Картины в одном цвете: ТМ Цветной картины по номерам в интернет-магазине Wildberries

Содержание

От линии к цвету: 5 картин Пита Мондриана

©Пит Мондриан

Пит Мондриан. «Мельница в солнечном свете». 1908

Работу, которая сейчас находится в собрании Муниципального музея Гааги, можно считать одной из наиболее ярких иллюстраций раннего периода творчества Мондриана и его кратковременного увлечения импрессионизмом. В этой картине уже явно виден конфликт в творчестве художника, яркие пигменты, влияние фовизма и работ Ван Гога как бы противопоставляются традиционному голландскому мотиву, так часто встречавшегося в работах его предшественников и увлеченных классикой современников. Желто-голубой фон контрастирует с красно-синей мельницей, написанной нарочито грубыми мазками. Даже в этой работе проглядывает некая схематичность и геометричность композиции, к которой художник придет гораздо позже. Увидеть конкретно эту работу художника на выставке в Москве не удастся, но в Третьяковке будут представлены другие произведения этого периода.

Триптих «Эволюция» (Evolution).

1911

© Пит Мондриан

Пит Мондриан. Триптих «Эволюция». 1911

С середины 1900-х годов Мондриан увлекся символизмом и теософскими течениями Рудольфа Штайнера и Елены Блаватской. Влияние этого увлечения заметно, например, в работе «Набожность» 1908 года, которую можно будет увидеть на выставке. Не увидят москвичи в этот раз, к сожалению, самое важное произведение этого периода – триптих «Эволюция». Знаковое произведение художника, в котором «теософский символизм  соединяется с жесткостью линий». На картине показаны «три этапа познания», что отражает религиозные взгляды и моральные принципы Мондриана в тот период.

«Серое дерево» (The Grey Tree). 1912

© Пит Мондриан

Пит Мондриан. «Серое дерево». 1912

В 1911 году Мондриан уехал в Париж, где прожил до июля 1914 года. Это период его увлечения кубизмом, работами Пабло Пикассо и Жоржа Брака. В этот период он отдает предпочтение графическим работам, оставляя цвету второстепенное значение в пику колористическому кубизму Фернана Леже и Робера Делоне.

  В этот период Мондриан постепенно отказывается от трехмерности изображения, оставляя лишь линии на плоскости холста. Одновременно художник не оставляет и свою давнюю серию вариаций мотива дерева, некоторые из этих работ можно также увидеть на выставке в Третьяковской галерее. В работе 1912 года «Серое дерево» уже видно как на место изогнутых линий приходят горизонтали и вертикали,  пока еще прерываемые косыми линиями, от которых Мондриан откажется лишь в 1914. Этот мотив – взаимоотношений вертикального (мужского) и горизонтального (женского) – появился в его творчестве несколько раньше, но и в дальнейшем художник продолжал поиски идеальной гармонии между этими двумя началами в своих произведениях.

«Композиция с Красным, Желтым, Синим и Черным» (Composition with Red, Yellow, Blue and Black). 1921

© предоставлено отделом по связям с общественностью Государственной Третьяковской галереи

Пит Мондриан. «Композиция с Красным, Желтым, Синим и Черным». 1921

Наиболее узнаваемые работы художника — его поздние абстрактные произведения, названия которых отличаются в основном нумерацией. Его «геометрическая» живопись – неопластицизм, как назвал свою живописную систему сам автор – во многом перевернула представления современников и потомков об искусстве. Самая известная его работа в этом направлении -«Композиция с Красным, Желтым, Синим и Черным», написанная в 1921 году. Именно об этой работе вспоминают в первую очередь, когда говорят о «мондриановской манере», и ее можно будет увидеть на выставке в Москве. В 1960-х Ив Сен-Лоран вдохновившись стилем художника (и «Композицией» 1921 года в частности) создал целую серию лаконичных платьев с абстрактными геометрическими узорами, которые сейчас стали одним из узнаваемых символов модного дома.

«Победа буги-вуги» (Victory Boogie Woogie). 1942-1944

© Пит Мондриан

Пит Мондриан. «Победа буги-вуги». 1942-1944

Эту картину Мондриан закончил в 1943 году, вскоре после своего переезда в Нью-Йорк (в 1938 году он бежал в Америку из охваченной фашизмом Европы). Искусствоведы называют эту работу кульминацией стиля художника и принципов неопластицизма. В отличие от ранних абстрактных произведений, квадраты здесь мельче и ярче, здесь нет ни одного черного пятна, а ячейки чистого цвета лишь оттеняют белое пространство холста. В этой работе нашли отражение шумные достопримечательности и звуки Нью-Йорка 1940-х. Главная отличительная особенность картины – ее ромбовидная форма, холст повернут на 45 градусов. Сейчас картина находится в коллекции музея Гугенхайма в Гааге. Это последнее произведение художника, над которым он работал перед тем, как попасть в больницу. Мондриан скончался от воспаления легких 1 февраля 1944 года и был похоронен в Бруклине.

Узнать подробнее о творчестве художника можно будет на лекции «Пит Мондриан: Пионер абстрактной живописи», которую прочтет эксперт по живописи художника, руководитель музея современного искусства Парижа Бриджит Леаль. 

В Третьяковской галерее на Крымском валу, 20 сентября (пятница) в 19. 00

Материал подготовлен на основе информации открытых источников

Сочетание цвета в интерьере – смотрите таблицу

Таблица сочетания цвета в интерьере

Полезная таблица сочетания цвета в интерьере, которую можно пользоваться при оформления дизайна стен и других предметов интерьера. В данном случае, вы можете применить эту таблицу, при подборе модульной картины для вашего интерьера, кухни, гостиной, спальни или прихожей.

 

Посмотрите какие бывают интерьерные модульные картины

 

Таблица 1.

 

Цвет Хорошо сочетается с цветом Не сочетается с цветом
Серый Голубой, розовый, коричневый, желтый, красный, черный, синий, сиреневый Зеленый, оранжевый
Сиреневый Серый, каштановый, светло-фиолетовый Красный, оранжевый, желтый, коричневый, черный
Фиолетовый Светло-зеленый, золотистый, оранжевый, желтый Темно-зеленый, коричневый, серый, красный
Розовый Коричневый, серый, бордовый Желтый, оранжевый, черный
Коричневый Золотистый, серый, бежевый, розовый, желтый Каштановый, бордовый, сиреневый
Синий Красный, серый, бордовый, золотистый Зеленый,сиреневый, коричневый
Голубой Красный, оранжевый, синей,светло-фиолетовый Золотистый, желтый, бордовый
Зеленый Красный, черный, бордовый, желтый, оранжевый. Серый, фиолетовый, синий
Желтый Серый, фиолетовый, коричневый, зеленый, черный. Сиреневый, голубой, бордовый, розовый.
Красный Синий, зеленый, серый, золотистый, желтый, черный Фиолетовый, каштановый, коричневый
Белый Со всеми цветами совместим!  Таких просто нет!
Черный Красный, серый, белый, желтый, зеленый. Розовый, сиреневый, бежевый

 

 

Сочетание серого цвета с другими цветами интерьера.

Серый цвет можно сказать универсальный, визуально он сочетается с большим количеством цветов.  Здесь представлены только те, которые совместимы. Согласно таблице с серым цветом хорошо сочетаются следующие цвета (перечисление с лева на право):

  • Голубой
  • Розовый
  • Коричневый
  • Желтый
  • Красный
  • Черный
  • Синий
  • Фиолетовый
Сочетание серого цвета в интерьере

Пример того, как можно с помощью модульной картины, оформить стену в спальне, с использованием совместимых цветов, серого и розового.

Сочетание серого цвета пример в интерьере

 

 

Сочетание сиреневого цвета с другими цветами в интерьере.

Сиреневый цвет сочетается с таким цветами:

  • Серый
  • Каштановый
  • Светло-фиолетовый
Сочетание сиреневого цвета с другими цветами

 

В интерьере, на примере модульной картины, это может выглядеть так:

Сочетание сиреневого цвета с другими цветами пример в интерьере

 

 

Сочетание фиолетового цвета с другими

Приятный фиолетовый цвет довольно распространен для интерьера спальни, и его удачно можно использовать в сочетании:

  • Светло зеленый
  • Золотой
  • Оранжевый
  • Желтый
Сочетание фиолетового цвета с другими цветами

 

Фото пример сочетания фиолетового цвета в спальне. Можно повесить картину с золотистыми, оранжевыми и желтыми тонами.

Сочетание фиолетового цвета с другими цветами фото в интерьере спальни

 

 

Сочетание розового цвета в интерьере с другими цветами

Посмотрите как можно совместить розовый цвет, с другими цветами интерьера. Хорошо совместимы6

  • Коричневый
  • Серый
  • Бордовый
Сочетание розового цвета с другими цветами

Очень красивые сочетание модульной картины с розовыми цветами магнолии на белом фоне. Все цвета идеально сочетаются между собой.

Сочетание розового цвета с другими цветами фото в интерьере спальни

 

 

Сочетание коричневого цвета с другими в интерьере

Коричневый это популярный цвет интерьера, особенно если речь идет о мебели, покрывала, ковров и так далее, поэтому этот цвет очень важно правильно сочетать с другими цветами. Коричневый хорошо совместим со следующими оттенками цветов:

  • Золотой
  • Серый
  • Бжевый
  • Рощовый
  • Желтый
Сочетание коричневого цвета с другими цветами

Пример того как можно сочетать коричневый цвет в интерьере. Модульная картина, триптих и тремя букетами цветов в абстрактном стиле.

Сочетание коричневого цвета с другими цветами фото в интерьере гостиной

 

 

Сочетание синего цвета в интерьере

Синий цвет подходит для гостиных.

Синий цвет способствует приятному общению. Идеальное сочетание синего цвета это:  

  • Красный
  • Серый
  • бордовый
  • Золотой
Сочетание синего цвета с другими цветами

Пример того как смотрится в интерьере синяя картина на фоне красной стены, золотистого пола и серых подушек.

Сочетание синего цвета с другими цветами фото в интерьере

 

Сочетание голубого цвета в интерьере спальни

Голубой цвет хорошо сочетается со следующими цветами интерьера:

  • Красный
  • Оранжевый
  • Синий
  • Светло-фиолетовый
Сочетание голубого цвета с другими цветами

На примере модульной картины в спальне видно сочетание голубой кровати, голубых светильников, в картине присутствуют оранжевый, красный, и светло-фиолетовые оттенки. За счет хорошей совместимости цвета в интерьере достигается наиболее гармоничный вид.

Сочетание голубого цвета фото в интерьере спальни

 

 

Сочетание зеленого цвета в интерьере, с другим цветом.

Зеленый, это интересный цвет, который часто встречается в интерьере, в виде предметов интерьера, растительной зелени или картин. Зеленый сочетается со следующими цветами:

  • Красный
  • Черный
  • Бордовый
  • Желтый
  • оранжевый
Сочетание зеленого цвета с другими цветами

Пример сочетания зеленого в интерьере гостиной. Модульная картина зеленого цвета на фоне желтой стены. Хороший пример гармоничной совместимости цветов интерьера.

Сочетание зеленого цвета фото в интерьере желтой гостиной

 

 

Желтый цвет и его сочетание в интерьере.

Желтый цвет хорошо сочетается в интерьере с:

  • Серый
  • Фиолетовый
  • Коричневый
  • Зеленый
  • Черный
Сочетание желтого цвета с другими цветами

Хороший пример в интерьере спальни, как желтый цвет может сочетаться с другими цветами интерьера.  Желтая стена, фиолетовая картина, серые светильники, серая спинка кровати, коричневая мебель.

Сочетание желтого цвета в интерьере спальни

 

 

Сочетание красного цвета в интерьере.

Красный цвет в интерьере очень популярный, и его нужно уметь правильно сочетать с другими цветами. Вот основные цвета с которыми он хорошо совместим.

