот прием читайте в нашей статье: «». В поп-арте, сплошь состоящем из акцентов, этот прием может быть преобразован: одна стена оформляется мелким узором или росписью, противоположная окрашивается в белый, а соседние — в контрастные цвета.




Для стиля поп-арт, который часто декорируется подсветкой, лучшим решением будет многоуровневый потолок. Если подсветка не планируется, можно сделать навесной глянцевый потолок, это позволит визуально его приподнять и соответствует принципам стиля. При желании, можно оформить потолок зеркалами или росписью.



Для оформления пола есть 2 основных варианта. Если стены оформлены очень разнообразно и насыщенно, лучше положить на пол светлый и глянцевый материал — плитку, паркет, винил, линолеум. Однотонный ковролин тоже подойдет. Если хочется, чтобы пол притягивал к себе взгляды, то поверхности с орнаментами или необычной раскладкой — ваш вариант.




Дайджест Квартблога

Как подобрать мебель и декор для создания интерьера в стиле поп-арт.

На мастер-классе дизайнера Татьяны Ефимчук вы своими руками создадите панно в стиле поп-арт. Приглашаем всех!

Впечатляющая шведская квартира с элементами поп-арта.

Веселые, яркие, с долей юмора — это все об этой подборке интерьеров.

Фотографии: milandesignagenda.com, decoist.com, myhome.ru, www.homedsgn.com, decobizz.com, interioridea.net, home-designing.com

Уэйн Тибо не поп-артист | Искусство и культура

Уэйн Тибо, возможно, больше всего известен своими кондитерскими изделиями, но друзья и критики указывают на его недооцененные глубины. © Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк.

Среди знакомых картин Уэйна Тибо, выставленных в Художественном музее Крокера в Сакраменто, — натюрморты с жевательными резинками и сладострастными булочными тортами, ярко одетые фигуры с трезвыми лицами, городские пейзажи Сан-Франциско с их дерзкими наклонностями — была одна загадочная картина. , в отличие от всего остального на выставке.Это был мрачно-комический портрет человека в деловом костюме, который изо всех сил висит на ветке безлистного дерева, а его портфель брошен на траву внизу. Улица в центре города вырисовывалась за маленьким парком, где разыгрывалась эта загадочная драма. Мужчина пытался взобраться вверх или вниз? А зачем он там был? Тибо пытается объяснить: «По сути, речь идет о городской атмосфере и необходимости убежать от нее». Но Man in Tree иллюстрирует нечто другое. Датированный «1978-2010» на настенной этикетке, он свидетельствует о неустанном стремлении Тибо к живописи — в данном случае о 32-летнем цикле, в течение которого он начинал работу над картиной, останавливался и пересматривал ее снова и снова, углубляясь в его формы и цвета, свет и тени, даже когда он чувствовал себя таким же застрявшим, как человек на дереве.

Тибо (произносится как ти-боу), возможно, самый трудолюбивый художник в Америке. Этой осенью ретроспектива Крокера «Уэйн Тибо: Возвращение домой» чествовала давнего жителя и совпала с важной вехой — в ноябре ему исполнилось 90 лет. Но живописец кажется на много лет моложе. Легендарный преподаватель соседнего Калифорнийского университета в Дэвисе, он вышел на пенсию в возрасте 70 лет, но продолжал преподавать свои чрезвычайно популярные занятия в качестве почетного профессора. Друзья говорят, что его энергия не иссякает. Действительно, он рисует почти каждый день и играет в теннис примерно три раза в неделю.

В мире современного искусства, завороженном такими трюками, как инкрустированный бриллиантами череп Дэмиена Херста, Тибо удивительно неприхотлив. Он больше принадлежит к классической живописной традиции, чем к поп-революции, которая впервые привлекла к нему внимание всей страны в 1960-х годах. Тогда сладкая повседневность его изображений тортов и пирогов выглядела как двоюродные братья суповых банок Энди Уорхола. Но там, где Уорхол был холодным и ироничным, Тибо был теплым и мягко комичным, играя на коллективной ностальгии по эту сторону сентиментальности.Он продвигал себя как художник, экспериментируя с мазками, цветом, композицией, светом и тенью. Цилиндрические пирожные и рожки мороженого были обязаны скорее таким мастерам натюрморта, как французский живописец 18-го века Шарден или итальянец 20-го века Джорджио Моранди, как указывали критики, чем художественным тенденциям того времени.

На протяжении многих лет Тибо неоднократно брался за одни и те же темы — не для того, чтобы усовершенствовать формулу, а для того, чтобы продолжать исследовать формальные возможности живописи.«Какое разнообразие света может быть в одной картине?» он спросил. «Прямой яркий свет, затем беглый свет, затем зеленое свечение. Это очень сложная задача». Мы стоим в тихой комнате в Crocker перед Bakery Case , написанным в 1996 году, спустя три десятилетия после его первой успешной выставки в нью-йоркской галерее, где была представлена ​​выпечка.

Витрина для пекарни с полупустым подносом с глазированными пончиками, пирогами и украшенным гирляндами свадебным тортом вызывает отсылки к влиятельным художникам, таким как Боннар и Матисс, а также к теории цвета Йозефа Альберса, согласно которой восприятие цвета изменяется цвета вокруг него.Когда Тибо рисует объект или форму, он, как известно, окружает его несколькими цветами, часто полосами или линиями, одинаковой интенсивности, чтобы создать эффект ореола — хотя вы можете этого не заметить, если не присмотритесь. «Они борются за позицию», — говорит он о цветах. «Вот что заставляет их вибрировать, когда вы кладете их рядом друг с другом».

Торты и пироги, самые известные работы Тибо, написаны из его воображения и из давних воспоминаний о пекарнях и закусочных. Но он также рисует с натуры.Он указывает на женщину в короткой юбке в своем «Двух сидящих фигурах » (1965). «Это очень похоже на колени Рубенса!» он говорит. Он любит говорить, что ворует у лучших. Женщина с розоватыми коленями, как у купидона, — его любимая муза, его жена, которой уже 51 год, Бетти Джин. Другие фотографии шоу отражают их совместную жизнь: сцены из Лагуна-Бич, где у них есть второй дом; уличные пейзажи Сан-Франциско, где у него была студия в 1970-х; пара красивых рисунков их двух сыновей в детстве.(У Тибо две дочери от предыдущего брака.) Проходя по галереям, мы начинаем собирать около дюжины посетителей музея, которые с удивлением обнаруживают знаменитого художника посреди его собственной выставки. Они слушают каждое слово его мини-урока, а двое фотографируют его на свои мобильные телефоны.

«А вот и беспорядок», — говорит Тибо с типичным самоуничижительным юмором, когда мы направляемся к стене с несколькими пейзажами. Они представляют собой новое направление в его творчестве, начатое около 15 лет назад и вдохновленное почти забытым уголком близлежащей сельской местности.К югу от Сакраменто и съезд с межштатной автомагистрали находится старая государственная дорога, которая может перенести человека в прошлое, как в эпизоде ​​«Сумеречной зоны», в Калифорнию, существовавшую задолго до начала XXI века. Поскольку дорога вьется вдоль дамбы, высоко над дельтой реки Сакраменто, берега усеяны причудливыми рыболовными станциями и магазинами наживки и снастей; плавучие дома пришвартованы к скрипучим докам; фруктовые сады и фермерские поля раскинулись, как покрывала, по обеим сторонам серебристой воды. Тибо приходит сюда, чтобы делать наброски, а затем возвращается в свою студию, чтобы рисовать.

С дико меняющимися перспективами и геометрическими узорами, созданными резкими кривыми и резкими краями, картины дельты напоминают его головокружительные городские пейзажи Сан-Франциско. Они выглядят как виды с воздуха — здесь почти нет неба или линии горизонта, — но есть несколько точек обзора. В фильме «Браун-Ривер » (2002) некоторые поля нарисованы в традиционной перспективе, в то время как другие ненадежно наклонены вверх, как вид с американских горок. Тибо иногда рисует клочки полей в неожиданных оттенках — леденцово-розовых или нежно-голубых — с крошечными деревьями и игрушечными фермерскими домиками по краям.

«Я получаю удовольствие от их рисования на стольких различных уровнях, насколько это соответствует узору», — говорит он. «Что интересно в подобных сериалах, так это то, что вы можете увидеть, сколько разных времен года вы можете использовать, сколько разного времени суток, сколько разных источников света». Когда в середине 1990-х он представил картины дельты, многие из его поклонников почесали затылки. Но британский философ и критик Ричард Воллхейм был одним из первых сторонников. «Эти картины демонстрируют сложность, — писал он в Art Forum в 1999 году, — и, прежде всего, старомодную проработку деталей, совершенно без иронического намерения, чего не наблюдалось в искусстве со времен капельных картин Поллока. или славные поздние Ателье Брака.

Раннее утро в зеленом районе Сакраменто. Тибо стоит в скромном одноэтажном здании, которое было превращено в частную галерею для его работ. Одетый в белые брюки, белую рубашку и спортивную обувь, он занят расстановкой около двух десятков картин у одной стены — итогом своей карьеры, которая восходит еще дальше, чем полувековая ретроспектива Крокера. Самая ранняя работа — портрет рыбака в черной шапке от дождя, написанный смелыми выразительными мазками, когда ему было всего 16 лет.В то время Тибо, выросший в основном в Лонг-Бич, штат Калифорния, не думал, что его ждет мир изобразительного искусства. Он любил мультипликацию — он до сих пор ссылается на «Крейзи Кэт», оказавшую на него влияние, — и тем летом он работал в отделе анимации Диснея учеником художника-мультипликатора. Позже он обратился к коммерческому искусству, иллюстрируя постеры фильмов для Universal Pictures и работая в рекламном отделе Rexall Drugs. «В какой-то момент все, чем я хотел быть, — это горячий, высокооплачиваемый арт-директор по рекламе», — говорит он с ухмылкой. «Но у меня был хороший друг, Роберт Мэллари, который показал мне, насколько я был глуп — насколько я был ограничен и сбивался с курса в том, что было важно в жизни».

Тибо никогда не переставал восхищаться коммерческим искусством, но в конце 1940-х годов он начал серьезно заниматься живописью и получил степень магистра истории искусств. Он поступил на факультет Калифорнийского университета в Дэвисе в 1960 году в качестве преподавателя рисования. По словам художника Майкла Томпкинса, который был его учеником и помощником в 1980-х годах, он предпочитал обучать студентов и «неопытных новичков».«Он хотел людей, которые были широко открыты. Без какой-либо иронии он сказал нам, что его работа заключается в том, чтобы разбираться с основными проблемами, как бейсболист, который все еще каждый год ходит на весенние тренировки, чтобы освежить в памяти основы». В преподавании, по словам Тибо, «вы должны постоянно переосмысливать вещи».

