Назовите представителей классического стиля в музыке: Самые известные в мире композиторов классический музыки

Содержание

Самые известные в мире композиторов классический музыки

10 ВЕЛИКИХ КОМПОЗИТОРОВ КЛАССИЧЕСКОЙ МУЗЫКИ

 

Послушать что-нибудь из классики – что может быть лучше?! Особенно на выходных, когда хочется расслабиться, забыть о тревогах дня, заботах трудовой недели, помечтать о прекрасном, да и просто поднять себе настроение. Подумать только, классические произведения были созданы гениальными авторами так давно, что и не верится, что что-то может пережить такое количество лет. А эти произведения до сих пор любят и слушают, создают аранжировки и современные интерпретации. Даже в современной обработке, произведения гениальных композиторов остаются классической музыкой. Как признает Ванесса Мэй, классические произведения гениальны, а все гениальное не может быть скучным.

Наверное, все великие композиторы обладают особым слухом, особой чувствительностью к тону и мелодии, что и позволило им создавать музыку, которой наслаждаются десятки поколений не только их соотечественников, но и поклонников классической музыки во всем мире.

Если вы еще сомневаетесь, любите ли вы классическую музыку, тогда вам нужно встретиться с Бенджамином Цандером, и вы убедитесь, что на самом деле, вы уже давний поклонник прекрасной музыки.

А сегодня мы будем говорить о 10-ке самых известных в мире композиторов.

Иоганн Себастьян Бах

Первое место заслуженно принадлежит Иоганну Себастьяну Баху. Родился гений в Германии. Талантливейший композитор писал музыку для клавесина и органа. Композитор не создал нового стиля в музыке. Но он смог создать совершенство во всех стилях своего времени. Он является автором более 1000 сочинений. В своих произведениях Бах соединял разные музыкальные стили, с которыми он знакомился в течение жизни. Часто музыкальный романтизм соединялся со стилем барокко. При жизни Иоганн Бах как композитор не получил заслуженного признания, интерес к его музыке возник почти 100 лет спустя его смерти. Сегодня его называют одним из самых великих композиторов когда-либо живущих на земле.

Его уникальность как человека, педагога и музыканта отражалась в его музыки. Бах заложил основы музыки Нового и Новейшего времени, разделив историю музыки на добаховскую и послебаховскую. Существует мнение, что музыка Баха мрачна и угрюма. Его музыка скорее фундаментальна и основательна, сдержанна и сосредоточенна. Как размышления зрелого, умудренного жизнью человека. Творчество Баха оказало влияние на многих композиторов. Некоторые из них брали пример с его произведений или использовали темы из них. А музыканты всего мира играют музыку Баха, восхищаясь ее красотой и совершенством. Одно из самых нашумевших произведений – «Брандербургские концерты» – отличное доказательство того, что музыку Баха нельзя считать слишком мрачной:

 

Вольфганг Амадей Моцарт

Вольфганг Амадей Моцарт по праву считается гением. В 4 года он уже свободно играл на скрипке и клавесине, в 6 лет начал сочинять музыку, а в 7 уже умело импровизировал на клавесине, скрипке и органе, состязаясь с известными музыкантами. Уже в 14 лет Моцарт – признанный композитор, а в 15 лет – член музыкальных академий Болоньи и Вероны. От природы он обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Он создал поразительное количество произведений – 23 оперы, 18 сонат, 23 фортепианных концерта, 41 симфонию и многое другое. Композитор не хотел подражать, он пытался создать новую модель, отражающую новую индивидуальность музыки. Не случайно в Германии музыку Моцарта называют «музыкой души», в своих произведениях композитор проявлял черты своей искренней, любящей натуры. Величайший мелодист особое значение придавал опере. Оперы
Моцарта
– эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Одно из самых узнаваемых произведений – «Турецкий марш»:

 

Людвиг ван Бетховен

Еще один великий немец Людвиг ван Бетховен был важной фигурой романтически-классического периода. О нем знают даже те, кто вообще ничего не знает о классической музыке. Бетховен – один из наиболее исполняемых и уважаемых композиторов в мире. Великий композитор стал свидетелем грандиозных потрясений, произошедших в Европе и перекроивших ее карту. Эти великие перевороты, революции и военные противостояния нашли свое отражение в творчестве композитора, особенно симфоническом. Он воплотил в музыке картины героической борьбы. В бессмертных произведениях

Бетховена вы услышите борьбу за свободу и братство людей, непоколебимую веру в победу света над мраком, а также мечты о свободе и счастье человечества. Один из самых известных и удивительных фактов его жизни – болезнь ушей переросла в полную глухоту, но несмотря на это композитор продолжал писать музыку. Он также считался одним из лучших пианистов. Музыка Бетховена удивительно проста и доступна пониманию самых широких кругов слушателей. Сменяются поколения, и даже эпохи, а музыка Бетховена по-прежнему волнует и радует сердца людей. Одна из его лучших работ – «Лунная соната»:

 

Ричард Вагнер

С именем великого Ричарда Вагнера чаще всего связывают его шедевры «Свадебный хор» или «Полет валькирий». Но он известен не только как композитор, но и как философ.

Вагнер рассматривал свои музыкальные произведения как способ выражения определенной философской концепции. С Вагнера началась новая музыкальная эпоха опер. Композитор старался приблизить оперу к жизни, музыка для него – только средство. Ричард Вагнер – создатель музыкальной драмы, реформатор опер и искусства дирижирования, новатор гармонического и мелодического языка музыки, создатель новых форм музыкальной выразительности. Вагнер – автор самой длинной в мире сольной арии (14 минут 46 секунд) и самой длинной в мире классической оперы (5 часов и 15 минут). При жизни Ричард Вагнер считался противоречивым человеком, которого или обожали, или ненавидели. А зачастую и то, и другое вместе. Мистический символизм и антисемитизм сделали его любимым композитором Гитлера, но закрыли дорогу для его музыки в Израиль. Однако ни сторонники, ни противники композитора не отрицают его величия как композитора. С первых же нот замечательная музыка
Ричарда Вагнера
поглощает тебя без остатка, не оставляя места для споров и разногласий:

Франц Шуберт

Австрийский композитор Франц Шуберт – музыкальный гений, один из лучших песенных композиторов. Ему было всего 17, когда он написал свою первую песню. За один день он мог написать 8 песен. За свою творческую жизнь он создал более 600 композиций, на стихи более 100 великих поэтов, в том числе Гёте, Шиллера и Шекспира. Поэтому Франц Шуберт в 10-ке лучших. Хотя творчество Шуберта весьма многообразно, по использованию жанров, идей и перевоплощений, преобладающим и определяющим в его музыке является вокально-песенная лирика. До Шуберта песня считалась незначительным жанром, и именно он возвел ее в степень художественного совершенства.

Более того, он соединил, казалось бы, не соединяемое, песню и камерно-симфоническую музыку, что дало начало новому направлению лирико-романтической симфонии. Вокально-песенная лирика – это мир простых и глубоких, тончайших и даже интимных человеческих переживаний, выраженный не словом, а звуком. Франц Шуберт прожил очень короткую жизнь, всего 31 год. Судьба произведений композитора не менее трагична, чем его жизнь. После смерти Шуберта осталось множество неизданных рукописей, хранившихся в книжных шкафах и ящиках родственников и друзей. Даже самые близкие люди не знали всего, что он написал, и на протяжении долгих лет его признавали в основном лишь как короля песни. Некоторые произведения композитора вышли в свет лишь через полвека после его кончины. Одно из самых любимых и известных произведений Франца Шуберта«Вечерняя серенада»:

 

Роберт Шуман

С не менее трагичной судьбой немецкий композитор Роберт Шуман – один из лучших композиторов романтической эры.

Он создавал удивительную по красоте музыку. Чтобы получить представление о немецком романтизме XIX века, достаточно послушать «Карнавал» Роберта Шумана. Он смог вырваться из музыкальных традиций классической эры, создав свою интерпретацию романтического стиля. Роберт Шуман был одарен многими талантами, и даже долгое время не мог определиться между музыкой, поэзией, публицистикой и филологией (он был полиглотом и свободно переводил с английского, французского и итальянского). Он также был потрясающим пианистом. И все же главным призванием и страстью Шумана была музыка. В его поэтичной и глубоко-психологичной музыке музыке во многом отражается двойственность натуры композитора, порыв страсти и уход в мир грез, осознание пошлой действительности и стремление к идеалу. Один из шедевров
Роберта Шумана
, который просто обязан услышать каждый:

 

Фредерик Шопен

Фредерик Шопен, пожалуй, самый знаменитый поляк в мире музыке. Ни до, ни после композитора не рождался музыкальный гений такого уровня в Польше. Поляки невероятно гордятся своим великим соотечественником, да и в своем творчестве клмпозитор не раз воспевает родину, восхищается красотой пейзажей, сокрушается о трагическом прошлом, мечтает о великом будущем. Фредерик Шопен – один из немногих композиторов, который писал музыку исключительно для фортепиано. В его творческом наследии нет ни опер, ни симфоний, а вот фортепианные пьесы представлены во всем многообразии. Его произведения – основа репертуара многих известных пианистов. Фредерик Шопен – польский композитор, который также известен как талантливый пианист. Он прожил всего 39 лет, но успел создать немало шедевров: баллады, прелюдии, вальсы, мазурки, ноктюрны, полонезы, этюды, сонаты и многое-многое другое. Одно из них –

«Баллада №1, соль минор».

 

Ференц Лист

Ференц Лист является одним из величайших композиторов мира. Он прожил относительно долгую и удивительно насыщенную жизнь, познал нищету и богатство, встретил любовь и столкнулся с презрением. Кроме таланта от рождения он обладал фантастической работоспособностью. Ференц Лист заслужил не только восхищение знатоков и поклонников музыки. И как композитор, и как пианист он получил всеобщее одобрение европейских критиков XIX столетия. Он создал более 1300 произведений и подобно Фредерику Шопену отдавал предпочтение произведениям для фортепиано. Блестящий пианист, Ференц Лист умел воспроизводить на рояле звучание целого оркестра, мастерски импровизировал, обладал фантастической памятью музыкальных композиций, ему не было равных в чтении нот с листа. У него был патетический стиль исполнения, что также отразилось на его музыке, эмоционально-страстной и героически-приподнятой, создающей красочные музыкальные картины и производящие неизгладимое впечатление на слушателей. Визитной карточкой композитора являются концерты для фортепиано. Одно из таких произведений «Годы странствий». А одно из наиболее известных произведений Листа«Грезы любви»:

 

Иоганнес Брамс

Значительной фигурой романтического периода в музыке является Иоганнес Брамс. Слушать и любить музыку Брамса считается хорошим вкусом и характерным признаком романтичной натуры. Брамс не написал ни одной оперы, однако он создал произведения во всех других жанрах. Особенную славу Брамсу принесли его симфонии. Уже в первых произведениях проявляется самобытность композитора, которая со временем преобразилась в собственный стиль. Если рассмотреть все произведения Брамса, нельзя сказать, что на композитора сильно оказывало влияние творчество его предшественников или современников. А по масштабу творчества Брамса часто сравнивают с Бахом и Бетховеном. Наверное, это сравнение оправдано в том смысле, что творчество трех великих немцев представляют собой кульминацию целой эпохи в истории музыки. В отличие от Ференца Листа жизнь Иоганнеса Брамса была лишена бурных событий. Он предпочитал спокойное творчество, при жизни заслужил признание своего таланта и всеобщее уважение, а также был удостоен немалых почестей. Самой выдающейся музыкой, в которой творческая сила Брамса сказалась особенно ярко и оригинально, является его «Немецкий реквием», произведение, которое автор создавал целых 10 лет и посвятил своей матери. В своей музыке Брамс воспевает вечные ценности человеческой жизни, которые заключаются в красоте природы, искусстве великих талантов прошлого, культуре своей родины.

 

Джузеппе Верди

Какая десятка лучших композиторов без Джузеппе Верди?! Итальянский композитор известен прежде всего своими операми. Он стал национальной славой Италии, его творчество является кульминацией развития итальянской оперы. Его достижения и заслуги как композитора нельзя переоценить. Его произведения до сих пор, спустя столетие после смерти автора, остаются наиболее популярными, повсеместно исполняемыми, известными как знатокам, так и любителям классической музыки.

Для Верди самым главным в опере стала драма. В созданных композитором музыкальных образах Риголетто, Аиды, Виолетты, Дездемоны органично сочетаются яркий мелодизм и глубина героев, демократичность и изысканность музыкальных характеристик, неистовые страсти и светлые мечты. Верди был настоящим психологом в понимании человеческих страстей. Его музыка – это благородство и мощь, удивительная красота и гармония, невыразимо красивые мелодии, прекрасные арии и дуэты. Страсти кипят, комедия и трагедия переплетаются и сливаются вместе. Сюжеты опер, по признанию самого Верди, должны быть «оригинальными, интересными и… страстными, при этом страсти превыше всего остального». И большинство его работ серьезны и трагичны, демонстрируют эмоциональные драматические ситуации, и музыка великого Верди придает выразительность происходящему и подчеркивает акценты ситуации. Вобрав все лучшее, что было достигнуто итальянской оперной школой, он не отрицал оперных традиций, а реформировал итальянскую оперу, наполнил ее реализмом, придал ей единство целого. При этом не заявлял о своей реформе, не писал статей об этом, а просто писал оперы по-новому. Триумфальное шествие одного из шедевров Верди – оперы «Аида» – пронеслось по итальянским сценам и продолжилось в Европе, а также в России и Америке, заставив даже скептиков признать талант великого композитора.

 

Самые известные композиторы классической музыки. Топ-33

 32 место. 

Иоганн Штраус / Johann Strauss (1825-1899) — австрийский композитор, дирижёр и скрипач, признанный «король вальса», автор многочисленных танцевальных произведений и нескольких популярных оперетт. Не следует путать Иоганна Штрауса с его отцом — Иоганном Штраусом-старшим, который также был композитором (во избежание путаницы младшего Иоганна Штрауса называют Иоганн Штраус (сын) или Иоганн Штраус II). У Штрауса 1,21 млн. слушателей за месяц на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Вена, Мадрид, Мехико, Париж, Берлин. Чаще всего на Spotify слушают вальс «На прекрасном голубом Дунае» (30 млн. прослушиваний в разных исполнениях).


 

31 место.

Ян Сибелиус / Jean Sibelius (1865-1957) — финский композитор. У Сибелиуса 1,224 млн. слушателей за месяц на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Хельсинки, Париж, Стамбул, Лондон, Мехико. Чаще всего на Спотифай слушают 6 экспромтов (8,7 млн. прослушиваний).


 

30 место.

Джордж Гершвин / George Gershwin (1898-1937) — американский композитор, пианист и художник. Джордж Гершвин родился под именем Яков в Нью-Йоркском районе Бруклин в семье еврейских эмигрантов из Российской империи. У Гершвина 1,248 млн. слушателей за месяц на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Лондон, Париж, Нью-Йорк, Мехико, Лос-Анджелес. Чаще всего на Spotify слушают Rhapsody in Blue (21,8 млн. прослушиваний в разных исполнениях).


 

29 место.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906-1975) — советский композитор, пианист, педагог. У Шостаковича 1,258 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Стамбул, Париж, Мадрид, Лондон. Чаще всего на Spotify слушают Вальс №2 из Второй сюиты для джаз-оркестра (41,4 млн. прослушиваний).


 

28 место.

Жорж Бизе / Georges Bizet (1838-1875) — французский композитор периода романтизма, автор оркестровых произведений, романсов, фортепианных пьес, а также опер, самой известной из которых стала «Кармен». У Бизе 1,301  млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Париж, Стамбул, Мадрид, Лондон. Чаще всего на Spotify (10,9 млн. прослушиваний) слушают арию L’amour est un oiseau rebelle (часто эту арию называют Хабанера) из оперы «Кармен» в исполнении великой оперной певицы Марии Каллас.

 

 

27 место.

Леонард Бернстайн / Leonard Bernstein (1918-1990) — американский композитор, пианист, дирижёр и популяризатор академической музыки. Бернстайн родился в Лоуренсе, штат Массачусетс, в еврейской семье, приехавшей из Российской империи. У Бернстайна 1,316 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Лондон, Стамбул, Мехико, Париж, Чикаго. Чаще всего на Spotify слушают «America» из мюзикла «Вестсайдская история» (8,3 млн. прослушиваний).

 

 

26 место.

Ральф Воан-Уильямс / Ralph Vaughan Williams (1872-1958) — британский композитор, органист, дирижёр. У Воан-Уильямса 1,35 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Лондон, Париж, Сидней, Мадрид, Лос-Анджелес.  Чаще всего на Spotify слушают The Lark Ascending (35 млн. прослушиваний).


 

25 место.

Джузеппе Верди / Giuseppe Verdi (1813-1901) — итальянский композитор. Им созданы 26 опер, реквием, струнный квартет и ряд духовных пьес. Самые известные оперы композитора: «Бал-маскарад», «Риголетто», «Трубадур», «Травиата», «Аида», «Отелло», «Фальстаф». У Верди 1,391 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Мадрид, Париж, Сантьяго, Барселона. Чаще всего на Spotify слушают Libiamo ne’ lieti calici дуэт из второй сцены первого акта оперы «Травиата» (26,4 млн. прослушиваний в разных исполнениях).


 

24 место.  

Иоганн Пахельбель / Johann Pachelbel (1653-1706) — немецкий композитор и органист. Творчество Пахельбеля — одна из вершин южнонемецкой органной музыки периода барокко. Наиболее значителен вклад Пахельбеля в развитие протестантской церковной музыки. В 2002 году продюсер Пит Уотерманн сказал про Канон Пахельбеля: «Это почти крестный отец поп-музыки, потому что мы все использовали это по-своему в течение последних 30 лет». Самый яркий пример использования Канона в поп-музыке — «Go West» группы Pet Shop Boys. Есть мнения, что Канон Пахельбеля повлиял на музыку Гимна СССР. У Пахельбеля 1,468 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Мадрид, Лондон, Париж, Стамбул. Чаще всего на Spotify слушают его знаменитый Канон (нем. Kanon und Gigue in D-Dur), количество его прослушиваний в разных исполнениях более 116 млн.


 

23 место.

Эдуард Элгар / Edward Elgar (1857-1934) — британский композитор. У Элгара 1,645 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Лондон, Мехико, Мадрид, Сидней, Амстердам. Чаще всего на Spotify слушают Концерт для виолончели с оркестром ми минор, op. 85 (21,2 млн. прослушиваний).


 

22 место.

Роберт Шуман / Robert Schumann (1810-1856) — немецкий композитор, педагог и влиятельный музыкальный критик. У Шумана 1,738 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Париж, Мехико, Лондон, Берлин, Мадрид. Чаще всего на Spotify слушают Träumerei из произведения «Детские сцены. Легкие пьесы для фортепиано» (23,7 млн. прослушиваний).


 

21 место.

Феликс Мендельсон / Felix Mendelssohn (1809-1847) — немецкий композитор, пианист, дирижёр, педагог еврейского происхождения. Один из крупнейших представителей романтизма в музыке. У Мендельсона 1,896 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Лондон, Париж, Мехико, Берлин, Стамбул. Чаще всего на Spotify слушают Песни без слов из второй тетради (18,3 млн. прослушиваний). Примечательно, что Марш Мендельсона, написанный для комедии Шекспира «Сон в летнюю ночь» и являющийся самым известным произведением композитора в России, на Spotify не входит даже в первую десятку произведений Мендельсона по популярности.


 

20 место.

Антонин Дворжак / Antonín Dvořák (1841-1904) — чешский композитор, представитель романтизма. У Дворжака 1,957 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Париж, Мехико, Стамбул, Лондон, Берлин. Чаще всего на Spotify слушают Серенаду для струнного оркестра (27,4 млн. прослушиваний).

 

 

19 место.

Морис Равель / Maurice Ravel (1875-1937) — французский композитор и дирижёр. Вошёл в историю как один из ведущих представителей музыкального импрессионизма. У Равеля 1,973 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Париж, Лондон, Мехико, Мадрид, Лос-Анджелес. Чаще всего на Spotify слушают Павану на смерть инфанты (20,4 млн. прослушиваний).

 

 

18 место.

Габриель Форе / Gabriel Fauré (1845-1924) — французский композитор, педагог, дирижёр. У Форе 1,992 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Париж, Лондон, Стамбул, Мехико, Амстердам. Чаще всего на Spotify слушают Après un rêve (12,7 млн. прослушиваний).


 

17 место.

Джакомо Пуччини / Giacomo Puccini (1858-1924) — итальянский оперный композитор, органист и хормейстер. У Пуччини 2,209 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Мадрид, Лондон, Барселона, Париж. Чаще всего на Spotify слушают арию «Nessun dorma» из оперы «Турандот» (48,2 млн. прослушиваний).


 

16 место.

Сергей Васильевич Рахманинов (1873-1943) — русский композитор, пианист, дирижёр. Синтезировал в своём творчестве принципы петербургской и московской композиторских школ (а также смешение традиций западноевропейской и ближневосточной музыки) и создал свой оригинальный стиль. У Рахманинова 2,342 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Лондон, Париж, Мадрид, Стамбул. Чаще всего на Spotify слушают Рапсодию на тему Паганини (32,3 млн. прослушиваний).


 

15 место.

Ференц (Франц) Лист / Ferencz Liszt (венг.) / Franz Liszt (нем.) (1811-1886) — композитор, пианист, педагог, дирижёр, публицист, крупный представитель музыкального романтизма. О национально-государственной принадлежности Листа нет единого мнения. По национальности он был венгром, его родным языком был немецкий, родился он в Австрии, жил и работал в Германии. В русской Википедии Лист назван венгро-немецким композитором, в немецкой Википедии — венгерско-австрийским, в английской и венгерской википедиях — венгерским композитором. У Листа 2,374 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Стамбул, Париж, Лондон, Мадрид. Чаще всего на Spotify слушают Liebesträume (50,3 млн. прослушиваний).


 

14 место. 

Эдвард Григ / Edvard Grieg (1843-1907) — норвежский композитор, пианист, дирижёр. Григ — самый известный скандинавский композитор классической музыки. У Грига 2,503 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Лондон, Осло, Париж, Мадрид. Чаще всего на Spotify слушают «В пещере горного короля» из сюиты «Пер Гюнт» (14,2 млн. прослушиваний).


 

13 место.

Иоганнес Брамс / Johannes Brahms (1833-1897) — немецкий композитор и пианист, один из центральных представителей эпохи романтизма. У Брамса 2,558 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Париж, Стамбул, Лондон, Мадрид. Чаще всего на Spotify слушают «Колыбельную» (27 млн. прослушиваний).


 

12 место.

Франц Шуберт / Franz Schubert (1797-1828) — австрийский композитор, один из основоположников романтизма в музыке, автор приблизительно 600 вокальных композиций (на слова Шиллера, Гёте, Гейне и других), девяти симфоний, а также большого количества камерных и сольных фортепианных произведений. У Шуберта 2,897 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Париж, Стамбул, Мехико, Лондон, Мадрид. Чаще всего на Spotify слушают 4 экспромта для фортепиано, Op. 90, D 899 (33,6 млн. прослушиваний).

 

 

11 место.

Камиль Сен-Санс / Camille Saint-Saëns (1835-1921) — французский композитор, пианист, органист, дирижёр, музыкальный писатель и общественный деятель, педагог. У Сен-Санса 2,946 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Лондон, Париж, Мадрид, Стамбул. Чаще всего на Spotify слушают сюиту «Карнавал животных» (78 млн. прослушиваний).


 

10 место.

Георг Фридрих Гендель / Georg Friedrich Händel (нем) / George Frideric Handel (англ.) (1685-1759) — немецко-английский композитор эпохи барокко, известный своими операми, ораториями и концертами. Гендель родился в Германии в один год с Иоганном Себастьяном Бахом. Получив музыкальное образование и опыт в Италии, он переселился в Лондон, впоследствии стал английским подданным. В число его наиболее знаменитых произведений входят «Мессия», «Музыка на воде» и «Музыка для королевского фейерверка». В свое время Гендель был гораздо популярнее Баха. У Генделя 3,099 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Париж, Лондон, Стамбул, Мехико, Мадрид. Чаще всего на Spotify слушают Сюиту для клавесина ре минор HWV 437 (40,6 млн. прослушиваний).


 

9 место.

Макс Рихтер / Max Richter — британский композитор немецкого происхождения, самый известный современный композитор классической музыки. Родился в 1966 году в Германии, но с детства живет в Великобритании. У Рихтера 3,208 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Лондон, Париж, Стамбул, Мехико, Берлин. Чаще всего на Spotify слушают Vladimir’s Blues из классического альбома «The Blue Notebooks» (70,7 млн. прослушиваний).


 

8 место.

Антонио Вивальди / Antonio Vivaldi (1678-1741) — итальянский композитор, скрипач-виртуоз, педагог, дирижёр, католический священник. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века, при жизни получил широкое признание во всей Европе. Мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо, автор около 40 опер. Вивальди в основном известен благодаря своим инструментальным концертам, в особенности для скрипки. Одними из наиболее известных его работ являются четыре скрипичных концерта «Времена года». У Вивальди 3,631 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Париж, Стамбул, Мадрид, Лондон. Чаще всего на Spotify слушают «Лето» из цикла «Времена года»  (51,4 млн. прослушиваний).


 

 

7 место.

Эрик Сати / Erik Satie (1866-1925) — французский композитор и пианист, один из реформаторов европейской музыки первой четверти XX столетия. У Сати 3,695 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Стамбул, Париж, Мехико, Лондон, Мадрид. Чаще всего на Spotify слушают Гимнопедию № 1  (161,5 млн. прослушиваний).


 

6 место.

Клод Дебюсси / Claude Debussy (1862-1918) — французский композитор. Ведущий представитель музыкального импрессионизма. У Дебюсси 4,495 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Лондон, Париж, Мехико, Лос-Анджелес, Стамбул. Чаще всего на Spotify слушают Бергамасскую сюиту (83,3 млн. прослушиваний).

 

 

5 место.

Пётр Ильич Чайковский (1840-1893) —  русский композитор, педагог, дирижёр и музыкальный критик. Чайковский — самый известный из русских композиторов классической музыки. Наследие Чайковского представлено разными жанрами: десять опер, три балета, семь симфоний (шесть пронумерованных и симфония «Манфред»), 104 романса, ряд программных симфонических произведений, концерты и камерно-инструментальные ансамбли, хоровые сочинения, кантаты, фортепианные миниатюры и фортепианные циклы. У Чайковского 4,849 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Лондон, Стамбул, Берлин, Париж. Чаще всего на Spotify слушают музыку из сцены «Moderato» из второго акта балета «Лебединое озеро», это сцена на озере, где лебедь превращается в девушку (57,6 млн. прослушиваний). Оперы Чайковского «Евгений Онегин, «Пиковая дама» и «Иоланта» являются тремя самыми известными русскими операми в мире. 