  • Синий
  • Серый
  • Золотой
  • Зеленый
  • Желтый
  • Черный
Сочетание красного цвета с другими цветами

Как видно из списка совместимых цветов, красный цвет довольно универсальный, и сочетается со многими оттенками. Вот очень хороший фото пример в интерьере гостиной. Висит картина с желтыми, и золотистыми оттенками, по бокам темные полосы. Сбоку зеленое дерево. Также снизу стоит белый диван с черными подушками, и все это на фоне красной стены! Идеальный пример сочетания красного цвета!

Сочетание красного цвета фото в интерьере гостиной

 

 

Сочетание белого цвета в интерьере

Как видно из таблицы, которая расположена в начале статьи, белый цвет, это цвет который совместим со всеми другими цветами, и нет цветов которые могли с ним не сочетаться. И это естественно, ведь белый цвет – источник всех остальных цветов.

 

 

Сочетание черного цвета в интерьере

Строгий черный цвет, тоже считается универсальным цветом, но и для него есть некоторые цвета которые лучше всего будут сочетаться. Это следующие цвета:

  • Красный
  • Серый
  • Белый
  • Зеленый
  • Желтый
Сочетание черного цвета с другими цветами

Вот такое я подобрал сочетание черного в интерьере гостиной. Черный представлен в картине, в которой он уже сочетается с красным, на фоне серой стены, с белым диваном и желтыми подушками. Рядом стоят белые торшеры. Получается, что собрал почти все цвета которые сочетаются с черным, кроме зеленого.

Сочетание черного цвета фото в интерьере

 

Таблицу, и визуальные примеры, картинки с интерьерами помогут вам лучше понять, то как сочетаются разные цвета. Все это можно применить при оформлении интерьера, и конечно же при подборе модульной картины к вашему интерьеру, спальни, гостиной, кухни или прихожей.

Оставляйте ваши комментарии, и смотрите наш каталог модульный картин для интерьера!

 

Посмотреть каталог модульных картин для интерьера

картины, биография, разбор работ, личная жизнь художника.

«Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу».

Художник на фоне картины «Маленькие радости». 1913 год

16 декабря 1866 года родился Василий Кандинский — художник, теоретик искусства, основоположник абстракционизма, человек, перевернувший привычные представления о живописи, который вписал свое имя в мировую историю искусства. Его картины находятся в музеях по всему миру, а его творческое наследие стоит на аукционах миллионы долларов…

Начало пути. От науки — к живописи. 1866–1895

Кандинский родился в Москве, в семье успешного коммерсанта. Когда мальчику было пять лет, семья переехала в Одессу. Здесь Василий получил не только классическое гимназическое образование, но и частным образом обучался музыке и живописи.

Родители видели сына юристом, и он не ослушался их. Более того, он поступил и блестяще закончил юридический факультет МГУ. Женился, остепенился, занимался наукой. В 1893 году стал преподавателем родного факультета, а три года спустя 30-летнему Кандинскому Дерптский университет в Тарту предложил место профессора юриспруденции, но молодой ученый отказался. Он уже решил оставить науку ради живописи…

Становление художника. 1896–1911

К тому времени Василий Кандинский окончательно разочаровался в науке: «Я решил оставить свои занятия наукой. Прежде всего я убедился, что неспособен к постоянному усидчивому труду, но во мне нет еще более важного условия — нет сильной, захватывающей все существо любви к науке, а самое важное — во мне нет веры в нее».

Кандинский продолжал рисовать, будучи ученым, а все свободное время отдавал искусству, музеям, театру… В 1895 году картина «Стога» Клода Моне и опера Рихарда Вагнера «Лоэнгрин» потрясли Кандинского. И в 1896-м он отправляется в Германию, в Мюнхен, в частную школу художника Антона Ажбе. Там кроме него учились Алексей Явленский, Марианна Веревкина, Мстислав Добужинский, Кузьма Петров-Водкин, Игорь Грабарь.

В 1900-м Кандинский поступил в Мюнхенскую академию живописи, в класс Франца фон Штука, одного из лучших немецких рисовальщиков. Учитель был доволен учеником, хотя и находил его палитру слишком яркой.

Активный, бьющий энергией Василий Кандинский как магнит притягивал к себе людей и как вирус заражал их своими идеями. Он организовал группировку «Фаланга», в которой сам устраивал выставки и сам преподавал. На одном из таких уроков и произошла встреча художника с ученицей Габриэлой Мюнтер, его второй женой.

С ней Кандинский путешествовал по Европе, посещал Америку и Россию. Затем вернулся в Баварию, поселился в Мурнау и продолжил эксперименты — писал экспрессионистские пейзажи окрестностей, пробовал себя в фовизме и абстракции.

Одесса. Порт. 1898. Государственная Третьяковская галерея

Ахтырка — Темное озеро. 1901. Мюнхен, Германия. Городская галерея в Лебаххаусе

Изар около Grosshessolohe. 1901. Мюнхен, Германия, Городская галерея в Ленбаххаусе

Синий всадник. 1903. Цюрих. Частная коллекция

«Синий всадник». 1911–1914

Так называлась картина, написанная Кандинским в 1903 году, альманах и художественное объединение, которые появились в 1911-м. Его вдохновители — друзья-художники Василий Кандинский и Франц Марк. Теперь «акцент делался на выявлении ассоциативных свойств цвета, линии и композиции, а привлекались при этом столь различные источники, как романтическая теория цвета Гете и Филиппа Рунге, югендстиль и теософия Рудольфа Штайнера», — писал живописец.

Мастерская художника стала научной лабораторией, в которой ставились опыты, ради получения нового знания. Не будем забывать, что Кандинский был ученым и поиск истины, взаимосвязь современных теорий и современного искусства были очень важны для него. Эти опыты вылились в книгу Кандинского «О духовном в искусстве» — первый труд художника, посвященный абстракции.

«Живопись есть искусство, и искусство в целом не есть бессмысленное созидание произведений, расплывающихся в пустоте, а целеустремленная сила; она призвана служить развитию и совершенствованию человеческой души… Живопись — это язык, который формами, лишь ему одному свойственными, говорит нашей душе о ее хлебе насущном».

Кандинский и революция. 1914–1921

С началом Первой мировой войны Кандинский расстается с Габриэлой Мюнтер и переезжает в Москву. Здесь в 1916 году он встречает Нину Андреевскую, свою третью жену. В послереволюционной России у Кандинского много дел: он сотрудничал с ИЗО Наркомпроса, создавал музеи современного искусства в 22 городах провинции, преподавал в «Свободных мастерских» и ВХУТЕМАСе.

Читайте также:

Однако учение Кандинского в штыки восприняли конструктивисты Варвара Степанова, Александр Родченко и Любовь Попова, ставившие во главу угла рациональный подход. Живописец критиковал их в ответ: «Если художник использует абстрактные средства выражения, это еще не означает, что он абстрактный художник. Это даже не означает, что он художник. Форма без содержания не рука, но пустая перчатка, заполненная воздухом».

Проникновение социалистической идеологии в искусство Кандинскому не по душе. В декабре 1921 года он отбыл с женой в Берлин для организации там отделения Российской академии художественных наук. И больше в Россию не возвращался.

Мурнау. Сад. 1909. Швейцария, коллекция Мерцбахера

Картина с тремя пятнами.1914. Мадрид, Испания. Коллекция баронессы Тиссен

Смутное. 1917. Государственная Третьяковская галерея

Белая линия. 1920. Кёльн, Германия. Музей Людвига

Баухаус. 1922–1932

Вальтер Гропиус, основатель Высшей школы строительства и художественного конструирования (Баухаус), пригласил Кандинского возглавить мастерскую настенной живописи. Одновременно с преподаванием Василий Васильевич выпускает книгу «Точка и линия на плоскости», участвует в выставках в США и там же читает лекции.

В его живописи появляется больше геометрии, особенно кругов: «Круг, который я использую в последнее время столь часто, можно назвать не иначе как романтическим. И нынешняя романтика существенно глубже, прекраснее, содержательнее и благотворнее: она — кусок льда, в котором пылает огонь. И если люди чувствуют только холод и не чувствуют огня — тем хуже для них…»

В 1932 году пришедшие к власти в Германии национал-социалисты закрыли Баухаус — и чета Кандинских переехала во Францию.

Парижские годы. 1933–1944

Парижские мастера живописи восприняли приезд Кандинского весьма прохладно, поскольку не любили, во-первых, иностранцев, а во-вторых, абстракционизм. Поэтому художник общается только с друзьями и продолжает экспериментировать с кистью в руках. Краски на его картинах бледнеют, а формы становятся биоморфнее. Публика и коллеги по цеху не понимали и не принимали его искусство, но Кандинский оставался верен себе: «Абстрактное искусство создает рядом с «реальным» новый мир, с виду ничего общего не имеющий с «действительностью». Внутри он подчиняется общим законам «космического мира». Так, рядом с «миром природы» появляется новый «мир искусства» — очень реальный, конкретный мир. Поэтому я предпочитаю так называемое «абстрактное искусство» называть конкретным искусством».

Синий круг. 1922. Нью-Йорк, Музей Соломона Гуггенхайма

Зеленый и красный. 1925. Лондон, аукционный дом Christie’s

Движение I. 1935. Государственная Третьяковская галерея

Небесно-голубое. 1940. Париж, Национальный музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду

Кандинский и музыка

Василий Кандинский был сторонником теории взаимодействия и объединения различных видов искусства. Он играл на фортепиано и виолончели, обожал театр и мечтал соединить цвет, музыку и сцену. Даже названия его работ звучали по-музыкальному — «композиции» и «импровизации».

Еще в 1910-е годы Кандинский создал четыре сценические композиции: «Зеленый звук», «Фиолетовый занавес», «Черный и белый» и «Желтый звук». Последняя считалась самой значительной и интересной. Ее либретто было опубликовано в альманахе «Синий всадник» в 1912 году.

В 1914-м Кандинский вместе с композитором Фомой Гартманом занимался подготовкой постановки «Желтого звука» в Мюнхене. По его замыслу, композиция гармонично соединяла музыку, цвет, пластику и слово, то есть оркестр, цветные проекторы, пантомиму и певцов. Но Первая мировая война нарушила планы Кандинского. Впервые это произведение было поставлено лишь 12 мая 1972 года в Музее Гуггенхайма.

18 самых странных картин мировой живописи

Живопись, если не брать в расчет реалистов, всегда была, есть и будет странной. Но некоторые картины страннее других.
Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то — затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые — удивляют непомерной ценой.

AdMe.ru тщательно просмотрел все главные достижения в мировой живописи и выбрал из них два десятка самых странных картин. В подборку не вошли картины Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум.

«Крик»

Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель
Национальная галерея, Осло

«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире. Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре версии «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.

«Я шел по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.

«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»

Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло
Музей изящных искусств, Бостон

По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица. .. представляет бесполезность слов».

Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что: «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще 5 лет, так и получилось.

«Герника»

Пабло Пикассо. 1937, холст, масло
Музей королевы Софии, Мадрид

«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.

«Портрет четы Арнольфини»

Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло
Лондонская национальная галерея, Лондон

Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.

Портрет, предположительно, Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения. В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

«Демон сидящий»

Михаил Врубель. 1890, холст, масло
Третьяковская галерея, Москва

Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчеркивает стесненность фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.

Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».

«Апофеоз войны»

Василий Верещагин. 1871, холст, масло
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны», на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.

«Американская готика»

Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см
Чикагский институт искусств, Чикаго

Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта. «Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий. Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

«Влюбленные»

Рене Магритт. 1928, холст, масло

Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.

Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

«Прогулка»

Марк Шагал. 1917, холст, масло
Государственная Третьяковская галерея

«Прогулка» — это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе. Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.

«Сад земных наслаждений»

Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло
Прадо, Испания

«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.

Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму ее тщеты и образы земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.

«Три возраста женщины»

Густав Климт. 1905, холст, масло
Национальная галерея современного искусства, Рим

«Три возраста женщины» одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая — выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью. Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

«Семья»

Эгон Шиле. 1918, холст, масло
Галерея «Бельведер», Вена

Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния. «Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это — наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от «испанки» умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет, спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и не рожденного ребенка.