В 1950-х годах Тибо, как и многие молодые художники, уехал в Нью-Йорк. Он работал в рекламном агентстве и часто посещал таверну Cedar в Гринвич-Виллидж, где подружился с такими художниками, как Франц Клайн и Виллем де Кунинг.Но его оттолкнуло, как он однажды сказал, «церковное чувство большого количества нью-йоркской живописи» со всеми ее сложными теориями и видом благоговения. Как выразился Скотт Шилдс, старший куратор музея Крокера, «абстрактный экспрессионизм Нью-Йорка не работал так хорошо для жителей Западного побережья — эта задумчивая тревога не подходила». Хотя Тибо добился своего первого большого успеха у критиков в Нью-Йорке в 1962 году в галерее Аллана Стоуна, где он выставлял свои работы на протяжении десятилетий, он так и не стал частью городской арт-сцены.

«Я считаю, что быть американцем — очень важная часть того, что я чувствую и делаю», — говорит Тибо. Эта американскость, наряду с его пониманием коммерческого искусства, пронизывает его работы, начиная с кусочков пирога и бутербродов, автоматов для игры в пинбол и барабанных мажореток, которые были его ранними предметами. Калифорнийские художники также оказали на него влияние, особенно Ричард Дибенкорн, который создавал репрезентативные картины в конце 1950-х годов и чья более поздняя серия Ocean Park отражена в красочных, плоских геометрических плоскостях картин дельты.

Тибо пережил многих художников, которые были его друзьями или коллегами — цена долгой жизни. Но самой тяжелой потерей для него и его жены стала смерть в прошлом году их сына Поля от рака в возрасте 49 лет. Поль Тибо владел частной галереей в Сакраменто и двумя другими, представляющими его отца и других современных художников. «Я очень горжусь им, — говорит художник. «Мы были очень близки. Эта часть позволила продолжить».

Продолжать для Тибо означает идти на работу.«Он выдающийся художник, — говорит Томпкинс, — но он тратит время. Если ты сидишь и ждешь вдохновения, сказал бы он, все, что ты получишь, — это больная задница». Тибо может заниматься искусством практически где угодно. «Я работал в подвалах, гаражах и даже на кухнях, — говорит он. «Я работаю в основном при люминесцентном освещении в сочетании с лампами накаливания, что позволяет контролировать определенный тип освещения, где бы я ни находился». Его жена построила студию на втором этаже их дома в Сакраменто, куда, по его словам, он иногда ходит «в пижаме.А еще у него есть рабочее место в частной галерее.

Прогуливаясь по этому пространству, Тибо останавливается, чтобы посмотреть на элегантную маленькую картинку с мороженым, выполненную менее роскошно, чем другие его оды десерту (лично он предпочитает терпкий пирог с лимонным безе, а не липкий пирог). Музей Моранди в Болонье, Италия, запросил в дар Тибо и думает отправить это вежливое парфе. Он и его жена создают фонд, в котором будут храниться его работы и искусство, которые он собрал — акварель Сезанна, рисунок Энгра, картина Руссо в джунглях, портрет Бальтюса, несколько де Кунингов, гравюры Пикассо и Матисса и другие.Там также могут быть абстрактные картины, которые, по слухам, он рисовал годами, но никогда не показывал.

Сейчас Тибо рисует серию гор. Они кажутся расколотыми пополам — огромные, похожие на утесы, насыпи темной слоистой земли, — и он тяжело рисует землю и скалы, как густую глазурь на своих тортах. Маленькие группы домов или деревьев, как правило, балансируют на вершине этих геологических образований. Картины, такие как Man in Tree , странно зловещие.

«Я думаю, что в его работах есть темная сторона», — говорит художник из Сакраменто Фред Далки, друг Тибо.«Но он не будет говорить об эмоциях в своей работе». Даже его кондитерские картины в пастельных тонах, при всей присущей им жизнерадостности, имеют ауру меланхолии. «Хотя все нарядились, как будто на свой день рождения, — сказал о двух тортах на картине критик Адам Гопник, — они кажутся «жалобными — тоской».

Такие полутона — это не то, к чему Тибо стремится обращаться. Что он делает с поразительной виртуозностью, так это рисует пирог, реку или девушку в розовой шляпе так, как никогда прежде не рисовали. Это все и этого достаточно. И теперь ему нужно бежать. У него свидание на теннисном корте.

Кэтлин МакГиган , живущая в Нью-Йорке и пишущая об искусстве, рассказала об Алексис Рокман в декабрьском номере 2010 года.

«При всей своей яркой современности, — говорит один из кураторов, — искусство Тибо сильно зависит от традиции.На фото жена Уэйна Тибо, Бетти Джин, на картине под названием « Девушка с рожком мороженого », 1963 год. Музей и сад скульптур Хиршхорна, SI, Фонд завещания Джозефа Х. Хиршхорна, Программа приобретения коллекций Смитсоновского института и покупка музея, 1996. Фотография Ли Сталсворта. Тибо, возможно, наиболее известен своими кондитерскими изделиями, такими как Cakes , 1963, но друзья и критики указывают на его недооцененную глубину. © Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк. Его пышно выполненные натюрморты почитают знакомые объекты, такие как его Две банки с краской , 1987, вместо того, чтобы высмеивать коммерциализацию. «Я не являюсь известным поп-исполнителем, — сказал однажды Тибо. © Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк. В неустанном стремлении к живописи Тибо начал, остановил и пересмотрел человека в дереве , 1978-2010.© Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк. Тибо с незаконченным портретом в своей галерее в Сакраменто. Райан Энсон Ссылаясь на образ своей жены в картине «Две сидящие фигуры » 1965 года, Тибо предполагает, что он позаимствован у фламандского мастера: «Они очень похожи на колени Рубенса!» © Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк. «Быть ​​американцем — важная часть того, что я чувствую и делаю», — говорит Тибо, превознося обычную жизнь в « Heavy Traffic », 1988 год.© Уэйн Тибо / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк. Художники Художники Картина

Рекомендуемые видео

Картины в стиле поп-арт на продажу

Поп-арт происходит от термина «популярное искусство» и относится к художественному движению, которое впервые появилось в Великобритании в 1950-х годах, а затем распространилось по всему миру. Поп-арт повлиял не только на изобразительное искусство (коллаж, скульптура…), но также повлиял на музыку и моду.

Среди многих технологических революций, которые коснулись истории живописи, одной из самых значительных, безусловно, является акриловая живопись, краска, изготовленная из комбинации пигментов, смолы и скипидара. По сравнению с традиционной масляной краской акриловая имеет множество преимуществ: она невероятно быстро сохнет, не нуждается в покрытии лаком и отличается высокой стойкостью. Несколько художников поп-арта предпочли использовать эту более современную краску.

Популяризация шелкографии, техники трафаретной печати, также способствовала успеху поп-арта. Образцы американского поп-арта часто печатаются сериями (с использованием шелкографии или других методов) и создаются с использованием ряда инновационных промышленных процессов. Первоначально эти инновации были в значительной степени дискредитированы и даже подвергались презрению, пока не появились две ключевые фигуры движения поп-арт, которые помогли продвигать эти методы.

Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн были одними из первых, кто открыто выразил свое предпочтение этим новым методам.Присвоив эти методы, которые когда-то использовались исключительно в промышленном контексте, две основные фигуры поп-арта произвели революцию в мире искусства. С тех пор популярна современная живопись, и ценность произведения искусства больше не измеряется его редкостью или изображенным предметом.

Американский поп-арт отвернулся от давней художественной традиции и проложил путь постмодернистскому современному искусству, взяв в качестве сюжета предметы быта из массовой культуры (суп Кэмпбелл, кока-кола).Темы были выбраны намеренно, потому что они были банальными, популярными и обыденными.

Чтобы усилить резкий отход движения от изобразительного искусства и его традиционной тематики, художники работали с яркой цветовой палитрой, в основном используя основные цвета: красный, желтый и синий. Использование ярких цветов можно найти в десятках, если не в сотнях китчевых картин в стиле поп-арт.

Движение критически относилось к обществу потребления и часто иронически использовало известных деятелей популярной культуры для выражения своей критики (Мэрилин Монро, Мик Джаггер, Микки Маус, Одри Хепберн).Эти иллюстрации, напоминающие рекламу или комиксы, характеризуются использованием очень простых линий и минималистичных деталей.

Стремление к десакрализации искусства также напоминает идеи дадаизма или авангардизма Марселя Дюшана. Однако для американского и британского поп-арта их главной целью было сделать культуру доступной для максимально возможного числа людей. Поп-стиль очень быстро оставил свой след и одновременно создал новый стиль живописи.Философия поп-арта подчеркивает силу образов, нового фетиша промышленно развитого общества потребления. Тем не менее, начиная с 1970-х годов, многие художники движения решили отказаться от поп-арта в пользу других движений протестного искусства.

На сайте Artsper вы можете ознакомиться с широким спектром картин в стиле поп-арт, созданных как известными современными художниками поп-арта, так и начинающими художниками. Некоторые из величайших художников поп-арта включают: Джеймса Розенквиста, Дэвида Салле, Джаспера Джонса, Энди Уорхола, Тома Вессельмана и Дэвида Хокни.