В декабре 2020 года Spotify объявил имена российских музыкантов, наиболее популярных среди пользователей сервиса за рубежом. Абсолютным лидером по прослушиваниям стал Чайковский. «Чтобы отдать дань его творчеству, в преддверии зимних праздников команда российского офиса Spotify разместила наружную рекламу с изображением композитора на площади Таймс-сквер в Нью-Йорке», — рассказали в компании.


см. также Самые известные русские композиторы классической музыки

 

4 место.

Фредерик Шопен / Fryderyk Chopin (польск. ) / Frédéric Chopin (фр.) (1810-1849) — польский композитор и пианист французско-польского происхождения. В зрелые годы (с 1831 года) жил и работал во Франции. Один из ведущих представителей западноевропейского музыкального романтизма, основоположник польской национальной композиторской школы. Оказал значительное влияние на мировую музыку. У Шопена 5,195 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Стамбул, Мехико, Париж, Лондон, Мадрид. Чаще всего на Spotify слушают ноктюрн №2 из опуса 9 (67,5 млн. прослушиваний).

 

3 место.

Вольфганг Амадей Моцарт / Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) — австрийский композитор и музыкант-виртуоз. Моцарт — самый известный и популярный из австрийских композиторов классической музыки. В отличие от многих композиторов XVIII века, Моцарт не просто работал во всех музыкальных формах своего времени, но и добился в них большого успеха. Многие из его сочинений признаны шедеврами симфонической, концертной, камерной, оперной и хоровой музыки. Наряду с Гайдном и Бетховеном принадлежит к наиболее значительным представителям Венской классической школы. У Моцарта 5,803 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Париж, Стамбул, Лондон, Мадрид. Чаще всего на Spotify слушают Концерт для фортепиано № 21, часто называемый «Эльвира Мадиган» (40 млн. прослушиваний). 


 

2 место. 

Людвиг ван Бетховен / Ludwig van Beethoven (1770-1827) — немецкий композитор, пианист и дирижёр, последний представитель «венской классической школы». Бетховен — ключевая фигура классической музыки в период между классицизмом и романтизмом, один из наиболее исполняемых композиторов в мире. Он писал во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, музыку к драматическим спектаклям, хоровые сочинения. Самыми значительными в его наследии считаются инструментальные произведения: фортепианные, скрипичные и виолончельные сонаты, концерты для фортепиано, для скрипки, квартеты, увертюры, симфонии. Творчество Бетховена оказало значительное воздействие на симфонизм XIX и XX веков. В возрасте 26 лет Бетховен начал терять слух: у него развивался тиннитус — воспаление внутреннего уха, приводящее к звону в ушах. У Бетховена 6,394 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Стамбул, Париж, Лондон, Мадрид. Чаще всего на Spotify слушают Лунную сонату (более 125 млн. прослушиваний в разных исполнениях).  


 

1 место.

Иоганн Себастьян Бах / Johann Sebastian Bach (1685-1750) — немецкий композитор, органист, капельмейстер, музыкальный педагог. Бах — автор более 1000 музыкальных произведений во всех значимых жанрах своего времени (кроме оперы). Творческое наследие Баха интерпретируется как обобщение музыкального искусства барокко. Убеждённый протестант, Бах написал много духовной музыки. Его Страсти по Матфею, Месса h-moll, кантаты, инструментальные обработки протестантских хоралов — признанные шедевры мировой музыкальной классики. У Баха 7,434 млн. слушателей на Spotify, он наиболее популярен в следующих городах: Мехико, Париж, Стамбул, Лондон, Мадрид. Чаще всего на Spotify слушают Сюиту для виолончели №1 (159 млн. прослушиваний).  


Вторая симфония Бородина, Шестая симфония Чайковского, Третья симфония Скрябина.

В мире музыки существуют единственные в своем роде, знаковые произведения, звуками которых и пишется летопись музыкальной жизни. Некоторые из этих сочинений представляют собой революционный прорыв в искусстве, другие отличаются сложной и глубокой концепцией, третьи поражают необыкновенной историей создания, четвертые являются своеобразной презентацией композиторского стиля, а пятые… настолько прекрасны по музыке, что не упомянуть их невозможно. К чести музыкального искусства, таких произведений очень много, и в качестве примера поговорим о пяти избранных русских симфониях, уникальность которых сложно переоценить.

Вторая (богатырская) симфония Александра Бородина (си-бемоль минор, 1869–1876)

Композитор Александр Бородин. Фотография: ТАСС

В России ко второй половине XIX века в композиторской среде назрела идея фикс: пора создавать свою, русскую симфонию. К тому времени в Европе симфония отпраздновала столетний юбилей, пройдя все стадии эволюционной цепочки: от оперной увертюры, покинувшей театральные подмостки и исполнявшейся отдельно от оперы, до таких колоссов, как Симфония №9 Бетховена (1824) или Фантастическая симфония Берлиоза (1830). В России мода на этот жанр не прижилась: попробовали раз, другой (Дмитрий Бортнянский — Концертная симфония, 1790; Александр Алябьев — симфонии ми минор, ми-бемоль мажор) — да и оставили эту затею с тем, чтобы вернуться к ней десятилетия спустя в творчестве Антона Рубинштейна, Милия Балакирева, Николая Римского-Корсакова, Александра Бородина и других.

Упомянутые композиторы рассудили совершенно правильно, осознав, что единственное, чем может похвастаться русская симфония на фоне европейского изобилия, так это своим национальным колоритом. И Бородину в этом нет равных. Его музыка дышит раздольем бескрайних равнин, удалью русских витязей, задушевностью народных песен с их щемящей, трогательной ноткой. Эмблемой симфонии стала главная тема первой части, услышав которую, друг и наставник композитора, музыковед Владимир Стасов предложил два названия: сначала «Львица», а затем — более соответствующее идее: «Богатырская».

В отличие от симфонических полотен того же Бетховена или Берлиоза, основанных на человеческих страстях и переживаниях, Богатырская симфония повествует о времени, истории и народе. В музыке нет драматизма, нет ярко выраженного конфликта: она напоминает череду плавно сменяющихся картин. И это коренным образом отображается на структуре симфонии, где медленная часть, обычно стоящая на втором месте, и оживленное скерцо (традиционно шедшее после нее) меняются местами, а финал в обобщенном виде повторяет идеи первой части. Бородин таким способом сумел добиться максимального контраста в музыкальной иллюстрации национального эпоса, а структурная модель Богатырской впоследствии послужила образцом для эпических симфоний Глазунова, Мясковского и Прокофьева.


Шестая (патетическая) симфония Петра Чайковского (си минор, 1893)

Композитор Петр Чайковский. Фотография: ТАСС

Свидетельств, трактовок, попыток объяснить ее содержание существует столько, что вся характеристика этого сочинения могла бы состоять из цитат. Вот одна из них, из письма Чайковского к племяннику Владимиру Давыдову, которому симфония и посвящена: «Во время путешествия у меня явилась мысль другой симфонии, на этот раз программной, но с такой программой, которая останется для всех загадкой. Программа эта самая что ни на есть проникнутая субъективностью, и нередко во время странствования, мысленно сочиняя ее, я очень плакал». Что же эта за программа? В том Чайковский признается своей двоюродной сестре Анне Мерклинг, предположившей, что в этой симфонии он описал свою жизнь. «Да, ты угадала», — подтвердил композитор.

В начале 1890-х годов мысль о сочинении-мемуарах неоднократно посещала Чайковского. К этому времени относятся эскизы его неоконченной симфонии под названием «Жизнь». Судя по сохранившимся черновикам, композитор планировал изобразить некие абстрактные стадии жизни: юность, жажда деятельности, любовь, разочарование, смерть. Однако объективного замысла Чайковскому оказалось недостаточно, и работа прервалась, зато в Шестой симфонии он руководствуется уже исключительно личными переживаниями. Как же должна была изболеться душа композитора, чтобы родилась музыка с такой невероятной, потрясающей силой воздействия!

Лирико-трагические первая часть и финал неразрывно связаны с образом смерти (в разработке первой части цитируется тема духовного песнопения «Со святыми упокой»), о чем свидетельствовал и сам Чайковский, сославшись на эту симфонию в ответ на предложение великого князя Константина Романова написать «Реквием». Потому-то так остро воспринимаются светлое лирическое интермеццо (пятидольный вальс во второй части) и торжественно-триумфальное скерцо. О роли последнего в сочинении существует множество рассуждений. Как думается, Чайковский пытался показать тщетность земной славы и счастья перед лицом неотвратимой утраты, тем самым подтверждая великое изречение Соломона: «Всё проходит. Пройдет и это».


Третья симфония («Божественная поэма») Александра Скрябина (до минор, 1904)

Композитор Александр Скрябин. Фотография: ТАСС

Если темным осенним вечером вам доведется побывать в Доме-музее Александра Скрябина в Москве, вы непременно почувствуете ту жутковато-таинственную атмосферу, окружавшую композитора при жизни. Странное сооружение из цветных лампочек на столе в гостиной, пухлые тома по философии и оккультизму за мутным стеклом дверцы книжного шкафа, наконец, аскетического вида спальня, где Скрябин, всю жизнь боявшийся умереть от заражения крови, скончался от сепсиса. Мрачноватое и загадочное место, прекрасно демонстрирующее мировоззрение композитора.

Не менее показательна для характеристики скрябинского мышления его Третья симфония, открывающая так называемый средний период творчества. В это время Скрябин постепенно формулирует свои философские воззрения, суть которых в том, что весь мир — это результат собственного творчества и собственной мысли (солипсизм в крайней стадии) и что создание мира и создание искусства, по сути, аналогичные процессы. Протекают эти процессы так: из первичного хаоса творческого томления зарождаются два начала — активное и пассивное (мужское и женское). Первое несет в себе божественную энергию, второе порождает мир материальный с его природными красотами. Взаимодействие этих начал создает космический эрос, приводящий к экстазу — свободному торжеству духа.

Как бы странно ни звучало все вышеизложенное, Скрябин искренне верил в эту модель Бытия, по которой и написана Третья симфония. Ее первая часть носит название «Борения» (борьба человека-раба, покорного верховному Властителю мира, и человека-бога), вторая — «Наслаждения» (человек отдается радостям чувственного мира, растворяется в природе), и, наконец, третья — «Божественная игра» (освобожденный дух, «создающий вселенную одной лишь властью своей творческой воли», постигает «возвышенную радость свободной деятельности»). Но философия философией, а музыка сама по себе дивная, раскрывающая все тембровые возможности симфонического оркестра.


Первая (классическая) симфония Сергея Прокофьева (ре мажор, 1916–1917)

Композитор Сергей Прокофьев. Фотография: ТАСС

На дворе 1917 год, тяжелые военные годы, революция. Казалось бы, искусство должно мрачно насупить брови и повествовать о наболевшем. Но горестные раздумья не для музыки Прокофьева — солнечной, искрящейся, по-юношески обаятельной. Такова его Первая симфония.

Творчеством венских классиков композитор интересовался еще в студенческие годы. Теперь же из-под его пера вышло сочинение, а ля Гайдн. «Мне казалось, что, если бы Гайдн дожил до наших дней, он сохранил бы свою манеру письма и в то же время воспринял кое-что от нового», — прокомментировал Прокофьев свое детище.

Состав оркестра композитор избрал скромный, опять же в духе венского классицизма — без тяжелой меди. Фактура и оркестровка — светлые, прозрачные, масштабы произведения не велики, композиция отличается стройностью и логичностью. Словом, очень напоминает сочинение классицизма, по ошибке родившееся в ХХ веке. Однако есть и чисто прокофьевские эмблемы, например излюбленный им жанр гавота в третьей части вместо скерцо (позднее композитор использует этот музыкальный материал в балете «Ромео и Джульетта»), а также острая «с перчинкой» гармония и бездна музыкального юмора.


Седьмая (ленинградская) симфония Дмитрия Шостаковича (до мажор, 1941)

Композитор Дмитрий Шостакович. Фотография: ТАСС

2 июля 1942 года двадцатилетний летчик лейтенант Литвинов, чудом прорвавшись сквозь вражеское окружение, сумел привезти в блокадный Ленинград медикаменты и четыре пухлые нотные тетради с партитурой Седьмой симфонии Д.Д. Шостаковича, а на следующий день в «Ленинградской правде» появилась короткая заметка: «В Ленинград доставлена на самолете партитура Седьмой симфонии Дмитрия Шостаковича. Публичное исполнение ее состоится в Большом зале Филармонии».

Событие, аналогов которому история музыки еще не знала: в осажденном городе страшно истощенные музыканты (участвовали все, кто остался в живых) под управлением дирижера Карла Элиасберга исполнили новую симфонию Шостаковича. Ту самую, которую композитор сочинял в первые недели блокады, пока его с семьей не эвакуировали в Куйбышев (Самару). В день ленинградской премьеры, 9 августа 1942 года, Большой зал Ленинградской филармонии был до отказа заполнен обессиленными жителями города с полупрозрачными лицами, но при этом в нарядных одеждах, и военными, приехавшими прямо с передовой. Через динамики по радио симфония транслировалась на улицах. В этот вечер весь мир, замерев, внимал небывалому подвигу музыкантов.

…Примечательно, но знаменитая тема в духе равелевского «Болеро», которую теперь принято олицетворять с бездумно движущейся и уничтожающей всё на своем пути фашистской армией, была написана Шостаковичем еще до начала войны. Однако в первую часть Ленинградской симфонии она вошла вполне закономерно, заняв место так называемого «эпизода нашествия». Провидческим оказался и жизнеутверждающий финал, предвосхитивший вожделенную Победу, от которой его отделяли еще такие долгие три с половиной года…

Автор: Татьяна Любомирская

Русская музыка 18 века

В XVIII веке большинство европейских государств охватило просветительское движение. Благодаря реформам Петра I Россия активно включилась в этот процесс, приобщаясь к  достижениям европейской цивилизации. Ее поворот в сторону Европы, породивший феномен «русской европейскости», произошел типично по-русски – круто и решительно. Взаимодействие с более устоявшимися художественными школами Западной Европы позволило русскому искусству пройти путь «ускоренного развития», освоив в исторически сжатые сроки европейские эстетические теории, светские жанры и  формы.

Главное достижение русского Просвещения – расцвет личностного творчества, которое приходит на смену безымянному труду художников Древней Руси. Реализуется ломоносовская формула: «будет собственных Платонов и быстрых разумом Ньютонов Российская земля рождать».

Наступает время активного становления светского мировоззрения. Храмовое искусство продолжает свое развитие, однако постепенно отходит на второй план в культурной жизни России. Светская же традиция всемерно укрепляется.

В музыке XVIII века, как в литературе и живописи, утверждается новый стиль, близкий европейскому классицизму.

Новые формы великосветского быта  –  гуляния в парках, катания по Неве, иллюминации, балы  и «маскерады», ассамблеи и дипломатические приемы  – способствовали широкому развитию инструментальной музыки. По указу Петра  в каждом полку появились военные духовые оркестры. Официальные торжества, балы и празднества обслуживались двумя придворными оркестрами и придворным хором[1]. Примеру двора следовала петербургская и московская знать, которая  заводила у себя домашние оркестры. Крепостные оркестры и музыкальные театры создавались и в дворянских усадьбах[2]. Распространяется любительское музицирование, обучение музыке становится обязательной частью дворянского воспитания. В конце столетия многообразная музыкальная жизнь характеризовала быт не только Москвы и Петербурга, но и других русских городов.

Среди музыкальных новшеств, неизвестных Европе, был роговой оркестр, созданный российским императорским камер-музыкантом И.А. Марешом по поручению С.К. Нарышкина. Мареш создал слаженный ансамбль, состоящий из 36 рогов (3 октавы). Участвовали в нем крепостные музыканты, которые играли роль живых «клавиш»,  поскольку каждый рог мог издавать только один звук. В репертуар входила классическая европейская музыка, в том числе сложные сочинения Гайдна и Моцарта[3].

В 30-х годах XVIII века в России была создана придворная итальянская опера, спектакли которой давались в праздничные дни для «избранной» публики. В это время Петербург привлекает многих крупнейших европейских музыкантов,  преимущественно итальянцев, среди которых композиторы Ф. Арайя, Б. Галуппи, Дж. Паизиелло, Дж. Сарти, Д. Чимароза[4]. Франческо Арайя в 1755 году написал музыку к первой опере с русским текстом. Это было либретто А.П. Сумарокова на сюжет из «Метаморфоз» Овидия. Опера, созданная в итальянском жанре seria, называлась «Цефал и Прокрис».

В петровскую эпоху продолжали развиваться такие национальные музыкальные жанры, как партесный концерт и кант.

Канты петровского времени нередко назывались «виватами»[5], поскольку они изобилуют прославлениями военных побед и преобразований («Радуйся, Росско земле»). Для музыки «приветственных» кантов характерны фанфарные обороты, торжественные ритмы полонеза. Их исполнение часто сопровождалось звучанием труб и колокольным звоном.

На петровскую эпоху приходится кульминация в развитии хорового партесного пения. Блестящий мастер партесного концерта В.П. Титов занял место первого музыканта при дворе царя Петра. Именно ему было поручено написать торжественный концерт по случаю Полтавской победы, одержанной русскими войсками в 1709 году («Рцы нам ныне» – за сочинением утвердилось название «Полтавскому торжеству»).

В середине XVIII века стремление к хоровым эффектам в партесных концертах достигло гипертрофированных форм: появились сочинения, партитуры которых насчитывали до 48 голосов. Во второй половине столетия на смену торжественному пар­тесному концерту приходит новое художественное явление – ду­ховный концерт. Таким образом, в течение всего XVIII века русское хоровое пение прошло большой путь эволюции – от монументального партесного стиля, вызывающего ассоциации с архитектурным стилем барокко, к высоким образцам классицизма в творчестве М. С. Березовского и Д. С. Бортнянского, создавших классический тип русского духовного концерта.

Русский духовный хоровой концерт

В XVIII веке значительно расширилось жанровое содержание хоровых произведений. Возникли хоровые обработки народных песен, хоровая оперная музыка, танцевальная музыка с хором (самый знаменитый образец – полонез Козловского «Гром победы раздавайся» на слова Державина, который в конце XVIII приобрел значение государственного гимна Российской империи).

Ведущим хоровым жанром становится русский духовный концерт, служивший своеобразным символом древней отечественной традиции. Своего наивысшего расцвета духовный концерт достиг в екатерининскую эпоху (1762- 1796). Это было благоприятное время для российской культуры. Попытка возродить дух петровских преобразований во многом увенчалась успехом. Политика, экономика, наука и культура вновь получили импульс к развитию. Возобновилась практика обучения наиболее талантливых представителей науки и искусства за границей. Тесные культурные контакты России с просвещенной Европой не могли не повлиять на появление первых опытов профессионального композиторского творчества.

В этот период было создано более 500 произведений концертного жанра. К нему обращались почти все известные нам русские композиторы второй половины XVIII столетия.

Рожденный в недрах партесного многоголосия, духовный концерт на протяжении своего развития интегрировал два начала – церковную певческую традицию и новое светское музыкальное мышление. Концерт получил распространение и как кульминационная часть церковной службы, и как украшение придворных церемониалов. Он был средоточием тем и образов, затрагивавших глубокие нравственные и философские проблемы.

Если «партесный концерт можно до известной степени сопоставить с concerto grosso, то структура классического хорового концерта имеет общие черты с сонатно-симфоническим циклом. Она обычно состояла из трех или четырех разнохарактерных частей с контрастными приёмами изложения. В заключительной части, как правило, преобладали приемы полифонического развития.

Большой вклад в становление русского классического хорового концерта внесли выдающиеся иностранные композиторы, жившие в Петербурге (Д.Сарти, Б. Галуппи). Вершинные достижения русской хоровой музыки эпохи Просвещения связаны с именами М.С. Березовского и Д.С. Бортнянского.

М. С. Березовский – выдающийся мастер русской хоровой музыки XVIII века, один из первых представителей национальной композиторской школы. Сохранившееся творчество композитора невелико по объему[6], однако весьма значительно по своей исторической и художественной сути. В музыкальной культуре 60-70-х годов XVIII столетия оно открывает  новый этап – эпоху русского классицизма.

Имя Березовского называется в числе родоначальников  классического хорового концерта a capрella: его произведения, наряду с творчеством итальянского композитора Галуппи, представляют первый этап в развитии этого жанра.

Вершиной творческих исканий М. С. Березовского стал концерт «Не отвержи мене во время старости». Это общепризнанный шедевр русской музыки XVIII века, стоящий в одном ряду с высочайшими достижениями современного ему европейского искусства. Небольшой по масштабам, концерт воспринимается как произведение эпически монументальное. Его музыка, раскрывающая многообразный духовный мир человека,  поражает глубиной эмоций и жизненной достоверностью.

И в тексте, и в музыке концерта отчетливо звучит личная интонация. Это речь от первого лица. Просьба-мольба, взывающая ко Всевышнему (I часть), сменяется картиной преследований человека злобствующими недругами (II часть – «Пожените и имите его»). Затем следует новая тема – молитва надежды («Боже мой, не удалися» – III часть), и наконец, финал, полный протестующего пафоса, направленного против зла и несправедливости («Да постыдятся и исчезнут оклеветающии душу мою»). Уже тот факт, что всем темам концерта свойственны определенные, конкретные эмоциональные черты, говорит о принципиальной новизне стиля, преодолевающего абстрактную нейтральность тематизма партесного пения.

Четыре части произведения связаны не только единым драматургическим замыслом и тональной логикой, но и интонационными нитями: певучая тема, звучащая в первых тактах концерта, становится интонационной основой всех прочих образов. Особенно существенно то, что начальное интонационное зерно трансформируется в динамичную и напористую тему заключительной фуги «Да постыдятся и исчезнут…», которая является вершиной в развитии всего цикла.

Д. С. Бортнянский развил основной тип русского классического хорового концерта, соединив в музыке элементы светского музыкального инструментализма и вокальной церковной музыки. Как правило, его концерты имеют три части, чередующиеся по принципу быстро – медленно – быстро. Нередко первая часть, самая весомая в цикле, содержит признаки сонатности, выраженные в сопоставлении двух контрастных тем, изложенных в тонико-доминантовом соотношении. Возвращение в основную тональность происходит в конце части, но без тематических повторов.

Бортнянскому принадлежат 35 концертов для 4-голосного смешанного хора, 10 концертов для 2 хоров, ряд других церковных песнопений, а также светские хоры, в том числе патриотическая хоровая песня «Певец во стане русских воинов» на сл. В. А. Жуковского (1812).

Одно из глубоких и зрелых сочинений мастера – Концерт № 32, отмеченный П.И. Чайковским[7] как «лучший из всех тридцати пяти». Его текст взят из 38-го псалма Библии, где есть такие строки: «Скажи мне, Господи, кончину мою и число дней моих, дабы я знал, какой век мой… Услышь, Господи, молитву мою, и внемли воплю моему; не будь безмолвен к слезам моим…». В концерте три части, но между ними нет контраста. Музыка отличается единством скорбно-элегического настроения и цельностью тематизма. Первая часть открывается темой, изложенной трехголосно и напоминающей псальму XVII века. Вторая часть – короткий эпизод строгого хорального склада. Развернутый финал, написанный в форме фуги, превышает по размерам первые две части. В музыке финала преобладает тихая нежная звучность, передающая предсмертную мольбу человека, уходящего из жизни.

Сборники русских песен

Для всей передовой русской культуры XVIII века характерен глубокий интерес к образу жизни, нравам и обычаям народа. Начинается  систематическое собирание и изучение фольклора. Известный литератор Михаил Дмитриевич Чулков составляет первый в России сборник текстов народных песен.

Впервые делаются нотные записи народных песен, появляются печатные сборники с их обработками: Василия Федоровича Трутовского («Собрание русских простых песен с нотами»), Николая Александровича Львова[8] и Ивана Прача[9] («Собрание народных русских песен с их голосами»).

В сборник Львова-Прача вошли 100 песен, многие из которых являются классическими образцами русского фольклора: «Ах вы, сени, мои сени», «Во поле береза стояла», «Во саду ли, в огороде». В предисловии к сборнику  («О русском народном пении») Н. Львов впервые в России указал на неповторимое своеобразие русской народной хоровой полифонии.

Песни из этих сборников использовались как любителями музы­ки, так и композиторами, которые заимствовали их для сво­их произведений – опер, инструментальных вариаций, сим­фонических увертюр.

К середине XVIII века относится уникальное собрание русских былин и исторических песен под названием «Сборник Кирши Данилова». О его составителе нет достоверных сведений. Предполагается, что Кирша Данилов (Кирилл Данилович) был певцом-импровизатором, скоморохом, жившим на горнозаводском Урале. Напевы песен он записал одной строчкой без текста, который помещен отдельно[10].

Русская национальная композиторская школа

С профессиональным освоением национального фольклора непосредственно связано становление во второй половине XVIII века первой в России светской композиторской школы. Ее рождение стало кульминацией русского Просвещения. Родиной школы был Санкт-Петербург, где  расцвел талант самых ярких ее представителей. В их числе – основоположники русской оперы В.А. Пашкевич и Е.И. Фомин, мастер инструментальной музыки И.Е. Хандошкин, выдающиеся творцы классического духовного концерта М.С. Березовский и Д.С. Бортнянский, создатели камерной «российской песни» О. А. Козловский и Ф.М. Дубянский и другие.

         Большинство русских композиторов были выходцами из народной среды[11]. Они с детства впитали живое звучание русского фольклора. Естественным и закономерным, поэтому, стало включение народных песен в русскую оперную музыку (оперы В. А. Пашкевича и Е.И. Фомина), в инструментальные сочинения (творчество И.Е. Хандошкина).

         По традиции предшествующих веков наиболее широко в век Просвещения развивались вокальные жанры, как светские, так и храмовые. Среди них выделяются духовный хоровой концерт, комическая опера и камерная песня. Как и в фольклористике, в этих жанрах сохраняется отношение к слову как к приоритетной основе музыки. Автором оперы считается либреттист, а автором песни – поэт; имя композитора нередко оставалось в тени, а со временем забывалось.

Русская комическая опера

Рождение национальной композиторской школы XVIII столетия было тесно связано с развитием русской оперы. Оно началось с музыкальной комедии, которая опиралась на комедийные произведения русских писателей и поэтов: Я. Княжнина, И. Крылова, М. Попова, А. Аблесимова, М. Матинского.