«Две Фриды»

Фрида Кало. 1939

История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего». Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи ее картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода. В одной из лучших картин — «Две Фриды» — она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.

«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

Клод Моне. 1899, холст, масло
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большое расстояние. Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.

«Номер 5, 1948»

Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло

Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита — самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу. «Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получаются грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

Жоан Миро. 1935, медь, масло
Фонд Жоана Миро, Испания

Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн. Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятия, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

«Эрозия»

Яцек Йерка

Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну — для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться подробней.

«Руки противятся ему»

Билл Стоунхэм. 1972

Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная — это факт. Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов. Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности. Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

Самые известные картины Василия Кандинского с названиями и фото — «Лермонтов»

Лучшие картины художника Кандинского
Самые дорогие картины Кандинского

Василия Кандинского по праву считают отцом абстракционизма, ведь он не просто создал большое количество абстракций, но и много сделал для распространения нового направления. Кандинский создавал художественные объединения, писал трактаты, много путешествовал и активно представлял свои работы на выставках. И в этой статье мы рассмотрим наиболее известные его картины, а также самые дорогие холсты и суммарный оборот продаж работ художника за последние двадцать лет.

Лучшие картины художника Кандинского

Картина «Синий всадник»

Эта работа была написана в начале 1900-х годов после путешествия Кандинского по Европе и знакомства с живописью зарубежных авторов. В те годы художник увлекался жанром пейзажа и уже начал задумываться о том, чтобы холст передавал чувства, а не точно повторял детали действительности. И эти мысли нашли свое выражение в «Синем всаднике», где мы видим характерные для постимпрессионизма размытые очертания и свободные мазки. Здесь так же использована техника пуантили, то есть рисования точками. Позже этот уход от формы и переход в чувства выразится в чистых абстракциях, которыми так знаменит художник.

В. Кандинский. «Синий всадник». 1903 г.

Хотя всадник занимает незначительную часть картины, все же он является интересной фигурой этого холста. Во-первых, Кандинскому нравилось изображать всадников, что он позже скажет своему другу Францу Марку. Во-вторых, художник следовал своей теории цветов, описанной в работе «О духовном в искусстве». Синий для него обозначал небесный полюс, связанный с бесконечностью, мотивирующий человека ко всему чистому, духовному. Позже именно «Синим всадником» В. Кандинский и Ф. Марк назовут созданное ими объединение представителей экспрессионизма.

Картина «Осень в Мурнау»

«Осень в Мурнау» принадлежит к циклу картин, посвященных видам живописного городка Мурнау, расположенного неподалеку от Мюнхена в так называемых Баварских Альпах. Ниже мы расскажем еще об одной работе из этой серии, которая была продана на аукционе за внушительную сумму. Кандинский снимал в течении нескольких лет в этой местности дом и приглашал в него будущих известных абстракционистов. Именно там художнику впервые придут идеи, которые затем лягут в основу русского абстракционизма. И эти идеи уже начали проявляться в картинах о Мурнау: Кандинский переходит все к более яркой и плохо сочетаемой палитре, характерной для экспрессионистов, и все более уходит от предметности. Так, в работе «Осень в Мурнау» горный пейзаж со спускающейся вниз дорогой все еще узнаваем, но деревья, горы и облака приобретают уже условные очертания, а листва и другие элементы написаны в экспрессивной манере.

В. Кандинский. «Осень в Мурнау». 1908 г.

Картина «Ахтырка. Красная церковь»

Подмосковное имение Ахтырка изображали на своих полотнах многие художники: Виктор Васнецов, Аполлинарий Васнецов, Василий Поленов и другие. Летом Кандинский бывал в этих местах и тоже не устоял от изображения живописных видов. На картине «Ахтырка. Красная церковь» изображен известный храм этой местности, построенный во имя явления Ахтырской иконы Божией Матери. Этот интерес к пейзажу с видами церкви отражал тот факт, что Кандинский был верующим человеком и был глубоко привязан к родине. Даже его дом в Мурнау был расписан в русском народном стиле, от чего его прозвали «русским» домом.

В. Кандинский. «Ахтырка. Красная церковь». 1908 г.

Первая абстрактная акварель

Абстракции и сегодня многие скептики не могут понять и считают мазней, неумением рисовать, а не полноценным искусством. Однако за переходом от предметов к беспредметности стоит нечто большее. В частности, у Кандинского еще с детства была синестезия — явление, которое не относится к патологии, но характерно для немногих людей. Проявляется оно так: при воздействии на один орган чувств автоматически реагирует другой орган чувств. Например, каждый звук у человека ассоциируется с конкретным цветом или при воспоминании событий он ощущает конкретные вкусы. Кандинский еще с детства слышал какое-то странное шипение, когда смешивал краски. А во взрослом возрасте на опере Вагнера при звучании разных музыкальных инструментов у него вдруг начали вставать перед глазами все его краски, а в уме бешено рисовались разнообразные линии.

В. Кандинский. Первая абстрактная картина (акварель). 1910 г.

Такая особенность восприятия в конце концов привела его к желанию уйти в живописи от предметности и в прямом смысле наслаждаться симфонией, возникающей при работе с цветами и линиями вне рассуждений. Свою первую чистую абстракцию художник создал в 1910 году в Германии. В ней он попытался выразить так называемые порывы души через гармонию цветов. Так как на картине не было изображено конкретных предметов, он оставил ее без названия.

Эта работа сегодня является как одной из самых популярных в живописи Кандинского, так и отправной точкой интенсивного развития в России абстракционизма. Ее называют первой абстрактной картиной или первой абстрактной акварелью, так как работа создана при помощи туши, акварели и карандаша. Она принадлежит к пятилетнему периоду в жизни художника, когда он работал наиболее интенсивно и много экспериментировал. В результате на свет появилось более двухсот оригинальных работ.

«Композиция VI», «Композиция VII» и другие абстрактные композиции

Казалось бы, что у хаотично изображенных на полотне фигур, линий и цветовых пятен не могло быть будущего. Однако новое направление трудами Кандинского и других художников, подхвативших идею беспредметности, стало интенсивно развиваться. Погрузившись в новую живопись, Кандинский осознал, что даже с помощью абстракций можно выражать себя по-разному. Можно рисовать бессознательно под действием первого впечатления — такую живопись он назвал импрессией. Сознательное выражение внутренних переживаний — это импровизация, а высшей формой абстракции является композиция.

В отличие от импрессий, абстрактные композиции Кандинский тщательно обдумывал. Так как он был верующим человеком, то нередко размышлял над хаосом, на Судным днем, Всемирным потопом и другими религиозными понятиями. Все это он и пытался выразить в своих композициях, создавая многочисленные эскизы перед работой с оригиналом. Так, одна из известнейших его работ под названием «Композиция VI» была посвящена Всемирному потопу и призвана показать величие акта творения и рождения нового через разрушение старого.

Если внимательно присмотреться к композиции, она не полностью беспредметна. В ней можно различить образ парусной лодки, волны и другие элементы, хотя большую часть работы художник заключил все же в цвете. Он дал развернутые пояснения к картине, по которым можно понять, что означает то или иное цветовое пятно на холсте, и почему автор решил его изобразить.

В. Кандинский. Композиция VI. 1913 г.

Вслед за шестой композицией родилась седьмая, которая считается вершиной творчества художника. Перед ее созданием Кандинский нарисовал около тридцати эскизов и в конечном итоге создал, по его словам, холст с самой сложной за всю его художественную деятельность структурой. В этой картине к теме Всемирного потопа добавляются и другие библейские темы. Картина была создана в Германии и представлена вначале на выставке в Кельне, а затем в других городах. Огромный холст размером 2 на 3 метра, производил глубокое впечатление на зрителей, а вблизи еще усиливал его благодаря разнородной структуре мазков. Не зря картина считается шедевром абстрактной живописи и до сих пор будоражит умы ценителей искусства. В настоящее время она находится в Государственной Третьяковской галерее.

В. Кандинский. Композиция VII. 1913 г.

Помимо названных работ автор создал множество других композиций в период с 1910 по 1939 годы. Не все они сохранились, так как часть была уничтожена в военное время. Эти работы представляют большой интерес с точки зрения развития абстрактной живописи в целом и живописи Кандинского в частности.

В. Кандинский. Композиция V. 1911 г.

Квадраты с концентрическими кругами

1913 год был богат не только на появление ряда композиций, сделавших художника широко известным. В этом же году Кандинский активно исследовал тему влияния цветов на зрителя. Он обратил внимание, что каждый цвет может не только вызывать какое-то ощущение в теле, но и душевный отклик, так называемую вибрацию души. Это могло быть переживание скорби или ощущение возвышенности, не вызванное каким-то сюжетом и рассуждениями над ним. Дополнительные ощущения появлялись и при рассмотрении самих красок, поэтому художник много внимания уделял созданию мазков разных структур: гладких, шероховатых, блестящих, матовых и так далее. Все это ярко проявилось в картине «Квадраты с концентрическими кругами».

Помимо цвета в этой работе фигурирует любимая форма художника — круг, которая часто встречается и в других его абстрактных работах. По ощущениям Кандинского, в круге заключена огромная внутренняя сила, в нем есть огромное напряжение, а когда к нему добавляется цвет, то это уже сумма многих напряжений. Так, создавая круги в кругах и насыщая их разными цветами, художник сравнивал возникающие при этом ощущения.

В. Кандинский. «Квадраты с концентрическими кругами». 1913 г.

Картина «Москва. Красная площадь»

После начала Первой мировой войны Кандинский вернулся в Москву и был захвачен динамичной жизнью столицы. По его словам, Москва им воспринималась как нечто очень подвижное, где происходит бесконечное переплетение внутренней жизни и жизни внешней. Он любил эту двойственность и считал город своим живописным камертоном. На картине «Москва. Красная площадь» вы видим целый вихрь этой внутренней и внешней жизни. В центре холста расположилась пара влюбленных, захваченная круговоротом стремительной столичной жизни. Многочисленные дома, мостовые, храмы, стаи птиц, лучи солнца, снова дома и снова храмы…

В отличие от абстрактных композиций здесь прослеживается предметность, однако здесь нет привычных деталей, логичного расположения улиц или знакомых сюжетов. Зритель может, скорее, почувствовать огромный город с кипучей жизнью через это нагромождение элементов и буйство красок.

В. Кандинский. «Москва. Красная площадь». 1916 г.

Картина «Жёлтое-красное-синее»

Эта работа создана уже в более поздний период, когда художник продолжает размышлять над восприятием цветов. Сам автор советует зрителю при рассмотрении картины вначале сконцентрироваться на каком-то одном цвете, а затем наблюдать, как цвета взаимодействуют между собой, и какой отклик это вызывает. Внимательно рассмотрев полотно «Желтое-красное-синее», мы увидим характерные для многих абстракций Кандинского элементы: изогнутые жирные линии, повторяющиеся линии, концентрические круги, яркие контрастные цвета и неоднородность фона.

В. Кандинский. «Жёлтое-красное-синее». 1925 г.

Хотя в картине все же больше речь идет о цветах и их влиянии на самого художника и зрителя, многие искали в ней скрытый смысл. Одни разглядели на холсте абстрактное изображение самого Кандинского с прорисовкой контуров лица, очков и воротничка, другие различают среди абстрактных линий символ Одессы Воронцовский маяк (Кандинский жил какое-то время в Одессе вместе с родителями). Третьи полагают, что художник выразил самого себя через базовые цвета его цветовой теории.

Самые дорогие картины Кандинского

Василий Кандинский входит в топ-3 самых дорогих русских художников за последние 20 лет. Суммарный оборот продаж его картин с крупных аукционов за этот период составляет 644 млн долларов, а число проданных картин — 744. По обороту его опережают только Марк Ротко (оборот 1,45 млрд долларов) и Марк Шагал (оборот 1,2 млрд долларов). Подробнее о его рекордах в сравнении с другими художниками русской живописи можно почитать в статье «Топ-10 самых дорогих русских художников». А здесь мы рассмотрим несколько примеров наиболее дорогих продаж его картин.