Руководство коллекционера: коллекционирование картин

Подробнее

цена, 501:1000 цена, 500 грань,10503*Творчество художников бестселлеры|значок-бестселлеры*бестселлеры грань,10503*Произведения художников-бестселлеров|icon-bestsellers*bestsellers фасет, 10503*Obras de los artistas más vendidos|icon-bestsellers*obras-de-los-artistas-mas-vendidos грань,10503*Werke von Bestseller-Künstlern|icon-bestsellers*werke-von-kunstlern-bestseller фасет,10500*Юные таланты|icon-youngtalents*youngtalents грань,10500*Werke aufstrebender Künstler|icon-youngtalents*werke-von-jungen-kunstlern грань,10500*Obras de artistas Emergentes|icon-youngtalents*obras-de-artistas-emergentes грань,10500*Oeuvres d’artistes émergents|icon-youngtalents*jeunes-talents цена,1001:5000 категория,6*Живопись*живопись категория,6*Gemälde*gemalde категория, 6*живопись*живопись категория,6*Пинтура*пинтура фасет,8259*Наши рекомендации|иконки-рекомендации*рекомендации фасет,8259*unsere Empfehlungen|icon-recommendations*unsere-empfehlungen фасет,8259*Нет рекомендаций|иконка-рекомендации*рекомендации фасет,8259*Nuestras recomendaciones|icon-recommendations*nuestras-recomendaciones грань, 1629*абстракция*абстракция грань,1629*абстрактно*абстрактно грань,1629*абстракт*абстракт грань,1629*Абстракция*абстракция грань,10497*Werke berühmter Künstler|иконки-шедевры*werke-beruhmter-kunstler грань,10497*Obras de artistas famosos|icon-шедевры*obras-de-artistas-famosos грань,10497*Oeuvres d’artistes célèbres|icon-шедевры*artistes-celebres грань,10497*Произведения известных художников|иконы-шедевры*шедевры фасет,8274*Moyen (\u003c 115 x 115 см)|средний*moyen фасет,8274*Moyen (> 45 x 45 дюймов)|средний*Moyen цена,5001:10000 фасет,8277*Большой (\u003c 200 x 200 см)|большой*гранд грань, 8277*большой (\u003c 80 x 80 дюймов)|большой*большой грань, 1635*стрит-арт*стрит-арт грань, 1635 г. * Straßenkunst * стрит-арт грань,1635*arte callejero*arte-callejero категория,5*Скульптура*скульптура категория,5*Эскультура*эскультура категория,5*Скульптур*скульптур грань,1686*Поп-арт*поп-арт грань, 1686*поп-арт*поп-арт грань, 1686*Арте-поп*арт-поп фасет,8277*Большой (\u003c 80 x 80 дюймов)|большой*большой фасет,8277*Большой (\u003c 200 x 200 см)|большой*большой категория,9*Фотография*фотография категория,9*Фото*фотография категория,9*Фотография*Фотография категория,9*Фотография*фотография грань,1671*Пейзаж*природа грань,1671*натур*натур грань,1671*Paysage*природа грань, 1671*Naturaleza*Naturaleza грань, 1644*портрет*портрет грань,1644*Retrato*retrato грань,1644*портрет*портрет категория, 15*издание*издание категория,15*Друк*выпуск категория, 15*Печать*Печать категория, 15*издание*издание грань,1641*обнаженная*обнаженная грань, 1641*нус*нус грань,1641*Акт*акте грань, 1641*desnudos*desnudos категория,23*Dessin*Dessin категория,23*Zeichnung*zeichnung категория, 23 * Художественные рисунки * рисунок категория, 23*Дибуджо*дибуджо грань,11697*фигуратив*фигуратив грань,11697*фигуративо*фигуративо фасет,11697*фигуратив*фигуратив фасет,11697*фигуратив*фигуратив грань,8301*Продвижение по службе|icon-promotions*promotions фасет,8301*Специальные предложения|значки-акции*акции фасет,8301*Trabajos en promoción|icon-promotions*trabajos-en-promocion фасет,8301*Специальные предложения|icon-promotions*vergunstigte-werke грань, 1830*Ландшафт|пейзаж*ориентация-ландшафт грань, 1830*Paysage|пейзаж*ориентация-paysage грань, 1830*пейзаж|пейзаж*ориентация-пейзаж грань, 1830*Paisaje|пейзаж*ориентация-paisaje грань,8280*Très grand (>200 x 200 см)|очень большой*tres-grand грань,8280*Très grand (> 80 x 80 дюймов)|очень большой*tres-grand фасет,8274*Средний (> 115 x 115 см)|средний*средний фасет,8274*Средний (> 45 x 45 дюймов)|средний*средний фасет,1827*Портрет|портрет*ориентация-портрет фасет,1827*Hochformat|портрет*ориентация-портрет фасет,1827*Retrato|портрет*ориентация-retrato цена, 1000:501 грань,11991*Гроссмэтры|иконописцы*гранд-мэтры грань,11991*​Мастера-художники|icon-masterartists*masterartists грань,11991*Große Meister|значок-мастера*grosse-meister грань, 11991*Maestros artistas|icon-masterartists*maestros-artistas грань, 1674*Scène de vie*scene-de-vie грань,1674*Повседневная жизнь*повседневная жизнь грань, 1674*Etchleben*etchleben грань, 1674 * Escena de la vida * escena-de-la-vida фасет,8271*Маленький (\u003c 50 x 50 см)|маленький*маленький грань, 1680*уровень*уровень грань, 1680*Animaux*animaux грань, 1680*животное*животное грань, 1680*Животные*животные грань,11997*Nouveaux artistes à découvrir|icon-new-remarquable-artists*nouveaux-artistes-a-decouvrir facet,11997*​Новые \u0026 замечательных художников|icon-new-remarquable-artists*new-remarquable-artists грань, 11997*Новые художники и дестакады|icon-new-remarquable-artists*artistas-nuevos-y-destacados грань,11997*Neue bemerkenswerte Künstler|icon-new-remarquable-artists*neue-bemerkenswerte-kunstler facet,11997*​Новые \ u0026 замечательных художников|icon-new-remarquable-artists*new-remarquable-artists грань, 1668*Schwarz und weiß*schwarz-und-weiss грань, 1668 * Noir et blanc * noir-et-blanc грань, 1668*черно-белый*черно-белый грань, 1668 * Бланко и негр * бланко-и-негр цена,50001 фасет,8280*Очень большой (>200 х 200 см)|очень большой*очень большой фасет,8280*Очень большой (>80 x 80 дюймов)|очень большой*очень большой грань, 11634 * Уличные артисты поп-культуры * поп-культура-стрит-артисты грань, 11634*Popkultur Straßenkünstler*popkultur-straßenkünstler грань,11634*Поп-культура Уличные артисты*поп-культура-уличные артисты грань,11634*Cultura pop Street-artistas*cultura-pop-street-artistas грань,1632*Архитектура*архитектура грань, 1632*Die Architektur*die-architektur грань, 1632 * Архитектура * Архитектура грань, 1659*флор*флор грань, 1659*цветочный*цветочный грань,1659*Флора*флора грань, 1659*Флорес*Флорес грань,1650*Paysage urbain*paysage-urbain грань, 1650*городской пейзаж*городской пейзаж грань, 1650*Städtische Landschaft*stadtische-landschaft грань,1650*Paisaje urbano*paisaje-urbano фасет,8277*Гросс (\u003c 200 x 200 см)|крупный*брутто фасет, 8277*брутто (\u003c 80 x 80 дюймов)|большой*брутто грань, 1692*геометрическая*геометрическая грань, 1692*геометрическая*геометрическая грань, 1692*геометрическая*геометрическая грань, 1692*геометрия*геометрия грань, 1656*Графика*Графика грань, 1656*графика*графика грань,1656*график*график грань, 1656*Gráfico*grafico грань, 108*л*ол грань, 108*хуиле*хуиле грань, 108*масло*масло грань, 108*ал олео*ал-олео грань, 126*акрилик*акрилик фасет, 126*акрил-*акрил фасет, 126*акрил*акрил грань, 126*акриловый*акриловый

художественных стилей и художественных направлений для детей

Какие существуют художественные стили и художественные направления? Чем художественный стиль отличается от художественного движения?

Что ж, художественный стиль — это стиль, средство или предмет, который конкретный художник выбирает для представления своего искусства или элементов искусства. Это то, что позволяет легко отождествить картину с художником.

Когда этот стиль или идея распространяется и более одного художника используют этот метод живописи в течение определенного периода, это называется художественным движением .

Здесь мы увидим простые художественные стили для детей. Мы познакомимся с различными художественными движениями и терминами, которые мы обычно используем, когда изучаем эту форму искусства. В этом блоге мы будем делать арт-проекты на основе стилей этих художников.

Обратите внимание, что последовательность, в которой художественные движения, упомянутые здесь, не в определенном порядке.

Поп-арт

Это художественное движение зародилось в Англии в 1950 году, а затем переместилось в Нью-Йорк, где такие художники, как Энди Уорхол и Джаспер Джонс, популяризировали художественное движение.

Поп-арт или популярное искусство — это искусство для простых людей. Художники используют предметы повседневного обихода, чтобы представить свое искусство, и они используют яркие цвета и смелые очертания, чтобы сделать их привлекательными. Вдохновение для этого художественного движения пришло в виде рекламы, кино- и рок-звезд и комиксов.

Детям понравится рисовать в стиле поп-арт, так как это картины на знакомые темы, и их легко рисовать, так как цвета плоские и яркие.

Посетите Ромеро Бритто , Бертон Моррис, Такаши Мураками , Кенни Шарф , Уэйн Тибо, Том Федро, Джим Дайн и Патрик Кофилд.

Граффити

Граффити — это искусство улиц, фильмов и журналов. Эти картины написаны смело и красочно, так что они могут легко привлечь внимание людей.

Многие художники также использовали уличное искусство для передачи важных социальных сообщений.

Стик , Кит Харинг , Тьерри Нуар, Жан-Мишель Баския t — некоторые из художников, упомянутых здесь.

Кубизм

Кубизм  это стиль визуального искусства, который показывает объект с разных сторон одновременно. В этом стиле художник пытается передать трехмерность на плоском холсте. Пабло Пикассо и Жорж Барк положили начало этому стилю живописи.Это началось в начале 1900-х годов. Геометрические формы, такие как кубы, сферы, цилиндры и конусы, используются для отображения многих сторон исходного объекта.

Абстрактное искусство

Абстрактное искусство в чистом виде не имеет сюжета. Это просто формы и цвета, используемые для того, чтобы картина выглядела красиво. Хотя у него нет темы, он все же пытается передать какие-то эмоции с помощью форм и оттенков цветов. Есть много художников, которые рисуют в абстрактном стиле. Paul Klee, Delaunay , Joan Miro — некоторые из таких художников.

Другие художники-абстракционисты современности включают Бритт Басс Тернер, Джиллиан Моубрей, Анжелу Моултон, Кирру Джеймисон.

Экспрессионизм

Экспрессионизм – это форма искусства, в которой художник выражает свои мысли и чувства через искусство. Именно выбор цвета и его применение выражает чувства. Посетите Габриэле Мюнтер, чтобы попробовать искусство экспрессионизма .

Когда искусство экспрессионизма захватывает чувства, но искусство ничего не представляет, это называется абстрактным экспрессионизмом. Джексон Поллок — художник, который рисовал абстрактный экспрессионизм и известен своей капельной живописью.