Комическая опера была бытовой по своему содержанию, с незамысловатой, но увлекательной фабулой из повседневной российской жизни. Ее героями были сметливые мужички, крепостные крестьяне, скупые и жадные богатеи, наивные и прекрасные девушки, злые и добрые дворяне.

Драматургия строилась на чередовании разговорных диалогов с музыкальными номерами, основанными на русских народных песнях. Поэты указывали в либретто, на какой «голос» (популярную песню) следовало петь ту или иную арию. Примером может служить самая любимая русская опера XVIII века «Мельник – колдун, обманщик и сват» (1779) А. Аблесимова с музыкой М. Соколовского[12]. Драматург А. О. Аблесимов сразу писал свои тексты в расчете на определенный песенный материал. Вклад М. Соколовского заключался в обработке песен, что вполне мог осуществить и другой музыкант (не случайно авторство музыки долгое время приписывалось Е. Фомину).

Расцвету комической оперы способствовал талант выдающихся русских актеров – Е.С. Яковлевой (в замужестве Сандуновой, на сцене же – Урановой), крепостной актрисы П.И. Ковалевой-Жемчуговой, И.А. Дмитревского.

Выдающуюся роль в развитии русской оперы XVIII века сыграл  Василий Алексеевич Пашкевич (ок. 1742-1797) – один из крупнейших русских композиторов XVIII века. Лучшие из его опер («Несчастье от кареты», «Скупой», «Санкт-петербургский гостиный двор») пользовались большой популярностью, они шли на сценах многих городов России до середины XIX века. Пашкевич был мастером ансамблевого письма, острых и метких комедийных характеристик. Удачно воспроизводя в вокальных партиях речевые интонации, он предвосхитил принципы, характерные впоследствии для творческого метода Даргомыжского и Мусоргского.

Разносторонне одарённым художником проявил себя в оперном творчестве Евстигний Ипатьевич Фомин (1761-1800). Его опера «Ямщики на подставе»[13].   (1787) выделяется мастерством хоровой обработки народных напевов самых разных жанров. Для каждой песни он нашел свой стиль обработки. В опере звучат протяжные песни «Не у батюшки соловей поет» и «Высоко сокол летает», бойкие плясовые «Во поле береза бушевала», «Молодка, молодка молодая», «Из-под дуба, из-под вяза». Несколько песен, отобранных для «Ямщиков», спустя три года почти без изменений вошли в «Собрание народных русских песен» Н.Л. Львова – И. Прача.

В другом своем сочинении – мелодраме[14] «Орфей» (на текст Я. Княжнина по античному мифу, 1792) – Фомин впервые в русской опере воплотил трагическую тему. Музыка мелодрамы стала одним из вершинных творений русского искусства эпохи Просвещения.

В увертюре, предшествующей мелодраме, во всей полноте раскрылось дарование Фомина-симфониста. В ней композитор с удивительным чувством стиля сумел передать трагический пафос древнего мифа. По сути, Фоминым был сделан первый шаг на пути создания русского симфонизма. Так в недрах театра, как это было и в Западной Европе, рождалась будущая русская симфония.

Оперы Фомина были по достоинству оценены лишь в середине XX века. При жизни композитора их сценическая судьба не была счастливой. Опера «Ямщики на подставе», написанная для домашнего театра, осталась неизвестной широкой публике. Постановка комической оперы «Американцы» (на либретто молодого И.А. Крылова) была запрещена (директору императорских театров не понравилось, что в ходе развития сюжета индейцы собираются сжечь двух европейцев).

Бытовая вокальная лирика

         Огромное реформаторское значение в народном творчестве имело рождение нового пласта фольклора – городской песни. Она возникла на основе народной крестьянской песни, которая «приспосабливалась» к городскому быту – новой     манере исполнения: ее мелодия сопро­вождалась аккордовым аккомпанементом какого-либо ин­струмента.

В середине XVIII века в России возникает новый вид вокальной музыки – «российская песня». Так называли произведения для голоса с инструментальным сопровождением, написанные на русские поэтические тексты[15]. Лирические по содержанию, «российские песни» были предшественниками русского романса.

Родоначальником «российской песни» стал видный сановник при дворе Екатерины II, образованный любитель музыки Григорий Николаевич Теплов, автор первого русского печатного песенника «Между делом безделье…» (1759). По стилю и манере изложения песни Теплова представляют собой переходный жанр от канта к романсу с сопровождением. Форма его песен, как правило, куплетная.

Жанр «российской песни» был теснейшим образом связан с фольклорной традицией. Не удивительно, поэтому, что многие авторские песни стали народными («Вот мчится тройка почтовая» Ивана Рупина на сл. Ф. Н. Глинки).

В конце XVIII века выдвигаются талантливые мастера камерного вокального жанра – Федор Дубянский и Осип Козловский. Созданные ими «российские песни», имеющие уже достаточно раз­витую фортепианную партию, более сложную форму,  можно считать  первыми русскими романсами. В них явно слышны отзвуки городского быта («Стонет сизый голубочек» Дубянского, «Милая вечор сидела», «Прежестокая судьбина» Козловского).

В «российских песнях» широко использовались стихотворения известных поэтов: Сумарокова, Державина, Дмитриева, Нелединского-Мелецкого. Своим образным содержанием они связаны с типичными настроениями искусства сентиментализма. Как правило, это любовная лирика: муки и услады любви, разлука, измены и ревность, «прежестокая страсть».

Большой популярностью пользовались также анонимные «российские песни», изданные Ф. Мейером («Собрание наилучших российских песен», 1781).

Камерно-инструментальная музыка

В 70–80-е годы XVIII века в России началось формирование профессионального камерного инструментализма. В это время русские музыканты осваивают сложные формы инструментальной музыки, разрабатывают жанры сольной сонаты, вариаций, камерного ансамбля. Этот процесс был тесно связан с повсеместным распространением домашнего музицирования. Музыка городского или усадебного быта в течение долгого времени оставалась той «питательной средой», в которой вызревали ранние ростки национального инструментального стиля.

Первые русские инструментальные ансамбли принадлежат Дмитрию Бортнянскому. Это фортепианный квинтет и «Камерная симфония», фактически представляющая собою септет для фортепиано, арфы, двух скрипок, виолы да гамба, фагота и виолончели.

Особенно любимыми были всевозможные танцевальные пьесы – ме­нуэты, полонезы, экоссезы, контрдансы – и вариа­ции на темы народных песен для различных инструментов. Множество таких вариаций для скрипки создал Иван Евстафьевич Хандошкин (1747-1804), представитель санкт-петербургской школы – композитор, выдающийся  скрипач-виртуоз, дирижер и педагог. Хандошкин славился искусством импровизации, хорошо владел также игрой на альте, гитаре и балалайке.

         В истории русской музыки имя Хандошкина связано с созданием национальной скрипичной школы. Большую часть его творческого наследия составляют вариации на темы русских народных песен и сонаты для скрипки, двух скрипок, скрипки и альта или скрипки с басом. С этими сочинениями русская камерно-инструментальная музыка впервые вышла из тесного круга домашнего музицирования, приобретя виртуозный размах. Важно и то, что в них достигнуто достаточно органичное единство европейского инструментального языка и русского фольклора. Исследователи считают, что мелодии некоторых песен, взятых композитором в качестве тем для вариаций, были впервые записаны им самим. 

Вариации на русские темы для фортепиано писали Трутовский (например, на тему народной песни «Во лесочке комарочков много уродилось), Караулов, а также работавшие в России иностранные музыканты.



[1] Он был создан на основе хора государевых певчих дьяков.

[2] Особенно выделялись театры П. М. Волконского и Н. П. Шереметева (под Москвой).

[3] Роговая музыка, исполнявшаяся на открытом пространстве, существовала до начала XIX века.    

[4] Роль иностранных музыкантов в развитии русской музыки была двойственной. Справедливые упрёки передовой общественности вызывало слепое преклонение аристократических кругов перед всем иностранным, связанное с недооценкой русского искусства. Вместе с тем деятельность иностранных композиторов, исполнителей и педагогов способствовала общему подъёму музыкальной культуры и воспитанию отечественных кадров музыкантов-профессионалов.

[5] «Виват» (лат.) – «да здравствует».

[6] Судьба его творческого наследия драматична: большинство сочинений  композитора, звучавших на протяжении всего XIX столетия, оставалось  в  рукописях и хранилось в Придворной певческой капелле. В первых десятилетиях XX века весь богатейший архив капеллы с уникальными автографами многих русских композиторов был сожжен.

Успех и признание, покровительство высочайших особ пришли к Березовскому рано. Уже в молодом возрасте прославившись в России, он вскоре стал первым русским композитором, принятым в члены знаменитой Болонской академии. Однако, несмотря на все высокие отличия, вернувшись после 9-летнего пребывания за границей на родину, Максим Березовский не смог добиться сколько-нибудь заметного положения. Его зачисление в Придворную капеллу на скромную должность рядового служащего явно не соответствовало ни полученному зарубежному опыту, ни творческим возможностям. Очевидно, это вызывало у композитора чувство горького разочарования, хотя его хоровые духовные сочинения разучивались всеми любителями церковного пения и высоко оценивались современниками.

 

[7] Чайковский отредактировал все хоровые сочинения Бортнянского, вошедшие в издание Юргенсона (1885).

[8] видный деятель русской культуры, ученый, худож­ник, поэт, любитель музыки, собиратель текстов народных песен.

[9]  чешский композитор, работавший в России. Подлинное имя Ян Богумир.

[10] Один из напевов использован Н. А. Римским-Корсаковым в опере «Садко» (дружинная песня 4-й картины).

[11] Лишь Е.И. Фомин окончил Академию художеств как композитор. Все остальные музыканты выдвинулись из среды придворных певчих и оркестрантов, поскольку специальных музыкальных учебных заведений в то время не было. Музыкальные кадры формировались, в основном, в Придворной певческой капелле, в  военных и крепостных оркестрах, частных театрах, либо получали домашнее образование. В культурной среде XVIII века музыка занимала самое низкое положение, она целиком зависела от меценатства, а сам музыкант в аристократическом обществе занимал положение полуприслуги. Творения русских авторов нередко считались музыкой «второго сорта» по сравнению с произведениями немцев или итальянцев. Ни один отечественный мастер не достиг высокой должности при дворе.

[12] Умный и хитрый мельник Фаддей, притворившись всесильным колдуном, совершенно заморочил голову простодушным своим соседям. Впрочем, все заканчивается  веселой свадьбой девушки Анюты и красивого деревенского парня Филимона.

 

[13] На почтовой станции – подставе –  собираются ямщики. Среди них молодой ямщик Тимофей, который удался и лицом, и умом, и сноровкой. С ним молодая красавица-жена Фадеевна, любящая мужа. Но у Тимофея есть завистник и злейший враг – вор и пройдоха Филька Пролаза. Этот Филька мечтает сбыть счастливчика Тимофея в рекруты и завладеть его женой, давно ему приглянувшейся. И быть бы Тимофею солдатом, если бы не проезжий офицер. Он помогает освободить Тимофея как единственного кормильца крестьянской семьи от службы. В солдаты же попадает сам Филька.

[14] Мелодрама – театральная пьеса с музыкой, которая чередуется с декламацией, а иногда исполняется одновременно с произнесением текста.

 

[15] стихотворение на французском языке, положенное на музыку, называлось романсом.

 

Классика хиты всех времен. Самые известные классические музыкальные произведения

Представляем список 10 композиторов, которых Вы должны знать. Про каждого из них можно с уверенностью сказать, что он самый великий композитор, который когда-либо был, хотя на самом деле невозможно, да и нельзя, сравнить музыку, написанную на протяжении нескольких столетий. Однако все эти композиторы выделяются среди своих современников как композиторы, которые сочинили музыку высочайшего уровня и стремились раздвинуть границы классической музыки к новым пределам. Список не содержит какого-либо порядка, вроде значимости или личных предпочтений. Просто 10 великих композиторов, которых Вы должны знать.

Каждого композитора сопровождает достойный цитирования факт его жизни, запомнив который Вы будете похожи на эксперта. А перейдя по ссылке на фамилии, узнаете его полную биографию. И конечно, можно послушать одно из знаменательных произведений каждого мастера.

Наиважнейшая фигура мировой классической музыки. Один из наиболее исполняемых и уважаемых композиторов в мире. Он творил во всех существовавших в его время жанрах, включая оперу, балет, музыку к драматическим спектаклям, хоровые сочинения. Самым значительным в его наследии считаются инструментальные произведения: фортепианные, скрипичные и виолончельные сонаты, концерты для фортепиано, для скрипки, квартеты , увертюры, симфонии. Основоположник романтического периода в классической музыке.

Интересный факт.

Свою третью симфонию (1804) Бетховен сначала хотел посвятить Наполеону, композитор был увлечен личностью этого человека, казавшегося многим в начале его правления настоящим героем. Но когда Наполеон провозгласил себя императором, Бетховен перечеркнул свое посвящение на титульном листе и написал лишь одно слово — «Героическая».

«Лунная соната» Л.Бетховена, послушать:

2. (1685-1750)

Немецкий композитор и органист, представитель эпохи барокко. Один из величайших композиторов в истории музыки. За свою жизнь Бах написал более 1000 произведений. В его творчестве представлены все значимые жанры того времени, кроме оперы; он обобщил достижения музыкального искусства периода барокко. Родоначальник самой знаменитой музыкальной династии.

Интересный факт.

При жизни Бах был настолько недооценен, что напечатано было менее десятка его произведений.

Токката и фуга ре-минор И. С.Баха, послушать:

3. (1756-1791)

Великий австрийский композитор, инструменталист и дирижёр, представитель Венской классической школы, виртуозный скрипач, клавесинист, органист, дирижёр, он обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Как композитор, который преуспел в любом жанре, он по праву считается одним из величайших композиторов в истории классической музыки.

Интересный факт.

Еще будучи ребенком, Моцарт запомнил и записал Miserere (кат. песнопение на текст 50-го псалма Давида) итальянца Григорио Аллегри, прослушав его только один раз.

«Маленькая ночная серенада» В.А.Моцарта , послушать:

4. (1813-1883)

Немецкий композитор, дирижёр, драматург, философ. Оказал значительное влияние на европейскую культуру рубежа XIX-XX веков, особенно модернизм. Оперы Вагнера потрясают своими грандиозными масштабами и вечными человеческими ценностями.

Интересный факт.

Вагнер принимал участие в неудавшейся революции 1848-1849 годов в Германии и был вынужден скрываться от ареста у Ференца Листа.

«Полет валькирий» из оперы Р.Вагнера «Валькирия», послушать

5. (1840-1893)

Итальянский композитор, центральная фигура итальянской оперной школы. Верди обладал чувством сцены, темпераментом и безупречным мастерством. Он не отрицал оперных традиций (в отличие от Вагнера), а наоборот развивал их (традиции итальянской оперы), он преобразовал итальянскую оперу, наполнил её реализмом, придал ей единство целого.

Интересный факт.

Верди был итальянским националистом и был избран в первый итальянскии парламент в 1860 году, после провозглашения независимости Италии от Австрии.

Увертюра к опере Д.Верди «Травиата», послушать:

7. Игорь Федорович Стравинский (1882-1971)

Русский (американский — после эмиграции) композитор, дирижёр, пианист. Один из самых значимых композиторов двадцатого века. Творчество Стравинского едино на протяжении всей его карьеры, хотя в разные периоды стиль его произведений был разным, но оставался стержень и русские корни, которые проявлялись во всех его работах, его относят к числу ведущих новаторов ХХ века. Его инновационное использование ритма и гармонии вдохновляло и вдохновляет многих музыкантов, и не только в классической музыке.

Интересный факт.

Во время Первой мировой войны Римские таможенники конфисковали портрет Стравинского, созданный Пабло Пикассо, когда композитор уезжал из Италии. Портрет был написан в футуристической манере и таможенники приняли эти кружочки и линии за какие-то зашифрованные секретные материалы.

Сюита из балета И.Ф.Стравинского «Жар птица», послушать:

8. Иоганн Штраус (1825-1899)

Австрийский композитор легкой музыки, дирижёр и скрипач. «Король вальсов», он творил в жанре танцевальной музыки и оперетты. В его музыкальном наследии более 500 вальсов, полек, кадрилей и других видов танцевальной музыки, а также несколько оперетт и балетов. Благодаря ему вальс стал необычайно популярным в Вене в 19 веке.

Интересный факт.

Отец Иоганна Штрауса — также Иоганн и также известный музыкант, поэтому «короля вальсов» называют младшим или сыном, его братья Йозеф и Эдуард тоже были известными композиторами.

Вальс И.Штрауса «На прекрасном голубом Дунае» , послушать:

9. Сергей Васильевич Рахманинов (1873-1943)

Австрийский композитор, один из выдающихся представителей венской классической музыкальной школы и один из основоположников романтизма в музыке. За свою короткую жизнь Шуберт внес значительный вклад в оркестровую, камерную и фортепианную музыку, который повлиял на целое поколение композиторов. Однако наиболее яркий его вклад был в развитие немецких романсов, которых он создал более 600.

Интересный факт.

Друзья Шуберта и коллеги-музыканты собирались вместе и исполняли музыку Шуберта. Эти встречи получили название «Шубертиады» (Schubertiads). Какой-то первый фан-клуб!

«Аве Мария» Ф.П.Шуберта , послушать:

В продолжение темы о великих композиторах, которых Вы должны знать, новый материал.

«Из наслаждений жизни одной любви музыка уступает; Но и любовь — мелодия «. А.С. Пушкин «Каменный гость»

Классическая музыка

Классическая музыка — это. …? Нет, вы не читаете учебник по истории музыки. Все здесь знают, что это такое, иначе бы вы не зашли в этот раздел с возможностью скачать классическую музыку себе на компьютер или же прямо на сайте слушать классическую музыку онлайн бесплатно.

Стереотипы о классической музыке

При упоминании слов «классические произведения» каждый из нас представит свои образы. Для кого-то красивая классическая музыка непременно ассоциируется с «Временами года» Вивальди и вступительными аккордами Первого фортепианного концерта Петра Ильича Чайковского. Для других — это каприсы Паганини или «Свадебный марш» Мендельсона. Арии и романсы, оперы и оперетты, симфонии, квартеты, и это далеко не полный перечень тех жанров, которые приходят на ум, когда мы говорим о классике.

Тем не менее большинство слушателей, участвующих в опросах по выявлению любимого вида музыки, предпочитают другие направления. Лишь небольшой процент опрошенных дадут ответ в пользу классической музыки. Исходя из этого, сложилось расхожее мнение о том, что эта музыка «элитарна» — высокая музыка, что она доступна немногим или даже так — это музыка для высоколобых интеллектуалов и снобов.

На чем основано данное мнение? На каких фактах? Или же это скорее следствие эмоциональной реакции людей не вникавших в суть дела, а всего лишь принявших мнение других как данность? Принятие стереотипов приводит к отторжению и нежеланию ближе знакомиться с этим широким и важным, пожалуй, важнейшим из всех музыкальных направлений. Все это напоминает эпизод, произошедший в ресторане, когда гость, не успев до конца распробовать заказанное блюдо, уже вызывает шеф-повара, чтобы высказать ему свои претензии.

До момента настоящего узнавания сути вещи, у нас уже сложилось свое мнение относительно неё или мы его позаимствовали. Почему люди пользуются стереотипами, ведущими к таким распространенным убеждениям о том, что классическую музыку невозможно понять, не имея специального образования, или что она скучна и что было бы лучше послушать нечто легкое и не тратить время, пытаясь понять реальные возможности музыкальной классики, какой богатейший выбор может она предложить всем и каждому, на любой вкус и для любого настроения?

Классическая музыка как основа для других стилей и направлений

Для того, чтобы понять суть, нужно всего лишь открыться музыке, отбросив предварительные умозаключения, сделанные о ней, очистить ум от воспринятых ранее идей, корней которых уже и не сыщешь и услышать то, что есть. Классическая музыка может предложить многое, ведь на протяжении столетий формировался её богатейший репертуар, состоящий из инструментальных и вокальных произведений, музыки сольной и ансамблевой, из многообразия стилей и жанров, дополненных технической и стилистической индивидуальностью различных композиторов.

Это она заложила фундамент для развития современной музыки, из нее выросли такие направления как минимализм, популярная музыка и даже электронная и многие другие. Да, а как же иначе? По-другому и быть не могло. Мы всего лишь должны проследить историческую цепочку развития музыки, и тогда все вышесказанное становится очевидным.

Всё время, пока существует классическая музыка, она оттачивала свои средства и стилистические приемы. Было бы удивительно, если бы другие музыкальные течения, более новые, появившиеся гораздо позже, не воспользовались тем арсеналом средств, которым располагает классика. Она как добрый родитель отдает всё, что есть, чтобы молодое поколение воспользовалось плодами и создавало из них нечто новое и уникальное.

Классическая музыка слушать онлайн

Слушать классическую музыку для души

К чему думать, что для прослушивания классики нужно пытаться что-то понять, прилагать какие-то усилия? Не нужны они вовсе! Музыка сама через звуки, образы и состояния откроется вам. Она только этого и ждёт, хочет быть услышанной. В разделе сайта выложен сборник классической музыки с её лучшими образцами, начиная с барочных композиций Вивальди и Баха до концертов Бетховена, а также произведений композиторов-романтиков и импрессионистов.

В этой подборке спокойная классическая музыка представлена композициями, написанными в разные эпохи и отмеченными стилистическим многообразием: философичность музыки Брамса и Бетховена соседствуют с чистой безмятежностью моцартовских фортепианных концертов или приятно расслабляющей меланхоличностью ноктюрнов Шопена, ностальгически-пространственные рахманиновские опусы напомнят живущим в дальних краях о родных просторах, а по-импрессионистски зыбкая игра красок в музыке Дебюсси откроется вам в «Лунном свете» и фортепианной прелюдии «Девушка с волосами цвета льна».

Миниатюрный, 3-х минутный шедевр Шумана «Träumerei» откроет вам дверь во Вселенную грёз и классической музыки, слушать которую можно снова и снова, отдаваясь мечтам и позволяя музыке нежно, словно пушистое облако, окутывать ваше сознание. Фея-чаровница, никогда ещё классическая музыка онлайн не была представлена выбранными тонким вкусом знатока наилучшими примерами сочинений различных исторических эпох, помогая создавать настроение и тем самым благотворно воздействовать на вашу психику.

Итак, в центре нашего внимания сегодня – самые известные классические музыкальные произведения. Классическая музыка вот уже несколько веков будоражит своих слушателей, вызывая у них бури чувств и эмоций. Она уже давно стала частью истории и тонкими нитями переплетается с настоящим.

Бесспорно, в далёком будущем классическая музыка будет не менее востребована, так как подобное явление в музыкальном мире не может потерять своей актуальности и значимости.

Назовите любое классическое произведение – оно будет достойно первого места в любом музыкальном хит-параде. Но так как самые известные классические музыкальные произведения сравнивать между собой не представляется возможным, в силу их художественной уникальности, то названные здесь опусы представлены только как произведения для ознакомления.

«Лунная Соната»

Людвиг Ван Бетховен

Летом 1801 года увидело свет гениальное произведение Л.Б. Бетховена, которому суждено было стать знаменитым по всему миру. Название этого произведения, «Лунная Соната», известно абсолютно всем, от стара до млада.

Но изначально, произведение имело название «Почти фантазия», которое автор посвятил своей юной ученице, возлюбленной Джульетте Гвиччарди. А название, под которым оно известно и по сей день, придумал музыкальный критик и поэт Людвиг Рельштаб уже после смерти Л.В. Бетховена. Данное произведение относится к одним из самых известных музыкальных произведений композитора.

Кстати, отличную коллекцию классической музыки представляют собой издания газеты “Комсомольская правда” – компактные книжечки с дисками для прослушивания музыки. Можно прочитать про и послушать его музыку – очень удобно! Рекомендуем заказать диски с классической музыки прямо с нашей странички : нажимаете кнопку “купить” и сразу же переходите в магазин.

«Турецкий Марш»

Вольфганг Амадей Моцарт

Данное произведение это третья часть Сонаты №11, появилось оно на свет в 1783 году. Изначально оно носило название «Турецкое Рондо» и было очень популярным среди австрийских музыкантов, которые впоследствии и переименовали её. Название «Турецкий марш» закрепилось за произведением ещё и потому что оно созвучно с турецкими янычарскими оркестрами, для которых очень характерно звучание ударных, что можно проследить и в «Турецком Марше» В.А. Моцарта.

«Аве Мария»

Франц Шуберт

Сам композитор написал это произведение к поэме «Дева Озера» В. Скотта, а точнее к её отрывку и не собирался писать такую глубоко религиозную композицию для Церкви. Спустя некоторое время после появления произведения, никому не известный музыкант, вдохновленный молитвой «Аве Мария», положил её текст на музыку гениального Ф. Шуберта.

«Фантазия-экспромт»

Фредерик Шопен

Это произведение Ф. Шопен, гений периода романтизма, посвятил своему другу. И именно он, Джулиан Фонтана, ослушавшись указаний автора, опубликовал её в 1855 году, спустя шесть лет со смерти композитора. Ф. Шопен считал, что его произведение схоже с экспромтом И. Мошелеса –ученика Бетховена, известного композитора и пианиста, что и послужило причиной отказа от выпуска в свет «Фантазии-Экспромта». Однако это гениальное произведение никто и никогда не считал плагиатом, кроме самого автора.

«Полёт Шмеля»

Николай Римский-Корсаков

Композитор данного произведения являлся поклонником русского фольклора – ему были интересны сказки. Это привело к созданию оперы «Сказка о царе Салтане» на сюжет А.С. Пушкина. Частью этой оперы и является интермедия «Полёт Шмеля». Виртуозно, невероятно живо и гениально сымитировал в произведении звуки полёта этого насекомого Н.А. Римский-Корсаков.

«Каприс №24»

Никколо Паганини

Изначально все свои каприсы автор сочинял исключительно для усовершенствования и оттачивания мастерства игры на скрипке. В конечном счёте, они принесли в скрипичную музыку много нового и неведомого до этого. А 24-й каприс – последний из сочиненных каприсов Н. Паганини, несёт в себе стремительную тарантеллу с народными интонациями, а также признан одним из произведений, когда-либо созданных для скрипки, равных по сложности которому нет.

«Вокализ, опус 34, №14»

Сергей Васильевич Рахманинов

Данным произведением завершается 34-й опус композитора, в котором объединены четырнадцать песен, написанных для голоса с фортепианным сопровождением. Вокализ, как и положено, не содержит слов, а исполняется на одном гласном звуке. С.В. Рахманинов посвятил её Антонине Неждановой – оперной певице. Очень часто это произведение исполняется на скрипке или виолончели в сопровождении фортепианного аккомпанемента.