Самой дорогой картиной Василия Кандинского, уходившей с аукционов за последние два десятка лет, является работа «Картина с белыми линиями». Она относится к тому плодотворному 1913 году, когда художник создал знаменитые композиции VI, VII и другие известные работы. Как раз в этом году представители нового искусства организовали в Нью-Йорке выставку, призванную продемонстрировать закостенелость академической школы и познакомить зрителя с новыми живописными идеями. Упомянутая работа Кандинского вошла в число таких неформатных работ, была широко обсуждаема общественностью и в конечном итоге признана одной из самых значительных в живописи двадцатого века. В 2017 году этот шедевр попал на торги аукционного дома Sotheby’s и был продан за 41,8 млн долларов. Эта продажа сразу подняла мастера на третью строчку самых дорогих уходов картин русских художников.

В.В. Кандинский. «Картина с белыми линиями». 1913 г.

Следующий рекорд установила картина «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом». Эта работа принадлежит циклу картин, повествующих об окрестностях городка Мурнау Германии, где художник плодотворно трудился в течение нескольких лет (см. раздел о картине «Осень в Мурнау»). Эта значительная работа выполнена в 1908 году и уже содержит в себе все признаки перехода от предметной детальной живописи к абстрактному искусству художника. Это проявляется через условность контуров, широкие мазки, высокую контрастность и яркость красок. Картину по достоинству оценили на торгах, после которых она перешла в частную коллекцию за 26,4 млн долларов. Продажа состоялась на Sotheby`s в 2017 году.

В. Кандинский. «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом». 1909 г.

Еще одна интересная работа называется «Негнущееся и согнутое» или «Прямые и кривые». Эта работа считается одной из самых значительных из серии картин парижского периода, которые когда-либо появлялись на аукционах. Написана она была в 1935 году, а в последующие десятилетия неоднократно представлялась на выставках и печаталась в изданиях, посвященных деятельности Кандинского. По словам самого художника, на создание такого сюжета его вдохновил Париж, который напомнил ему дождливые дни на родине. Особенностью этой работы является использование более светлой палитры и техники масла с добавлением песка. Все это было характерно для его парижского периода творчества. Картину продали в 2016 году на торгах Christie’s за 23,3 млн долларов.

В. Кандинский. «Негнущееся и согнутое». 1935 г.

В диапазоне около двадцати миллионов долларов уходили и другие работы художника. Например, это «Белый звук» (23 млн долларов), «Импровизация 8. Этюд» (23 млн долларов), «Этюд к импровизации 3» (21 млн долларов), «Фуга» (20,9 млн долларов). Такая высокая стоимость говорит о большой востребованности работ художника на рынке живописи. За последний год с января 2020 по январь 2021 года оборот продаж Кандинского составил 10,7 млн долларов за 28 работ. Самой дорогой картиной за последний год стала Einige Spitzen, ушедшая с молотка аукциона Bonhams в 2020 году за 3,2 млн долларов.

В. Кандинский. Einige Spitzen. 1925 г.

Помимо перечисленных картин у Василия Кандинского есть много других замечательных работ. В свое время они произвели огромное впечатление на многих людей, породив целую плеяду русских художников-абстракционистов и зарубежных коллег. Так как его раннее творчество и абстракции по-разному воздействуют на зрителей, то каждый находит в его живописи свои любимые произведения. Оценить всю силу его холстов поможет знакомство с оригиналами, так как многометровые текстурные холсты, безусловно, создают куда более мощное впечатление, чем маленькие электронные копии.


что это, черты, примеры дизайна

Китч может показаться легким в воплощении: смешать все стили, сочетать несочетаемые цвета и предметы вроде бы просто. Но в нем есть свои законы, которые необходимо соблюдать — иначе яркий ироничный интерьер рискует стать безыдейным хаосом

Фото: shutterstock

Много декора, разных фактур, отделки, и отсутствие правил — так можно коротко описать интерьер в стиле китч. Как выдержать все каноны и создать такой интерьер в квартире — разбираемся вместе с экспертом.

Эксперт в статье:

Андрей Секерин, руководитель студии дизайна интерьеров SmartRoom

Что такое китч

«Kitsch» переводится с немецкого как «дешевка»/«халтурка». Термин активно стали использовать в 1860-1870-х годах в Германии, на художественных рынках Мюнхена. Так называли дешевые, популярные и пользующиеся хорошим спросом картины и эскизы. Слово также стало синонимом пошлости, безвкусицы, со временем им начали обозначать товары массового производства, которые копировали штучные художественные ценности.

Китчем стали называть товары массового производства, которые копировали штучные художественные ценности (Фото: shutterstock)

Затем китч стал самостоятельным направлением в дизайне, в котором смешивались стили, цвета и фактуры, воспроизводились интерьеры богатых домов и дворцов и т. д.. Он быстро набрал популярность среди смелой творческой интеллигенции, которая так выражала свое пренебрежение к роскоши, проявляла иронию и свободу от условностей.

Андрей Секерин:

«Сегодня стиль китч в чистом виде практически не используется в интерьерах жилья. Могут присутствовать два-три элемента как акцент или собирательный образ. Многообразие цвета и формы в стандартной квартире встречается нечасто. Китч хорошо подходит для выставочных интерьеров, ресторанов, общественных мест (большая площадь позволяет воплотить масштабные и продуманные решения в этом стиле)».

Черты китча в интерьере

Китч сочетает несочетаемое: в одной комнате соседствуют холодные и теплые цвета, дорогие предметы искусства и магнитики из путешествий, NFT-картины, постеры и репродукции импрессионистов.

Декора в китчевом интерьере должно быть много. Сувениры, открытки, картины, фарфоровые фигурки, гипсовые бюсты, инсталляции, вазы — подойдет все (Фото: pexels)

Дисгармония в цвете

Интерьеры в стиле китч — всегда яркие, броские, они построены на контрастных сочетаниях: неоновые цвета, оттенки золота, фиолетовый и желтый, розовый и лимонный, салатовый и малиновый. Но стоит иметь в виду: если так планируется оформить квартиру или дом, лучше разбавить кричащие тона нейтральными. Домашнюю мебель тоже лучше выбирать в более спокойных оттенках. Так она оттенит яркие аксессуары и не будет дополнительно перегружать восприятие.

Разноплановые декор, сочетание разных фактур, отделки, и отсутствие правил — так можно описать интерьер в стиле китч (Фото: unsplash)

Обилие вещей и сувениров

Декора в китчевом интерьере должно быть много. Сувениры, открытки, картины, фарфоровые фигурки, вазы — подойдет все. На стенах одной комнаты могут соседствовать декоративные тарелки и постеры в стиле поп-арт, семейные фото и репродукции классических картин, открытки в рамках и плакаты с мотивационными лозунгами. На полках можно расставить подсвечники, статуэтки, вазы. В такой интерьер хорошо вписывается и множество зеркал.

Мебель лучше выбрать их разных стилевых эпох: в одном помещении хай-тек будет отлично соседствовать с образцами классицизма (Фото: shutterstock)

Текстиль и мебель

Текстиль в таком интерьере должен быть разным — нужны и дорогие, и бюджетные предметы (хорошего качества). Подойдут искусственная кожа, парча, атлас, шелк, синтетика, хлопок. Они могут быть разными по цвету, фактуре, принтам. Шторы лучше выбирать из тяжелых тканей, с узорами, не лишними будут ламбрекены и захваты. В спальне можно повесить над кроватью балдахин, разложить бархатные подушки с кистями, положить ковер, имитирующий мех.

Мебель лучше выбирать из разных стилевых эпох: в одном помещении хай-тек будет отлично соседствовать с образцами классицизма. Старинная козетка может стоять рядом с современным зеркальным столом, советская «стенка» хорошо сочетается с минималистичным комодом под плоский телевизор, а антикварное кресло-качалка — с леопардовым диваном.

На стенах одной комнаты могут соседствовать декоративные тарелки и постеры в стиле поп-арт, семейные фото и репродукции классических картин, открытки в рамках и плакаты с мотивационными лозунгами (Фото: shutterstock)

Отделка стен, потолка и пола

Натуральные материалы можно заменить дешевыми аналогами. С помощью линолеума и пластиковых панелей можно имитировать каменные плиты или деревянную обивку, дермантин заменит натуральную кожу, «позолотить» детали можно краской, а стекло сыграет роль хрусталя. Для отделки стен используются обои разных форматов. Фото или 3D, жидкие или бумажные, рельефные или с цветочным принтом — зависит от бюджета и фантазии. Потолок можно украсить лепниной или также оклеить обоями. Подойдут также натяжные потолки с фотопечатью, жидкая штукатурка, имитирующая дорогие материалы, роспись в стиле граффити.

Не менее подходящие варианты для такого интерьера — многоуровневые потолки с подсветкой, потолок-зеркало, расписные потолки, украшенные в классическом стиле.

Освещение может быть нейтральным, чтобы сбалансировать обилие декора и ярких поверхностей (Фото: shutterstock)

Освещение

Если китчевый интерьер планируется для квартиры, то стоит уравновесить насыщенные цвета нейтральными поверхностями, а обилие аксессуаров — минимумом блестящих, сверкающих и отражающих свет элементов. Можно повесить центральную потолочную люстру со стеклянными подвесками и поставить обычный недорогой торшер. Люстры с цветочными абажурами хорошо будут сочетаться с современными встроенными светильниками.

Андрей Секерин:

«Стиль китч — сочетание несочетаемого, яркое и скандальное. Использовать эту «несочетаемость» можно не только между цветом и цветом, но и между цветом и формой: например, портрет Аполлона, который мы привыкли видеть в белом гипсе, выкрасить в кислотный цвет. В текстиле это сочетание различных принтов — от древних орнаментов в нестандартных цветах до анималистичных принтов. Имитация всего, что можно имитировать — линолеум «под мрамор», «хрустальная» стеклянная люстра, «кожаный» диван, на самом деле покрытый дермантином».

Андрей Секерин:

«Этот стиль в интерьере подойдет для ярких раскрепощенных людей, которые любят провокацию и ажиотаж. Китч будет хорошо смотреться в больших квартирах, от 120 кв. м., желательно со свободной планировкой. Если квартира меньше по квадратуре, нужно быть аккуратнее. Лучше остановиться на отдельных акцентах, например, внести что-то китчевое в осветительные приборы или декор».

Интерьеры в стиле китч — всегда яркие, броские, построены на контрастных сочетаниях (Фото: shutterstock)

Для отделки стен используются обои разных форматов: фото или 3D, жидкие или бумажные, рельефные или с цветочным принтом — зависит от бюджета и фантазии   (Фото: shutterstock)

Картины по номерам: инструкция как рисовать правильно

Вам всего лишь понадобится емкость с водой для мытья кисточек, несколько салфеток для просачивания и немного терпения 😉

Алгоритм работы с картиной выглядит следующим образом:

  1. Найдите правильный номер пигмента, соответствующий номеру на картине, который Вы хотите закрасить.
  2. Закрасьте соответствующим номером краски фрагмент картины. Важно: если краска слишком густая, можно разбавить водой!
  3. Закончив одни номера, кисть следует помыть. Важно: не смешивать цвета!
  4. Используя сухую кисть перейдите к следующему номеру.
  5. Раскрасьте все номера на холсте и Вы увидите результат своей работы.

Предупреждение

  1. Краски высыхают очень быстро! Убедитесь, что крышка в баночки с краской плотно закрыта, когда вы не используете ее.
  2. Не оставляйте кисти в краске! Вымойте кисть тщательно сразу после использования.
  3. Краски имеют закрепляющее силу, поэтому их невозможно смыть после высыхания.
  4. Не допускайте полного высыхания краски на руках, одежде или предметах интерьера! Отмойте ее как можно скорее.
  5. Не давать детям до 3 лет — содержит мелкие детали!