Художественный механизм CoBrA

Это художественное движение, которое длилось в течение короткого периода с 1948 по 1951 год. Группа CoBrA представляла собой группу датских художников из  (Копенгаген), Бельгии (Брюссель) и голландцев (Амстердам). Художники этого художественного движения хотели эмоционально оживить своим искусством людей, опустошенных после Второй мировой войны. Таким образом, искусство было оптимистичным, полным жизни и цвета, и оно помогало людям увидеть более светлую сторону жизни.Корнель Гийом, Карел Аппель, Констан Ньювенхейс — некоторые из художников этого периода.

Сборник рассказов или причудливый художественный стиль

Сборник рассказов — это искусство иллюстраторов. Именно эти художники иллюстрируют детские книги и создают увлекательные произведения искусства для маленьких детей. Искусство сборника рассказов поддерживает историю в детской книге.

Стиль иногда бывает причудливым, поскольку на иллюстрациях изображены феи и русалки, монстры и ангелы, а картины яркие, красочные и забавные.

Андреа Досс, Кори Дантини , Прашант Миранда — некоторые художники сборников рассказов или иллюстраторы.

Художественное движение «Орфизм»

Художественное движение Орфизм было начато Делоне . Робер Делоне и Соня Делоне назвали эту форму искусства абстрактным искусством, которое имеет влияние кубизма, но больше внимания уделяется свету и цвету.

Народное и племенное искусство

Народное искусство — искусство простых людей. Это искусство можно увидеть в сельской местности, где нарисованы стены и полы домов. Пигменты сделаны из натуральных красителей, и художники кропотливо украшают их узорами, чтобы они выглядели красочно.

Племенное искусство, также известное как искусство аборигенов в некоторых частях мира, является искусством племен, и эти узоры рассматриваются как боди-арт и другие ритуалы.

Механизм De Stilj

Это направление в искусстве было основано Питом Мондрианом и Тео ван Дусбургом. В центре внимания этого движения было упрощение искусства до такой степени, что в нем есть только основные линии.Пит Мондриан использовал только основные цвета и несколько прямых линий для изображения искусства.

Механизм ар-брют

Art Brut — это французский термин, означающий необработанное искусство. Это художественное движение, которое было начато французским художником Жаном Дюбюффе для описания искусства людей, не имевших формального художественного образования. Его отнесли к произведениям непрофессионалов, детей и людей с ограниченными возможностями. Так что тематика и формы этого искусства были детскими. Гастон Чассаик , Жан Жозеф Санфурш — некоторые из таких художников.

Пуантилизм

Пуантилизм — это живопись, созданная точками или точками. Эти точки расположены так близко друг к другу, что вместе создают впечатление изображения. Так пуантилизм стал художественным движением, где художники рисовали точками разных цветов. Жорж Сёра известен как отец пуантилизма.

Импрессионизм

Импрессионизм — это стиль искусства, в котором художник фиксирует свое впечатление от природы или сцены в определенный момент времени.Художники импрессионистского движения 1870-х годов обычно писали на открытом воздухе и пейзажи в этом стиле. Картины яркие, в технике используются мелкие мазки. Поэтому картина не получается гладкой и расплывчатой ​​и не дает законченного вида, как фотография. Клод Моне — один из таких художников, писавших в этом стиле.

Оп-арт

Оп-арт или оптическое искусство – это абстрактная форма искусства, созданная в основном с использованием геометрических форм. Линии, формы и узоры прорисованы так, что создают ощущение глубины и пространства в картине.Существует странное ощущение иллюзии, похожее на эффект движения, вспышки, вибрации или деформации.

Движение Op Art началось сразу после движения поп-арта, примерно в 1965 году. Посетите двух известных художников, которые были известны как пионеры оп-арта,  Victor Vasarely и Bridget Riley.

Фовизм Постимпрессионизм

Это движение зародилось во Франции в конце 1800-х годов, и художники писали в этом стиле до начала 1900-х годов. Цвета яркие и живые, и они отошли от реалистичного использования цветов, которое ранее использовалось художниками-импрессионистами.В живописи есть свободные и отчетливые мазки, также называемые живописным стилем живописи. Художники избегали ясности формы. Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Поль Сезанн — художники этого направления.

Минимализм

Минимализм Искусство было направлением в искусстве, которое сосредоточилось на простом, но красивом искусстве. Целью этого художественного движения было создание произведений искусства, которые сводили к минимуму отвлекающие факторы и фокусировались только на том, что является ценным. Этот художественный стиль зародился в 1950-х годах в США и достиг своего пика в 1960-х годах, когда многие художники переняли этот стиль живописи.Элсворт Келли — один из таких художников современности.

Вы найдете простые арт-проекты в разных стилях рисования для детей. Черпайте вдохновение у различных художников и художественных стилей.

Произведения Энди Уорхола — Жизнь и картины иконы поп-арта

Искусство и литература всегда хорошо отражали социально-экономические условия и тенденции того времени. От наскальных рисунков до классического искусства и современной живописи искусство является средством выражения и творчества. В каждом крупном литературном движении или эпохе было немало художников, писателей и живописцев, взбудораживших мир своими революционными идеями и вырвавшихся из своего времени. Энди Уорхол — один из таких влиятельных и плодовитых поп-художников и иллюстраторов постмодернистского периода, который сочетает в своем искусстве лучшее из авангарда и коммерческой чувствительности. Он был одним из самых успешных и высокооплачиваемых художников Нью-Йорка, наиболее известным своим культовым «поп-артом», таким как трафаретные изображения Мэрилин Монро, банки с супом и сенсационные газетные обложки.

Самые известные произведения Энди Уорхола

Давайте проверим самые популярные и известные произведения искусства Энди Уорхола.

 

Банки с супом Кэмпбелл (1962)

К 1960 году абстрактный экспрессионизм 1940–50-х годов стал очень устаревшим и клише, не способным надолго захватить внимание зрителя. Уорхол был одним из первых художников, освободившихся от условностей и создавших отдельный стиль искусства, предполагающий использование образов и иллюзий. Мюриэль Латоу, подруга Уорхола, предложила идею рисования обычных повседневных предметов и предметов, которые люди обычно не замечают.Она посоветовала ему воссоздать точные копии предметов, которые он использовал ежедневно, таких как банки из-под супа и бутылки из-под кока-колы.

Уорхол был успешным рекламным дизайнером, прежде чем погрузиться в мир искусства. Он использовал свои иллюстративные навыки для создания произведений искусства, которые были не только значимыми, но и привлекательными. Произведение состояло из 32 банок супа, каждая из которых покрывала холст, символизирующий массовую привлекательность потребительских товаров и прославление капиталистической экономики.

 

Кока-Кола (1962)

Coca Cola — одно из первых произведений поп-арта Уорхола, в центре которого изображен обычный предмет повседневного обихода. Художественное произведение представляет собой воссоздание бутылки кока-колы, нарисованное вручную, которое выглядит почти реалистично и создано Caesin на хлопке. Как объяснил сам художник: «Я просто рисую вещи, которые всегда считал красивыми, вещи, которые вы используете каждый день и о которых никогда не думаете». Своей работой художник бросает вызов господству абстрактного экспрессионизма — картина находится на той же высоте, что и большинство стандартных полотен, созданных в тот период.Художественное произведение, хотя и похожее по физическим размерам, не имеет в себе ничего абстрактного или расплывчатого.

Картина очень похожа на популярную серию «Распятия» Роберта Мазервелла. Coca Cola отображает основное изображение черными чернилами на белом фоне, что чрезвычайно подчеркивает эффект и визуальную привлекательность изображения. По иронии судьбы повседневный предмет теперь может привлекать внимание зрителя и удерживать его на крючке, как обычные картины экспрессионистов.

 

Золото Мэрилин Монро (1962)

Энди Уорхол был одержим иконами поп-культуры, которые широко отражались в его произведениях искусства. Таинственная и безвременная смерть Мэрилин Монро от передозировки наркотиков в августе 1962 года оставила художницу опустошенной. Как дань уважения Монро, Уорхол получил черно-белый полароидный снимок актрисы (кадр 1953 года из ее фильма «Ниагара») и использовал его в качестве вдохновения для создания серии изображений с использованием техники шелкографии. Повторяемость работ, фирменный стиль Уорхола, символизировали популярность Монро, чьи фотографии часто печатались в газетах.Однако явный ажиотаж в СМИ и шумиха вокруг актрисы были настолько велики, что люди теперь смотрели на нее не как на другого человека, а как на коммерческий товар.

Лицо Мэрилин изображено на большом золотом фоне, напоминающем византийские религиозные иконы, что придает актрисе почти божественную привлекательность. Здесь Уорхол пытается подчеркнуть трагедию и падение актрисы, сопоставляя ее портрет с православными верованиями, тонко комментируя прославление знаменитостей.

 

Сон (1963)

Именно в 1960-х Уорхол перешел от живописи к киноэкрану. За свою жизнь он снял более 600 фильмов на самые разные темы и темы. «Сон» — одно из первых начинаний Уорхола в экспериментальном кинематографе, где он впервые исследует динамику кинематографической продолжительности и повествования. Шестичасовой фильм подробно описывает спящую форму Джона Джорно.

Джорно, бывший любовник художника, мирно спит на протяжении всего фильма, за исключением случайных подергиваний и движений глаз.В каждой сцене отображалась полоска кожи или часть тела, которая кажется серией непрерывных кадров. Тем не менее, проект состоял из более чем шести 100-футовых рулонов пленки, которые были отредактированы, наслоены и соединены вместе, чтобы создать этот шедевр.

В основе всех работ Уорхола лежит тема повторения, которое каким-то образом превращает самые обыденные действия в произведения искусства. Другие фильмы, такие как «Империя» и «Ешь», также следуют той же кинематографической технике.

 

Оранжевая автокатастрофа четырнадцать раз (1963)

Orange Car Crash является частью серии Death and Disaster, в которой представлены кровавые и графические изображения, взятые из газет, изображающие несчастные случаи или смерти, происходящие во всем мире. Уорхол использует технику фототрафаретной печати, чтобы воссоздать изображения, используя слои, чтобы заново изобрести деградацию на холсте. Повторяющийся прием подчеркивает тщетность и фрагментарность картины и в то же время стерилизует ее — зритель потрясен графическим содержанием, но не обезумел окончательно. Уорхол воспроизводит изображение снова и снова, пока оно не утратит своего значения и не станет очередной картинкой в ​​газетах.