«Лунный Свет»

Клод Дебюсси

Это произведение было написано композитором под впечатлением строк стихотворения французского поэта Поля Верлена. Название очень четко передаёт мягкость и трогательность мелодии, которая влияет именно на душу слушателя. В 120-ти фильмах разных поколений звучит это популярное произведение гениального композитора К. Дебюсси.

Как всегда, лучшая музыка – в нашей группе в контакте .

Анна Каренина. Лев Толстой

Величайшая история любви всех времен и народов. История, не сходившая со сценических подмостков, экранизированная бессчетное количество раз – и до сих пор не утратившая беспредельного обаяния страсти – страсти губительной, разрушительной, слепой – но тем более завораживающей своим величием.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Мастер и Маргарита. Михаил Булгаков

Это – самый загадочный из романов за всю историю отечественной литературы XX в. Это – роман, который почти официально называют “Евангелием от Сатаны”. Это – “Мастер и Маргарита”. Книга, которую можно читать и перечитывать десятки, сотни раз, но главное, вкоторой все равно понять невозможно. Итак, какие страницы “Мастера и Маргариты” надиктованы Силами Света?

Купить бумажную книгу в Labirint. ru >>

Грозовой перевал. Эмили Бронте

Роман-загадка, вошедший в десятку лучших романов всех времен и народов! История бурной, поистине демонической страсти, которая будоражит воображение читателей вот уже более полутора сотен лет. Кэти отдала свое сердце двоюродному брату, но честолюбие и жажда богатства толкают ее в объятия богача. Запретное влечение превращается в проклятие для тайных любовников, и однажды.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Евгений Онегин. Александр Пушкин

“Читали ли вы “Онегина”? Что вы скажете об “Онегине”? Вот вопросы, по­вторяемые беспрестанно в кругу литераторов и русских читателей”, – отмечал после выхода в свет второй главы романа писатель, предприимчивый издатель и, кстати, герой эпиграмм Пушкина Фаддей Бул-гарин. Уже давно ОНЕГИНА не принято оцени­вать. Говоря словами того же Булгарина, он “написан сти­хами Пушкина. Этого довольно”.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Собор Парижской Богоматери. Виктор Гюго

История, пережившая века, ставшая каноном и давшая своим героям славу нарицательных образов. История любви и трагедии. Любви тех, кому любовь была не дана и не позволена – религиозным саном, физической немощью или чужой злой волей. Цыганка Эсмеральда и глухой горбун-звонарь Квазимодо, священник Фролло и капитан королевских стрелков Феб де Шатопер, прекрасная Флёр-де-Лис и поэт Гренгуар.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Унесенные ветром. Маргарет Митчелл

Великая сага о Гражданской войне в США и о судьбе своенравной и готовой идти по головам Скарлетт О’Хара была впервые опубликована более 70 лет назад и не устаревает по сей день. Это единственный роман Маргарет Митчелл, за который она получила Пулитцеровскую премию. История о женщине, на которую не стыдно равняться ни безусловной феминистке, ни убежденной стороннице домостроя .

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Ромео и Джульетта. Уильям Шекспир

Это – высочайшая из трагедий о любви, какую только способен создать человеческий гений. Трагедия, которую экранизировали и экранизируют. Трагедия, которая не сходит с театральных подмостков по сей день – и по сей день звучит так, словно написана вчера. Идут годы и века. Но одно остается и навсегда останется неизменным: “Нет повести печальнее на свете, чем повесть о Ромео и Джульетте…”

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Великий Гэтсби. Фрэнсис Фицджеральд

“Великий Гэтсби” – вершина не только в творчестве Фицджеральда, но и одно из высших достижений в мировой прозе XX века. Хотя действие романа происходит в “бурные” двадцатые годы прошлого столетия, когда состояния делались буквально из ничего и вчерашние преступники в одночасье становились миллионерами, книга эта живет вне времени, ибо, повествуя о сломанных судьбах поколения “века джаза” .

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Три мушкетера. Александр Дюма

Самый знаменитый историко-авантюрный роман Александра Дюма повествует о приключениях гасконца д’Артаньяна и его друзей-мушкетеров при дворе короля Людовика XIII.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Граф Монте-Кристо. Александр Дюма

В книге представлен один из самых захватывающих приключенческих романов классика французской литературы XIX века Александра Дюма.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Триумфальная арка. Эрих Ремарк

Один из самых красивых и трагических романов о любви в истории европейской литературы. История беженца из нацистской Германии доктора Равика и запутавшейся в «невыносимой легкости бытия» прекрасной Жоан Маду происходит в предвоенном Париже. И тревожное время, в которое довелось познакомиться и полюбить друг друга этим двоим становится одним из главных героев «Триумфальной арки».

Купить бум ажную книгу в Labirint.ru >>

Человек, который смеётся. Виктор Гюго

Гуинплен – лорд по рождению, в детстве был продан бандитам-компрачикосам, сделавшим из ребенка ярмарочного шута, вырезав на его лице маску “вечного смеха” (при дворах европейской знати того времени существовала мода на калек и уродов, забавлявших хозяев). Вопреки всем испытаниям, Гуинплен сохранил лучшие человеческие качества и свою любовь.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Мартин Иден. Джек Лондон

Простой моряк, в котором легко узнать самого автора, проходит длинный, полный лишений путь к литературному бессмертию… Волею случая оказавшийся в светском обществе, Мартин Иден вдвойне счастлив и удивлен… и пробудившимся в нем творческим даром, и божественным образом юной Руфи Морз, так не похожей на всех людей, которых он знал прежде… Отныне две цели неотступно стоят перед ним.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Сестра Керри. Теодор Драйзер

Издание первого романа Теодора Драйзера было сопряжено с такими сложностями, что это привело его создателя к тяжелой депрессии. Но дальнейшая судьба романа “Сестра Керри” оказалась счастливой: он был переведен на многие иностранные языки, переиздан миллионными тиражами. Новые и новые поколения читателей с удовольствием погружаются в перипетии судьбы Каролины Мибер.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Американская трагедия. Теодор Драйзер

Роман “Американская трагедия” – вершина творчества выдающегося американского писателя Теодора Драйзера. Он говорил: “Никто не создает трагедий – их создает жизнь. Писатели лишь изображают их”. Драйзеру удалось так талантливо изобразить трагедию Клайва Грифитса, что его история не оставляет равнодушным и современного читателя.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Отверженные. Виктор Гюго

Жан Вальжан, Козетта, Гаврош — имена героев романа давно сделались нарицательными, число его читателей за полтора столетия с момента выхода книги в свет не становится меньше, роман не теряет популярности. Калейдоскоп лиц из всех слоев французского общества первой половины XIX столетия, яркие, запоминающиеся характеры, сентиментальность и реализм, напряженный, захватывающий сюжет.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Похождения бравого солдата Швейка. Ярослав Гашек

Великий, оригинальный и хулиганский роман. Книга, которую можно воспринять и как “солдатскую байку”, и как классическое произведение, непосредственно связанное с традициями Возрождения. Это искрометный текст, над которым смеешься до слез, и мощный призыв “сложить оружие”, и одно из самых объективных исторических свидетельств в сатирической литературе .

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Илиада. Гомер

Притягательность гомеровских поэм не только в том, что их автор вводит нас в мир, отделенный от современности десятками столетий и все же необычайно реальный благодаря гению поэта, сохранившего в своих поэмах биение современной ему жизни. Бессмертие Гомера в том, что в его гениальных творениях заключены неисчерпаемые запасы общечеловеческих непреходящих ценностей – разума, добра и красоты.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Зверобой. Джеймс Купер

Купер сумел найти и описать в своих книгах ту самобытность и неожиданную яркость недавно открытого континента, которая сумела заворожить всю современную Европу. Каждый новый роман писателя ждали с нетерпением. Захватывающие приключения бесстрашного и благородного охотника и следопыта Натти Бампо покоряли как юных, так и взрослых читателей .

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Доктор Живаго. Борис Пастернак

Роман “Доктор Живаго” – одно из выдающихся произведений русской литературы, на протяжении долгих лет остававшееся закрытым для широкого круга читателей в нашей стране, знавших о нем только по скандальной и недобросовестной партийной критике.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Дон Кихот. Мигель Сервантес

Что говорят нам сегодня имена Амадиса Галльского, Паль-мерина Английского, Дона Бельяниса Греческого, Тиранта Белого? А ведь именно как пародия на романы об этих рыцарях создавался “Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский” Мигеля де Сервантеса Сааведры. И пародия эта на века пережила пародируемый жанр. “Дон Кихот” был признан лучшим романом за всю историю мировой литературы.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Айвенго. Вальтер Скотт

“Айвенго” – ключевое произведение в цикле романов В.Скотта, которые переносят нас в средневековую Англию. Юному рыцарю Айвенго, тайком вернувшемуся из Крестового похода на родину и волей отца лишенному наследства, предстоит отстоять свою честь и любовь прекрасной леди Ровены… На помощь ему придут король Ричард Львиное Сердце и легендарный разбойник Робин Гуд.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Всадник без головы. Рид Майн

Сюжет романа выстроен столь искусно, что держит в напряжении до самой последней страницы. Не случайно захватывающая история благородного мустангера Мориса Джеральда и его возлюбленной, прекрасной Луизы Пойндекстер, расследующих зловещую тайну всадника без головы, чья фигура при своем появлении наводит ужас на обитателей саванны, чрезвычайно полюбилась читателям Европы и России.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Милый друг. Ги де Мопассан

Роман «Милый друг» стал одним из символов эпохи. Это самый сильный роман Мопассана. Через историю Жоржа Дюруа, прокладывающего себе «путь наверх», раскрываются истинные нравы высшего французского общества, дух продажности, царящий во всех его сферах, способствует тому, что заурядная и безнравственная личность, какой является герой Мопассана, легко добивается успеха и богатства.

Купить бумажную книгу в Labirint.ru >>

Мертвые души. Николай Гоголь

Выход первого тома “Мертвых душ” Н.Гоголя в 1842 году вызвал бурную полемику современников, расколов общество на поклонников и противников поэмы. “…Говоря о “Мертвых душах” – можно вдоволь наговориться о России…” – это суждение П.Вяземского объясняло главную причину споров. По-прежнему актуален вопрос автора: “Русь, куда несешься ты, дай ответ?”

Послушать что-нибудь из классики – что может быть лучше?! Особенно на выходных, когда хочется расслабиться, забыть о тревогах дня, заботах трудовой недели, помечтать о прекрасном, да и просто поднять себе настроение. Подумать только, классические произведения были созданы гениальными авторами так давно, что и не верится, что что-то может пережить такое количество лет. А эти произведения до сих пор любят и слушают, создают аранжировки и современные интерпретации. Даже в современной обработке, произведения гениальных композиторов остаются классической музыкой. Как признает , классические произведения гениальны, а все гениальное не может быть скучным.

Наверное, все великие композиторы обладают особым слухом, особой чувствительностью к тону и мелодии, что и позволило им создавать музыку, которой наслаждаются десятки поколений не только их соотечественников, но и поклонников классической музыки во всем мире. Если вы еще сомневаетесь, любите ли вы классическую музыку, тогда вам нужно встретиться с , и вы убедитесь, что на самом деле, вы уже давний поклонник прекрасной музыки.

А сегодня мы будем говорить о 10-ке самых известных в мире композиторов.

Иоганн Себастьян Бах

Первое место заслуженно принадлежит . Родился гений в Германии. Талантливейший композитор писал музыку для клавесина и органа. Композитор не создал нового стиля в музыке. Но он смог создать совершенство во всех стилях своего времени. Он является автором более 1000 сочинений. В своих произведениях Бах соединял разные музыкальные стили, с которыми он знакомился в течение жизни. Часто музыкальный романтизм соединялся со стилем барокко. При жизни Иоганн Бах как композитор не получил заслуженного признания, интерес к его музыке возник почти 100 лет спустя его смерти. Сегодня его называют одним из самых великих композиторов когда-либо живущих на земле. Его уникальность как человека, педагога и музыканта отражалась в его музыки. Бах заложил основы музыки Нового и Новейшего времени, разделив историю музыки на добаховскую и послебаховскую. Существует мнение, что музыка Баха мрачна и угрюма. Его музыка скорее фундаментальна и основательна, сдержанна и сосредоточенна. Как размышления зрелого, умудренного жизнью человека. Творчество Баха оказало влияние на многих композиторов. Некоторые из них брали пример с его произведений или использовали темы из них. А музыканты всего мира играют музыку Баха , восхищаясь ее красотой и совершенством. Одно из самых нашумевших произведений – «Брандербургские концерты» – отличное доказательство того, что музыку Баха нельзя считать слишком мрачной:

Вольфганг Амадей Моцарт

По праву считается гением. В 4 года он уже свободно играл на скрипке и клавесине, в 6 лет начал сочинять музыку, а в 7 уже умело импровизировал на клавесине, скрипке и органе, состязаясь с известными музыкантами. Уже в 14 лет Моцарт – признанный композитор, а в 15 лет – член музыкальных академий Болоньи и Вероны. От природы он обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Он создал поразительное количество произведений – 23 оперы, 18 сонат, 23 фортепианных концерта, 41 симфонию и многое другое. Композитор не хотел подражать, он пытался создать новую модель, отражающую новую индивидуальность музыки. Не случайно в Германии музыку Моцарта называют «музыкой души», в своих произведениях композитор проявлял черты своей искренней, любящей натуры. Величайший мелодист особое значение придавал опере. Оперы Моцарта – эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Одно из самых узнаваемых произведений – «Турецкий марш» :

Людвиг ван Бетховен

Еще один великий немец был важной фигурой романтически-классического периода. О нем знают даже те, кто вообще ничего не знает о классической музыке. Бетховен – один из наиболее исполняемых и уважаемых композиторов в мире. Великий композитор стал свидетелем грандиозных потрясений, произошедших в Европе и перекроивших ее карту. Эти великие перевороты, революции и военные противостояния нашли свое отражение в творчестве композитора, особенно симфоническом. Он воплотил в музыке картины героической борьбы. В бессмертных произведениях Бетховена вы услышите борьбу за свободу и братство людей, непоколебимую веру в победу света над мраком, а также мечты о свободе и счастье человечества. Один из самых известных и удивительных фактов его жизни – болезнь ушей переросла в полную глухоту, но несмотря на это композитор продолжал писать музыку. Он также считался одним из лучших пианистов. Музыка Бетховена удивительно проста и доступна пониманию самых широких кругов слушателей. Сменяются поколения, и даже эпохи, а музыка Бетховена по-прежнему волнует и радует сердца людей. Одна из его лучших работ – «Лунная соната» :

Ричард Вагнер

С именем великого Ричарда Вагнера чаще всего связывают его шедевры «Свадебный хор» или «Полет валькирий» . Но он известен не только как композитор, но и как философ. Вагнер рассматривал свои музыкальные произведения как способ выражения определенной философской концепции. С Вагнера началась новая музыкальная эпоха опер. Композитор старался приблизить оперу к жизни, музыка для него – только средство. Ричард Вагнер – создатель музыкальной драмы, реформатор опер и искусства дирижирования, новатор гармонического и мелодического языка музыки, создатель новых форм музыкальной выразительности. Вагнер – автор самой длинной в мире сольной арии (14 минут 46 секунд) и самой длинной в мире классической оперы (5 часов и 15 минут). При жизни Ричард Вагнер считался противоречивым человеком, которого или обожали, или ненавидели. А зачастую и то, и другое вместе. Мистический символизм и антисемитизм сделали его любимым композитором Гитлера, но закрыли дорогу для его музыки в Израиль. Однако ни сторонники, ни противники композитора не отрицают его величия как композитора. С первых же нот замечательная музыка Ричарда Вагнера поглощает тебя без остатка, не оставляя места для споров и разногласий:

Франц Шуберт

Австрийский композитор – музыкальный гений, один из лучших песенных композиторов. Ему было всего 17, когда он написал свою первую песню. За один день он мог написать 8 песен. За свою творческую жизнь он создал более 600 композиций, на стихи более 100 великих поэтов, в том числе Гёте, Шиллера и Шекспира. Поэтому Франц Шуберт в 10-ке лучших. Хотя творчество Шуберта весьма многообразно, по использованию жанров, идей и перевоплощений, преобладающим и определяющим в его музыке является вокально-песенная лирика. До Шуберта песня считалась незначительным жанром, и именно он возвел ее в степень художественного совершенства. Более того, он соединил, казалось бы, не соединяемое, песню и камерно-симфоническую музыку, что дало начало новому направлению лирико-романтической симфонии. Вокально-песенная лирика – это мир простых и глубоких, тончайших и даже интимных человеческих переживаний, выраженный не словом, а звуком. Франц Шуберт прожил очень короткую жизнь, всего 31 год. Судьба произведений композитора не менее трагична, чем его жизнь. После смерти Шуберта осталось множество неизданных рукописей, хранившихся в книжных шкафах и ящиках родственников и друзей. Даже самые близкие люди не знали всего, что он написал, и на протяжении долгих лет его признавали в основном лишь как короля песни. Некоторые произведения композитора вышли в свет лишь через полвека после его кончины. Одно из самых любимых и известных произведений Франца Шуберта «Вечерняя серенада» :

Роберт Шуман

С не менее трагичной судьбой немецкий композитор – один из лучших композиторов романтической эры. Он создавал удивительную по красоте музыку. Чтобы получить представление о немецком романтизме XIX века, достаточно послушать «Карнавал» Роберта Шумана . Он смог вырваться из музыкальных традиций классической эры, создав свою интерпретацию романтического стиля. Роберт Шуман был одарен многими талантами, и даже долгое время не мог определиться между музыкой, поэзией, публицистикой и филологией (он был полиглотом и свободно переводил с английского, французского и итальянского). Он также был потрясающим пианистом. И все же главным призванием и страстью Шумана была музыка. В его поэтичной и глубоко-психологичной музыке музыке во многом отражается двойственность натуры композитора, порыв страсти и уход в мир грез, осознание пошлой действительности и стремление к идеалу. Один из шедевров Роберта Шумана , который просто обязан услышать каждый:

Фредерик Шопен

Пожалуй, самый знаменитый поляк в мире музыке. Ни до, ни после композитора не рождался музыкальный гений такого уровня в Польше. Поляки невероятно гордятся своим великим соотечественником, да и в своем творчестве клмпозитор не раз воспевает родину, восхищается красотой пейзажей, сокрушается о трагическом прошлом, мечтает о великом будущем. Фредерик Шопен – один из немногих композиторов, который писал музыку исключительно для фортепиано. В его творческом наследии нет ни опер, ни симфоний, а вот фортепианные пьесы представлены во всем многообразии. Его произведения – основа репертуара многих известных пианистов. Фредерик Шопен – польский композитор, который также известен как талантливый пианист. Он прожил всего 39 лет, но успел создать немало шедевров: баллады, прелюдии, вальсы, мазурки, ноктюрны, полонезы, этюды, сонаты и многое-многое другое. Одно из них – «Баллада №1, соль минор» .

Ференц Лист

Является одним из величайших композиторов мира. Он прожил относительно долгую и удивительно насыщенную жизнь, познал нищету и богатство, встретил любовь и столкнулся с презрением. Кроме таланта от рождения он обладал фантастической работоспособностью. Ференц Лист заслужил не только восхищение знатоков и поклонников музыки. И как композитор, и как пианист он получил всеобщее одобрение европейских критиков XIX столетия. Он создал более 1300 произведений и подобно Фредерику Шопену отдавал предпочтение произведениям для фортепиано. Блестящий пианист, Ференц Лист умел воспроизводить на рояле звучание целого оркестра, мастерски импровизировал, обладал фантастической памятью музыкальных композиций, ему не было равных в чтении нот с листа. У него был патетический стиль исполнения, что также отразилось на его музыке, эмоционально-страстной и героически-приподнятой, создающей красочные музыкальные картины и производящие неизгладимое впечатление на слушателей. Визитной карточкой композитора являются концерты для фортепиано. Одно из таких произведений . А одно из наиболее известных произведений Листа «Грезы любви» :

Иоганнес Брамс

Значительной фигурой романтического периода в музыке является Иоганнес Брамс . Слушать и любить музыку Брамса считается хорошим вкусом и характерным признаком романтичной натуры. Брамс не написал ни одной оперы, однако он создал произведения во всех других жанрах. Особенную славу Брамсу принесли его симфонии. Уже в первых произведениях проявляется самобытность композитора, которая со временем преобразилась в собственный стиль. Если рассмотреть все произведения Брамса , нельзя сказать, что на композитора сильно оказывало влияние творчество его предшественников или современников. А по масштабу творчества Брамса часто сравнивают с Бахом и Бетховеном . Наверное, это сравнение оправдано в том смысле, что творчество трех великих немцев представляют собой кульминацию целой эпохи в истории музыки. В отличие от Ференца Листа жизнь Иоганнеса Брамса была лишена бурных событий. Он предпочитал спокойное творчество, при жизни заслужил признание своего таланта и всеобщее уважение, а также был удостоен немалых почестей. Самой выдающейся музыкой, в которой творческая сила Брамса сказалась особенно ярко и оригинально, является его «Немецкий реквием» , произведение, которое автор создавал целых 10 лет и посвятил своей матери. В своей музыке Брамс воспевает вечные ценности человеческой жизни, которые заключаются в красоте природы, искусстве великих талантов прошлого, культуре своей родины.

Джузеппе Верди

Какая десятка лучших композиторов без ?! Итальянский композитор известен прежде всего своими операми. Он стал национальной славой Италии, его творчество является кульминацией развития итальянской оперы. Его достижения и заслуги как композитора нельзя переоценить. Его произведения до сих пор, спустя столетие после смерти автора, остаются наиболее популярными, повсеместно исполняемыми, известными как знатокам, так и любителям классической музыки.

Для Верди самым главным в опере стала драма. В созданных композитором музыкальных образах Риголетто, Аиды, Виолетты, Дездемоны органично сочетаются яркий мелодизм и глубина героев, демократичность и изысканность музыкальных характеристик, неистовые страсти и светлые мечты. Верди был настоящим психологом в понимании человеческих страстей. Его музыка – это благородство и мощь, удивительная красота и гармония, невыразимо красивые мелодии, прекрасные арии и дуэты. Страсти кипят, комедия и трагедия переплетаются и сливаются вместе. Сюжеты опер, по признанию самого Верди , должны быть «оригинальными, интересными и… страстными, при этом страсти превыше всего остального». И большинство его работ серьезны и трагичны, демонстрируют эмоциональные драматические ситуации, и музыка великого Верди придает выразительность происходящему и подчеркивает акценты ситуации. Вобрав все лучшее, что было достигнуто итальянской оперной школой, он не отрицал оперных традиций, а реформировал итальянскую оперу, наполнил ее реализмом, придал ей единство целого. При этом не заявлял о своей реформе, не писал статей об этом, а просто писал оперы по-новому. Триумфальное шествие одного из шедевров Верди – оперы – пронеслось по итальянским сценам и продолжилось в Европе, а также в России и Америке, заставив даже скептиков признать талант великого композитора.

10-ка самых известных композиторов в мире обновлено: Апрель 13, 2019 автором: Елена

Основоположник русской классической музыки Михаил Иванович Глинка

Существует трогательное предание – появление на свет гения русской музыки было возвещено заливистым пением соловья, доносившимся из окружающего усадебный дом парка. Произошло это на утренней заре 20 мая (1 июня по новому стилю) 1804 года в имении Новоспасском, недалеко от уездного городка Ельни Смоленской губернии. Имение принадлежало отцу будущего композитора отставному капитану И.Н. Глинке.

Михаил рос любознательным и впечатлительным мальчиком. Он рано пристрастился к рисованию и чтению книг, но самым большим его увлечением стала музыка. Она окружала Михаила с детства. Это было пение птиц в саду, звоны церковных колоколов, распевы хора в Новоспасской церкви.

Главным музыкальным впечатлением юного Глинки были песни родной Смоленщины. Ему их пела няня Авдотья Ивановна, славившаяся на всю округу как лучшая песенница и талантливая сказительница сказок.

Позднее огромное влияние на формирование музыкальных интересов будущего композитора имел оркестр крепостных музыкантов, принадлежавших брату его матери А.А. Глинке, жившему неподалеку в родовом имении Шмаково. Оркестр часто приезжал в Новоспасское, и каждое его выступление оставляло в душе мальчика глубокий след. С той поры оркестр дяди, по признанию Глинки, стал для него «источником самых живых восторгов».

В репертуар шмаковского оркестра наряду с произведениями Бетховена, Моцарта, Гайдна и других западных композиторов входили переложения русских песен, которые в дальнейшем и привели композитора к разработке народной музыки.

Музыкальное обучение Глинки началось необычно. Его первым учителем музыки стал смоленский крепостной крестьянин-скрипач из шмаковского оркестра. Начальные же ступени игры на фортепьяно маленький Глинка прошел под руководством приглашенной в Новоспасское гувернантки.

Осенью 1815 года одиннадцатилетнего Мишу Глинку отвезли в Петербург. Весной 1816 года он был принят в подготовительный пансион при Царскосельском лицее, откуда в феврале 1818 года отец перевел его в открывшийся для детей дворян Благородный пансион при Главном педагогическом институте в Петербурге.

Сочинять музыку Глинка стал незадолго до окончания Благородного пансиона. Первыми его композиторскими опытами были фортепьянные вариации на тему Моцарта и вальс для фортепьяно, написанные в 1822 году.

Большое значение для развития музыкального дарования молодого Глинки имело посещение оперных спектаклей, концертов и участие в устраивавшихся петербургскими любителями музыки вечерах, принесших ему в столичных салонах славу отличного пианиста и талантливого импровизатора.

Но юношу всегда манила к себе родная Смоленщина. Обучаясь в пансионе, Глинка почти каждое лето проводил каникулы в милом его сердцу Новоспасском. Здесь, живя в общении с чудесной природой, жадно впитывая в себя животворные звуки песен родного края, участвуя в концертах шмаковского оркестра, Глинка черпал силы для ожидавшего его творческого подвига.

Окончив пансион, в марте 1823 года Глинка уехал на Кавказ. Горные пейзажи с дикой величественной природой оставили в его душе неизгладимое впечатление.

Осень и зиму 1923-24 годов композитор провел в Новоспасском. Здесь он вновь погрузился в занятия музыкой и много работал со шмаковским оркестром, ставшим для него своеобразной творческой лабораторией, позволившей изучить на практике законы инструментовки оркестровых произведений и тонкости оркестрового звучания.

Весною 1824 года Глинка по настоянию отца поступает на службу, но занятия музыкой по-прежнему остаются для него главным делом жизни. Будучи секретарем канцелярии совета путей сообщения, он продолжал совершенствоваться в игре на скрипке и фортепьяно и добился значительных успехов в пении. Этот период творчества Глинки отмечен созданием нескольких камерных и большого числа вокальных произведений, в том числе «Грузинской песни» и полного неизъяснимого обаяния романса «Не искушай» на слова поэта Е.А. Баратынского.