Советы по раскраске картин номерах

Итак, перед Вами открыт набор раскрасок для взрослых по номерам и вам не терпится начать творить свой шедевр. Приведенные ниже советы помогут Вам нарисовать картину так, что Вы сможете гордиться своей работой, а по окончании раскрашивания вряд ли можно будет догадаться, что картина нарисована таким методом (по номерам).

Условно, все рекомендации можно разделить на 3 группы:

  1. Правила и последовательность рисования.
  2. Правила использования красок.
  3. Правила ухода за кисточками.

Безусловно, в данной статье невозможно рассказать и описать все нюансы, которые существуют, так как живопись является настоящим искусством. Мы просто попытались суммировать уже накопленный практический опыт рисования вместе с рекомендациями различных производителей и выложить это в максимально доступной форме. Итак:

Правила последовательности рисования картин по номерам

Подготовка красок

Перед началом рисования нужно тщательно подготовить краски. Вся фишка заключается в том, что продукция Rainbow Art, Brushme и много других китайских производителей не требуют никакого смешивания красок для получения нужного оттенка и эффекта: все уже полностью готово и пронумерованы, так как об этом заранее позаботился производитель! В наших наборах краски идеально подобраны по цветовой гамме и представлены в нужном количестве, чтобы Ваш будущий шедевр гарантированно был схож с оригиналом, а может даже лучше 😉

Все зависит только от Вас!

Обратите внимание на нумерацию красок в контейнерах.

При рисовании картин по номерам, крайне важно, чтобы цифры на контейнерах соответствовали номерам на холсте. Некоторые сюжеты подразумевают использование нескольких контейнеров с одним и тем же цветом краски, соответственно, эти краски имеют один и тот же номер.

Открытие флаконов

Открывайте флаконы с краской аккуратно, не применяя силу — это может повредить флакон. Чтобы предотвратить высыхание краски, открывайте всегда только те краски, которые действительно необходимы Вам в данный момент.

Рисование

Для удобства разместите следующие предметы у себя: изображение готовой картины, краски, кисточка, полотно с нанесенным контуром, контрольный лист, стакан с водой, кусочек ткани и спички для размешивания красок. Лучше выбрать место с хорошим освещением.

Обведите большие поверхности сначала тонкой кисточкой, а затем закрасьте поверхности более толстой кисточкой. Убедитесь, что вы закрасили контурные линии. Считается нормальным, если темная краска окрашивает лучше, чем света. Если контуры или номера просвечиваются, нанесите на них краску несколько раз.

Как держать кисточку

Держите кисть, как ручку. Для устойчивости положите руку на поверхность и поворачивайте картину так, чтобы ее расположение было для Вас удобным.

Порядок рисования

Не существует единого подхода к порядку рисования картин.

Есть несколько техник рисования:

  1. Вы можете рисовать картину методом «линия за линией», от верхнего края картины до нижнего.
  2. Однако, Вы можете достичь лучшего результата, если будете рисовать методом «от заднего плана к переднему», сначала окрашивая предметы на заднем плане, а затем на переднем. Например, вы рисуете ландшафт. В данном случае порядок рисования выглядит следующим образом: небо; облака; поле; деревья; листья; цветы.

Иногда может возникать вопрос: раскрашивать картину по номерам или по цветам? Эмпирическим и опытным путем (Внимание: такие выводы сделаны «практиками» и не являются официальными рекомендациями производителя) некоторыми пользователями были определены два варианта:

  1. В последовательности нумерации красок в наборе:
  • от увеличения общего количества областей и контуров, которые надо раскрасить одним цветом, к уменьшению. Пример: краской №1 в наборе нужно раскрасить 15 контуров, а краской №2 — десять контуров;
  • от большей суммарной площади контуров, которых надо закрасить одним цветом, к меньшей. Это можно оценить визуально «на глаз».
  • В последовательности от более светлых оттенков и цветов к более насыщенным и темных. Это связано с тем, что при ошибке в раскраске, светлой краской закрасить темные сегменты сложнее, чем темной краской светлые сегменты. Иными словами, чтобы белой краской закрасить темный сегмент нужно больше слоев и наоборот: темной краской закрасить светлый сегмент можно в один слой, то есть намного проще.
  • Как видите, существуют множество вариантов и интерпретаций техники раскрашивания по номерам. Возможны также различные сочетания и чередования техник и методик, дает нам бесконечное число вариантов. Другими словами, вы абсолютно ничем не ограничены, кроме Вашей фантазии, желаний и умения. Не стоит на чем-нибудь зацикливаться: надо рисовать так, как Вам удобно, приятно и комфортно. Просто начинайте рисовать картину и в процессе сами поймете, какая техника и метод рисования Вам наиболее приятные и удобные.

    Для идеального изображения готовой картины закрасьте не покрашенные места и номера, просвечиваются. Как и в художественных галереях, смотреть на картину и оценивать ее необходимо с расстояния 2-3 метров.

    На заметку умелым художникам

    Эффект рисования может быть усилен за счет нанесения различной толщины краски. Для этого нанесите краску оставшуюся толстым слоем на элементы картины, которые Вы бы хотели подчеркнуть. Это позволит придать картине эффект рельефности.

    Лакирование

    Акриловые краски после высыхания приобретают легкий глянец и красивый вид. Поверхности картины можно протирать слегка влажной тканью. Дополнительного ухода не требуется. При желании, через неделю после высыхания картины можете покрыть ее поверхность специальным лаком для картин. Глянцевый лак усилит яркость цветов, а матовый лак уберет блики. Лак можно приобрести в специальных магазинах для художников и мастеров.

    Рамка

    Помещенная в соответствующую красивую рамку картинуа станет настоящим шедевром! Чтобы сохранить эффект картины, не нужно размещать ее под стеклом. Вы можете украсить картину обычной рамкой, купив ее в магазинах самообслуживания, или изысканной рамкой, приобретя ее в специализированных магазинах или галереях.

    Правила использования красок

    Чтобы рисовать без проблем, необходимо соблюдать правила использования красок. Это крайне важно!

    Поэтому просим Вас внимательно прочитать следующие правила и соблюдать инструкции по рисованию.

    Важно: как только баночки с краской открытые, срок годности краски становится ограниченным!

    Правило 1

    Открывайте баночки с краской непосредственно перед началом рисования. Очень сложно упаковать быстросохнущие краски в таком маленьком объеме (около 3 мл), таким образом, чтобы они могли храниться длительное время. Баночки с краской, которые являются разработкой нового поколения компании Rainbow Art и Идейка выполняют это требование. Однако, как только они были открыты, краска может высохнуть. Поэтому художник-любитель должен завершить картину как можно скорее после открытия баночек с краской.

    Правило 2

    С помощью кисточки уберите присохшую краску с крышки обратно в баночку. Коробки в магазине или на складе могли храниться в вертикальном положении. Поэтому при открытии баночки немного краски может находиться на крышке.

    Правило 3

    Несмотря на то, что контейнеры для краски плотно закрыты и специально разработанные для сохранения всех свойств краски, краска в них может немного загустеть при хранении, например, из-за перепадов температуры. Чтобы «оживить» краски и использовать их снова, просто добавьте в них пару капелек воды и тщательно размешайте. Краски снова готовы к использованию!

    Правило 4

    Как только баночки с краской были открыты, старайтесь завершить картину без длительных перерывов. После вскрытия баночек, появляется вероятность, что краски могут засохнуть. После открытия баночек с краской старайтесь их использовать максимум в течение 12 недель.

    Правило 5

    Если Вы хотите сделать перерыв в работе, плотно закройте контейнеры, предварительно удалив следы жидкой или уже подсохшей краски с самой крышки, по краям крышки и уплотнительных пазов крышки.

    На рисунках А и В показан принцип

    На рисунке А контейнер является воздухонепроницаемым, поскольку края контейнера беспрепятственно входят в чистые уплотнители пазы в крышке. Крышка плотно прилегает к краям баночки.

    На рисунке В неправильно закрыта баночка. Видно, что остатки краски не дают крышке закрыться плотно. Итак, воздуха, проникающего в контейнер, высушивает краску. Поэтому тщательно очистите каждую баночку перед тем, как ее закрыть. Удалите остатки краски с края контейнера ногтем или тряпочкой, а круглые уплотняя пазы — зубочисткой или большой иглой. Перед тем как закрыть баночку убедитесь, что ее края и крышка чистые.

    Правило 6

    Если Вы планируете сделать перерыв в рисовании течение нескольких недель, плотно закройте баночки с краской, как описано выше, затем заверните их во влажную ткань и положите в полиэтиленовый пакет или в пластиковую коробку. Это поможет защитить краски от высыхания. Однако это не может гарантировать, что уже открыты краски останутся по-прежнему готовы к использованию и сохранят свои свойства в течение многих месяцев или лет.

    Правило 7

    После каждого перерыва в рисовании вязкость красок нужно немного подкорректировать, чтобы обеспечить их соответствующее нанесения. Ведь краски содержат воду, которая быстро испаряется из открытых контейнеров. Поэтому краски немного загустевают. Но это легко исправить (см. Правило 3).

    Правила ухода за кисточкой

    Чтобы кисточка прослужил Вам долго и качественно необходимо выполнять следующие рекомендации. Художники иногда жалуются на качество кисточек. Однако, в большинстве случаев это из-за неправильного ухода за кисточкой.

    Наиболее частые ошибки:

    1. Не оставляйте кисточку в стакане с водой.
    2. Никогда не чистите кисточку агрессивными химическими средствами.
    3. Никогда не используйте кисточку для размешивания краски.
    4. Ни счищайте засохшую краску ногтями.

    Правильный уход:

    Кисточка состоит из трех частей: ручки, металлического крепления и ворсистой части.

    1. После рисования сразу вытрите остатки краски с кисточки.
    2. Промойте кисть в чистой теплой воде.
    3. Аккуратно намыльте кисточку, а затем промойте ее снова.
    4. Протрите воду с кисточки вращающимися движениями. Краска не должна оставаться на конце металлического крепления.
    5. С помощью пальцев предоставьте ворсистой части кисточки первоначальную форму, образуя кончик.
    6. Положите кисть и дайте ей высохнуть самостоятельно. Не используйте обогреватель или фен!

    Самое главное правило — не бояться! Красьте в удовольствие — Все получится! Удачных Вам раскрасок и покупок!

    Читать также:

    Топ-10 одноцветных картин, которые стоят больше, чем ваш дом

    Искусство — сложная профессия. Вы можете потратить десятилетия на изучение навыков рисования, черчения и композиции. Тем не менее, вы ничего не добьетесь, если у вас не будет природных способностей.

    Конечно, всегда можно пойти другим путем: нанести немного краски на холст и продать его за миллионы. Вот 10 художников, которые создали работы одним цветом. Будут ли они великими произведениями или нет, зависит от вашей интерпретации их значения.

    См. также: 10 поп-культурных версий известных картин

    10

    Абстрактная живопись
    Эд Рейнхардт

    Адольф «Ад» Рейнхардт был художником-абстракционистом из Нью-Йорка, одним из первых сторонников абстрактного экспрессионизма — бессознательного применения цветов и форм. Его ранние работы включали геометрические формы и другие традиционные техники. Однако после 1940-х годов он перешел к работам, полностью состоящим из одного цвета.

    За последние 10 лет своей жизни он создал только серию квадратных полотен, полностью окрашенных в черный цвет.Они были описаны как его «последние картины». После того, как он нарисовал эти черные квадраты, он считал, что никому больше нечего будет рисовать. [1]

    На первый взгляд они могут показаться совершенно безликими. Но есть тонкие вариации. Чтобы заметить их, требуется много времени и усилий, которые не каждый готов отдать. Когда они впервые были выставлены в Музее современного искусства в Нью-Йорке, один посетитель отказался от членства в знак протеста.

    9

    Черный квадрат
    Казимир Малевич

    В 1913 году, в год рождения Эда Рейнхардта, Казимир Малевич прообразом своих последних картин создал собственный черный квадрат.В то время как Рейнхардт заполнял свой холст черным цветом, Малевич просто нарисовал черный квадрат в центре своего творения. Он писал: «В 1913 году, отчаянно пытаясь освободить искусство от мертвого груза реального мира, я укрылся в форме квадрата».