Другой анализ картины искусствоведа Los Angeles Times Кристофера Найта пытается связать картину с реальным инцидентом, произошедшим на Лонг-Айленде, где в 1956 году умер Джексон Поллок.Найт предполагает, что произведение искусства Уорхола пытается указать на смерть абстрактного экспрессионизма, который активно поддерживал Поллок.

 

Коробки Brillo (1964)

В «Коробках Брилло» Уорхол снова использует технику шелкографии, на этот раз на фанере. Художественное произведение очень реалистично воссоздало предметы повседневного обихода и обычные продукты, которые можно найти в супермаркетах. Коробки Brillo на самом деле не картина, а серия коробок, каждая из которых является точной копией другой, которые можно складывать друг на друга или располагать в галереях так, как вы хотите, добавляя аутентичности теме.

В отличие от других художников, которые пытались сделать то же самое, хотя и с небольшими вариациями в каждом блоке, например стога сена или соборы Моне, искусство Уорхола особенно гарантирует, что все блоки одинаковы. Это восстанавливает тему товаров «заводской обработки» и высмеивает индустриализацию.

Работа также имеет личный подтекст: Уорхол с помощью коробок Brillo пытается подчеркнуть монотонность жизни в своем родном Питтсбурге.Город был известен своей сталью, которая позже стала товаром, который домохозяйки стереотипно использовали для полировки своей посуды.

 

Мао (1973)

Образ Мао Цзэдуна был создан с помощью сочетания краски и шелкографии как прямая реакция на визит президента Ричарда Никсона в Китай в 1972 году. Он использовал черно-белое изображение Мао из Красной книги как источник вдохновения для создания сотен различных полотен. Некоторые из картин имеют высоту почти 15 × 10 футов, что свидетельствует о доминировании и впечатляющей личности правителя.Полотна огромных размеров также можно интерпретировать как комментарий к пропаганде, используемой Китаем во время Культурной революции. Различные холсты были стратегически размещены, как бутылки из-под кока-колы, расставленные в проходе супермаркета, что сделало Мао потребительским товаром, что противоречит самой идее коммунизма.

На картине также видны всплески цвета, такие как румяна на ее щеках и синие тени для век, что было актом восстания против растущей коммунистической пропаганды.Экспрессионистские мазки вокруг лица Мао также символизируют творческую свободу и личное самовыражение.

 

Автопортрет (1986)

«Автопортрет» был одним из самых успешных произведений Энди Уорхола, созданных за весь период его карьеры, и при ближайшем рассмотрении раскрывает шокирующую основную тему. Этот автопортрет — образ Уорхола, который придумывался и заново изобретался на протяжении всей его творческой карьеры. Культовый художник поп-культуры, который начинал как застенчивый, замкнутый и занудный дизайнер, вскоре стал одним из самых известных лиц современного искусства.Фактически, его популярность достигла таких высот, что Уорхола считали не чем иным, как поп-иконой своего времени.

Художественное произведение изображает Уорхола в парике (он носил более дюжины париков за эти годы) и было создано с использованием синтетической полимерной краски и техники шелкографии на холсте. В «Автопортрете» художник использует повторяющиеся и перекрывающиеся изображения, каждое из которых немного отличается от другого, чтобы создать иллюзию движения.

 

Энди Уорхол – Молодость

Как и большинство художников, даже Уорхол прожил жизнь, полную борьбы.Родившийся 6 августа 1928 года в семье иммигрантов из Восточной Европы из Пенсильвании, Энди Уорхол вышел из бедности и безвестности и стал крупной фигурой постмодернистского нью-йоркского общества. Его родители эмигрировали из Чехословакии и позже поселились в Питтсбурге. Еще в детстве Уорхол был склонен к искусству, и его часто можно было увидеть рисованием или раскрашиванием. Его мать, сама артистка, оказала большое влияние на его первые эксперименты с искусством.

У художника было тяжелое детство, он заболел больницей Св.Танец Витуса или хорея, заболевание, при котором нервы сильно поражены, вызывая неконтролируемые спазмы и тряску конечностей в раннем возрасте. Старшая школа была не лучше, так как Уорхол вырос застенчивым подростком-интровертом, который часто делал наброски в блокноте. Он записался на художественные курсы в своей школе и в музее Карнеги, чтобы еще больше отточить свои таланты. Будучи бледнокожим, долговязым мальчиком со светлыми волосами, Уорхол всегда был изгоем и никогда не мог по-настоящему смешаться с основной толпой.Однако это никогда не мешало ему следовать своей страсти. Помимо живописи, он также интересовался кино и любил собирать сувениры и фотографии с автографами знаменитостей, большинство из которых были представлены в его более поздних работах.

Уникальный стиль Уорхола

Энди Уорхол был художником, который, несмотря на то, что он был выходцем из бедной неблагополучной семьи, сумел завоевать себе место в кругах высшего общества и внедрить в современное искусство некоторые новаторские и новаторские стили и сюжеты.Его ранние коммерческие иллюстрации часто были комичными и причудливыми, что сильно отличалось от безличного и практичного настроения его более поздних работ. Уорхол продолжал заниматься искусством даже во время учебы в колледже, открывая для себя новые и новаторские стили живописи, такие как техника клякс, когда он склеивал два листа бумаги, рисовал на одной стороне тушью и сжимал страницы вместе, прежде чем они высохли. Позже он выделял и обострял изображение акварелью, создавая прекрасные произведения искусства.

Картины с размытыми линиями были хитом в 1950-х годах и использовались во многих рекламных объявлениях, таких как I Miller, Tiffany & Company и многочисленных обложках альбомов. Энди Уорхол был одержим знаменитостями, потребительством и механической культурой; это отражено в его произведениях поп-арта.

Искусство и Энди Уорхол

С самого начала своей карьеры Энди Уорхол был харизматичным магнитом для богемного Нью-Йорка. Его первоначальные работы имели характерный мечтательный и декоративный тон, сильно отличающийся от его «поп-арта». Он зарекомендовал себя как поп-артист с помощью культовых трафаретных изображений, таких как изображения из серии «Смерть и катастрофа», а также своих фотографий Мэрилин, которые выражали его сожаление по поводу неоднозначного самоубийства актрисы.Критики также рассматривают эти фотографии как выражение «сострадательной усталости» или как экраны, которые каким-то образом объединяют, но отделяют публику от ужасающих событий.

На протяжении всего 20-го века были художники, которые опирались на поп-культуру, однако поп-арт Уорхол выделил для себя особое место, нарушив иерархию высоких и низких форм искусства. Его ранние картины 1960-х годов и его разнообразная деятельность позже оказались действительно влиятельными в искоренении барьеров между традиционным искусством и популярной культурой.

Хотя Уорхол продолжал рисовать на протяжении всей своей карьеры, он сделал перерыв и «ушел» из искусства, чтобы сосредоточиться на кинопроизводстве. Их экспериментальные фильмы в свое время не очень ценились; однако в последнее время эти проекты получили всемирное признание, что сделало Уорхола праотцом независимого кино. Слава Уорхола в конце концов пошла на убыль в 1968 году после того, как Валери Соланас застрелила его.

Уорхол и поп-арт

После колоссального успеха в виде штриховых рисунков и иллюстраций для одобрения Уорхол решил поэкспериментировать с поп-артом где-то в 1960 году.Поп-арт был растущим стилем искусства, зародившимся в середине 1950-х годов в Англии, с реалистичным изображением обычных предметов.

Уорхол стал крупным поп-художником, когда он отказался от чернил и отважился погрузиться в мир красок и холстов. Он начал с воссоздания бутылок из-под кока-колы и комиксов, но его первые работы не получили широкого признания. Это было в декабре 1951 года, когда друг предложил Уорхолу оторваться от традиционных тем поп-арта и вместо этого рисовать о вещах, которые ему больше всего нравятся, таких как банки из-под супа или деньги.Это вдохновило его на написание картин «Суп Кэмпбелл» и «Коко-кола», которые сразу же стали хитом в художественном сообществе.

Первая художественная выставка Энди Уорхола была показана в галерее Ferus в галерее Лос-Анджелеса в 1962 году, на ней была представлена ​​его культовая картина «Суп Кэмпбелл». Художественное произведение состояло из 32 видов банок для супа, каждому типу был посвящен холст. Выставка имела огромный успех, все его картины были проданы комплектом за 1000 долларов.

Уорхол переключается на шелкографию

Поп-арт, хотя и привлекательный и уникальный, требовал много времени и усилий для создания. В конце концов Уорхол понял, что рисование на холсте отнимает много времени и невыгодно для его творческой карьеры. Поэтому в 1962 году он перешел на шелкографию. В этой технике использовались специальные шелковые нити для создания многократно повторяющихся узоров. Процесс был намного быстрее и привлекательнее, чем его более ранние работы, побуждающие Уорхола воссоздавать изображения знаменитостей.Серия картин с изображением Мэрилин Монро была создана с помощью шелкографии и остается одной из самых известных работ в его карьере. Уорхол практиковал этот стиль искусства на протяжении всей своей жизни.

Уорхол и кинопроизводство

1960-е годы были кульминацией карьеры Энди Уорхола; именно в этот период он отважился заняться различными стилями искусства, такими как рисование, рисование, а также создание фильмов. Его фильмы раскрывали нетрадиционные и абстрактные идеи и были сосредоточены на раскрытии внутренней работы человеческой психики.В период с 1963 по 1968 год он снял около 60 фильмов, в которых исследовал различные темы и сложности общества и мира в целом. Например, один из его фильмов под названием «Сон» представляет собой шестичасовой фильм, в котором подробно рассказывается о спящей его возлюбленной. Кинематографические темы и режиссура Уорхола не были очень популярны среди основной публики и, следовательно, не получили должного признания. Однако современные критики и недавние кинематографисты провозгласили Уорхола пионером независимого кино.

Поразительно, но 3 июля 1968 года Уорхол был ранен в грудь актрисой Валери Соланас, вошедшей на съемочную площадку «Фабрики» и напавшей на него. Уорхол, хотя и был объявлен мертвым через 30 минут после эпизода, чудом сумел выжить, когда доктор в отчаянной попытке оживить его, разрезал ему грудь и выкачал его голое сердце. Однако после инцидента его здоровье ухудшилось, в результате чего он стал слабым и неспособным продолжать заниматься творчеством.

Уорхол не отказывался от искусства даже после клинической смерти, в течение 1970-80-х годов Уорхол сосредоточился на издании своего журнала под названием «Интервью» и нескольких книг о поп-арте. Он даже решился на телевидение и с энтузиазмом относился к распространению поп-культуры на всех художественных и медиа-платформах.