Зимой 1826 года композитор покидает объятый тревогой после восстания декабристов Петербург, чтобы в мирной тиши родной Смоленщины обрести утраченный покой. До самой весны Глинка оставался в Новоспасском, лишь изредка выбираясь в Смоленск. Он с головой уходит в работу. В это время им были написаны несколько вокальных произведений и кантата-пролог, которую Глинка счел своим «первым удачным опытом в вокальной музыке большого размера».

Наконец в 1828 году Михаил Иванович находит предлог, чтобы оставить службу и полностью посвятить себя музыке, а в апреле 1830 года началось его первое заграничное путешествие. Посетив ряд немецких и швейцарских городов, Глинка поселился в Италии, где провел около трех лет. Пребывание в Италии дало ему возможность досконально познакомиться с итальянской оперой в ее лучших образцах и в лучшем исполнении, постичь тайны прославленного итальянского вокального искусства и приобрести в кругах итальянских композиторов, музыкантов и вокалистов славу талантливого русского композитора, пианиста и певца.

В Италии Глинка сочиняет «Патетическое трио», серенады, романсы. Несмотря на успех его произведений у взыскательной итальянской публики, композитор испытывал чувство творческой неудовлетворенности: с каждым новым произведением, с растущим успехом он проникался мучившим его убеждением, что он идет «не своим путем».

Тоска по отчизне постепенно навела композитора на мысль «писать по-русски». Стремление творить подлинно русскую по духу и форме национальную музыку побудило его возвратиться на родину.

По возвращении в Россию Михаил Иванович посвятил себя работе над созданием «отечественной героико-трагической оперы». Темой оперы Глинка избрал бессмертный подвиг русского крестьянина Ивана Сусанина. Летом 1835 года он приехал в Новоспасское и полностью отдался сочинительству.

Композитор придал образу Сусанина черты монументальной эпичности. Глубоким трагизмом проникнута сцена гибели Сусанина, но Глинка не заканчивает оперу этой сценой. В гениальном хоровом эпилоге «Славься!» он утверждает крепость народного духа, неисчерпаемость его сил, его монолитность и самоотверженность в борьбе за свободу Родины.

Премьера оперы, переименованной в «Жизнь за царя», состоялась 27 ноября 1836 года. Этой дате суждено было стать началом мощного развития и утверждения русской национальной классической музыки.

Окрыленный успехом оперы, Глинка испытал необычайно высокий творческий подъем. В течение сравнительно небольшого времени он создает почти половину своих пленяющих искренностью и мелодичностью романсов, таких как «В крови горит огонь желанья», «Я помню чудное мгновенье», «Жаворонок», поэтический «Вальс-фантазию» и многие другие прославленные произведения.

Одновременно с романсами Глинка пишет на сюжет юношеской поэмы Пушкина «Руслан и Людмила» свою втору оперу. Работа над ней продолжалась до 1842 года. Многие фрагменты и отдельные номера «Руслана и Людмилы» были написаны композитором на Смоленщине. Здесь, в частности, была написана знаменитая ария Руслана «О, поле, поле» и родилась торжественно-величавая увертюра оперы.

В новом творении Глинка, используя свой изумительный дар многокрасочной звуковой живописи, выразил в сказочно-фантастической форме высокие идеалы и подлинные страсти реальных людей, воспел красоту и величие богатырского духа русского народа. Новая опера Глинки продолжила основную патриотическую, русскую линию «Ивана Сусанина».

Тем не менее, премьера «Руслана и Людмилы», состоявшаяся 27 ноября 1842 года, прошла с сомнительным успехом. Произошло это главным образом из-за плохой подготовки исполнителей и неудовлетворительной постановки.

В июне 1844 года Глинка вновь предпринял поездку за границу. Около года он жил в Париже, затем в мае 1845 года отправился в Испанию, где оставался до лета 1847 года. Увлечение испанской народной музыкой, песнями и танцами побудило его к созданию двух симфонических увертюр, ярко передающих национальный колорит и темперамент испанского песенно-музыкального народного творчества – знаменитой «Арагонской хоты» и попурри «Ночь в Мадриде». Вторая из этих пьес написана Глинкой уже после возвращения из Испании, во время поездки в Варшаву в 1848 году. Тогда же Глинкой был написан ряд романсов и фортепьянных пьес и создана гениальная «Камаринская» – симфоническая фантазия, в основу которой композитор положил слышанные им на Смоленщине две контрастные русские народные темы: протяжная свадебная и плясовая.

Приехав летом 1847 года из-за границы, Глинка поспешил в родные смоленские края. До осени он жил в Новоспасском, а с наступлением ненастных дней перебрался в Смоленск, где вместе с сестрой Л.И. Шестаковой поселился вблизи Никольских ворот в доме Соколова. Здесь им написаны «Молитва», «Привет отчизне», вариации на шотландскую тему и романсы «Ты скоро меня позабудешь» и «Милочка».

Жизнь композитора в Смоленске текла тихо и размеренно. С утра он сочинял, а по вечерам приходили знакомые. 23 января 1848 года произошло знаменательное событие – в зале смоленского Дворянского собрания состоялось публичное чествование Глинки. Композитор был встречен полонезом из «Ивана Сусанина», исполненным оркестром. Во время торжественного обеда в честь композитора было произнесено много восторженных слов. Памятью об этом торжестве, ставшим для Глинки прощанием со Смоленщиной, служит мемориальная доска на здании бывшего смоленского Дворянского собрания (сегодняшней Смоленской областной филармонии).

Весной 1852 года Глинка уезжает из Петербурга в Париж, где ведет жизнь домоседа. Возвращение в Петербург после двухлетнего бездеятельного пребывания в Париже несколько оживило композитора, чему немало способствовали заботы поселившейся с ним его сестры Людмилы Ивановны Шестаковой. Но он уже был не в состоянии избежать упадка творческих сил.

В тяжелом душевном состоянии Глинка предпринял свое последнее путешествие. Он едет в Берлин с намерением изучить церковные лады, необходимые для работы над духовной музыкой. Здесь, на чужбине, великий русский композитор умер 3февраля 1857 года. Прах его впоследствии был перевезен в Петербург и 24 мая 1857 года погребен на кладбище Александро-Невской лавры.

Говоря об историческом значении творческого наследия Глинки, выдающийся русский искусствовед В.В. Стасов писал: «Во многих отношениях Глинка имеет в русской музыке такое же значение, как Пушкин в русской поэзии. Оба – великие таланты, оба – родоначальники нового русского художественного творчества, оба – национальные и черпавшие свои великие силы прямо из коренных элементов своего народа, оба создали новый русский язык – один в поэзии, другой в музыке».

20 мая 1885 года на Блонье в Смоленске, напротив здания Дворянского собрания, состоялось торжественное открытие памятника М.И. Глинке. На открытии присутствовали известные композиторы П.И. Чайковский, С.Т. Танеев, М.А. Балакирев, А.К. Глазунов. Деньги на возведение монумента были собраны по всероссийской подписке. Концерты в фонд памятника организовывали деятели русской культуры В.В. Стасов и Г.А. Ларош, композитор А.Г. Рубинштейн.

Автор памятника А.Р. Бок. На высоком пьедестале из украинского лабрадорита возвышается бронзовая фигура композитора. В его руке – дирижерская палочка. Он будто вслушивается в звуки музыки.

На фронтальной стороне постамента в обрамлении бронзового венка высечена надпись: «Глинке Россия. 1885 год». На противоположной стороне начертано: «М.И. Глинка родился 20 мая 1804 года в селе Новоспасском Ельнинского уезда, скончался 3 февраля 1857 года в Берлине, погребен в С.-Петербург в Александро-Невской лавре». На двух других гранях постамента можно прочитать названия основных произведений композитора.

Памятник огражден изящной чугунной решеткой. Она выполнена по проекту академика И.С. Богомолова. Решетка представляет собой ноты бессмертных творений Глинки – опер «Иван Сусанин», «Руслан и Людмила», «Князь Холмский» и других.

В наши дни самым известным культурным событием на Смоленской земле является Международный музыкальный фестиваль имени М.И. Глинки. История фестиваля начинается в 1957 году, когда он был организован по инициативе великого русского певца И.С. Козловского. С этого времени было решено отмечать день рождения М.И. Глинки, 1 июня, на его малой Родине большим музыкальным праздником. Главным содержанием фестиваля стало сохранение и развитие традиций музыкального наследия М.И. Глинки как национального достояния, национальной идеи отечественной музыки.

Каждый год фестиваль становится значимым событием для музыкантов и любителей классической музыки. Традиционно фестиваль открывается в последнюю пятницу мая концертом симфонического оркестра, проходящим в Смоленске, и заканчивается в первое воскресенье июня гала-концертом на родине М. И. Глинки в селе Новоспасском.

История фестиваля – это выступление целого созвездия выдающихся исполнителей и всемирно известных творческих коллективов из России и многих зарубежных стран, это радость встреч с высшими достижениями человеческого гения и открытие новых имен и явлений современного искусства.

В 1982 году в Новоспасском был открыт первый и единственный в мире музей великого русского композитора. На прежних фундаментах и с прежней планировкой были воссозданы деревянный главный дом с флигелями в формах классицизма, деревянные жилые и хозяйственные постройки. В пяти комнатах дома размещена экспозиция, рассказывающая о жизни и творческой деятельности М.И. Глинки. Восстановлены зал, столовая, бильярдная, кабинеты отца и самого композитора. А детей, и взрослых приводит в восторг комната певчих птиц на втором этаже усадебного дома.

От некогда пышного парка, окружавшего господский дом, в Новоспасском сохранилось около трехсот вековых деревьев, среди которых – девять дубов, посаженных самим композитором. Сохранился и огромный дуб, под которым Глинка сочинял партитуру «Руслана и Людмилы». Особое очарование парку придает система прудов, через которые перекинуты изящные мостики. В 2004 году напротив усадебного дома был установлен бронзовый бюст М.И. Глинки.

Смоленским областным краеведческим обществом 22 сентября 2015 года на стене дома № 6 по улице Ленина в Смоленске, в память о композиторе, который жил в этом здании зимой 1826 года и в 1847 году, была установлена мемориальная доска.

 

Импрессионизм в музыке

Импрессионизм появился во Франции в 60-х годах XIX века как направление в живописи, но позднее распространился и на музыку. Суть нового течения состояла в фиксации мимолетного впечатления от увиденного в своем произведении.

В это время в культурной жизни Парижа наступает переосмысление академического искусства. Появляется нужда в переменах, что приводит к возникновению нового движения.

Стивен Шортридж Уроки музыки

Особенности импрессионизма в музыке

Импрессионизм в музыке берет начало в 90-х годах XIX века. Его родоначальниками считаются такие французские композиторы, как Клод Дебюсси, Эрик Сати, Морис Равель.

Изначально термин «импрессионизм» к музыкальным произведениям Дебюсси был использован критиками в ироническом подтексте. Да и, строго говоря, этот термин не вполне верно классифицирует творения французских музыкантов. Однако, есть много черт, по которым эта музыка схожа с живописными полотнами импрессионистов. Прежде всего, это стремление передать субъективное впечатление автора. Широкое использование диссонансов, необычных тембров и созвучий. Мелодизм уходит на второй план в угоду гармоническим звучаниям нонаккордов, кварто-квинтовых последовательностей, внезапных диссонансов.

Новое направление взялось не из воздуха. Его корни растут из романтизма. Очень большое влияние на музыкантов оказал немецкий композитор Рихард Вагнер.

Рихард Вагнер

 Однако засилье оперы в музыкальной жизни Франции того периода, не давало возможности полноценно развиваться другим направлениям и жанрам. Это вызвало своеобразный протест в виде нового движения. Также, как в живописи, импрессионизм в музыке возник из противостояния бездушному отлакированному академизму.

Не стоит забывать и о влиянии на композиторов французских поэтов-символистов: Поля Верлена, Артюра Рембо, Шарля Бодлера, Стефана Малларме и других. Они уделяли большое внимание мелодичной игре звуков и изображению эмоциональных переживаний души в своих литературных произведениях.

Музыка теперь стремится передать неуловимые впечатления и движения чувств, используя новые гармонические инструменты. Классический строй музыкального произведения, по мнению импрессионистов, изжил себя. Гармония больше не зависит от мелодики, давая возможность аккордам звучать свободно, выражая определенное настроение.

Произведения импрессионистов имеют яркую эмоциональную окраску. Они сознательно отказываются от классического драматизма, предпочитая пейзажи и жанровые сцены. Музыканты чаще пишут короткие произведения ‒ сюиты, музыкальные миниатюры. Нередко обращение к народной, экзотической и восточной музыке, к сказочным или фантастическим сюжетам. Композиторы используют расширенные гармонические комплексы, отдают предпочтение чистому и контрастному тембровому звучанию. В отличие от больших симфонических оркестров, обходятся малым количеством инструментов. Классическое сочетание ‒ флейта и арфа.

Эрик Сати

Первооткрывателем импрессионизма в музыке считается Эрик Сати. И сейчас еще не утихают споры о месте его личности в истории музыкальной Франции. Но бесспорно, что его новаторские эксперименты оказывали влияние не на одно поколение французских музыкантов. Его творческий путь не раз менял свое направление. Будучи одним из основателей импрессионизма, Эрик Сати первый же отошел от него после всеобщего увлечения творчеством Дебюсси. Недаром Сати называют реформатором европейской музыки.

Эрик Сати

Эрик Сати родился в 1866 г. в Нормандии в семье портового маклера. В ранние годы мальчика растил дядя, в связи с ранней смертью матери. Отец с новой семьей жил в Париже. В 12 лет Эрик переехал к отцу. Мальчик уже тогда проявлял интерес к музыке.

Эрик Сати дважды поступал в Парижскую консерваторию, но так ее и не закончил. Долгое время он оставался безвестным музыкантом, работая аккомпаниатором эстрадных певцов в разных кафе.

Свой творческий путь он начал в 1885 г. с небольших фортепианных пьес. Позднее он сочиняет пьесы «Три гимнопедии», «Три гноссьены», оказавшие впоследствии огромное впечатление на Клода Дебюсси и Мориса Равеля. Уже в этих ранних произведениях он пишет без указания метра и ключевых знаков, ломая музыкальные традиции. Впоследствии это станет его фирменным знаком.

Рамон Касас Богема. Поэт Монмартра (портрет Эрика Сати)

Около 1891 г. Сати знакомится с Жозефеном Пеладаном и пишет музыку к его пьесе «Сын звезд». В ней композитор применяет шестизвучные аккорды, состоящие из кварт. Этот прием сразу стал популярен у французских композиторов. В этом произведении Сати использует мелодизм без определенного лейтмотива, что не мешает ему выразить весь драматизм пьесы. Эрик Сати строит композицию своих произведений из 5 ‒ 6 на первый взгляд не связанных между собой частей.

В 1891 г. Эрик Сати знакомится с Клодом Дебюсси. Их дружба продлится долго и приведет к созреванию Дебюсси как импрессиониста. Позднее Сати утверждал, что это именно с его подачи зародился импрессионизм, поскольку он советовал Дебюсси использовать в музыке те же средства выражения, что и художники-импрессионисты. Правда это или нет, неизвестно, поскольку эксцентричный Сати мог и приукрасить свою роль в становлении Дебюсси как композитора.

После 1897 г. Эрик Сати отходит от импрессионизма с его яркостью мелодизма и сложными гармониями. Теперь он выступает за простоту музыкальных форм. У него появляются миниатюры с ироничными названиями и пометками для исполнителей. Например, «Три арии, от которых все сбегут», «Джек в стойле», «Три пьесы в форме груши» и др.

В 1898 г. Эрик Сати переезжает в небольшой французский городок Аркей, где проживет до самой смерти. Всю жизнь он работал тапером в парижских кафе, получая мизерный доход.

Сантьяго Руссиньоль Комната Эрика Сати

В 1911 г. композитор обращается к неоклассицизму, написав несколько пьес, которые позднее были исполнены Равелем. При этом он начинает критиковать импрессионизм в своих произведениях за расплывчатость формы и неясность содержания. Он издает откровенно сатирические пьесы «Тощий танец», «Три засушенных эмбриона» и др.

В 1913 г. Эрик Сати пишет музыку для балета Дягилева «Парад», а в 1918 г. ‒ симфоническую драму «Сократ» по мотивам платоновских диалогов. Это были самые значительные произведения композитора. Так же он стал изобретателем так называемой «меблировочной музыки», служащей ненавязчивым фоном в магазинах или в салонах при приеме гостей. Умер музыкант в безвестности, от цирроза печени в 1925 г.

Значение творчества Эрика Сати

Об Эрике Сати вспомнили лишь в 50-е годы XX века. Его известность вышла за пределы Франции. Он стал родоначальником не только импрессионизма, но так же авангарда и минимализма, оказав большое влияние на становление многих известных композиторов.

Клод Дебюсси

Клод Дебюсси вошел в историю музыки как яркий представитель импрессионизма, его основатель и идеолог. В конце XIX ‒ начале XX веков он стал властителем дум не только во Франции, но и во всем мире. Он пришел на смену Вагнеру и начал новую эпоху в музыке. Сам Дебюсси был не согласен с применением термина «импрессионизм» по отношению к своему творчеству. Однако история распорядилась иначе.

Клод Дебюсси

Клод Дебюсси родился в 1862 г. в городке недалеко от Парижа. В десять лет он поступил в Парижскую консерваторию. Его учителями были известные композиторы Мармонтель, Лавиньяк, Франк, Гиро, Массне. Мальчик учился довольно прилежно и даже в 1884 г. был награжден поездкой в Рим. В Италии он провел 4 года. За это время Дебюсси создал несколько произведений, среди которых были «Весна» и «Дева-избранница». В консерватории новый стиль композитора не одобрили, и Дебюсси закончил свое обучение.

Марсель Баше Портрет Клода Дебюсси

В 1890 г. Дебюсси тесно общается с поэтами-символистами. Через 2 года он пишет симфоническую прелюдию «Послеобеденный отдых фавна» на одно из стихотворений Стефана Малларме. Большое влияние на композитора оказывает и знакомство с Эриком Сати.

В 1899 г. он получает приглашение от русской меценатки Надежды фон Мекк приехать в Россию.

Надежда Филаретовна фон Мекк

Служа учителем музыки в этой семье, Дебюсси не только получил возможность путешествовать по Европе, но и приобщиться к культуре России. За два года Дебюсси познакомился с творчеством Чайковского, Римского-Корсакова, Мусоргского, Бородина. Проникся он и русской народной музыкой. Однако влюбленность в одну из дочерей покровительницы положила конец их сотрудничеству.

В 1902 г. в Париже состоялась премьера оперы Дебюсси «Пелеас и Мелиссанда» на текст поэта Мориса Метерлинка. Опера вызвала неоднозначные отзывы у французской публики, но в то же время стала поворотным моментом во всей европейской истории музыки.

Несмотря на нужду и болезни, Дебюсси продолжал творить. Чтобы прокормить семью он ездил с концертами по разным странам. Его самыми известными творениями являются: созданный по заказу Дягелева балет «Игры», оркестровые произведения «Море», «Иберия», «Святой Себастьян», «Весенние хороводы», «Ноктюрны» и др. Скончался Дебюсси в 1918 г. в Париже.

Клод Дебюсси играет на фортепиано

Значение творчества Клода Дебюсси

Своим творчеством Дебюсси пытался отстоять национальную музыкальную традицию Франции. Мировое же значение этого композитора заключается в его принципиальном и новаторском взгляде на гармонию, ритм, мелодию музыкального произведения, глобальном обновлении «музыкального языка». Подобно художникам-импрессионистам, он смог изобразить в музыке неуловимые эмоциональные переживания и настроения, красоту природы и жизни. Его творчество оказало огромное влияние на развитие музыки не только Франции, но и других стран в течение первой половины ХХ века.

 Морис Равель

Горячим последователем Дебюсси был Морис Равель. Он родился в 1875 г. в Пиренеях в семье швейцарского автомобильного инженера. Любовь к музыке мальчику привил его отец. В 1889 г. Равель поступил в Парижскую консерваторию. Большое влияние на молодого человека оказала музыка Эрика Сати, испанского пианиста Рикардо Виньеса и Клода Дебюсси.

Морис Равель

 Несколько раз Равель пытался получить Римскую премию, но каждый раз безуспешно. Последняя попытка была связана с большим скандалом. Жюри отказало композитору в участии в конкурсе, сославшись на возрастные ограничения, которые, однако, еще не наступили. Истинной причиной было творчество молодого композитора, вызывающее непонимание в академических кругах. Поскольку к тому времени Морис Равель уже получил некоторую известность, несправедливый отказ вызвал большой резонанс в околомузыкальном сообществе Франции. Сам же Морис принял ситуацию спокойно, однако скандал сыграл ему на руку в плане личной известности и в то же время подвел черту с занятиями академической музыкой.

Морис Равель сочиняет музыку

Во время Первой мировой войны Равель добровольцем отправляется на фронт. В память о павших товарищах он пишет сюиту «Гробница Куперена».

По возращению домой Равель сочиняет по заказу Дягилева музыку к балету «Дафнис и Хлоя». В том числе и знаменитое «Болеро». Равель много гастролирует по Франции и другим европейским странам как пианист и дирижер. В 1928 г. он едет с концертами в Северную Америку.

Нежинский и Равель за фортепиано

В 1932 г. Равель во Франции попал в автомобильную катастрофу. В результате аварии у него развилась опухоль мозга, и в 1937 г. композитор скончался.

Значение творчества Мориса Равеля

Равель продолжил дело Клода Дебюсси и стал общепризнанным мастером французской школы. В его произведениях немалую роль играет четкий ритм и яркая эмоциональная окраска. Они не столь «расплывчаты» и беспредметны, как у Дебюсси. Он вполне лояльно относится к классическим музыкальным формам. Равель является одним из основателей камерно-симфонического стиля первой половины ХХ века, недаром его называют виртуозом оркестровки.

Роль импрессионизма в мировой музыке

Импрессионизм возник во Франции как попытка возврата к своим корням и некое противодействие к засилью немецких опер и опостылевших академических произведений. Впоследствии он стал самостоятельным новаторским движением, популярным не только у себя на родине, но и во всем мире.

Правда век импрессионизма был недолог. Даже его последователи в своем развитии уходили дальше. К началу 30-х годов ХХ века импрессионизм уже прочно занял свое место среди классики. Но он положил начало большим изменениям в истории музыки ‒ открыл дорогу новым направлениям ‒ авангарду, экспрессионизму, неоклассицизму.

Впрочем, импрессионизм не забыт. И сейчас произведения Клода Дебюсси, Мориса Равеля и Эрика Сати пользуются большой популярностью у любителей музыки.

Кто были ведущими деятелями классического периода музыки?

Кто были ведущими фигурами классического периода музыки?

Конец эпохи барокко в музыке и начало классического периода приходится примерно на 1750 год, в год смерти Иоганна Себастьяна Баха. Несколько философских и технологических изменений в 18 веке способствовали развитию этого нового стиля музыки:
  • Развитие фортепиано и технологические достижения в оркестровых инструментах, таких как кларнет, гобой, фагот и флейта, позволили добиться большей универсальности и виртуозности.
  • Классическая музыка приобрела более светский характер, в отличие от музыки эпохи барокко, которая преимущественно писалась для исполнения в церкви.
  • В отличие от произведений в стиле барокко, которые должны были представлять или вызывать одну эмоцию или настроение, классическая музыка углублялась в контрастные настроения в рамках одного произведения или одной части.
  • В то время как произведения в стиле барокко опирались на сложное взаимодействие нескольких мелодий — прием, называемый контрапунктом — в классическую эпоху композиторы начали работать с одной мелодией над цельной гармонией.

Возможно, двумя ведущими композиторами классической музыки были Франц Йозеф Гайдн (1732–1809) и Вольфганг Амадей Моцарт (1756–1791). Некоторыми другими известными композиторами-классиками были Муцио Клементи (1752–1832), Карл Диттерс фон Диттерсдорф (1739–1799) и Иоганн Непомук Гуммель (1778–1837).

Людвиг ван Бетховен (1770–1827) получил образование в классической музыкальной школе, и многие из его ранних произведений явно написаны в классическом стиле. Тем не менее, Бетховен считается одним из главных музыкальных влияний, которые привели к эпохе романтизма в музыке.Некоторые музыковеды датируют начало эпохи романтизма 22 декабря 1808 года, датой премьеры его Пятой симфонии, возможно, самого известного музыкального произведения в западной музыкальной истории, в Вене. Другие датируют его смертью Гайдна в 1809 году или вскоре после нее.

Тем не менее, Бетховен охватывает музыкальные эпохи, с классической эпохой с одной стороны и эпохой романтизма с другой.

(Примечание: такие слова, как Барокко, Классический, и Романтический обозначают не только периоды времени, но и стили. Композиторы, жившие, например, в эпоху романтизма, могли (и часто продолжали) писать в стиле классицизма или барокко . Музыковеды не всегда согласны с тем, когда начинается или заканчивается та или иная эпоха — у каждого свои идеи и обоснования для классификации музыкальных эпох — и эпохи часто пересекаются по мере роста популярности нового стиля и исчезновения старого.)

Путеводитель по 10 лучшим формам классической музыки

Классическая музыка довольно устрашающа и имеет плохую репутацию за неприступность и элитарность.Большинство людей, которые кое-что знают о классической музыке, в какой-то момент своего становления брали частные уроки, поэтому они имеют представление о том, что происходит. Если вы никогда не знакомились с классической музыкой и хотите узнать больше, я буду время от времени публиковать серию «Руководство по…», чтобы познакомить вас с миром этого сложного и давнего вида искусства.

Вот 10 лучших форм классической музыки, то есть типов произведений, которые вы увидите в программе концерта.

1) Ария
Это момент в опере, когда главный герой демонстрирует свои вокальные данные.Хотя это может значительно улучшить сюжетную линию, на самом деле певец должен доить аплодисменты изо всех сил. Любой знакомый вам оперный хит обычно представляет собой арию, часто взятую из оперы и представленную в симфоническом концерте или концерте с участием нескольких певцов, каждый из которых исполняет арии из разных опер. Они часто наполнены захватывающими высокими нотами, после чего публика приходит в ярость.

2) Каденция
Каденция – это возможность для солиста показать себя во время концерта (см. определение «концерта» ниже).В конце одной или нескольких частей наступает драматический момент, когда оркестр перестает играть, и солист берется за дело — технически, лирически или интерпретируя, выставляя напоказ свои вещи. Понятным музыкальным сигналом или зрительным контактом дирижер дает сигнал оркестру присоединиться к солисту, чтобы завершить это движение. Большинство каденций написаны заранее, но во времена Моцарта или Бетховена было принято сочинять свои собственные, или, если солист был похож на Робина Уильямса, импровизировали на месте.