    Черный квадрат был описан некоторыми как «первый раз, когда кто-то сделал картину, на которой ничего не было». Его еще сам Малевич называл «нулевой точкой искусства», чтобы обозначить все, что было после него, как современное.

    Хотя картина когда-то была однотонно-черной, со временем на ее поверхности образовалась бешеная дорожка из трещин, обнажающих белизну под ней. [2]

    8

    Белые картины
    Роберт Раушенберг

    Еще одна серия черных картин была создана Робертом Раушенбергом в первые годы его карьеры. Нарисованные по газете, приклеенной к холсту, они выглядят как облупившаяся кора. Но он также создал серию белых картин.

    Пять картин из серии White на самом деле представляют собой наборы из одного, двух, трех, четырех или семи одинаковых белых полотен, которые можно повесить вместе.Когда они впервые выставлялись, они считались дешевым трюком, но теперь их можно найти в галереях по всему миру. Поскольку краска со временем разрушалась, друзьям Раушенберга приходилось несколько раз перекрашивать их, чтобы сохранить их.

    Раушенберг был другом композитора Джона Кейджа. Он написал известное музыкальное произведение под названием 4’33” , в котором пианист или другой инструментальный исполнитель сидит молча 4 минуты 33 секунды. В результате произведение состоит из звуков окружающей среды.Пожалуй, это идеальное сопровождение к этим картинам. [3]

    7

    Монохромная белая картина
    Li Yuan-chia

    Ли Юань-цзя, один из самых выдающихся китайских художников 20-го века, работал в области живописи, скульптуры, мебели и подвесных мобильных. Он создал Monochrome White Painting в 1963 году. Хотя случайное наблюдение представляет собой пустую белую поверхность, есть особенности, которые можно обнаружить с близкого расстояния. [4]

    Картонные круги прикреплены к холсту и закрашены таким же белым цветом, как и фон.Ли описал круги как «космические точки». Он считал точки началом и концом всех вещей. Эти точки были связаны с положением вещей в безграничном пространстве Вселенной. Первоначально картина называлась 2=2-2 .

    6

    Картина Дилана
    Брайс Марден

    Брайс Марден назвал Картина Дилана в честь своего друга Боба Дилана, потому что Марден создавал ее, чтобы помочь карьере певца. Однако к моменту завершения работы Дилан, будущий лауреат Нобелевской премии, был уже более известен, чем Марден. Так картина осталась у Мардена. [5]

    Холст расписан скипидаром и пчелиным воском, к которым добавлен серый цвет. Затем художник использовал шпатель, чтобы выровнять поверхность, оставляя следы, подтверждающие его работу. В нижней части картины также была полоса неокрашенного холста. Туда пускали краску, а другие метки оставались, чтобы показать процесс творения.

    5

    Ахром
    Пьеро Манцони

    Пьеро Мандзони наиболее известен своим ироничным подходом к искусству. Его величайшая работа называлась « Художественное дерьмо ». Предположительно 90 банок были заполнены отходами художника и проданы по цене веса каждой банки в золоте. Однако он работал и в несколько более традиционных СМИ.

    Его серия работ под названием Achromes выглядит белой, но художник описывает ее как бесцветную. Он начал серию с простых белых полотен. Иногда их сильно раскрашивали, чтобы показать текстуру красок. Более поздние работы были выдолблены и перечеркнуты линиями.

    Ближе к концу серии Манцони перестал использовать холст и начал использовать хлопок, акриловую смолу, стекловолокно и расписные булочки. Он также начал подкрашивать свои работы пигментами, которые со временем меняли цвет. [6]

    4

    Суррогатные картины
    Аллан МакКоллум

    Аллан Макколлум свел картины к общей форме.Его работы являются заполнителями для картин. Хотя его произведения выглядят как картины в рамах, на самом деле они представляют собой гипсовые слепки, которые были так раскрашены. Нет никакой разницы между картиной внутри и рамой. Нет двух одинаковых. Это серийные, но ручные работы. [7]

    Картина внутри каждой «рамы» совершенно безликая, на ней нет следов руки художника. Его студия устроена как производственная линия, и его помощники играют роли на каждом этапе. Surrogate Paintings устраняет разрыв между искусством и автоматизацией.

    3

    Серый
    Герхард Рихтер

    Картины Герхарда Рихтера варьируются от богато детализированных, почти фотореалистичных портретов до ярких абстракций. Он даже спроектировал витраж для Кёльнского собора, состоящий из квадратов яркого стекла. Помимо этих работ, он создал серию «серых картин».

    Картины различных оттенков серого варьируются от невыразительных матовых работ до сложных узоров.Большинство из них были созданы в 1960-х и 70-х годах. Рихтер считает «серый» идеальным цветом для представления небытия. Он объяснил: «Это не вызывает чувств или ассоциаций, на самом деле это ни видимо, ни невидимо». [8]

    2

    Вуаль
    Ширазе Хушиари

    Ширазе Хушиари — иранский художник, бывший номинант на престижную премию Тернера. Ее работы в области концептуального искусства висят в Нью-Йоркском музее современного искусства и в коллекции Тейт.

    Ее картина 1999 года Veil выглядит как простой окрашенный черный квадрат. Она считает Veil автопортретом. Художник писал суфийские фразы на арабском языке на холсте, окрашенном в черный цвет графитом. Даже с близкого расстояния их почти невозможно увидеть. Хушиари считает свои работы чем-то средним между живописью и рисунком. [9]

    1

    IKB 79
    Ив Кляйн

    Традиционно синий был редким цветом в искусстве.Источники синей краски часто были дорогими, потому что ее было трудно производить. Лазурит, пигмент ультрамарина, пришлось импортировать из Афганистана. Ив Кляйн решил, что синий цвет станет средой его жизни. [10]

    В 1946 году, лежа на пляже со своими друзьями, Клейн смотрел в голубое небо. Он взял его за руку и написал свое имя на небе, заявив, что оно его собственное. Как он описал событие:

    «В тот день, когда я растянулся на берегу Ниццы, я начал испытывать ненависть к птицам, которые порхали взад и вперед по моему голубому, безоблачному небу, потому что они пытались просверлить дыры в моем величайшем и прекраснейшем произведении.

    Работая с производителем пигментов, он создал и запатентовал свою собственную версию ультрамарина под названием «International Klein Blue».

    Как рисовать одним цветом

    Есть разные виды картин. Стили и техники могут иметь огромное влияние на внешний вид произведения искусства. Один из таких стилей — монохроматические картины. Эти картины выполнены только одним цветом. Один цвет может быть любым, но с его разными оттенками картина создается с полной эффектностью.Можно получить множество эффектов с одним цветом и его многочисленными оттенками.

    Простота этих работ делает их привлекательными. Более того, правильное выполнение приемов может помочь вам добиться большего результата. Прежде чем приступить к работе, вам следует определиться, какую картину вы будете создавать. Вы можете создать абстрактную картину или реалистичную. Однако, если вы создаете одноцветную картину впервые, рекомендуется использовать объект или изображение в качестве вдохновения. Вам будет легче работать над заданием с эталонным изображением.

    Это не значит, что нельзя создать абстрактное изображение одним цветом. Вы также можете создать абстрактное произведение искусства, но для этого потребуется некоторая практика.

    Создать градиент

    Для начала вам нужно будет создать градиент того же цвета. Для начала можно выбрать один из основных цветов. Основные цвета – красный, желтый и синий. Вам нужно будет смешать цвет с белым, чтобы получить более светлые оттенки.Не забывайте создавать смеси значительных размеров, чтобы обеспечить достаточный запас этого оттенка. Это так, потому что вам будет трудно получить точный оттенок позже.

    Вы можете смешать цвет с белым, а затем создать от 3 до 4 различных смесей. Таким образом, у вас будет от 4 до 5 разных цветов, включая исходный оттенок цвета. Затем можно приступить к работе над картиной.

    Использовать упрощенное изображение

    Для справки следует использовать упрощенное изображение. Изображение с высоким уровнем детализации будет слишком сложным для этой задачи. Вы также можете выбрать пейзаж, если хотите. Эталонное изображение будет использоваться для вдохновения, и вам не обязательно точно воспроизводить объект на своей картине. Вы можете создать грубые формы объекта и иметь идею для работы.

    Когда у вас есть грубый эскиз, готовый к работе, вы должны пометить области номером или именем, чтобы определить оттенок, который там будет. Различные оттенки могут привести к путанице, поэтому сначала следует зафиксировать применение цветов.Таким образом, вы сможете завершить покраску с полной эффективностью.

    Завершить работу

    После того, как вы определили расположение цветов и смешали разные оттенки, можно приступать к работе над картиной. Поскольку все заранее определено, вам не придется беспокоиться о конечном продукте.

    Заключение

    Одноцветные картины обладают собственным набором качеств. Они выглядят просто, но привлекательно. Приведенные выше советы должны были помочь вам в этом отношении.

    Монохромные картины: определение, техника и художники

    Техника

    Итак, как создать картину, используя только один цвет? Ключ к этому — помнить, что синий и зеленый — это разные цвета, а темно-синий и светло-синий — нет; это просто значений одного цвета. От основного цвета оттенок можно подкрасить, добавив белый, сделав его светлее. Теоретически так можно продолжать до тех пор, пока не будет достигнут почти чистый белый цвет.В то же время цвет можно оттенить, добавив черный. Таким образом, художники могут нарисовать целое произведение, состоящее из линий, форм и фигур различных оттенков и оттенков, которые технически представляют собой только один цвет.

    Почему художники создают монохромное искусство

    Это интересно, но возникает очевидный вопрос: почему? Зачем прилагать усилия, пытаясь создать шедевр только с одним цветом? Разве это не похоже на бег на одной ноге? На самом деле есть несколько важных причин, по которым художники создают монохромное искусство.

    Абстракция

    В начале 20 века художники-авангардисты стали одержимы идеей абстракции. Отделяя субъект и форму от искусства, они чувствовали, что могут исследовать саму природу самого искусства в его самом чистом и объективном смысле. Монохромная живопись на протяжении десятилетий была частью этой традиции. Сводя картину к одному цвету, художник сводит ее к простейшей форме.

    Одним из первых художников, установивших эту связь, был Казимир Малевич (1879-1935), украинский художник и один из первых сторонников абстракционизма.Малевич был одним из первых художников, посвятивших себя разложению искусства на его простейшие формы, воплощенные в его движении супрематизма .

    Примерно в 1913 году Малевич начал с создания картин простых геометрических форм, а не идентифицируемых объектов. В 1917-18 годах он создал свой первый набор монохромных картин, каждая из которых состояла из белого квадрата (наиболее нейтрального цвета и формы) на белом фоне несколько другого оттенка. Это была одна из первых работ чистой абстракции, которую Малевич видел как отражение бесконечного пространства, которое зрителю предлагалось разделить.

    Белое на белом, Казимир Малевич

    Малевич был одним из первых, кто увидел ценность монохромной живописи в абстракции, но уж точно не последним. На противоположном конце спектра (буквально) мы находим американского художника Ad Reinhardt (1913-1967). В то время как первые абстракции Малевича были белыми, Рейнхардт рисовал черным. Для него это был черный конец спектра (нарисованный на идеально квадратных холстах), который обеспечивал чистейшую форму абстракции: нефигуративную, нерепрезентативную и чисто объективную.

    Духовная связь

    Когда художники-абстракционисты разбили репрезентативное искусство на простейшие выражения формы и цвета, они осознали, насколько глубоко цвет влияет на человеческие эмоции. Монохроматические картины стали мощным способом вызвать глубоко личные переживания, еще больше мотивируя художников исследовать эмоции и духовность с помощью монохромного искусства.

    Одним из самых известных художников, связанных с этой идеей, был Ив Кляйн (1928–1962). В 1950-х годах он взял на себя обязательство создать набор из 11 одинаковых синих полотен.Зрители были залиты ярко-синим цветом, который Кляйн разработал сам и теперь известен как International Klein Blue (IKB). Кляйн считал, что такое искусство помогает растворить материальное мышление, открывая разум и дух для единства с бесконечной вселенной.