Интересные мелочи об Уорхоле

Энди Уорхол, поп-икона 1960-х годов, был известен своей экстравагантной личностью и масштабными изображениями, казалось бы, обычных предметов. Однако есть несколько фактов о художнике, о которых мало кто знает:

  • Родившийся в Питтсбурге в 1928 году, настоящее имя Уорхола было Эндрю Уорхола,
  • .
  • На премьере его первого фильма «Сон», который представляет собой шестичасовой рассказ о спящей возлюбленной, присутствовало девять человек, двое из которых ушли в течение первого часа
  • Уорхол назвал свою студию «Фабрика», которая была известным местом встречи знаменитостей и художников
  • Он был ипохондриком, т.е.е. Уорхол боялся больниц и врачей
  • В 1970-х художник создавал работы многих знаменитостей, в том числе таких икон, как Мик Джаггер, Джон Леннон и Дайана Росс.
  • Уорхол основал Нью-Йоркскую академию искусств в 1979 году.
  • У художника было интересное чувство стиля, и его видели в серебряных париках (в конце концов он покрасил волосы в серебристый цвет)
  • Помимо создания невероятных картин, Уорхол также издавал журнал Interview, снял более 600 фильмов, открыл ночной клуб и организовал два кабельных шоу

Смерть и наследие

Энди Уорхол страдал от хронических заболеваний желчного пузыря в более позднем возрасте, что в конечном итоге привело к его кончине.Здоровье артиста уже пошатнулось после чуть не смертельного нападения актрисы Валери Соланас. Он был госпитализирован в больницу Нью-Йорка 20 февраля 1987 года, где ему сделали операцию по удалению желчного пузыря, и его тело, по-видимому, было стабильным и выздоравливающим. Однако через несколько дней у него случилась остановка сердца, и он умер 22 февраля 1987 года в возрасте 58 лет. Мемориал прошел в соборе Святого Патрика в Нью-Йорке, и на нем присутствовали друзья, семья, коллеги и тысячи людей. поклонники.

Художник, хотя и очень застенчивый в свои ранние годы, вел довольно загадочную жизнь, привлекающую спекуляции и споры из-за его разнообразной деятельности и нетрадиционных убеждений. Многие считали его гомосексуалистом и смотрели на его искусство как на выражение его сексуальности. Художественные работы Уорхола лучше всего можно охарактеризовать как ироничные, поскольку они постоянно прославляли и ругали прославление и потребительское отношение американской культуры. Он также был наставником таких артистов, как Кит Харинг и Жан-Мишель Баския, а его восприимчивость к поп-музыке вдохновила многих современных артистов, таких как Ричард Принс, Такаши Мураками и Джефф Кунс, на продолжение его наследия.

Энди Уорхол и его художественное влияние

Золотая Мэрилин — Уорхол | © Andrew Moore/Flickr

Американский поп-художник Энди Уорхол был одной из самых значительных и плодовитых фигур своего времени. Его работы исследуют связь между культурой знаменитостей и художественным самовыражением. Уорхол уже закрепил свое место в художественном сообществе в начале своей карьеры и завещал международной публике эксцентричную коллекцию некоторых из самых ярких произведений в истории после своей безвременной смерти в 1987 году.Мы поближе познакомимся с таинственным человеком, стоящим за одними из самых знаковых произведений искусства в мире.

Энди Уорхол родился в семье словаков в 1928 году в Питтсбурге, штат Пенсильвания. Когда ему было восемь лет, он заболел хореей (неврологическое заболевание), которое приковало его к постели. Чтобы развлечь его во время выздоровления, мать давала ему уроки рисования. Уорхол полюбил медиум и продолжал рисовать в свободное время после выздоровления. В 1942 году Уорхол поступил в среднюю школу Шенли, а после ее окончания в 1945 году изучал коммерческое искусство в Технологическом институте Карнеги — ныне Университете Карнеги-Меллона.В 1949 году он получил степень бакалавра изящных искусств в области графического дизайна.

Энди Уорхол – Мэрилин 1967 | © Ian Burt/Flickr

Уорхол стал иллюстратором журнала Glamour , который сделал его ведущей фигурой в движении поп-арт 1950-х годов. Его эстетика представляла собой уникальное слияние средств изобразительного искусства, таких как фотография и рисунок, с высококоммерческими компонентами, вращающимися вокруг известных брендов и имен знаменитостей. Привлекая международное внимание своими уникальными постановками, Уорхол любил сохранять элемент личной и профессиональной таинственности, признавая, что никогда не говорил о своем прошлом и придумывал новую личность каждый раз, когда его просили.

Работы Уорхола представили новую увлекательную форму художественного выражения. В 1961 году он представил концепцию поп-арта и продемонстрировал коллекцию картин, посвященных коммерческим товарам массового производства. В 1962 году он выставил свои культовые картины с изображением банок с супом «Кэмпбелл». Он продолжал демонстрировать работы, изображающие гамбургеры и бутылки Coca-Cola, наряду с портретами причудливых знаменитостей, таких как Мик Джаггер, Элизабет Тейлор и Мэрилин Монро. Он использовал несколько сред для создания своих работ, включая фотографию, шелкографию и гравюру. В 1964 году Уорхол открыл собственную художественную студию под названием «Фабрика», где работал и поддерживал связь с элитой общества.

Нью-Йорк. МоМА. Энди Уорхол | © Tomás Fano/Flickr

Мир был очарован Энди Уорхолом – его внешностью, его эстетикой и отношением к его поп-арту. Однако внимание, которое он привлекал, не всегда было положительным. 3 июня 1968 года радикальная феминистка Валери Соланас застрелила Энди Уорхола и Марио Амайю — куратора студии Уорхола. Амайя получила лишь незначительные травмы, а Уорхол был серьезно ранен и чуть не умер.Соланас был приговорен к трем годам тюремного заключения в соответствии с дисциплиной Департамента исправительных учреждений Нью-Йорка. Уорхола цитировали: «До того, как меня застрелили, я всегда думал, что нахожусь скорее наполовину, чем все там — я всегда подозревал, что смотрю телевизор вместо того, чтобы жить жизнью. Люди иногда говорят, что то, как все происходит в кино, нереально, но на самом деле нереально то, как все происходит в жизни».

Однако нападение не остановило творческую деятельность Уорхола. Он был первым художником, который использовал компьютеры Amiga, представленные в 1984 году, для создания новых форм искусства в цифровом виде.Уорхол также пробовал свои силы в скульптуре и даже работал на телевидении, ведя передачи Энди Уорхола TV и Пятнадцать минут Энди Уорхола на MTV. В более поздние годы он основал журнал Interview Magazine и написал несколько книг, в том числе The Philosophy of Andy Warhol .

Энди Уорхол и Эди Седжвик | © Jeff Tidwell/Flickr

Уорхол неожиданно скончался в Нью-Йорке в 1987 году после операции на желчном пузыре, и в том же году по завещанию художника был основан Фонд Энди Уорхола.Он хотел, чтобы все его имущество (за исключением нескольких вещей, делегированных членам семьи) составляло новый фонд, посвященный «развитию изобразительного искусства». Фонд и по сей день поддерживает создание и представление современного изобразительного искусства. В 1994 году Музей Энди Уорхола открылся как один из четырех музеев Карнеги в Питтсбурге. Здание датируется 1911 годом и первоначально использовалось как распределительный центр. Он был реконструирован архитектором Ричардом Глюкманом, и сегодня в нем находится часть наследия Уорхола, включающая 900 картин, а также скульптурные работы, работы на бумаге и фотографии всех этапов жизни и творчества художника.

Личная жизнь Уорхола оставалась загадкой для публики до дня его смерти, что послужило частью очарования этой культовой фигуры. Его наследие живет в мире искусства, истории и поп-культуры, а его работы являются одними из самых кассовых в истории. Его портрет «Восемь Элвисов » был перепродан за 100 миллионов долларов в 2008 году, что сделало его одной из самых ценных картин в истории. Пионер изобразительного искусства и культуры, Уорхол навсегда останется известен своими причудливыми и противоречивыми гравюрами.

Поп-арт | Фотографии на холсте

История поп-арта

Поп-арт — движение, возникшее в конце 1950-х годов в Англии и США как реакция на искусство абстрактного экспрессионизма, которое они считали пустым и элитарным. Общим элементом в движении поп-арта является не похожий стиль или техника в композиции произведений искусства, а общая тема среди всех произведений, созданных в эту эпоху.

Общей темой является потребительский массовый рынок и коммерческий мир.Поп-арт использует знакомые образы в другом смысле, чтобы достичь с их помощью эстетической позы или выразить социальную критику. Как следует из названия, «Популярное искусство» соответствует интересам и темам людей.

В то время как такие художники, как Рой Лихтенштейн, думали о поп-арте как о чем-то, отражающем серийность и отсутствие персонализации искусства, AllPopArt.com с момента своего скромного основания в 2004 году пытался пересмотреть историю этого художественного движения и вернуть его людям. . Цитируя икону поп-арта Энди Уорхола, 1968:

«В будущем каждый будет всемирно известен на 15 минут.-AllPopArt.com делает вас и ваших близких предметом росписи.

Вот уже почти десять лет мы делаем из ваших фотографий удивительные произведения искусства. Такое ощущение, что вчера мы впервые попробовали поп-арт в стиле Уорхола, ставший бестселлером; на протяжении многих лет вы делились своими бесценными семейными воспоминаниями с историями счастья, достижений, любви, а иногда и потерь.

Когда мы получаем ваши фотографии, мы знаем, что за ними стоит история и что они значат для вас что-то особенное.После тщательного рассмотрения вашего заказа мы приступаем к работе, создавая уникальное произведение искусства специально для вас.

Мы ищем лучшие отделочные материалы, экологически чистые и устойчивые. Мы изготавливаем каждый отпечаток и каждую рамку вручную в нашем магазине рамок, чтобы вы могли наслаждаться своим искусством в любой комнате вашего дома долгие годы.

Итак, начните бесплатную фотоконсультацию, наши арт-консультанты всегда готовы поговорить с вами в рабочее время. И, если по какой-либо причине вам не нравится ваше персонализированное искусство, верните его для возврата денег или замены.Это так просто.

История и эволюция поп-арта

Современное и современное искусство — Путеводитель по коллекционированию от редакции Heritage

Поп-арт был художественным движением, характеризующимся образами популярной культуры и потребительства. Слово «поп» было придумано в 1955 году британским куратором Лоуренсом Аллоуэем для описания новой формы «популярного» искусства.