3) Концерт
В концерте солист (обычно пианист, скрипач или виолончелист) выступает против всего оркестра. В концерте участвуют как солист, так и оркестр, и это возможность увидеть, на что они способны вместе и по отдельности. Почти на каждом симфоническом концерте будет концерт, и все симфонические исполнители стараются найти самого гламурного солиста для своих осенних вечерних концертов.

4) Камерная музыка
Камерная музыка представлена ​​небольшой группой инструменталистов, часто из трех или четырех, но иногда и до восьми, с одним инструментом на партию.Для камерной музыки нет дирижера, так как предполагается, что музыканты сами разработают ее. Если задействован пианист, часто требуется переворачивающий страницу. Фестивали камерной музыки, которые часто проводятся летом, доставляют массу удовольствия: атмосфера обычно более непринужденная, места проведения более интимные, и вы часто можете услышать известных солистов вместе. Им весело играть больше камерной музыки, чем их обычные концерты или сольные концерты, и в воздухе витает гул, видя, как солисты собираются вместе.Обычно также присутствует устоявшаяся камерная группа, и вы можете сказать, что они какое-то время выступают вместе — они дышат вместе, фразируют вместе, и это тоже приятно слышать. Как и в рок-группах, иногда игрок уходит (и возникают обычные сплетни о том, почему) и приходит новый.

5) Часть
Большинство музыкальных произведений разбиты на части. Они как главы книги. Общий темп каждой части быстрый-медленный-быстрый, как в сонате или симфонии.Перерыв после каждого движения дает музыкантам время перенастроить свои инструменты, а зрителям — откашляться и быстро развернуть леденцы от кашля. Момент после движения заставляет нервничать начинающих зрителей: «Мы хлопаем?» Технически нет, и бывают моменты, когда определенно лучше наслаждаться тишиной между движениями. Пуристы не любят аплодисменты в середине произведения. Иногда, однако, как в конце Концерта Чайковского для фортепиано с оркестром № 1 си-бемоль минор, это настолько захватывающе, что пианист задается вопросом, было ли это недостаточно захватывающе, если публика *не* аплодирует.В конце концов, большинство музыкантов будут благодарны публике за то, что они купили билеты и пришли, поэтому они примут эту благодарность вне зависимости от времени.

6) Соната
Произведение для солирующего инструмента, а если не для фортепиано, то обычно в сопровождении фортепиано. Обычно это пишется в три-четыре момента. Их нужно запомнить навсегда. Так много заметок.

7) Опера
В опере исполнители разыгрывают драматические сюжеты посредством пения больших мелодий (арии, определение которых приведено выше) или полупропетых/разговорных моментов диалога, называемых речитативом.Задействованы костюмы, декорации, постановка и полный оркестр. Они бывают всех разновидностей, от легких комических опер до самых эпических и трудоемких, которые длятся часами. Самая театральная лицензия на сегодняшний день существует для оперы — голос в конечном итоге решает кастинг.

8) Opus (или Op.)
Это «номер произведения», присвоенный классическому произведению или набору произведений для группировки произведений композитора в хронологическом порядке. Это система каталогизации, специально предназначенная для композиторов, которые много писали.

9) Увертюра
В прежние времена, например, в 17 веке, увертюра служила гонгом в фойе, сигнализируя публике занять свои места. В дальнейшем это послужило музыкальной «закуской» — коротким вступлением перед основным событием. В опере увертюра часто пишется последней, поэтому она включает в себя несколько тем, которые вы услышите в опере. (Моцарт был известен тем, что раздавал музыкантам страницы увертюры с еще не высохшими чернилами.) Позже, в 19 веке, увертюра была написана как самостоятельное произведение, которое можно было запрограммировать в любом концерте.

10) Симфонический/Филармонический/Оркестровый
Это самое запутанное из всех. В очень широком смысле «симфония» — это большая группа исполнителей на струнных, духовых, духовых и перкуссионных инструментах. Произведение, написанное для этого ансамбля, обычно называют симфонией. Симфонический оркестр подразумевает действительно большую группу исполнителей. (Иногда вы услышите о «запасном оркестре» позади джазового певца — обычно они намного меньше, чем классический оркестр). «Филармония» часто используется, если в одном городе есть более одной большой группы, и это способ их различить.«Оркестр» всегда используется для обозначения настоящих исполнителей. Таким образом, вы можете прочитать о том, что «члены оркестра отправились в провинциальное турне на нескольких автобусах», независимо от того, были ли они «Симфоническим» или «Филармоническим» как часть названия компании.

Ради развлечения — лучшее исполнение арии:
Лучано поет арию «Ah mes amis» из оперы «Дочь полка» Доницетти. У него не менее девяти высоких «до» (для тенора это ужасно сложная нота). Это концертная запись 1972 года в Метрополитен-опера в Нью-Йорке, и, как и ожидалось, публика приходит в ярость.

У вас есть вопросы о классической музыке, на которые вы хотели бы получить ответы? Пожалуйста, напишите [email protected]

10 культовых произведений классической музыки

10 культовых произведений классической музыки | Весь классический Портленд

Ваш браузер не использует Javascript. Некоторые функции будут работать некорректно.

10 культовых произведений классической музыки

Классическая музыка выдержала испытание временем по многим причинам, ее красота, сложность и широта репертуара вдохновляли публику на протяжении сотен лет. В классической музыке есть несколько произведений, которые стали культовыми благодаря использованию на специальных мероприятиях, таких как выпускные, свадьбы, классические фильмы и даже мультфильмы! В этом списке мы подробнее рассмотрим лишь несколько из многих знаковых произведений классической музыки.

Токката и фуга ре минор, BWV 565 Дж.С. Бах

У этой пьесы Баха может быть не самое броское название, но мы гарантируем, что вы знаете знаменитое начало. Он стал ассоциироваться с напряженными или даже пугающими моментами в кино и популярной культуре, возможно, потому, что он, как известно, появился в начальных титрах фильма «, доктор».Джекил и мистер Хайд (1931). Необычайный талант Баха и мощный композиционный голос в полной мере проявились в его Токкате и фуге ре минор, первой в нашем списке одних из самых знаковых произведений классической музыки, когда-либо написанных.

Видео выступления Ксавера Варнуса.

Багатель Нет.

25 ля минор, «К Элизе» Людвига Ван Бетховена

Это произведение так и не было опубликовано при жизни Бетховена. На самом деле «К Элизе» не было обнаружено даже через сорок лет после его смерти в 1827 году.В результате никто точно не знает, кем была Элиза из названия. Некоторые музыковеды даже считают, что название могло быть скопировано неправильно, и первоначально оно называлось «К Терезе». Но независимо от личности счастливого получателя посвящения этого произведения, мы все можем согласиться с тем, что это одно из самых очаровательных произведений для фортепиано, когда-либо написанных. Бетховенская «Багатель № 25 ля минор» с ее простой, но запоминающейся мелодией и вневременной красотой вдохновила на бесчисленное множество интерпретаций.

Видеоперформанс Георгия Черкина.

Piano Sonata No.14 до-диез минор, соч. 27, № 2, «Лунный свет» Людвига Ван Бетховена

В отличие от «К Элизе», Лунный свет Соната стала популярной еще при жизни Бетховена и остается одним из самых любимых сочинений всей его жизни по сей день.Бетховен написал свою Сонату для фортепиано № 14 до-диез минор, когда ему было за тридцать, и посвятил ее графине Джульетте Гвиччарди, которая училась игре на фортепиано у композитора. Если вы когда-либо брали уроки игры на фортепиано, были с кем-то, кто брал уроки игры на фортепиано, или даже просто пробовали играть на клавишах, чтобы сочинить знакомую музыку, вы, вероятно, очень хорошо знаете вступительную часть Moonlight Sonata.

Видеоперформанс Андреа Романо.

Симфония №.5 до минор, соч. 67 Людвига ван Бетховена

Эта симфония Бетховена открывается, пожалуй, четырьмя самыми известными нотами всех времен, известными многим просто как: да да да дууум!.Некоторые критики предположили, что это открытие представляет собой звук Судьбы, стучащей в дверь. Мы не можем точно знать, что имел в виду Бетховен, когда писал это вневременное вступление к своей Симфонии № 5 до минор, но что вне тени сомнения, так это то, что это произведение легко входит в десятку самых знаковых, достигая выходит за рамки своего жанра и появляется в фильмах, рекламе и даже в поп-песнях.

Видео выступления Венского филармонического оркестра.

Симфония №.9 ре минор, соч. 125, «Хоровая» Людвига ван Бетховена

Это произведение является последней полной симфонией Бетховена. Впервые он был исполнен в Вене в 1824 году и до сих пор исполняется во всем мире.9-я симфония стала первым случаем, когда крупный композитор добавил голоса к симфонии, открыв новую дверь для творческого самовыражения и придав человеческому голосу новую силу и место в качестве инструмента, который принадлежит лучшим оркестрантам в самых грандиозных композициях. Многие слушатели считают, что Бетховен «сохранил лучшее напоследок», а заключительная часть симфонии основана на Оде к радости . Каким бы ни был ваш любимый момент, ясно, что Симфония Бетховена Хоровая является новаторской, мощной и поистине культовой.

Видео-перформанс Лондонского симфонического оркестра.

«Аве Мария» Шарля Гуно

Когда тридцатилетний Шарль Гуно решил импровизировать мелодию для текста «Ave Maria», он разработал ее так, чтобы она накладывалась на хорошо зарекомендовавшую себя клавишную пьесу: Prelude No.1 до мажор, BWV 846, из Книги I И.С. Баха Хорошо темперированный клавир . Написанная для сольного голоса и фортепиано, «Аве Мария» Гуно также часто исполняется в самых разных инструментальных аранжировках. Мы думаем, что эта композиция — ошеломляющий пример того, как заимствование одного из лучших и повторное использование с большим талантом и вдумчивостью может привести к чему-то новому, знакомому и совершенно необычному.

Видеоперформанс Марии Каллас.

«Мессия» Джорджа Фридриха Генделя

Трудно выразить словами то, что делает « Мессию » Генделя культовым.Эта оратория в стиле барокко, изначально написанная для исполнения в честь христианского праздника Пасхи, теперь является почти постоянным атрибутом и во время Рождества, и ее художественная сила выходит далеко за рамки какого-либо конкретного праздника или веры. От запоминающихся мелодий до знаменитых припевов, Мессия — это великолепная и сияющая демонстрация силы классической музыки, которая движет человечеством и делится историями, как ни один другой вид искусства.

Видео выступления хора Королевского колледжа, Кембридж.

Serenade No.13 соль мажор, K 525, «Eine kleine Nachtmusik» Вольфганга Амадея Моцарта

Невероятно гениальный Вольфганг Амадей Моцарт сочинял музыку 30 из своих 35 лет, и сегодня его имя известно почти всем в мире. Eine kleine Nachtmusik (Маленькая ночная музыка), пожалуй, самая узнаваемая его работа, особенно ее первая часть. Помимо концертного зала и классических записей, вы, вероятно, услышите, как он успокаивает пользователей телефонов и продает головокружительный набор товаров. С его печально известным чувством юмора композитор мог бы посмеяться над этим!

Видеоспектакль Словацкого камерного оркестра.

«Голубой Дунай» Иоганна Штрауса II

Известный даже в свое время как «Король вальса», Иоганн Штраус — своего рода пример классического композитора, который при жизни достиг эквивалента признания современной рок-звезды. Голубой Дунай* — самое известное из его произведений — значительный рейтинг, поскольку письменный репертуар Штрауса включает более 500 произведений танцевальной музыки (вальсы, польки, кадрили и т. д.), а также несколько оперетт и балет. Но даже случайные слушатели, незнакомые с композитором, узнают в этом произведении воплощение вальса, поэтому мы также причисляем его к десятке самых знаковых произведений.

* он же An der schönen, blauen Donau (На прекрасном голубом Дунае), соч. 314

Видео-перформанс Зубина Меты и Венского филармонического оркестра.

«Введение, или Восход солнца», из «Иллюзорного Заратустры», соч.30 Рихарда Штрауса

Рихард и Иоганн Штраус не были родственниками, но они посмертно обязаны Стэнли Кубрику, который включил самую известную пьесу Иоганна (см. Выше) и Рихарда Штрауса Einleitung (Введение) в саундтрек к своему ставшему уже культовым фильму 1968 года . 2001: Космическая одиссея .Со времени выхода фильма The Einleitung* широко используется в поп-культуре и рекламе. Нельзя отрицать, что это одна из самых убедительных и захватывающих композиций, когда-либо написанных, но это только начало поразительного музыкального опыта.

* он же Einleitung, или Sonnenaufgang

Видео выступления Нью-Йоркского филармонического оркестра.

Почетные упоминания

Прочтите другие сообщения Дейла Толливера
Координатор волонтеров

  • КЧАС 89.9 Портленд/Ванкувер
  • KQOC 88.1 Ньюпорт/Линкольн Сити
  • KQHR 88.1 Худ-Ривер/Даллес
  • KQHR 96.3 Ущелье Колумбия Восток
  • KQMI 88.9 Мансанита
  • KSLC 90.3 Макминнвилл
  • 95,7 FM Корваллис/Флинн

Создание репрезентативного корпуса классической музыки на JSTOR

Абстрактный

В этой статье представлен наглядный урок проблем и соображений, связанных с составлением музыкального корпуса для эмпирических исследований.В нем разрабатывается модель построения репрезентативного корпуса классической музыки «периода общей практики» (1700-1900 гг.) с использованием как конкретных композиторов, так и более широких исторических стилей и музыкальных жанров (например, симфонии, камерной музыки, песен, опер) в качестве параметров семплирования. При построении модели использовались пять источников: (а) Оксфордская история западной музыки Ричарда Тарускина (2005), (б) объединенные отчеты об оркестровом репертуаре за 2000-2007 годы от Лиги американских оркестров, (c ) список титулов с Наксоса.com Интернет-библиотека «Музыка в кино», (d) Словарь музыкальных тем Барлоу и Моргенштерна (1948 г.) и (e) для композиторов, перечисленных в источниках (a)–(d), подсчет количества записей. каждый из них доступен на Amazon.com. Обсуждаются общие соображения для этих источников, а затем подробно описываются конкретные аспекты каждого источника. Оценивается согласие между источниками, демонстрирующее сильный консенсус среди всех источников, за исключением «Истории Тарускина». Используя данные Amazon.com для определения весовых коэффициентов для каждого параметра, предлагается предварительная модель выборки.Включение адекватного жанрового представления приводит к корпусу из ≈300 произведений, что предполагает минимальный размер адекватно репрезентативного корпуса классической музыки. Подходы, описанные здесь, могут быть применены к более специализированным контекстам, таким как музыка определенного географического региона, исторической эпохи или жанра.

Информация о журнале

Music Perception представляет собой диаграмму продолжающихся научных дискуссий и исследований музыкальных явлений. Публикуя оригинальные эмпирические и теоретические статьи, методологические статьи и критические обзоры известных ученых и музыкантов, Music Perception является хранилищем проницательных исследований.Широкий спектр дисциплин, освещаемых в журнале, включает: Психология Психофизика Лингвистика неврология нейрофизиология Искусственный интеллект Компьютерные технологии Физическая и архитектурная акустика Теория музыки Недавние участники опубликовали статьи по оценке тона, голосу, памяти, эмпирическим данным и концептуализации музыки.

Информация об издателе

Основанное в 1893 году Отделение прессы, журналов и цифровых публикаций Калифорнийского университета распространяет стипендии, имеющие непреходящую ценность.Одно из крупнейших, наиболее выдающихся и инновационных университетских издательств на сегодняшний день, его коллекция печатных и онлайн-журналов охватывает темы гуманитарных и социальных наук с акцентом на социологию, музыковедение, историю, религию, культурологию и регионоведение, орнитологию, права и литературы. Помимо публикации собственных журналов, подразделение также предоставляет традиционные и цифровые издательские услуги многим клиентским научным обществам и ассоциациям.

Пакт о самоубийстве в классической музыке (часть 2)

Примечание редактора: эта история является частью печатного выпуска City Journal за лето 2021 года и публикуется в Интернете двумя частями.Часть 1 вышла на прошлой неделе.

До августа 2020 года Дона Вон долгое время была художественным руководителем оперы в Манхэттенской музыкальной школе. Ее опыт включал пение, актерское мастерство и режиссуру на Бродвее и за его пределами, а также на оперных сценах. Постановка Манхэттенской музыкальной школы в 2019 году малоизвестной оперы-буффа Саверио Меркаданте I Due Figaro продемонстрировала ее влияние в некоторых потрясающе харизматичных и остроумных студенческих выступлениях.

Вон была настолько предана защите музыкантов из числа меньшинств, что выделила им стипендию в своей альма-матер, Бревард-колледже в Северной Каролине.«За все годы преподавания, — сказала она в то время, — я часто хотела, чтобы больше представителей меньшинств поощрялось заниматься музыкальной профессией». Помимо классики, она продюсировала социально сознательные современные произведения, дав первую профессиональную постановку, например, на Оперном фестивале в Форт-Уэрте феминистской оперы о монахине XVII века.

Впрочем, толпе нет дела до фактов. 17 июня 2020 года Вон вел урок по игре в музыкальном театре для старшеклассников через Zoom.Неизвестный участник, чье имя и изображение были затемнены (весьма вероятно, растение), ни с того ни с сего спросил ее, как она могла оправдать постановку якобы расистской (в данном случае якобы антиазиатской) оперетты Франца Легара Das Land. des Lächelns ( The Land of Smiles ) несколькими годами ранее. Вон оборвал собеседника за то, что он поднял вопрос, не относящийся к текущему обсуждению.

Сгорел предохранитель. Сразу же последовала петиция студентов Манхэттенской музыкальной школы.Вон должна быть уволена, потому что она представляет «опасность для художественного сообщества», гремел он. Петиция возродила мем времен постановки «Легара» о том, что Вон выбрал черную певицу на роль дворецкого, тем самым доказав ее расизм. Правило, запрещающее чернокожим играть персонажей-слуг, сделало бы невозможными некоторые из наиболее важных ролей в репертуаре, включая Лепорелло в Дон Жуан и Фигаро и Сюзанну в Женитьба Фигаро (последняя из которых Кэтлин Баттл выбила из парка).На всякий случай в петицию были включены неуказанные «отчеты» о «гомофобной агрессии и позоре тела». Петиция быстро набрала 1800 подписей. В Сети внезапно появились липовые аккаунты в Instagram под именем Вона, содержащие поддельные подстрекательские материалы.

Коллеги Вона, съежившись от толпы, пустили ее крутить по ветру. Почти никто не встал на ее защиту. Вон был уволен и заменен черным мужчиной.

Администрация Манхэттенской музыкальной школы, по-видимому, не предприняла никаких усилий, чтобы поговорить с бывшими учениками Вон, которые опровергли бы ложные обвинения против нее.Говард Уоткинс — ассистент дирижера в Метрополитен-опера и преподаватель Джульярдской школы; он аккомпанировал всемирно известным певцам и дирижировал на самых престижных площадках индустрии. В сердечном отзыве о персонаже после того, как ее уволили, он описал свою историю с Воном. В 1988 году он был зачислен в программу развития молодых артистов Линдеманна в Метрополитен-опера. Вон был постановщиком программы и тренером по актерскому мастерству. По словам Уоткинса, Вон был ответственен за многие из своих величайших переживаний там.«Ее уроки предоставили всем нам конкретные инструменты для улучшения нашего художественного роста и понимания. . . . Очень печально, что ученики Манхэттенской школы были лишены возможности учиться у кого-то с обширными знаниями, страстным желанием добиться успеха и искренностью сказать то, что нужно сказать, чтобы они росли». Что касается обвинения в гомофобии, «межрасовые отношения» Уоткинса с его домашним партнером-мужчиной «явно никогда не вызывали у нее ни малейшего беспокойства», и ей даже не пришло в голову «выбирать по расе или сексуальной ориентации».

Бас-баритон Ламаркус Миллер работал в Оперной мастерской Вона и Оперной лаборатории Манхэттенской музыкальной школы в начале 2010-х годов. По его словам, она была «столпом честности» и «воплощением наставника». «Я только видел, что она была чрезвычайно инклюзивной, в то же время призывая студентов к ответственности за свои действия».

Через несколько дней после увольнения анонимный зачинщик петиции опубликовал продолжение: «Победа! Дона Д. Вон была уволена с должности в MSM. Спасибо всем, кто поддержал эту петицию.Работа никогда не заканчивается, и я надеюсь, что вы все почувствуете прилив сил благодаря этой победе». Надежда вполне обоснована; к следующему тейкдауну.

Что касается Вон, то она «все еще в шоке», говорит она. «У меня нет слов, чтобы описать это. Это вина по обвинению».

Еще один ученый держится за профессиональную жизнь. Тимоти Джексон — профессор теории музыки в Университете Северного Техаса, директор Центра шенкеровских исследований, а также редактор и член-учредитель Journal of Schenkerian Studies .После того, как Филип Юэлл начал свою расовую атаку на теорию музыки Шенкера в ноябре 2019 года, Джексон призвал членов Общества теории музыки (в том числе Юэлла) представить ответ. Большинство эссе, опубликованных в журнале Schenkerian Studies за июль 2020 г., были критическими — одни робкими, другие более откровенными; пятеро поддержали. Немногие констатировали очевидное: приравнивать тональные иерархии к расовым иерархиям — безумие.

Как и большинство практиков Высокой Теории со времен деконструкции, Юэлл ослеплен сходством слов, игнорируя их контекстуальное значение.Иерархия тональностей и гармоний в этих тональностях составляет основу западной тональной музыки, а также некоторой незападной музыки. Это не имеет ничего общего с предполагаемой расовой иерархией. Позиция Юэлла означает, что тональная музыка сама по себе является расистской. Каждый композитор, пишущий с помощью тональной идиомы, в том числе и цветные композиторы, будет вовлечен в расистское предприятие. Так поступил бы любой человек в любой сфере деятельности, которая признает доминирующие и подчиненные элементы, будь то анализ искусства, эволюционная биология, химия или инженерия.Различия между гравитационными, ядерными и электромагнитными силами сделали бы саму нашу Вселенную местом космического расизма.

Конечно, риторический скользкий путь не страшит Юэлла. Включение других полей в «рамку белой расы» не заставит его переосмыслить свой аргумент; никогда не может быть слишком много примеров превосходства белых.

Ответ Джексона был сосредоточен на осуждении Юэллом Шенкера как протонациста. Юэлл не упомянул о статусе Шенкера как аутсайдера как австрийского еврея или о смерти его вдовы в концентрационном лагере.Джексон писал, что молчание Юэлла по этим вопросам может быть связано с антисемитизмом чернокожих, который снова проявился в серии нападений на пожилых евреев в Нью-Йорке. Юэлл призвал включить в музыкальные программы больше рэп-репертуара. По словам Джексона, прежде чем удовлетворить это требование, музыкальные отделы должны бороться с антисемитизмом и женоненавистничеством в рэпе. Недостаточное представительство чернокожих в теории музыки связано с тем фактом, что немногие чернокожие «вырастают в домах, где классическая музыка глубоко ценится», — заключил Джексон, прежде чем выступить с призывом разрушить «институционализированные расистские барьеры».

Эта попытка самозаражения не удалась. Исполнительный совет Общества теории музыки, а также студенты и профессора теории музыки на национальном уровне осудили его за «воспроизведение культуры белизны», по словам исполнительного совета Общества теории музыки. Коллеги Джексона из Университета Северного Техаса раскритиковали его за публикацию симпозиума, «изобилующего расовыми стереотипами и стереотипами». Собственные расовые стереотипы Юэлла были восприняты как простая истина.

Джексон должен быть уволен за свою историю «особо расистских и неприемлемых» действий, по мнению аспирантов.Джексона также обвинили в нарушении научных норм при публикации симпозиума; эти обвинения были тенденциозными.

Если Джексон и допустил ошибку, то он должен был опровергнуть тезис Юэлла на не относящихся к делу биографических основаниях и применить собственный метод Юэлла ad hominem против самого Юэлла. Вместо этого ему следовало отказаться от разбора шенкеровского немецкого национализма и сосредоточиться на абсурдности самой аналогии «гармония-раса».

В декабре Джексон был отстранен от должности редактора Журнала шенкеровских исследований .Заведующий кафедрой Джексона сообщил ему, что университет прекращает финансовую и институциональную поддержку журнала и Центра шенкеровских исследований. Джексон подает в суд на университет и его регентов за нарушение его прав, закрепленных в Первой поправке. Каким бы ни был юридический исход, он останется изгоем среди коллег и студентов.

Самой большой жертвой расовых нападок на классическую музыку является сама музыка. Как только яд политики идентичности впрыснут в поле, оно никогда не сможет восстановить свою долапсариатскую невинность.Каждый раз, когда инсайдер индустрии или критик унижает наших величайших композиторов за то, что они слишком белые и слишком мужские, он дает неофитам, особенно молодежи, еще одну причину закрыть уши на это наследие. На конференции Института Пибоди в феврале 2021 года Саймон Вудс из Лиги американских оркестров выразил ужас, увидев «белизну» на сцене и в зале после возобновления концертов. Это профессиональная ошибка: иррелевантная призма расы будет вытеснять отчаянно необходимую новую аудиторию из концертного зала, а не входить в него.

Стремясь сделать классическую музыку политически приемлемой, оркестры и консерватории возрождают менее известных чернокожих композиторов прошлого. (Другие чернокожие композиторы, такие как Сэмюэл Кольридж-Тейлор и Уильям Грант Стилл, звучали, по крайней мере, на радиостанциях уже несколько десятилетий, и это правильно.) Это предприятие обычно требовало бы празднования. Канон повторяется до смерти. Чем больше музыки мы знаем, тем лучше мы понимаем, что значит быть человеком.И особенно важно заново открыть для себя вклад чернокожих в классическую музыку. Но заявленное обоснование этой реанимации уничтожает ее ценность. Говорят, что каждый композитор прошлого, которого сейчас представляют на радиостанциях и в концертных залах, исчез из поля зрения общественности из-за расизма. Это утверждение во многих случаях фантастично.

Возможно, 98 процентов всех композиторов классической традиции сегодня не слушаются или даже не признаются. Почти все эти забытые художники были белыми мужчинами.Печальная участь большинства композиторов — уйти в безвестность, если им посчастливилось исполнять свою музыку при жизни. Чтобы обвинить историю в расизме за то, что она позволила черным композиторам кануть в безвестность, требуется доказательство подавляющих заслуг, достаточно сильных, чтобы преодолеть обычное забвение, отмеренное всем остальным. Это высокое бремя доказывания не всегда выполняется.