    Кляйн был не единственным, кто видел наводнение в одном цвете как путь к духовности. Марк Ротко (1903–1970) был одним из величайших художников-абстрактных экспрессионистов, работавших с полями разных цветов. Однако иногда он создавал и монохромные шедевры.

    Самый известный пример находится в часовне Ротко в Хьюстоне, межконфессиональной церкви, внутри которой доминирует центральный триптих из трех массивных панелей темно-фиолетового цвета. Другие стены украшены полотнами различных оттенков черного. В замкнутом пространстве панели становятся окнами в небытие; бесконечное пространство абстракции, используемое для побуждения к духовному опыту. И это работает. Есть сообщения о том, что в этом пространстве люди расплакались или потеряли счет времени и часами сидели в уединенной медитации.

    Часовня Ротко

    Процесс создания искусства

    Будь то изучение абстракции или провокация эмоций, художники-абстракционисты используют монохромную живопись одинаковыми способами и с одинаковыми результатами. Однако есть еще одна мотивация монохроматического искусства, которая приводит к совершенно другим результатам. В 1950-х и 1960-х годах Энди Уорхол разработал поп-арт, воспроизводя методы коммерческого массового производства.Одним из значительных результатов стало создание монохромных трафаретных изображений: в первую очередь портретов знаменитостей. Работы Уорхола были одновременно прославлением и критикой популярной культуры и инструментов, которые ее поддерживали, и с тех пор им подражают.

    Монохромный автопортрет Уорхола

    Краткий обзор урока

    Монохромный Живопись — это искусство, состоящее из одного цвета, хотя обычно с использованием различных оттенков или оттенков.В современном западном искусстве эта техника больше всего ассоциируется с абстрактным искусством. Такие художники, как Казимир Малевич и Ад Рейнхардт , использовали его, чтобы свести искусство к его простейшим, наиболее абстрактным и наиболее объективным формам. Другие художники, такие как Ив Кляйн и Марк Ротко , использовали монохромную живопись, чтобы задействовать духовные и эмоциональные аспекты искусства. Наконец, Энди Уорхол и поп-артисты использовали его для имитации методов массового производства, таких как трафаретная печать. Все эти художники оказали значительное влияние на мир и историю искусства, сделав одним цветом больше, чем другие художники со всем спектром.

    секретов успешной монохромной живописи —

    МОНОХРОМАТИЧЕСКИЙ  относится к цветовой схеме, состоящей из одного цвета с различными оттенками и даже оттенками одного и того же цвета. Например, если вы добавите белый цвет к красному, вы получите различные оттенки розового. Если к красному добавить черный — получится множество более темных вариантов красного.В акварели мы обычно не используем белый или черный при рисовании, а берем один цвет и разбавляем его водой. Это создает множество значений одного и того же цвета. Однако, как говорится, вы также можете добавить нейтральный оттенок к цвету и создать множество цветов, начиная от яркого цвета и заканчивая очень грязно-коричневым. Это также считается монотонным исследованием, поскольку оно берет один цвет и разбивает его на множество тонов.

    Так зачем изучать монохроматику? Иногда нужно делать меньше, чтобы добиться большего… Примерно так для меня и был связан перерыв с YouTube. Он учится делать шаг назад, дорожить мелочами, не втягиваться в суету жизни.

    Мне также потребовалось некоторое время, чтобы понять, почему я вообще люблю акварель.

    Вот почему мне кажется, что на этой неделе мне очень уместно поговорить о монохроматических исследованиях. По сути, удаляя элемент цвета, вы действительно должны разрушить свою общую концепцию и подход к рисованию. Итак, вот что я узнал, проведя собственное исследование…

    1.ВЫ ДОЛЖНЫ НАТЯНУТЬ БУМАГУ…
    • Лично я обнаружил, что монохромные картины, которые действительно говорят со мной, — это те, которые занимают всю страницу. Однако это означает, что нам придется растягивать нашу бумагу, чтобы рисовать на гладкой «недеформируемой» поверхности.
    • НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, ЧТОБЫ УЗНАТЬ, КАК НАТЯНУТЬ ВАШУ АКВАРЕЛЬНУЮ БУМАГУ

    2. ВЫ ДОЛЖНЫ ВЫБРАТЬ ХОРОШУЮ ОБЩУЮ КОНЦЕПЦИЮ/КОМПОЗИЦИЮ…
    • Это означает выбор иллюстрации, которая может иметь широкий диапазон от светлого до темного. Таким образом, выбор композиции с отличным источником света является ключевым. Это приведет к драматическому освещению, которое выделит вашу иллюстрацию из бумаги.
    • Все, как указано ранее, выберите рисунок, который заполняет всю страницу. Эти типы композиций хорошо подходят для монохроматических исследований и, кажется, почти выскакивают из страницы перед вами.
    3. ИЗУЧИТЕ СИЛЬНЫЕ И СЛАБЫЕ СТОРОНЫ СВОИХ КРАСОК…
    • Первый — вы хотите что-то с широким диапазоном светлых и темных тонов — обычно что-то более непрозрачное.Эти типы красок обычно позволяют вам получить акварель от очень темного до почти прозрачного.
    • Далее – Помните, что акварель строится на лессировке или наслоении. Некоторые цвета хорошо ложатся, а другие не очень. Так что лучше протестировать, прежде чем попробовать.
    • Третий – проверьте, как ваша краска работает с водой. Некоторые цвета впитаются в страницу, а другие будут бродить по ней. Это может быть важно — в зависимости от того, хотите ли вы, чтобы ваша картина выглядела рыхлой, мокрой или суперконтролируемой.
    • Наконец, — выберите цвет, который хорошо сочетается с вашей композицией. Я выбираю теплый серый тон — чтобы зритель чувствовал себя манящим и немного уютным. Но имейте в виду — некоторые цвета передают более прохладную атмосферу серии, тогда как другие кажутся более привлекательными. Так что выбор цвета с умом также является ключевым!
    • НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, ЧТОБЫ УЗНАТЬ О МОИХ ЛЮБИМЫХ ЦВЕТАХ И МАРКАХ КРАСОК

     

    Вот и все! Поговорим с вами в ближайшее время и продолжайте рисовать!

    Об авторе
    Кэрри Люк

    Привет! Меня зовут Кэрри, и я не умею рисовать акварелью! Что такое несоответствие акварели? Что ж, всем, кто готов пробовать новое и не боится испачкать руки краской! Так что скажешь, ты неудачник?

    Мастера-художники и их отношение к цвету

    Мастера-художники и их отношение к цвету могут почерпнуть знания на всю жизнь. Глядя на цвет глазами великих художников, мы обнаруживаем их сильные страсти, неизбежные навязчивые идеи и твердые убеждения в силе цвета. Эта статья дает некоторое представление об этой огромной и невероятной теме. Чтобы узнать больше о нашем интересе к цвету, узнайте о нашей художественной онлайн-выставке «Целебная сила цвета» . Вы также можете прочитать мою предыдущую статью «Десятки фактов о силе цвета».

    Инновационная эволюция с использованием цвета Хелен Франкенталер
    Хелен Франкенталер была новатором в использовании цвета, и это развивалось на протяжении всей ее карьеры.В начале 1950-х она начала выставлять свои масштабные абстрактные экспрессионистские картины в современных музеях и галереях. Для нее была важна спонтанность, как заявила художница: «По-настоящему хорошая картина выглядит так, как будто это произошло сразу».

    В 1960-е годы она начала размещать цветные полосы по краям своих картин, тем самым вовлекая края как часть композиционного целого. Она начала использовать одиночные пятна и пятна сплошного цвета на белом фоне, часто в виде геометрических фигур.К 1970-м годам она начала использовать более густую краску, что позволило ей использовать яркие цвета, почти напоминающие фовизм. На протяжении 1970-х Франкенталер исследовал соединение областей холста с помощью модулированных оттенков и экспериментировал с большими абстрактными формами. Ее работы 1980-х характеризовались как гораздо более спокойные, с использованием приглушенных цветов и непринужденной манерой письма.

    Портал и башня собора Сен-Ромен в лучах утреннего солнца, Гармония в синем 1893 Клода Моне.

    Одержимость Моне цветом

    Клод Моне воскликнул: «Цвет — моя ежедневная одержимость, радость и мучение». Изучая цвет, он многократно рисовал один и тот же предмет в разное время суток и при разных погодных условиях. Одна из самых известных его серий — «Руанский собор». Он запечатлел фасад при разном освещении. Это отличные примеры того, как свет влияет на цвет предметов. Он перерабатывал эти картины в своей мастерской, исследуя множество примеров цветов и настроений.

    Давая совет художникам, он писал: «Когда вы идете рисовать, постарайтесь забыть, какие предметы находятся перед вами: дерево, дом, поле или что-то еще. Просто представьте, что здесь есть маленький голубой квадратик, здесь розовый прямоугольник, здесь желтая полоска, и раскрасьте его так, как он вам кажется, точного цвета и формы».

    Представления Ван Гога о цвете

    Ван Гог написал этот «Автопортрет как художник», декабрь 1887 — февраль 1888, холст, масло, 20″ x 26″.Музей Ван Гога, Амстердам

    Винсент Ван Гог часто выражал свою озабоченность цветом в своих произведениях. Он писал: «…художник будущего будет колористом, подобного которому еще не видели. Но я уверен, что прав, думая, что это придет в более позднем поколении, и мы должны сделать все возможное, чтобы поощрять его, без вопросов и жалоб».

    Он прекрасно осознавал взаимосвязь цветов друг с другом и писал: «Нет синего без желтого и без оранжевого.

    Мастерское использование цвета О’Киф

    Потрясающим примером использования как аналогичных, так и дополнительных цветов для создания энергии и смелого контраста с ощущением гармонии и равновесия является картина Джорджии О’Киф «Отражение в озере Джордж». В этом произведении искусства О’Киф ведет зрителя в том направлении, в котором она хочет, чтобы мы шли.

    Противоположные цвета — оттенки красного и зеленого — служат для выражения силы и контраста, а аналогичные цвета — красный на фоне фиолетового и синий с зеленым — создают переходы тишины и спокойствия.Также обратите внимание на использование ею черного и белого цветов, бегущих по середине холста, без которых эта картина не имела бы такой великолепной интенсивности и уравновешенности.

    Matisse и Color to Express Light

    Анри Матисс утверждал: «Основная функция цвета должна заключаться в том, чтобы служить выразительному средству. Цвет помогает выразить свет, но не физическое явление, а единственный реально существующий свет, свет в мозгу художника». Он также писал: «Раньше, когда я не знал, какой цвет написать, я писал черный.Черный — это сила: я полагаюсь на черный, чтобы упростить конструкцию. Теперь я отказался от черных».

    Теория Кандинского о цвете и духовности

    В детстве Василий Кандинский научился играть на виолончели и фортепиано. Как художник, он связывал искусство и музыку. «Звучание цветов настолько определено, что трудно найти человека, который выразил бы ярко-желтый цвет с помощью базовых нот или темное озеро с помощью высоких частот». Он писал: «Цвет — это клавиатура, глаза — это гармонии, душа — это многострунный рояль.Художник — это рука, которая играет, касаясь той или иной клавиши, чтобы вызвать в душе вибрации».

    Василий Кандинский, Голубая гора, масло, 76-3/8″ x 51″. Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк.

    Кандинский много писал о своей вере в то, что цвета и формы могут влиять на наше настроение и вызывать психические вибрации. «Цвет скрывает в себе еще неизвестную, но реальную силу, которая действует на каждую часть человеческого тела».

    Тернер и желтый цвет

    Картина Дж.М. У. Тернера, в котором он использовал большие дозы своего любимого желтого цвета.