Купите, оцените или оцените свой поп-арт

Сделайте ставку или купите произведение искусства на продажу, оцените свой предмет или запросите бесплатную оценку для продажи вашей коллекции.

Что такое поп-арт?

Появившись в Нью-Йорке и Лондоне в середине 1950-х годов, он стал доминирующим стилем до конца 1960-х годов. Используя простые повседневные образы и смелые цветовые блоки, поп-арт стал визуально привлекательным стилем, который смог понравиться широкой аудитории. Общая направленность поп-арта заключалась в том, чтобы противостоять новым тенденциям массового производства, средств массовой информации и массовой культуры, отражая вновь обретенную силу кино и телевидения, используя образы потребления и поп-культуры, такие как реклама, знаменитости и комиксы. полоски. На протяжении многих лет поп-арт развивался, но остается актуальным стилем и отношением, которое художники продолжают придерживаться и сегодня.

Энди Уорхол | Коробка супа Кэмпбелла (курица с рисом), 1986 | Холст, акрил, тушь для шелкографии | Продано за: 293 000,00 долларов США

Начало

После Второй мировой войны как в Западной Европе, так и в Соединенных Штатах царило сильное чувство оптимизма, и благодаря успешному развитию экономики общества приняли культуру потребления, которую обычно называют «послевоенным потребительским бумом».В то же время с помощью Beatles в Великобритании и Элвиса в США, создавших глобализацию поп-музыки, началась своего рода культурная революция против господствующей традиционной культуры. Эти новые взгляды помогли создать пространство для поп-арта, чтобы бросить вызов традициям изобразительного искусства, используя образы и материалы из популярной культуры и потребительства, а также отвергая тенденции популярного искусства того времени.

Во время этой культурной революции, когда телевидение заменило радио в качестве доминирующего средства массовой информации, идеи абстрактного экспрессионизма доминировали в мире современного искусства, став первым американским художественным движением, получившим мировую популярность.Поэтому и в Великобритании, и в США появление поп-арта понимается как реакция на живопись абстрактного экспрессионизма.

Британский поп-арт

Будучи пионерами британского поп-арта, лондонские художники Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоцци присоединились к Лоуренсу Аллоуэю, чтобы основать Independent Group, группу творческих личностей, которые собрались вместе между 1952 и 1955 годами для изучения радикальных подходов к изобразительному искусству. На их первой встрече Паолоцци представил серию коллажей, созданных из американских журналов, которые он получил от солдат в Париже в конце 1940-х годов.Этот сериал назывался «Bunk» (сокращение от «bunkum», что означает «чепуха»), в котором иронично рассматривался общеамериканский образ жизни. Первое произведение искусства, включающее слово «POP», появилось в одном из этих коллажей под названием «. Я был игрушкой богатого человека».

В 1950-х годах многие британские художники рассматривали американский образ жизни как более инклюзивную, молодежную культуру, включающую в себя социальное влияние средств массовой информации и массового производства. Поп-арт был их способом выразить желание перемен.Они обратились к идеям дадаистов, которые использовали найденные предметы и бессмысленные комбинации случайных изображений, чтобы спровоцировать реакцию истеблишмента. Точно так же британские поп-исполнители переняли язык использования коллажей и сборок, но вместо этого сосредоточились на создании массовых образов массовой популярной культуры, чтобы бросить вызов определениям.

Коллаж Ричарда Гамильтона 1956 года под названием Что же делает современные дома такими разными и такими привлекательными? — прекрасный пример поп-образов: комиксы, газеты, реклама, автомобили, еда, упаковка, бытовая техника, знаменитости, секс, космическая эра, телевидение и кино.Черно-белая версия использовалась в качестве обложки для каталога выставки «Это завтра», проходившей в галерее Уайтчепел в Лондоне в 1956 году. Эта выставка сыграла ключевую роль в вдохновении нового поколения молодых британских художников, таких как Питер Блейк, Аллен Джонс, Дэвид Хокни, Ричард Смит и Дерек Бошир.

Американский поп-арт

Поп-арт в Америке возник в конце 1950-х годов и развивался иначе, чем в Великобритании. Американский поп-арт одновременно расширял и противодействовал основным идеям абстрактного экспрессионизма.Многие считали, что абстрактная экспрессионистская живопись стала слишком элитарной и интроспективной, и стремились переломить тенденцию и снова увести искусство от мрака абстракции к реальному миру. Для этого они вновь представили изображение как структурный инструмент в живописи. Полностью стирая границы между высоким и низким искусством, они создавали искусство из повседневных, обычных предметов, товаров народного потребления и средств массовой информации.

Движение поп-арта в Америке наиболее заметно развивалось в двух основных городах: Нью-Йорке и Лос-Анджелесе.Художественная сцена Нью-Йорка отличалась от лос-анджелесской, поэтому развитие поп-арта в этих двух городах развивалось совершенно по-разному, и разные группы художников интерпретировали свои взгляды на массовую культуру.

Нью-Йорк Поп-Арт

Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс

В Нью-Йорке именно неодадаисты Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс признаны теми, кто преодолел разрыв между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом.Хотя два движения абстрактного экспрессионизма и поп-арта, кажется, имеют очень мало общего, они оба ставят под сомнение выразительные возможности краски и может ли ее чувственная природа когда-либо действительно поддерживать подлинное выражение в такое механизированное время. Такие художники, как Раушенберг и Джонс, решили, что единственный выход — противостоять неаутентичному, механическому и опосредованному.

Роберт Раушенберг | Люди за американский образ жизни, 1991 | Цветная литография и трафаретная печать на бумаге Arches | Продано за: 22 500 долларов.00

И на Раушенберга, и на Джонса сильно повлияли идеи дадаистов, и они бросили вызов определениям искусства, например, использовали реди-мейды (найденные объекты), чтобы поставить под сомнение ценность арт-объекта. Вместо того, чтобы использовать найденные объекты, Джонс представил «найденные изображения» в качестве своего основного предмета, включая флаги, цели, буквы и цифры. Его интерес к использованию знакомых знаков и иконографии способствовал более поздним идеям поп-арта. Используя узнаваемый, но обычный и обезличенный предмет, Джонс смог исследовать визуальные характеристики своего медиума и, следовательно, нашел баланс между абстракцией и репрезентацией.

Раушенберг наиболее известен своими «Комбинациями», в которых он использовал аспекты как живописи, так и скульптуры, комбинируя нетрадиционные материалы и находя предметы, чтобы стереть различия между живописью и скульптурой. Поместив эти работы в контекст искусства, он придал новое значение найденным им обычным предметам. Раушенберг очень заинтересовался нашим меняющимся восприятием и интерпретацией изображений, используя коллаж как способ экспериментировать с популярными изображениями из газет и журналов.Сочетая масляную живопись с шелкографией, он воспроизводил изображения на холсте или печатал, чтобы имитировать наш личный опыт ежедневной бомбардировки изображениями.

Джаспер Джонс | Пассаж I, 1966 | Цветная литография на тканой бумаге | Продано за: 12 500 долларов Роберт Раушенберг | Рогатки Лит №5, 1985 | 11-цветная литография и ассамбляж с парусиной, майларом, деревянным лайтбоксом, люминесцентным светильником, алюминием, системой подвижных оконных штор и планками из оргстекла | Продано за: 38 837 долларов.50

Роберт Раушенберг | Рогатки Лит №5, 1985 | 11-цветная литография и ассамбляж с парусиной, майларом, деревянным лайтбоксом, люминесцентным светильником, алюминием, системой подвижных оконных штор и планками из оргстекла | Продано за: 38 837,50 долларов США

Энди Уорхол Поп-арт

Энди Уорхол, , самый известный и культовый поп-артист, расширил эту идею захвата типа визуального «шума», используя повторение знакомых изображений для снижения чувствительности к изображениям, которые мы видим в средствах массовой информации.Первоначально он был коммерческим художником, его предметом были образы массовой культуры: реклама, газеты, комиксы, телевидение и знаменитости всех типов. Используя бывшие в употреблении изображения потребительских товаров и известных людей, Уорхол был очарован обыденным и использовал свое искусство, чтобы сделать обыденное интересным. В своей самой известной серии « банки супа Кэмпбелл», , где он рисует каждый отдельный тип банок супа Кэмпбелл, Уорхол представляет эстетику массового производства как отражение современной американской культуры.

» Что хорошо в этой стране, так это то, что Америка положила начало традиции, согласно которой самые богатые потребители покупают практически те же вещи, что и самые бедные. Вы можете смотреть телевизор и видеть кока-колу, и вы знаете, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и вы только подумайте, что вы тоже можете пить кока-колу. Кока-кола — это кока-кола, и никакие деньги не помогут вам получить лучшую колу, чем та, которую пьет бродяга на углу. Все кока-колы одинаковые и все кока-колы хорошие.» — Энди Уорхол

Энди Уорхол | Суп Кэмпбелла I: куриная лапша, 1968 | Цветная трафаретная печать на бумаге | Продано за: 21 250 долларов Энди Уорхол | Вегетарианские овощи (из супа Кэмпбелла II), 1969 | Шелкография в цветах | Продано за: 20 000,00 долларов

Для Уорхола изображения подобны продуктам, которые потребляются снова и снова, и эти изображения могут только представлять другие изображения – оригинальности не существует. Чтобы продвинуть эту идею дальше, его изображения знаменитостей показывают, что такие изображения являются тщательно структурированными иллюзиями.Например, в своем Gold Marilyn он берет кадр из черно-белого фильма с Мэрилин Монро, обрезает его и заливает фон золотом, чтобы напомнить христианскую иконографию. Уорхол также подчеркивал идею повторения, широко используя шелкографию. Он не только воспроизводил образы, но и использовал среду, присущей которой является воспроизведение. Собственная студия художника стала известна как «Фабрика», которая наполнилась помощниками и людьми, чтобы производить такое большое количество гравюр и произведений искусства Уорхола.

Рой Лихтенштейн

Еще одним нью-йоркским художником, ставшим ведущей фигурой поп-арта, был Рой Лихтенштейн . Вдохновленный основной идеей движения поп-арт в создании искусства с мгновенным смыслом, он искал легко узнаваемый предмет: комиксы.