В настоящее время наибольшей известностью пользуются композиторы Жозеф Болон, шевалье де Сен-Жорж (1745–1799) и Флоренс Прайс (1887–1953).Гипербола вокруг их работ поразительна.

Болонья был сыном гваделупского плантатора и раба; Жозеф провел большую часть своей жизни в парижском придворном обществе. На протяжении двадцати лет он получал ренту от имения своего отца, но его никто не отменял за то, что он наживался на рабском труде.

Болонь сегодня часто называют «черным Моцартом». Это сравнение достаточно смехотворно само по себе. Болонья свободно владеет классическим стилем, с приятной способностью двигаться вперед.Его работы узнаваемы по радио своей простой конструкцией. В них нет ни мелодического дара, ни эмоциональной глубины, которые заставляли величайших композиторов мира преклоняться перед Моцартом в изумленной и любящей благодарности.

Но ярлык «черный Моцарт» недостаточно агиографичен. «Белым шевалье» следует называть Моцарта , говорит драматург-композитор Билл Барклай. Это нелепо. Если бы Болонь был белым, его творчество осталось бы маргинальным. Другие современники Моцарта, такие как Антонио Розетти, Йозеф Мартин Краус и Йозеф Мысливечек, заслуживают возрождения раньше Болонского.Не принадлежность Болоньи к смешанной расе обрекла его на ту же судьбу, что и почти всех его белых коллег, а его банальность.

Флоренс Прайс имеет большое преимущество перед Болонью: она имеет смешанное происхождение и женского пола и, таким образом, является интерсекциональным. Цену чаще всего сравнивают с Дворжаком. Это тоже преувеличение, хотя ее американский народный стиль черпал вдохновение у чешского композитора, особенно в использовании черных спиричуэлс. Симфония № 3 до минор (1940 г.), считающаяся ее шедевром, начинается многообещающе, с жутких, меняющихся аккордов, исходящих от духовых.Есть моменты бурной экзальтации — прежде всего, в одном из ее фирменных африканских танцев «джуба» в третьей части — которые включают в себя ранние джазовые гармонии. Но работа тематически инертна и повторяется; его мелодии, усеченные. Частые кульминации создаются искусственно с помощью ударов тарелок. Действительно, игра Прайса на тарелках делает любовь Чайковского к этому инструменту аскетической.

Влиятельный педагог называет гармонию, ритм и материалы Прайса «четвертыми». Задолго до нынешнего ценового бума один выдающийся дирижер искал пьесу, которую он мог бы с чистой совестью запрограммировать.Ему не удалось найти ни одного, хотя он с удовольствием дирижировал произведениями других чернокожих композиторов, таких как Уильям Грант Стилл, Улисс Кей и Элвин Синглтон.

«После того как яд политики идентичности впрыснут в поле, оно никогда не сможет восстановить свою невинность до падения».

Иногда задача оказывается непосильной даже для самых упорных бустеров. The Financial Times , рассматривая концерт Бостонского симфонического оркестра в ноябре 2020 года, признал, что Струнный квартет Прайса в G был «незначительным».Не беспокойтесь, писала газета, «от этого хуже не станет».

Чикагский симфонический оркестр представил Первую симфонию Прайса в 1933 году; он получил положительную оценку в Chicago Daily News как «достойный места в обычном симфоническом репертуаре». Оркестр WPA Детройта и несколько женских оркестров исполняли ее композиции. Если ее произведениям не удалось найти прочное «место» в репертуаре, то это произошло не из-за расового локаута. По иронии судьбы, критики, поддерживающие Прайса, обычно являются яростными сторонниками авангарда.Однако в Прайсе они превозносят эстетически консервативный стиль, который не представлял бы для них особого интереса, если бы его практиковал белый мужчина.

Шумиха вокруг недавно возродившихся черных композиторов не безобидна. Инфляция служит обвинению и обиде. Стирая реальные различия в музыкальной ценности, гиперы мешают новым слушателям узнать, что делает эту традицию монументальной. Человеку, не знакомому с классической музыкой, не следует говорить, что нет никакой разницы между Бетховеном и Эсперансой Спалдинг, между Дворжаком и Флоренс Прайс.Новичок должен начинать с вершин, а не с отмелей. Бурные аплодисменты, которые раздаются после выступления Прайса, вызваны его текущим политическим значением, а не его музыкальными достоинствами. Ее произведения и произведения других менее известных композиторов заслуживают благодарного внимания. Но восторженная похвала рискует показаться снисходительной. Между тем произведения, представляющие более вероятный интерес, такие как оперы Уильяма Гранта Стилла, остаются мучительной загадкой.

Ложь о классической музыке накапливается, но ни один дирижер, солист или концертмейстер не опроверг ее.Эти влиятельные исполнители знают, что поздние фортепианные сонаты и квартеты Бетховена не о расе, а о выходе за пределы обычного человеческого опыта в неизведанную вселенную тревожной тишины и пространства. Они знают, что песенные циклы Шуберта не о гонках, а о тоске, разочаровании и мимолетной радости. Они знают, что Страсти по Матфею не о расе, а о сокрушительной печали, которая кричит от боли, прежде чем наконец найти утешение. Сводить все в человеческом опыте к еще более утомительной теме предполагаемого расового угнетения — это нарциссизм.Эта музыка не о тебе или обо мне. Речь идет о чем-то большем, чем наше узкое, мелкое «я». Но нарциссизм, отличительная черта нашего времени, сводит наше культурное наследие к нулю.

Эти музыкальные лидеры молчаливы, хотя их знания привели их глубоко в величайшую из всех человеческих драм: эволюцию выразительного стиля. Они могут проследить, как эротическая томность ноктюрнов и концертов Шопена стала еще более мощной в фортепианных произведениях Брамса и Рахманинова.Они знают, что даже один композитор, пусть даже не на первом уровне узнаваемости имени, в этой калейдоскопической традиции — будь то Сметана, Сибелиус или Гранадос — заключает в себе более выразительную глубину, чем любой человек может понять за всю жизнь. Эти успешные музыканты испытали ужасающее предвкушение — момент, не имеющий аналогов в репертуаре, — когда пианист спокойно сидит перед оркестровым зверем в начале одного из великих романтических концертов, когда волны звука обрушиваются на него, или когда он издает сначала его собственный вызов, будь то удар грома или шепот, и на него в свою очередь отвечают.Лидеры испытали это на себе, но ничего не говорят.

Их молчание порождает такие глупости, как нападки Алекса Росс на предполагаемый расизм Моностатоса из Волшебная флейта . Жалоба поразительно тривиальна по сравнению с величием творчества Моцарта. Что еще более важно, он упускает из виду условную природу драматического выражения. Моностатос — не более серьезный портрет мусульманина, чем Папагено — серьезный портрет птицелова. Оба существуют в сфере комических тропов.Если мы хотим оскорбить либретто на расовой почве, которые Моцарт даже не писал, мы могли бы также пожаловаться на неуклюжих, манипулируемых или истеричных белых, будь то граф Альмавива, Донна Эльвира, Мазетто, Лепорелло или Элеттра. Но каждое повторение такого детского обвинения служит еще одним предлогом для непосвященных держать ухо востро.

Столь же благовидны обвинения в классовой предвзятости. Безусловно, у многих композиторов XVII и XVIII веков были придворные покровители, и мы должны быть благодарны этим дворянам за то, что они подписали такое музыкальное сокровище, какими бы капризными ни были их воля и вкус.Opera seria узаконила абсолютное правление, одновременно пытаясь подтолкнуть своих королевских посетителей ближе к идеалам терпимости и справедливости эпохи Просвещения. Классический стиль наполнен благородством и величием; французское барокко с формальностью Версаля. И что? За спорным исключением Opera seria, музыка, написанная для богатых покровителей — будь то Tafelmusik Телемана или симфонии Гайдна — посвящена не классу, а абстрактной логике музыкального выражения. Западная классическая музыка иногда возникала из политических страстей или вызывалась ими.Но эти страсти обычно были связаны с националистическими движениями против монархических режимов, примером чего является безумие, вспыхнувшее в Пеште в ответ на организованный Берлиозом антигабсбургский «Марш Ракоци». Большинство канонических композиторов были в разногласиях, тихо или громко, со своими правительствами.

Нынешние бичи оспаривают протоколы концертов как классовое средство отторжения «разношерстной» публики. Но именно носители унаследованных привилегий во времена старого режима относились к музыке как к простому фону для игры и флирта.Неаристократические классы начали заниматься музыкой с молчаливой преданностью, поскольку она становилась все более сложной и требовательной. Бабушка и дедушка Тимоти Джексона по материнской и отцовской линии, бедные беженцы из Центральной и Восточной Европы, купили его матери и его отцу дешевую скрипку и ветхое пианино соответственно во время Великой депрессии и наскрести достаточно денег, чтобы платить за уроки. Его родители из рабочего класса всю жизнь выполняли тяжелую черную работу, но классическую музыку они воспринимали как «зов из другого мира, божественный, таинственно возвышенный, указывающий на высший план существования», — писал он в своей статье для симпозиума Шенкера. .

Сегодняшние борцы против «классизма», по-видимому, обвинили бы Хосе Антонио Абреу, венесуэльского экономиста-социалиста, в том, что он является невольным орудием «патриархальной власти» белых, по словам журнала BBC Magazine . Абреу основал El Sistema, программу бесплатного обучения классической музыке для детей баррио в Каракасе, полагая, что игра Баха, Шуберта и Брамса поможет им выйти из бедности и преступности в более высокий и лучший мир. El Sistema, как сказал Абреу в 2008 году, предназначена для того, чтобы «раскрыть нашим детям красоту музыки, [чтобы] музыка открыла нашим детям красоту жизни.Филип Юэлл может насмехаться над Бетховеном, считая его в лучшем случае «выше среднего». BBC Magazine может язвить, что формула музыкального «величия» только кажется «взлохмаченными волосами + вздорность + 32 сонаты», но на самом деле это «искусственное качество», дарованное классическими музыкальными индустриями, чтобы « продать десятки «величий» как можно большему количеству людей». Выпускникам El Sistema виднее, в том числе ее самому известному продукту Густаво Дудамелю, дирижеру лос-анджелесской филармонии.Дудамель сказал о Бетховене во время прямой трансляции концерта в формате HD в 2011 году: «Он не просто эталон классической музыки; он хозяин всех нас». Седьмая симфония — «счастье. Это единственное слово, которое я считаю идеальным для этой музыки».

Хотя хранители нашей традиции знают, что классическая музыка является бесценным наследием, страх парализует их, когда это наследие рушится. Среди руководителей, с которыми связались для написания этой статьи, были дирижеры Даниэль Баренбойм, сам Дудамель, Риккардо Мути, Франц Вельзер-Мёст, Валерий Гергиев, Джанандреа Нозеда, Шарль Дютуа, Джеймс Конлон, Неэме Ярви и Масааки Судзуки; пианисты Андраш Шифф, Мицуко Учида, Ланг Ланг, Евгений Кисин и Ричард Гуд; певцы Анна Нетребко, Джеймс Моррис и Энджел Блю; и композиторы Джон Харбисон и Уинтон Марсалис.Все либо отказались от комментариев, либо проигнорировали запрос.

Руководители компании были такими же молчаливыми. Питер Гелб из The Met отказался от интервью; Матиас Тарнопольски из Филадельфийского оркестра, Джонатан Мартин из Симфонического оркестра Цинциннати и Джефф Александр из Чикагского симфонического оркестра также не хотели выступать. Помощник Саймона Вудса сказал, что он занят переездом в Нью-Джерси и поэтому недоступен. (Источник сообщил, что он уже несколько месяцев находится в Нью-Джерси.)

Те музыкальные профессионалы, которые говорили со мной, за немногими исключениями, требовали, чтобы их относили к столь обобщенной категории, чтобы она включала тысячи членов. Бывший известный в классической музыке человек дал успокаивающее интервью, за одним коротким исключением: анекдот, подорвавший непоколебимую репутацию черного дирижера. Через день его жена написала мне: «Нам только что сообщили, что между вами и [бывшим домочадцем] состоялось интервью. Мы просим вас удалить все комментарии, сделанные [имя].Хотя мы ценим ваш энтузиазм по поводу вашего проекта, мы должны отказаться от [ sic ] любого участия, официально или неофициально».

Возможно, кто-то из звездных музыкантов, отказавшихся от комментариев, считает, что расистские нападки на классическую музыку не стоит воспринимать всерьез. Эмануэль Экс, который все-таки сделал запись, добродушно рассмеялся, когда ему рассказали об оценке Бетховена Юэллом. «Это замечательная цитата, — сказал он. «Это движение ни для кого не представляет опасности». Акс ошибается. Учебные планы литературных факультетов сегодня по сравнению с теми, что были 40 лет назад, показывают опустошение, которое безальтернативное движение политики идентичности наносит передаче величия.

Другие музыкальные профессионалы понимают опасность. Один педагог предупреждает: «Если консерватории начнут принимать по расовому и этническому признаку, закройте их. Как только стандарты изменены, игра окончена. Посредственность подобна угарному газу: его не видно и не пахнет, но однажды ты умрешь». Музыкальные администраторы Woke относят превосходство к податливой белой западной концепции. Упомяните «качество» на собрании менеджеров исполнительских искусств, и вас могут обвинить в «посылке неверного сообщения».Педагог музыки насмехается над этой уловкой. «Мы должны смотреть правде в глаза. Превосходство легко определить. Есть сотни тысяч композиторов; мир знает 100. Консерватории слушают студентов-дирижеров в течение 15 минут, но вы можете определить их уровень в первые 10 секунд». Некоторые профессора Джульярда досрочно ушли на пенсию, чтобы не рисковать конфликтом с толпой, одержимой самоидентификацией. Стремление к совершенству теперь вторично, говорит Эрл Карлисс. «Это ужасно, когда политика берет верх над качеством.

Нападкам подвергаются и научные конвенции. Отличительной чертой западной классической музыки, допустившей беспрецедентную трансформацию стиля за семь столетий, является то, что она записана, в отличие от других музыкальных произведений мира. Нотация позволяет нам чудесным образом услышать, что люди играли в пятнадцатом веке. Но на музыкальные факультеты оказывают давление с целью отменить требование о том, чтобы студенты могли читать партитуры, поскольку такое требование якобы носит исключительный характер.Музыковеды-антирасисты отказываются от еще более базовых норм: исходной документации. Музыковед Нью-Йоркского университета Мэтью Моррисон насмехается над «западными (колониальными) представлениями о документации», как он выразился в твите в ноябре 2020 года. В своем исследовании чернокожих он не «излагает все на бумаге. Некоторые вещи предназначены для хранения и передачи устно (и ритуально)». Другими словами, спросите у Моррисона его письменные источники, и вас могут обвинить в расизме. Это «колониальный импульс» к «желанию…. . иметь доступ ко всему», — предупреждает Моррисон коллег-академиков и потенциальных проверяющих факты.

Моррисон не второстепенный персонаж. Он получил стипендии в Гарварде, Королевском колледже Лондона, Американском музыковедческом обществе, Фонде Меллона, Библиотеке Конгресса и Музыкальном центре Тэнглвуда. Он является главным редактором Current Musicology . И он представляет будущее.

Предательство хранителей музыки не уникально. Другие люди, которым доверено сохранение западной цивилизации, тоже отказываются от своей ответственности, либо активно вступая в сговор с силами ненависти, либо пассивно позволяя этим силам завоевывать свою территорию.В июне 2020 года главный куратор европейской живописи в Метрополитен-музее Кит Кристиансен написал: «Сколько великих произведений искусства было потеряно из-за желания избавиться от прошлого, которое мы не одобряем». Сотрудники Met обвинили Кристиансена в системном расизме. Директор Met Макс Холлейн не просто позволил Кристиансену вертеться на ветру; Холлейн ударил его ножом в спину, сообщает Philanthropy . Пост Кристиансена был «не только неуместен и ошибочен в своих суждениях, но и просто неверен», — писал Холлейн.

Национальное управление архивов и документации, созданное для сохранения исторических документов страны, объявило себя виновным в системном расизме в апреле 2021 года. Целевая группа архивистов по расизму, подготовившая апрельский отчет, осудила Ротонду Капитолия за восхваление «богатых белых людей». », которые участвовали в основании нации, «маргинализируя BIPOC, женщин и другие сообщества». В состав целевой группы входили директора Президентской библиотеки Джона Ф. Кеннеди и Президентской библиотеки Джимми Картера.

Кристофер Бедфорд из Художественного музея Балтимора — воплощение пробудившегося директора музея. Называя себя «архитектором перемен», он использует свою коллекцию как способ продемонстрировать свою расовую добродетель. Бедфорд был на грани отказа от присоединения, чтобы избавить музей от мертвых белых художников-мужчин (все модернисты и постмодернисты), чтобы купить художников-женщин и представителей меньшинств. Два члена правления подали в отставку. «Я наблюдал за людьми. . . отменить все управление, которому они должны следовать как попечитель музея», — сказал Стайлз Колвилл, бывший председатель попечительского совета музея.«Сохраняйте и защищайте свою коллекцию: это ваш первый мандат».

До сих пор никто в области классической музыки не продемонстрировал подобного принципа.

Профессора классики молчали перед призывами ликвидировать всю их область, если она не может быть очищена от предполагаемого расизма и женоненавистничества. Подобными зарядами долбят каждый гуманитарный предмет. Согласно логике текущего момента, любая традиция, исходящая из Европы, является расистской, потому что ее носители в большинстве своем белые.Неважно, что демографическая ситуация в Европе до последних 50 лет делала этот расовый состав неизбежным. Балийская музыка гамелан, китайская опера, индийская классическая музыка и нигерийский говорящий барабан были столь же монолитными в расовом отношении, не вступая в противоречие с мониторами разнообразия. Только западная цивилизация подвергается нападкам за свою традиционную расовую однородность.

Отравление классической музыкой достаточно душераздирающе. Но если больше людей не будут сопротивляться расовой войне и не защитят наше наследие, мы уничтожим и страну, и культуру.

Читать Часть 1

Хизер Мак Дональд — научный сотрудник Института Томаса У. Смита в Манхэттенском институте, пишущий редактор журнала City Journal и автор бестселлера «Иллюзия многообразия: как расовое и гендерное потворство развращает университет и подрывает нашу культуру». .

Верхнее фото: A-Digit/iStock

City Journal — это публикация Манхэттенского института политических исследований (MI), ведущего аналитического центра свободного рынка.Вы заинтересованы в поддержке журнала? Как некоммерческая организация 501(c)(3), пожертвования в поддержку MI и City Journal полностью не облагаются налогом в соответствии с законом (EIN № 13-2912529). ПОЖЕРТВОВАТЬ

Десять произведений ХХ века, сформировавших современную классическую музыку

Звучание классической музыки, пожалуй, никогда еще не было таким разнообразным, как сейчас, независимо от того, смотрим ли мы на современную оперную и вокальную музыку, музыку для небольших и камерных ансамблей или даже в рамках контекст современного симфонического оркестра.Композиторы теперь находят в своем распоряжении звуки многих жанров и периодов, будь то популярные, эзотерические или странно традиционные. Но как сюда попал? В этом списке представлены — не исчерпывающе и с большим количеством пропусков — десять самых влиятельных произведений 20-го века, звучание которых отчетливо звучит в сегодняшней современной музыке.

Стравинский, Бернштейн, Лигети

© George Grantham Bain Collection/Fred Palumbo/Dutch National Archives

1 Игорь Стравинский, «Весна священная» , 1913

С чего начать? В балете Стравинского 1913 года собран устрашающий арсенал композиционных приемов, сформировавших музыку следующего столетия.Его нагромождение диссонансов и оркестровых текстур один поверх другого вместе с его сложными полиритмами, искаженными сложением и вычитанием, создали огромную волнующую музыкальную поверхность, которая работает за счет сопоставления и крайностей контраста. Тектонические пласты Earth Dances Харрисона Бертвистла были бы невообразимы без Le Sacre , и мы могли бы услышать двоюродного брата извилистого, минерального мрака Стравинского в кишках Ayre Хаи Черновин.

2 Альбан Берг, Воццек , 1925

Современная музыка на сцене была бы немыслима без звукового мира оперы Альбана Берга 1925 года по пьесе Георга Бюхнера о солдате, чей мир уничтожен. Опера Берга завораживает своей пронзительной лирикой, а взрывные кульминации заставляют затаить дыхание. Это своего рода постоянное затягивание драматического винта, которое мы можем услышать в опере Джорджа Бенджамина 2013 года «, написанное на коже »; Идиосинкразические оркестровые сетки Берга можно найти в «» Шарлотты Брей 2012 года «На скорости тишины » или «Х.Экспрессионист К. Грубера Скрытая повестка дня (2006).

3 Оливье Мессиан, Turangalîla-Symphonie , 1949

Шумная, щебечущая экзотика Turangalîla-Symphonie Оливье Мессиана в некотором смысле совершенно уникальна и неповторима, это восьмидесятиминутное чудовище, которое купает публику в болезненной сексуальности. (Правильно, думал его бывший ученик Пьер Булез). Тристан и Изольда встречается с ослепляющим светом Скрябина встречается с Петрушкой Стравинского .Харрисон Бертуистл указывал на его влияние, хотя его звуковой мир имеет совершенно другие цвета; но шедевр Мессиана показал, как традиционные гармонические структуры могут использоваться действительно довольно странно и в сочетании с композиционными приемами, связанными с авангардом. Восторженные танцы и крики перкуссионного концерта Джеймса Макмиллана Veni, Veni Emmanuel — лишь один из примеров экстраординарного охвата этого произведения.

4 Pierre Boulez, Le Marteau sans maître , 1955

Интуитивное, сверкающее, алхимическое: обработка Пьером Булезом поэзии Рене Шара для альта, голоса, гитары, альтовой флейты, вибрафона и ксилоримбы — одна из самых высоких точки послевоенного авангарда.Нельзя отрицать сложность музыки Булеза — ни прямого чувства мелодии или гармонии, ни явного тонального окрашивания в его оформлении сюрреалистических текстов Шара — но модулирующая паутина звуков, играющая на звуковых и тембровых связях между отдельными членами музыкального произведения. инструментальный ансамбль завораживает. Музыка Булеза кажется невесомой и спонтанной, работой фокусника, примечательной сочетанием авангардной композиционной техники со звуками балийского гамелана.

Более всего Le Marteau показал, что язык сериализма способен производить не столько «красоту», сколько что-то чарующее, отчуждающее и бесспорно волнующее. «Он был просто поэтом», — писал композитор Джордж Бенджамин. Мы можем услышать экстраординарный подход Булеза к текстуре и линии в Three Inventions Джорджа Бенджамина и таинственное смешение музыкальных традиций и звуковых миров, которое Le Marteau  пытается сделать в музыке Тору Такемицу.

5 Карлхайнц Штокхаузен, Gesang der Jünglinge , 1956

Конкретная музыка Штокхаузена пыталась стереть музыкальное прошлое, изгнав европейскую классическую музыкальную традицию, испорченную и униженную нацизмом и варварством 20-го века, проникнув в первозданность экспериментальное пространство студии звукозаписи и звуковой лаборатории. Gesang der Jünlinge передает это стремление к музыкальной чистоте – см. голоса детей из названия – но также и неизбежный, пробирающий до мурашек ужас обстоятельств, от которых пытается убежать музыка Штокхаузена: невозможность снова быть невинным.Но эта призрачная музыка открывает странный новый мир, где эти остраненные звуки могут открыть наше сознание для чего-то за пределами условностей.

Переработка голоса и электронные эксперименты Штокхаузена — на ум также приходит его Kontakte — как правило, не использовались современными классическими композиторами, которые в основном остались очарованными традиционными силами и формами или вернулись к более пышным и романтичным звучности (хотя одним исключением может быть поставщик «конкретной инструментальной музыки» Хельмут Лахенманн).Его влияние было очевидно на таких исполнителях краутрока, как Can и Neu! – Басист Can Хольгер Чукай учился у Штокхаузена – но более отдаленно и странно ощущается в современной рок-, поп-музыке и электронной музыке, когда Aphex Twin, Björk и Radiohead направляют его музыку, музыку, стремящуюся выйти за рамки самой музыки.

6 Леонард Бернстайн, Вестсайдская история , 1957

Сотрудничество Леонарда Бернстайна с Артуром Лорентом, Стивеном Сондхеймом и Джеромом Роббинсом объединило в образцовом вагнеровском стиле различные творческие дисциплины и извлекло выгоду из их потенциала — особенно когда это произошло серебряный экран в сияющем Technicolor.Но это также позволило дьявольскому музыкальному интеллекту Бернстайна проявиться в партитуре, объединившей мириады популярных стилей, звуков и традиций через оркестровку Стравинского, пышный экспрессионизм поздних романтических композиторов, таких как Штраус, и музыку к фильмам Эриха Корнгольда. Бернстайн создал музыкальный бриколаж, одновременно знакомый и странный, переосмысливая жанры и стили через пародию и коллаж, как в джазовой фуге «Крутой». Мы можем услышать его развязность и sprezzatura в колючей сексуальности Томаса Адеса Powder Her Face , который прекрасно демонстрирует беззаботную серьезность Бернстайна.

7 György Ligeti, Atmosphères , 1961

Оркестровый шедевр Дьёрдя Лигети 1961 года переворачивает наше ощущение музыкального пространства и времени своей тревожной невесомостью, плотными скоплениями микротонов – интервалами между отдельными нотами – и ускользающей текстурой. Переворачивая с ног на голову логику музыкального аргумента и движения вперед, настаивая на почти абсолютной гармонической неподвижности и подвешенности, Лигети создает музыку о плотности и весе, а не о субъекте и контрсубъекте, экспозиции и развитии.В этом и его знаменитом Lux Aeterna он изобрел композиционный язык для целого жанра музыки к фильмам, но вы можете услышать больше прямых влияний в таком произведении, как IMA (2001) венгерского композитора Петера Этвеша.

8 Джон Колтрейн, A Love Supreme , 1965

Альбом Колтрейна изменил джаз, а также современную классическую музыку. Мистический, мессианский и в высшей степени виртуозный, Колтрейн раскручивает поразительные мелодические вариации поверх авантюрных и нетрадиционных модальных гармоний, в подобном гимну и неистовом воодушевлении.Колтрейн помог размазать джаз по цветовой палитре современной музыки. Мы слышим звуковой зов Колтрейна в произведении Харрисона Бертуистла Panic для виртуозного саксофониста Джона Харла, но, возможно, Марк-Энтони Тернейдж наиболее явно выразил свое влияние в его Blood on the Floor для джазового квартета и большого ансамбля.