    Британский художник Дж. М. У. Тернер был английским художником-романтиком, гравером и акварелистом, известным своей выразительной колоризацией и возвышенными солнечными морскими пейзажами. У него была сильная страсть к использованию желтого цвета. Это заставило критиков критиковать его, написав, что его изображения «поражены желтухой». Художник использовал экспериментальную акварель Indian Yellow, которая представляла собой флуоресцентную краску, полученную из мочи коров, которых кормили манго.Чтобы добиться более ярких акцентов, художник использовал синтетический желтый хром, пигмент на основе свинца, который, как известно, вызывает бред.

    Мощное послание Джотто с синим цветом

    Шедевр Джотто, Капелла Скровеньи в Падуе, Северная Италия.

    В большинстве древних культур золотой цвет считался символом солнца и духа Бога. Ситуация изменилась, когда Джотто, итальянский художник и архитектор из Флоренции в эпоху позднего средневековья, поверил, что синий цвет символизирует небеса и вечное существование.Он стал одержим цветом и покрасил потолок капеллы Скровеньи в сияющий синий цвет. Это был полный отход от золота, которое использовалось предыдущими художниками и ассоциировалось с богатством и величием.

    Голубое небо, которое заполняет большую часть многих сцен в соборе, создает объединяющее и расширяющее ощущение неограниченных возможностей.

    Голубой период Пикассо

    Пабло Пикассо, Старый гитарист, масло, панель, 48 3/8″ x 32 1/2″.

    Говорят, что трехлетний «Голубой период» Пикассо, с 1901 по 1904 год, отразил его приступ депрессии после трагического самоубийства его друга Карлоса Касагемаса. Это была огромная потеря для художника, который из типичной общительной личности превратился в человека, погрузившегося в период отчаяния и затворничества. Карл Юнг назвал психическое состояние Пикассо шизофренией.

    Возможно, его самая известная работа этого периода — «Старый гитарист», на которой изображен старый нищий в рваной одежде, играющий на улицах Барселоны, Испания.Серия Пикассо «Синяя серия» демонстрирует, как синий цвет при использовании в больших дозах так, как его использовал Пикассо, может повергнуть зрителя в состояние уныния и меланхолии.

    Окраска цветового поля

    Белый центр (желтый, розовый и лавандовый на розовом), 81 x 56 дюймов.

    В 1940-х и 50-х годах в Нью-Йорке появился стиль живописи, известный как живопись «Цветовое поле». Этот стиль характеризуется в первую очередь большими полями плоского сплошного цвета, нанесенными на холст или окрашенными в него.В этом движении цвет становится предметом сам по себе.

    Ведущими пионерами этого движения были Хелен Франкенталер, Барнетт Ньюман, Марк Ротко, Клиффорд Стилл и другие.

    Ротко считал цвет инструментом, который служит высшей цели — вызывать у нас самые основные эмоции. Каждая из работ Ротко была предназначена для того, чтобы вызывать разные смыслы в зависимости от зрителя. Он добился резонанса за счет использования наслоения цветов.

    «Белый центр» является частью фирменного мультиформного стиля Ротко, в котором несколько блоков многослойных цветов переливаются на большом холсте.

    Цитата Леже о цвете

    В своей работе «О монументальности и цвете» 1943 года Фернан Леже писал: «Тяга к цвету — естественная потребность, такая же, как к воде и огню. Цвет — это сырье, необходимое для жизни. В каждую эпоху своего существования и своей истории человек ассоциировал цвет со своими радостями, своими действиями и своими удовольствиями».

    Увлекательное исследование цвета

    В этой статье вы найдете небольшую коллекцию примеров, в которых художники использовали цвет на протяжении веков.Я призываю вас глубже изучить эту тему, и вы откроете для себя мир волшебства, ожидающий вас. Вы также можете прочитать «Десятки фактов о силе цвета».


    Как создавать одноцветные картины Moody

    Это исследование предназначено для всех возрастов, как показывают цветные смайлики. Вы можете рисовать картины в одном цвете всей семьей вместе!

    Раздел 1-12: Аравия, реки и озера, атомы, цвет и ценность

    Одноцветные картины — это художественный проект, прекрасно дополняющий Разделы 1–12, в которых вы узнаете о цвете как об одном из элементов искусства.Layers of Learning предлагает практические художественные проекты в каждом разделе этой семейной учебной программы. Узнайте больше о слоях обучения.

    Цвет – один из основных элементов искусства. Всякий раз, когда мы смотрим на искусство, на нас воздействуют его цвета, осознаем мы это или нет. Цвета вызывают эмоции. Художники играют и экспериментируют с цветами и эмоциями, которые они вызывают.

    Пабло Пикассо был известным художником, игравшим с цветом. Он наиболее известен своим кубизмом, но прежде чем писать в этом стиле, он прошел свой «голубой период». Он сосредоточился на изображении одиноких или грустных образов и использовал синий цвет, чтобы выразить эти эмоции. Щелкните здесь, чтобы зайти на PabloPicasso.org и просмотреть автопортрет, который он нарисовал во время своего синего периода. На портрете все окрашено в разные оттенки синего. Даже его кожа имеет голубой оттенок. Его цвета делают портрет угрюмым и заброшенным.

    Это еще одна картина Пикассо «Голубой период» под названием «La Soupe» («Суп»).

    Шаг 1: Исследование библиотеки

    Прежде чем приступить к исследованиям, прочитайте пару книг о цвете.Вот несколько советов, но если вы не можете их найти, поищите в своей библиотеке книги о цвете. Цветные смайлики над каждой книгой сообщают вам, для какого возраста они рекомендованы.

    Поскольку мы являемся аффилированными лицами Amazon, рекомендуемые ниже книги и продукты возвращают нам небольшой процент от вашей покупки. Это не влияет на ваши расходы и помогает нам в работе нашего веб-сайта. Мы благодарим Вас!

    Шаг 2: Рисование одним цветом

    Для этого художественного проекта вам понадобится бумага для рисования, много мелков и акварельные краски.

    Выберите цвет, который вы хотите использовать в качестве основного для вашего изображения. Вы будете использовать монохроматическую цветовую схему, что означает, что вы будете использовать только один цвет, но в каждом оттенке есть много оттенков и оттенков. Соберите все мелки одного оттенка, которые сможете найти, и используйте их, чтобы нарисовать простую картинку одного предмета. Вы можете использовать учебник по рисованию из Интернета, если вам нужна помощь в рисовании.

    Не забудьте включить в рисунок различные оттенки и оттенки вашего цвета, но также оставляйте пробелы в некоторых местах.Вы будете рисовать позже, и вы также хотите оставить некоторые области для краски.

    После того, как вы закончили раскрашивать картинку, пришло время рисовать. Вы можете смешивать акварельные краски и играть с количеством воды, чтобы сделать ее светлее или темнее. Чем больше воды вы используете, тем светлее будет цвет краски. Больше краски создаст более темный оттенок. Вы даже можете смешивать несколько оттенков вместе, чтобы получить еще больше оттенков и разновидностей в одном оттенке.

    После того, как картина будет полностью покрыта красками, дайте ей высохнуть.Вы даже можете закрепить его на листе подходящего картона или плотной бумаги, чтобы еще больше подчеркнуть тон картины.

    Шаг 3: Покажите, что вы знаете

    Покажите свои одноцветные картины публике и расскажите им, что вы нарисовали, а также какие оттенки и оттенки вы использовали. Назовите несколько слов, которые соответствуют вашему цвету. Например, когда я смотрю на фиолетового тигра, я думаю, что он величественный, темный, задумчивый, могущественный и величественный. Поговорите о цветах и ​​о том, что каждый цвет символизирует и сообщает лично вам. Расскажите, как, по вашему мнению, изменился ваш рисунок, потому что вы использовали монохроматическую цветовую схему (всего один цвет).

    Дополнительные слои

    Дополнительные слои — это дополнительные действия, которые вы можете выполнять, или тангенсы, с которых вы можете начать. Вы найдете их на боковых панелях каждого блока Layers of Learning. Они необязательны, поэтому просто выберите то, что вас интересует.

    Блокнот писателя

    Помимо «голубого периода» Пикассо, у него был и «розовый период», когда он использовал более теплые цвета.

    Это «Матернит» Пабло Пикассо, написанный в 1905 году.

    Вы замечали, что тон и эмоции в ваших картинах различались в зависимости от того, использовали ли вы теплые или холодные цвета? Напишите о том, как теплые цвета (красный, оранжевый, желтый, коричневый) вызывают у вас чувства, и о том, какие чувства вызывают у вас холодные цвета (зеленый, синий, фиолетовый).

    Станция запоминания

    Выучить наизусть стихотворение Роберта Фроста «Ничто не может остаться золотом»:

    Первый зеленый цвет природы — золотой,
    Ее самый трудный оттенок.
    Ее ранний лист — цветок;
    Но только так час.
    Затем лист опускается к листу.
    Так сгинул Эдем,
    Так заря сменяется днём.
    Ничто золото не может остаться
    .

    Дополнительный слой

    Пока вы рисуете мелом, вы также можете рассказать о том, как вы рисуете восковым резистом. Воск мелка устойчив к акварельным краскам и не прилипает к ним. Акварель заполняет только те участки, на которые вы не наносили восковые мелки.

    Начните домашнее обучение в семейном стиле прямо сейчас с бесплатным модулем Layers of Learning при подписке. Держите устройство навсегда, без вопросов.

    Мы очень рады, что вы присоединились к семье Layers of Learning.

    Проверьте свою электронную почту, чтобы получить инструкции по загрузке бесплатного модуля. Письмо должно прийти в течение 15 минут.

    Что-то пошло не так. Пожалуйста, проверьте свои записи и повторите попытку.

    The DPW Painting Challenge — конкурс «Один цвет на штрих»

    Чтобы сделать ставку на аукционе, нажмите здесь, чтобы войти,
    или , нажмите здесь, чтобы зарегистрироваться (это быстро и бесплатно).

    Оплата через PayPal

    Все платежи за выигравшие заявки будут производиться через PayPal непосредственно на счет PayPal артиста.Вам не обязательно иметь учетную запись PayPal, чтобы оплачивать художественные работы. PayPal предлагает вместо этого возможность оплаты кредитной картой.

    Как делать ставки

    Чтобы просмотреть и принять участие в аукционе любой картины в этом конкурсе по сбору средств, просто нажмите на миниатюру картины, а затем щелкните ссылку Bid в DPW Auction в открывшемся всплывающем окне.

    Пожертвование художника

    Каждый участвующий художник согласился пожертвовать 100% выручки от продажи за вычетом стоимости доставки.Подробности о том, как будет пожертвован ваш платеж, можно найти в описании каждой картины на странице аукциона картины. Если это не так, пожалуйста, не стесняйтесь обращаться к художнику по щелкнув ссылку по электронной почте художнику на странице аукциона картины.

    Любая налоговая выгода от пожертвования идет художнику, поскольку он делает пожертвование.

    Если вы победитель торгов

    В то время как DPW управляет сбором средств и аукционами, фактическая покупка находится непосредственно между вами и художником.Если вы станете победителем торгов в конце аукциона, вы получите электронное письмо с инструкциями о том, как заплатить художнику через PayPal. Вы также можете перейти на страницу «Мои аукционы» и нажать кнопку PayPal для оплаты.

    DPW не будет взимать плату за этот сбор средств, однако PayPal взимает с артиста их обычную плату за обработку.

    Спасибо за ваше покровительство и щедрость.

    Задайте вопрос Дэвиду из DPW

    Чтобы подать заявку, нажмите здесь, чтобы войти,
    или , нажмите здесь, чтобы быстро зарегистрироваться.

    Отправить заявку на участие в конкурсе DPW Challenge можно быстро и легко.

    Сроков нет, и вы можете выполнять любое задание столько раз, сколько захотите.

    Все работы должны соответствовать букве и духу задачи, а должны быть нарисованы после даты публикации задачи .

    Когда вы нажимаете кнопку «Принять участие в испытании!» на странице вызова, просто заполните появившуюся диалоговую форму. После быстрой проверки на спам, Ваша работа будет размещена на этой странице и доступна для просмотра другими художниками и потенциальными покупателями.

    Добавить комментарий

    *
    *

    Необходимые поля отмечены*