Поп-арт — Рой Лихтенштейн WHAAM! (диптих), 1984 (1963) | Офсетные цветные литографии | Продано за: 21 250,00 долларов США

Точечный стиль рисования Лихтенштейна стал культовым в современной американской культуре, хотя поначалу его много критиковали за то, что люди считали простым копированием и отсутствием оригинальности.Известные картины Лихтенштейна, такие как Whaam! и Утопающая девушка, включали в себя тяжелые черные контуры и точки основного цвета (которые были нарисованы с помощью трафаретов из-за их большого размера), увеличивая детали изображений. Отличие работы Лихтенштейна от работ других художников, которые использовали подобный китчевый материал, заключалось в том, что он сделал карикатуру самим произведением искусства.   Его картины подчеркивали грубые процессы печати и механическое воспроизведение, особенно газет, и, следовательно, подчеркивали главный урок поп-арта, который заключался в том, что все сообщения и методы коммуникации фильтруются через коды или языки.

Рой Лихтенштейн | Обнаженная с синими волосами из фильма «Обнаженные», 1994 | Рельеф в красках на бумаге Rives BFK | Продано за: 540 500,00 долларов Рой Лихтенштейн | Размышления об аварии (из серии «Размышления»), 1990 | Литография, трафаретная печать и рельеф в красках, коллаж из металлизированного ПВХ с тиснением на бумаге Somerset | Продано за: 161 000 долларов США

Джеймс Розенквист и Клас Ольденбург

Другие художники в Нью-Йорке, которые были частью движения поп-арта, включали Джеймса Розенквиста и Класа Ольденбурга. Розенквист начинал как художник рекламных щитов, прежде чем присоединиться к повальному увлечению поп-артом. Чтобы отразить свои собственные взгляды на средства массовой информации и популярную культуру, он увеличил свои изображения, чтобы создать грандиозные работы из, казалось бы, не связанных между собой изображений. Часто эти работы занимали целые стены галереи. Чувство подавленности было уникальным способом художника выразить оцепенение общества по отношению к его нездоровой одержимости не только материальным потреблением, но и политической и знаменитой славой.

Самая известная работа Розенквиста — массивный F-111, , получивший признание критиков.Созданный в 1964 и 1965 годах, он был сделан отчасти как своего рода протест против милитаризма в Америке. На восьмидесятишестифутовой работе, содержащей пятьдесят одну панель, изображение истребителя перемежается изображениями, в том числе пляжным зонтом, грибовидным облаком, спагетти и молодой девушкой под феном, которая очень похожа на боеголовка.

Джеймс Розенквист | F-111 (Юг, Запад, Север, Восток) (четыре работы), 1974 | Литографии с трафаретной печатью в цветах на тканой бумаге | Продано за: 27 500 долларов.00

Ольденбург был одним из главных скульпторов поп-арта, а также перформансистом. Он хотел представить пошлость американской культуры, особенно Нью-Йорка. Просто его работа была сосредоточена на превращении знакомого в нечто странное. Для этого он увеличивал обычные, обыденные предметы и размещал их в общественных местах, побуждая зрителя по-другому исследовать окружающую их среду. Предмет Ольденбурга в его так называемых «мягких скульптурах», будь то сырой гамбургер или прищепка, служит для того, чтобы подчеркнуть абсурдность американского потребительства (а также мира искусства, где он видит зрителя как потребителя) через более беззаботный и юмористический взгляд, чем его современники.

Лос-Анджелес Поп-арт

Художественная сцена Лос-Анджелеса была гораздо менее жесткой, чем в Нью-Йорке и на восточном побережье, и эта открытость проявлялась в стилях художников, живших и работавших там. Художественный музей Пасадены был первым музеем, продемонстрировавшим поп-арт на своей выставке «Новая живопись обычных предметов» с произведениями Уорхола и Лихтенштейна, а также многих художников Лос-Анджелеса, таких как Эд Руша, Уэйн Тибо и Джо Гуд. Эти художники из Лос-Анджелеса сместили акцент поп-арта с конкретных потребительских товаров и за пределы повторения, чтобы задействовать личный опыт.Они также нашли способ выразить определенные чувства, эмоции и взгляды, в то же время все еще раздвигая границы между популярной культурой и высоким искусством.

Эд Руша

Эд Руша был одним из ведущих поп-исполнителей Лос-Анджелеса. Работая в различных средствах массовой информации, в основном рисуя или печатая, Руша использовал слова и фразы в качестве предмета, чтобы подчеркнуть вездесущность вывесок в Лос-Анджелесе. Его первой ссылкой на поп-культуру была картина «Большой товарный знак с восемью прожекторами » (1962), где он присвоил логотип 20th Century Fox в упрощенной композиции с резкими краями и основной палитрой мультфильма, отражающей аналогичные рекламные щиты.Использование Рушей слов в живописи продолжало стирать границы между вывесками в рекламе, живописью и даже абстракцией. При этом он ослабил разделение между коммерческим и эстетическим мирами.

Работа Руши в области поп-арта повлияла на концептуальное искусство, появившееся в конце 1960-х годов, которое сосредоточилось на идее, лежащей в основе работы, а не на конкретном изображении. Его работа пошла дальше простого воспроизведения образов и тем, присутствующих в средствах массовой информации и массовой культуре, — его работа исследовала взаимозаменяемость изображения, текста, места и опыта.

Эд Руша | Двойной стандарт, 1969 | Цветной трафарет | Продано за: 182 500 долларов США

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни   был британским поп-исполнителем, который стал частью арт-сцены Лос-Анджелеса после того, как переехал туда и поселился там на долгие годы. После посещения солнечного города примерно в 1963 году он вдохновился на создание серии картин с изображением бассейнов. Используя новую акриловую краску, Хокни создавал плоские, но реалистичные изображения с яркими яркими цветами.Хокни также возродил искусство фигуративной живописи с помощью стиля, отражающего визуальный язык рекламы. Одним из основных отличий творчества Хокни от других поп-исполнителей является влияние кубизма, а также личные темы в его работах. Во многих своих работах Хокни объединяет несколько сцен в единый вид, часто используя сцены из собственного жизненного опыта.

Дэвид Хокни Вид на отель Well III (из серии Moving Focus), 1984-85 | Литография в красках | Продано за: 40 625 долларов.00

Кит Харинг и стрит-арт

Позже, в 1970-х и 1980-х годах, появились такие художники, как Кит Харинг, которые продолжали развивать важную роль поп-арта не только в мире искусства, но и в социальной атмосфере. Известный также своей активностью, он использовал свое искусство для повышения осведомленности о СПИДе, от которого он сам умер в возрасте 31 года. Харинг создал уникальный стиль граффити в метро и на тротуарах Нью-Йорка. Сочетая мультяшный стиль с грубой энергией, он разработал очень специфический стиль поп-граффити, основанный на смелых, но плавных очертаниях на переполненном, но ритмичном фоне изображений и символов.Его сюжеты часто включали забавные фигуры, такие как танцующие люди, лающие собаки, летающие тарелки и люди с телевизорами вместо голов.

Принося искусство в оживленные общественные места пассажиров, Харинг вместе с друзьями-художниками, такими как Жан-Мишель Баския и Кенни Шарф, действительно преодолели разрыв между миром искусства и уличным искусством. Они повлияли на целое поколение, включая сегодняшних художников Banksy и Shepard Fairey .

Кейт Харинг | США-1, 1984 | Масло на мешковине | Продано за: 162 500 долларов.00Банский | Пончики (Шоколад), 2009 | Цветная трафаретная печать на бумаге Arches | Продано за: 32 500,00 долларов Шепард Фейри | Флаг, 2010 | Многократная ручная роспись акрилом, трафаретная печать и коллаж на бумаге | Продано за: 13 750,00 долларов США

Нео-поп и современность

Поп-исполнители, такие как Уорхол, продолжали занимать огромное место в мире искусства Нью-Йорка до 1980-х годов, но популярность поп-музыки начала снижаться в 1970-х, когда мир искусства сосредоточился на инсталляциях и перформансе.Однако этот арт-объект снова стал популярен с возрождением живописи в начале 1980-х годов, когда популярная культура предоставила зрителям предметы, которые легко понять и идентифицировать.

Это движение известно как нео-поп, Джефф Кунс является одним из самых выдающихся исполнителей. Присваивая иконы поп-культуры, такие как Майкл Джексон, и предметы массового производства, такие как пылесосы, Кунс все больше раздвигает границы высокого искусства. Его вдохновляют предметы, которые обычно не считаются изобразительным искусством, и, лишая промышленные предметы их практического назначения, он представляет их как искусство.Самыми известными работами Кунса являются его Balloon Dogs, , которые представляют собой блестящие огромные скульптуры, похожие на скрученные фигурки собак из воздушных шаров, которые клоуны делают на вечеринках по случаю дня рождения. Однако эти красочные скульптуры сделаны из лучших материалов: зеркально полированной нержавеющей стали с прозрачным цветным покрытием.  

Джефф Кунс | Воздушный шар (синий), 2002 | Металлизированный фарфор | Продано за: 14 375,00 долларов

Хотя его работы кажутся дешевыми, они стоят дорого, что заставляет общественность и важных коллекционеров искусства переоценивать свое представление о том, как выглядит изобразительное искусство.На сегодняшний день Кунс считается одним из самых гениальных художников.

Среди других исполнителей нео-поп Алекс Кац, Яёи Кусама, Джулиан Опи и японский художник Такаши Мураками . Мураками использует образы популярных аниме в своем стиле «Superflat» и недавно сотрудничал с такими модными брендами, как Louis Vuitton. Стирая границы между высокими и низкими формами искусства, Мураками продолжает пересматривать роль искусства как товара.

Такаши Мураками | Шангри Ла, Шангри Ла и Когда я закрываю глаза, я вижу Шангри Ла (две работы), 2012-16 | Офсетные цветные литографии на плакатной бумаге | Продан за: 7500 долларов.00Шепард Фейри | Надежда, 2008 | Цветная трафаретная печать на тканой бумаге | Продано за: $3,750.00

Движение поп-арт все еще актуально и влиятельно в современном искусстве и культуре, с политическими плакатами Шепарда Фейри, который привлек всеобщее внимание своими предвыборными плакатами Барака Обамы «Надежда» в 2008 году, и знаменитым анонимным Бэнкси, который продолжает свое сатирическое граффити, часто комментируя социальные проблемы с помощью черного юмора. Сегодня поп-арт продолжает процветать как источник вдохновения для современных художников.

Посетите наш отдел современного и современного искусства, чтобы узнать о предстоящих аукционах и получить архивную информацию, связанную с поп-артом. Наши специалисты также предлагают бесплатную оценку произведений искусства, которые вы хотите продать.

Связанные

.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*