9 Luciano Berio, Sinfonia , 1968

Симфония всегда занимала сложное место в представлении традиции и разрыва в истории классической музыки: иногда она представляла нонконформизм и радикализм, разрушая музыкальные и оркестровые условности; с другой, представитель преемственности, мастеров прошлого, институтов концертного зала, дирижера и оркестра.«Симфония » Лучано Берио — это титаническая и странная работа, которая пытается осмыслить долги композиторов перед прошлым и то место, которое они могут занять в музыке будущего. В третьей части оркестр играет большие отрывки из Симфонии № 1 Густава Малера. 2, с усиленными голосами, читающими поверх отрывки из Сэмюэля Беккета, а также другие цитаты из произведений Дебюсси, Бетховена и Берга.

Деконструкция музыкальной истории и формы Берио, безусловно, подготовила почву для современных композиторов — таких как Питер Максвелл Дэвис, Эллиотт Картер ( Symphonia ) или София Губайдулина — которые переработали «симфонию» по-своему.

10 Steve Reich, Drumming , 1971

Огромная ансамблевая пьеса Стива Райха для перкуссии – включающая голоса и флейту – может длиться почти 80 минут. ускоряются друг против друга, создавая завораживающее впечатление, когда интенсивная поверхностная активность протекает наряду с тектоническими структурными сдвигами, которые вы можете почувствовать своими костями. Произведение Райха было вдохновлено поездкой в ​​Гану и, в частности, музыкальными традициями народа анло-эве, и оно привнесло плотные полиритмы этой музыки в словарный запас американской классической и популярной музыки.

Фазовые и массивные, медленно разворачивающиеся структуры Райха очень своеобразны, но его музыка маленьких, кумулятивных жестов широко ощущается – гитарист Sonic Youth Ли Ранальдо предполагает, что Райх научил его играть на гитаре как на ударном инструменте. Но мы также можем увидеть музыкальный язык Райха в многослойных структурах немецкого композитора Hauschka, также известного как Фолькер Бертельманн, или в более традиционных композициях Нико Мюли для оркестра, таких как Gait 2012 года.

Топ-10 известных исполнителей классической музыки и композиторов

Чаще всего классическая музыка (которая стала охватывать большое количество поджанров) имеет тенденцию либо вызывать чувство большого подъема, либо выражение скуки, в зависимости от того, с кем вы разговариваете.

Этот список из 10 лучших представляет собой попытку упомянуть некоторых из самых известных в мире исполнителей классической музыки и композиторов, чьи имена вы, возможно, знаете, а некоторые нет. Обратите внимание, что исполнители классической музыки в этом списке перечислены в произвольном порядке. Они все великолепны!

Лучшие исполнители классической музыки, композиторы и группы

1) Ребята-пианисты

The Piano Guys

Проверьте предстоящее мероприятие The Piano Guys здесь

Велика вероятность, что вы слышали о The Piano Guys, видели хотя бы одно или несколько их потрясающих видео или являетесь их фанатами, побывавшими на одном из их концертов.Хотя обычно вы видите только двух основных исполнителей, Джона Шмидта (фортепиано) и Стивена Шарпа Нельсона (виолончель), в группу входят два закулисных участника: Пол Андерсон (видео) и Эл Ван дер Бик (композитор/аранжировщик).

Как они начинали: хотите верьте, хотите нет, но «The Piano Guys» — это не просто название ансамбля, но и музыкального магазина, которым владел Пол Андерсон в Сент-Джордже, штат Юта. Джон Шмидт вошел в магазин и спросил Андерсона, может ли он потренироваться на одном из пианино в магазине перед концертом, который у него был позже той ночью.Андерсон также знал о вирусных возможностях видео и спросил Джона, не хочет ли он помочь снять промо-ролик для магазина. Из этого основного сотрудничества выросло то, что стало одним из самых успешных каналов YouTube: Sony подписала контракт с группой на лейбл еще в сентябре 2012 года. Вы можете узнать больше об отдельных артистах на главном веб-сайте «Piano Guys».

Жанр/стиль: The Piano Guys хорошо известны тем, что они опираются как на известные классические, так и на религиозные произведения и сочетают их, как прекрасное вино, с современными фаворитами поп-музыки, что придает большую привлекательность.Одним из таких популярных «мэшапов» является «Бойцовская песня» Рэйчел Платтен с известным гимном «Amazing Grace», который снимали в Шотландии с помощью местного оркестра волынщиков и барабанщиков. Им также нравится использовать саундтреки к фильмам и театрам, например, их душераздирающее исполнение «Верни его домой» из «Отверженных» и пробуждать музыкальную эстетику «Средиземья» в своих двух каверах на «Властелин колец».

2) Говард Шор

Говард Шор

Это имя навсегда стало синонимом имени Дж.Фантастическая история Р. Р. Толкина об одном хоббите, Фродо Бэггинсе, которому поручено уничтожить злое волшебное кольцо, и ему нужны девять товарищей для выполнения своей важной и, в конечном счете, душераздирающей задачи.

Ховард Шор, родившийся 18 октября 1946 года, родом из Канады и написал музыку в классическом стиле к более чем 80 фильмам, включая фильмы «Властелин колец» и «Хоббит». Другие саундтреки к фильмам, написанные Шором, включают «Большой», «Молчание ягнят», «Голый обед» и вплоть до фильма «В центре внимания» 2015 года.Как можно догадаться, Ховард Шор получил множество наград за свою невероятную работу, в том числе три премии «Оскар» и несколько «Золотых глобусов», а также получил две специальные награды своей страны за свою работу в кино и музыке.

В творчестве

Шора также есть одна опера под названием «Муха», которая основана на одноименном фильме Дэвида Кроненберга, а также другие оркестровые произведения, не написанные для кино.

3) Джон Уильямс

Джон Уильямс

В то время как Говард Шор известен тем, что помог Питеру Джексону оживить Бэг-Энд, Ривенделл и другие места Средиземья, Джон Уильямс занимает особое место в сердцах людей как композитор, тесно сотрудничавший с такими режиссерами, как Стивен Спилберг, Джордж Лукасу и Крису Коламбусу, чтобы самые популярные фильмы последних трех десятилетий запечатлелись в сознании людей таким неизгладимым образом.

Уильямс — один из старейших ныне живущих композиторов, он родился в 1932 году и рано начал учиться игре на фортепиано. Но до того, как он стал прославленным композитором, под которым мы его знаем, он учился в Джульярде, а затем работал студийным музыкантом и джазовым пианистом, поддерживая творчество Генри Манчини, а также играл на фортепиано в знаменитых фильмах «Убить пересмешника» и «Некоторые». Как это горячо. В прошлом он упоминал, что его первоначальная мечта заключалась в том, чтобы стать концертирующим пианистом, но, услышав своего современника Вана Клиберна среди других студентов Джульярда, он решил, что вместо этого ему лучше стать композитором.Конечно, это скорее помогает человеку иметь достойную меру инструментальных навыков, чтобы действительно сочинять что-либо, так что, очевидно, его навыки игры на фортепиано не пропали даром.

Некоторые люди могут возразить, что Джон Уильямс не является строго «классиком» только потому, что он работает в основном как композитор музыки к фильмам, и что они определяют «классическую музыку» как все, что написано людьми, родившимися до 20-го века. Однако они быстро забывают, что в 1984 году Уильямса специально попросили написать вступительную музыкальную тему для крупнейшего мирового спортивного события: Олимпийских игр.Таким образом, «Мечта горниста/Олимпийские фанфары» и «Призыв героев» (написанные позже, в 1996 году для Олимпийских игр в Атланте, штат Джорджия) остались в сознании людей как олимпийская музыка, и ничто другое даже близко не сможет заменить ее.

Помимо того, что он композитор, Уильямс был известен как дирижер Бостонского симфонического оркестра поп-музыки с 1980 по 1993 год. Его награды многочисленны: от пяти премий Академии до 20 премий Грэмми и трех премий Эмми. Кроме того, он был лауреатом Кеннеди-центра в 2004 году, а в 2009 году получил Национальную медаль искусств.

4) Карл Дженкинс

Карл Дженкинс

Уэльс — страна, полная мифов, легенд и невероятной суровой красоты. Артистический талант высокого уровня из этой страны является идеальным дополнением ко всем этим тайнам и легендам, и Карл Дженкинс, известный больше всего своей классической работой Adiemus, занявшей первое место в чартах, ничем не отличается. По правде говоря, он сам стал довольно легендарным.

Родившийся 17 февраля 1944 года и выросший в Пенклоуде (Пенклоут), Уэльс, Дженкинс рано начал свое музыкальное образование, главным образом у своего отца, который был хормейстером, школьным учителем и органистом.Первое серьезное участие Карла в исполнении и композиции было связано с джазовой музыкой, которая продолжалась с конца 1960-х примерно до 1972 года, когда он перешел от джаза и классики к прогрессивному року, его короткая эра закончилась в 1984 году.

Именно здесь карьера Дженкинса действительно начинает набирать обороты, поскольку впоследствии он вместе с другом основал медиа-компанию и начал сочинять и аранжировать музыку для различных телевизионных рекламных роликов. Именно в это время он вернулся к своим классическим корням, а в 1994 году, через 10 лет после распада его прог-группы, он сочинил теперь уже известный альбом Adiemus: Songs of Sanctuary, и его работа взлетела на вершины классики и нью-эйджа. чарты по всему миру.

Благодаря отсутствию у Дженкинса более традиционного тактового размера в его творчестве и потусторонней лирике в стиле вокализов, исполняемой запоминающимся вокалом Мириам Стокли и Мэри Кэрью, его первоначальные усилия Adiemus превратились в постоянное участие в ансамбле. Есть шесть основных альбомов Adiemus плюс четыре специальных сборника. Мириам Стокли, однако, не была повторно нанята для записи пятого альбома Adiemus, но осталась Мэри Кэрью, к которой присоединилась группа из Финляндии, официально названная Финскими певцами Adiemus.

Проект ансамбля Adiemus, по сути, катапультировал Дженкинса к настоящей славе и удержал его в этой стратосфере, позволив ему получить дополнительную славу за другие свои работы, такие как The Armed Man: A Mass for Peace, которая была сочинена и исполнена в 1999 году. и Requiem, выпущенный в 2005 году.

Таким образом, помимо широкой известности благодаря успеху «Адиемуса» и других произведений в классическом стиле, Дженкинс получил множество наград, в основном британского происхождения. Тем не менее, он также был награжден медалью Хопкинса от St.Общество Давида штата Нью-Йорк. Он также является первым гражданином Уэльса, получившим рыцарское звание за заслуги перед искусством в сочинении музыки и скрещивании жанров.

5) Андре Рьё

Андре Рьё

Если вы когда-нибудь были на концерте традиционной классической музыки, и все в зале одеты формально, сидят очень вежливо и тихо, никогда не чувствуя себя позволенными смеяться, не говоря уже о кашле, несмотря на то, что музыка довольно красивая и радостная, и Вы подумали: «Неудивительно, что многие люди думают, что классическая музыка скучна». Вы не одиноки.Андре Рье (Ри-ай-оо), один из ведущих скрипачей и дирижеров оркестра, думает так же.

Родившийся 67 лет назад в Маастрихте, Голландия, 1 октября 1949 года, и музыкант с самого раннего возраста, Андре Рье показывает своими воодушевляющими концертами, что он настоящий романтик, а также лидер оркестра, меняющий жанры, с милой — звучит Страдивари в руке.

Да, он и его оркестр Иоганна Штрауса вернули в сознание людей искусство вальса старой школы, но он сделал это в веселой и яркой манере, которая делает классическую музыку эмоционально доступной для людей всех возрастов.Это особенно верно, когда он смешивает более популярную музыку из музыки к фильмам и мюзиклам, а также привносит выступления из жанров рок и поп.

Его общий стиль и философия основаны на идее о том, что классическая музыка — да и вообще вся музыка — должна приносить удовольствие. Любой, кто смотрел его концерты на DVD и в Интернете через YouTube, довольно часто видел, как его разнообразная аудитория смеется, хлопает и танцует под музыку, которую он, его оркестр и другие приглашенные исполнители включили в музыкальное меню.

И это все, чего он хочет как музыкант: чтобы его публика веселилась, и он даже говорит, что его концерты продолжаются и продолжаются, потому что он любит так много давать своей публике.Этот свободомыслящий, романтический стиль, конечно, кажется чем-то вроде анафемы его критикам, которые говорят, что Рье слишком сентиментален, а его концерты слишком «легкие», чтобы быть «правильными» классическими исполнениями.

Однако ясно, что Рье не прислушивается к таким точкам зрения или воспринимает их всерьез, так как он не отказался от своего фирменного стиля веселья и да, романтики тоже. Он не только выпустил свой новейший компакт-диск в ноябре 2016 года, но в настоящее время объявляет о своем турне по США в 2017 году, поэтому, если вы любите классическую музыку, но хотите повеселиться, сходите на концерт Андре Рье и погрузитесь во все радость и красота, с которыми вы можете справиться.

Его личные награды за работу распространяются в основном на:

• Кавалер Ордена Голландского Льва (награжден в 2002 г.)
• Почетная медаль провинции Лимбург (родная провинция Рье; награжден в 2009 г.)
• Рыцарь Ордена искусств и литературы (из Франции; награжден в 2009)

6) Фредерика фон Штаде

Фредерика фон Штаде (Источник изображения: sfopera.com)

Часто говорят, и совершенно правильно, что если ваш голос профессионально обучен, он может звучать всю жизнь.Фредерика фон Штаде, родившаяся 1 июня 1945 года, является классической исполнительницей, которая снова и снова доказывает это.

Кажется, что когда люди составляют 10 лучших списков классических исполнителей и включают в список певиц, они, как правило, выбирают лирические или колоратурные сопрано, а меццо-сопрано, одной из которых является Фредерика, обычно получают отодвинут в сторону. Нет в этом списке. Есть много прекрасных меццо. Опять же, Фредерика фон Штаде — одна из них, и вполне справедливо.

Фредерика родилась в Нью-Джерси в семье солдата армии США, который играл в поло, но был убит в бою еще до ее рождения. Происхождение Фредерики не так прочно связано с музыкой, как это часто бывает у других классических музыкантов.Но ее интерес к музыке ясно проявился после поступления в Музыкальный колледж Маннеса в Нью-Йорке. Ее карьера началась, когда ей было около 20 лет, она начала работать в Метрополитен-опера, а затем в опере Санта-Фе, где она получила роль Керубино в опере Моцарта «Свадьба Фигаро», где пела вместе с великим Кири те Канавой, еще одним новичком в опере Моцарта. оперный мир того времени.

Ее твердое исполнение роли Керубино принесло ей начало международной части ее карьеры, поскольку она повторила эту роль в своем европейском дебюте в Версале в 1973 году.Но опера — не единственная ее любовь. Бродвейские шоу — еще одно ее любимое место, потому что в день инаугурации Джимми Картера она спела «Take Care of This House» из шоу Леонарда Бернстайна «1600 Pennsylvania Avenue». Позже она выступала не только в Метрополитене, но и на Бродвее, где «Шоу Лодка» и «Звуки музыки» были двумя из многих мюзиклов, которые помогли сформировать эту часть ее карьеры.

Но то, что ты меццо-сопрано с классическим образованием, не означает, что для тебя не пишут современные партии.Многие современные композиторы сделали именно это для фон Штаде, в том числе произведение под названием «Элегии», задуманное как памятник отцу Фредерики. Премьера состоялась в 1998 году, а в 2008 году она появилась в современной опере «Три декабря», исполнив роль Мадлен, которую композитор Джек Хегги написал специально для фон Штаде.

Ее записей так же много, как и живых выступлений. Одна юмористическая запись из многих «серьезных» списков выделяется, поскольку это теплый, забавный компакт-диск, созданный совместно с Гарнизоном Кейлором из A Prairie Home Companion, под названием Songs of the Cat.

Награды Фредерики включают высшую награду Франции как офицера Ордена искусств и литературы, а также степень почетного доктора Кливлендского института музыки.

7) Йо-Йо Ма

Yo-Yo Ma

Десять лучших исполнителей классической музыки были бы неполными без упоминания самых известных виолончелистов мира. Музыкальный вундеркинд, родившийся 7 октября 1955 года, Ма американец китайского происхождения, но именно так случилось, что он может объявить Париж, Франция, своим местом рождения.

В то время как его отец, композитор и учитель музыки, будил обоих своих детей довольно рано, чтобы попрактиковаться на соответствующих инструментах, формируя в Йо-Йо Ма тот сильный источник дисциплины, которым известны многие классические исполнители, Ма также известен своей растяжкой. границы и выступления с такими людьми, как Бобби Макферрин, которого не обязательно отнести к категории «классических исполнителей», не говоря уже об исполнении Ма в жанрах, не входящих в сферу классической музыки, что делает эксперименты и творчество частью его творчества. индивидуальный стиль.

Само собой разумеется, что музыка является исцеляющим бальзамом во времена трагедии, и Ма снова доказала это, когда ее попросили сыграть на церемонии, посвященной первой годовщине терактов 11 сентября.

Дискография

Ма, конечно, довольно длинная, с музыкой от Баха до танго, и он является одним из основных записывающихся исполнителей Sony Classical в течение 30 лет, наряду с репутацией классического музыканта, возглавляющего чарты Billboard.

Среди наград и почетных знаков Ма, он многократный обладатель Грэмми, был лично выбран Энгом Ли для участия в саундтреке к фильму «Крадущийся тигр, затаившийся дракон», получил Национальную медаль искусств и в настоящее время служит Посланником мира ООН

8) Джесси Норман

Jessye Norman

Выбор классических певцов для этого списка был немного сложным, так как есть так много замечательных исполнителей.Но действительно трудно не упомянуть одно из лучших сопрано оперы: Джесси (просто произносится как «Джесси») Норман.

Родившаяся в сентябре 1945 года, музыкальное образование Норман связано с любительской музыкой ее семьи, как дома, так и в церкви, а когда ей было девять лет, ей подарили радио на день рождения. Благодаря этому радио она открыла для себя оперу, слушая еженедельные передачи Метрополитен-опера каждую субботу, и вскоре начала слушать записи Мэриан Андерсон, и она даже называет Андерсона одним из своих главных источников вдохновения.

Ее списки выступлений, наград и записей в совокупности удивительно обширны и заняли бы еще одну короткую статью. Она наиболее известна как драматическое сопрано, но ее диапазон настолько широк, что многие критики назвали ее голосовой диапазон «Соколом». теплый, но с драматическим диапазоном сопрано. По иронии судьбы, Норман никогда не любила классифицировать себя, поэтому она часто заканчивала тем, что выбирала роли, которые чаще всего предназначались для меццо, вместо того, чтобы ограничивать себя ролями, которые конкретно подходили к ее голосу «Сокола», предпочитая вместо этого руководствоваться своими инстинктами, что, как она чувствовала, было бы лучше. подходить к ее голосу.Сюда входит около шести вагнеровских ролей, а также заглавная роль в «Кармен» среди многих-многих других.

Ее награды и почетные знаки включают награду Ордена искусств и литературы, признанного исполнителя на Олимпийских играх 1996 года в Атланте, штат Джорджия, а в 1997 году она была одним из самых молодых лауреатов Кеннеди-центра. И это только три из ее наград в начале и середине карьеры. Ее последней наградой в 2015 году была премия Вольфа в области искусства, награда, присуждаемая некоммерческой организацией в Израиле, что-то вроде Нобелевской премии, поскольку она охватывает такие области, как наука, сельское хозяйство, химия, математика, медицина, и физика.

Она больше не исполняет оперы, предпочитая вместо этого в этой последней части своей карьеры просто сосредоточиться на сольных концертах, а также на своей различной работе в советах и ​​советах Нью-Йорка.

9) Пласидо Доминго

Пласидо Доминго

Какой была бы «десятка» классических исполнителей без упоминания человека, получившего титул «Король оперы»? Упомяните имя Пласидо Доминго любому, кто хоть немного знаком с оперой или латиноамериканской музыкой, или даже с покойной звездой кантри-фолка Джоном Денвером, и вы, вероятно, вызовете по крайней мере приличную улыбку, если не широкую улыбку, когда он является одним из самых узнаваемых голосов в мире оперы в целом.

Он родился в Мадриде, Испания, но переехал в Мексику со своими родителями, когда ему было восемь лет. Однако перед переездом Доминго очень рано проявил способности к пению благодаря своей способности напевать сложные мелодии одной из сарсуэл из компании его родителей. Между прочим, сарсуэла — это испанское лирико-драматическое шоу с сильными оперными качествами, включающее как разговорные, так и песенные сцены, чем-то похожее на наши современные бродвейские и вест-эндские мюзиклы.

Поначалу Доминго считал себя баритоном, но после того, как он дважды заменял заболевших или получивших травмы теноров, в конце концов он сделал больше набегов на теноровый диапазон.При этом его редкая попытка исполнить более высокую партию тенора бельканто, партию «Энеэ» в «Троянцах» Берлиоза, оказалась именно такой: редкой. Он спел четыре из шести исполнений этой роли по контракту, одно из которых было показано по телевидению, но после этого он больше никогда не пел эту роль, придерживаясь более драматических теноровых ролей.

Карьера Доминго взлетела достаточно бурно в 1980-х благодаря его работе с Джоном Денвером и, конечно же, его последующим оперным выступлениям, что создатели «Улицы Сезам» придумали персонажа по имени «Пласидо Фламинго».Это было что-то вроде любовной пародии на имя оперного тенора, в то время как маленькие дети учили классической музыке так, как их родители, возможно, не смогли бы.

Кроме того, богатый, теплый, драматический вокал Доминго только в латиноамериканских и легких для прослушивания жанрах помог ему достичь своей цели познакомить больше людей с оперой или, по крайней мере, с оперным стилем пения.

Еще одним способом, которым он помог познакомить людей с миром оперы, было в 1990-х годах, когда он объединил усилия с Хосе Каррерасом и Лучано Паваротти, чтобы сформировать метко прозванное «Три тенора», которые, как трио, получили дальнейшее признание.

В последние годы Доминго не только переключился на роли баритона, но и немало дирижировал, а также работал в административном секторе в качестве директора оперной труппы. Некоторые из его наград включают несколько латинских Грэмми, звание командующего французским Почетным легионом, многочисленные почетные докторские степени и звание почетного кавалера ордена Британской империи.

10) Лучано Паваротти

Лучано Паваротти

Те, кто вырос на «Трех тенорах», знают о довольно пухлом итальянце, составлявшем одну треть трио.Тем не менее, другие, возможно, выросли, слушая Паваротти по-другому, в основном из еженедельных передач Метрополитен-опера, среди прочего.

Паваротти, как и многие другие артисты из этого списка, вырос в какой-то музыкальной атмосфере. Его отец тоже был прекрасным тенором, но не стал делать карьеру из-за нервов. Это не остановило молодого Лучано, на которого в основном повлияли Энрико Карузо, Марио Ланца и Джузеппе Ди Стефано. Как и многие другие итальянские мальчики, Паваротти увлекался футболом (то, что в США и Канаде называют футболом).Поэтому, пока он изучал голос, он также подумывал о карьере вратаря.

Его мать, Адель, с другой стороны, убедила Лучано продолжить преподавание, и он обязал ее преподавать в начальной школе в течение двух лет, когда желание петь в конечном итоге взяло верх. Именно тогда он начал серьезно заниматься музыкой в ​​возрасте 19 лет, а год спустя, в 1955 году, он добился своего первого певческого успеха на Международном Эйстедфодде, ежегодном музыкальном фестивале в Уэльсе.

Позже, когда его карьера по-настоящему началась в 60-х и 70-х годах, он часто пел с дамой Джоан Сазерленд, которой он приписывал технику дыхания, которая помогала его голосовым связкам оставаться здоровыми.Все это произошло после того, как несколькими годами ранее был обнаружен узелок, вынудивший его на время отказаться от пения.

Карьера Паваротти с тех пор росла и в конечном итоге выдвинула его на передний план оперы бельканто, в частности за одну роль — Тонио в опере Доницетти «Дочь полка», — за что он получил прозвище «Король высоких до» из-за его успеха в несколько высоких троек по ходу выступления. Он начал эту конкретную роль в труппе Королевской оперы и повторил эту поразительную последовательность высоких «С» в дебюте в нью-йоркской Метрополитен-опера.Это не только подтвердило его прозвище, но и принесло ему рекордное количество вызовов на занавес — 17.

Вплоть до 1990-х годов Паваротти был известен в основном в семьях, ценивших оперу. Именно когда он объединился с Каррерасом и Доминго, все больше и больше людей за пределами оперного мира начали узнавать и узнавать его имя. Это новое признание было также связано с тем, что его версия знаменитой арии Nessun Dorma была выбрана в качестве музыкальной темы для освещения BBC чемпионата мира по футболу 1990 года, проходившего в том же году в Италии.

Благодаря такой экспозиции из немузыкальной площадки, ария приобрела что-то вроде «попсового» статуса и в результате стала фирменной арией Паваротти. Вслед за чемпионатом мира последовал знаменитый концерт «Трех теноров» в Риме, где Паваротти заиграл еще одну известную арию O Sole Mio, и, к радости публики, Каррерас и Доминго решили немного развлечься. и подражал Паваротти.

Паваротти продолжил работу в разных жанрах, создав «Паваротти и друзья», что также стало частью его гуманитарной деятельности.Эта попытка была не только благотворительной, но и познакомила людей с оперой и сделала ее эмоционально доступной.

Он сделал это, задействовав поп-таланты различных певцов, таких как Брайан Адамс, Аарон Невилл, Селин Дион, Боно и многих других. Еще раз доказав, что его сердце такое же большое, как и его голос, Паваротти открыл школу в Боснии, чтобы молодые музыканты могли получить желаемое образование. Сараево, в ответ, сделал его почетным гражданином.

Паваротти спел свой последний спектакль в начале 2006 года.Позже в том же году у него был диагностирован рак поджелудочной железы, и хотя ему сделали операцию по удалению опухоли, и он оптимистично планировал попытаться продолжить свою музыкальную деятельность, этого не произошло. Паваротти умер в 2007 году после тяжелого боя. Он может уйти, но его наследие живет в работе, которую он проделал для мира музыки, и в его гуманитарных усилиях.

Наслаждайтесь списком известных и популярных композиторов и исполнителей классической музыки

Вот и вы, десятка самых известных исполнителей классической музыки как 20-го, так и 21-го веков.Это было действительно трудное решение, так как многие могли быть выбраны, но были некоторые имена, которые были очевидным выбором, и их нельзя было не учитывать. Мы надеемся, что это даст вам достаточно вкуса, чтобы вы могли исследовать этот жанр музыки с удовольствием и радостью.

.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*