Художники стиля рококо: суть рококо, история рокайльной эпохи в живописи, характерные особенности. Примеры картин ярких представителей рококо — Франсуа Буше, Жан-Марка Натье, Николя Ланкре, Жана-Оноре Фрагонара

Содержание

какие цвета предпочитали художники рококо

Какие цвета предпочитали художники рококо?

Художники рококо использовали смеси мягких, светлых цветов, таких как пастель, слоновая кость и золото, который контрастировал с предыдущим стилем барокко и его темными и насыщенными цветами. Цвета, используемые в искусстве рококо, передавали понятия, связанные с любовью, природой, беззаботностью и молодостью. 29 ноября 2018 г.

Какой была бы цветовая палитра художника рококо?

Цветовая гамма рококо характеризуется лазурно-голубой, нежно-розовый, белый, цвет слоновой кости, кремовый и золотой и все они дополняют друг друга, будучи мягкими, воздушными и женственными.

Что было самым важным художественным элементом в живописи рококо?

Стиль рококо характеризуется сложным орнаментом, асимметричными значениями, пастельной цветовой палитрой и изогнутыми или змеевидными линиями. Произведения искусства в стиле рококо часто изображают темы любовь, классические мифы, молодость и игривость.

Какие цвета использовались в эпоху барокко?

В период барокко художники любили использовать насыщенные и яркие цвета для своей цветовой палитры. Художники использовали в основном темно-красный, зеленый и синий для картины Караваджо и глубокие и светящиеся в земляных тонах. Насыщенный цвет использовался, чтобы показать текстуру и поверхность объекта, такие как золото, шелк и бархат.

Что определяет стиль рококо?

это характеризуется легкостью, элегантностью и обильным использованием изогнутых природных форм в орнаменте.. Слово рококо происходит от французского слова rocaille, которое обозначало покрытую ракушкой каменную работу, которая использовалась для украшения искусственных гротов.

Смотрите также в какой стране прямая демократия

Каковы некоторые примеры искусства и архитектурных стилей рококо?

Примеры архитектуры стиля рококо
  • Дворец Амалиенбург, Мюнхен, Германия. …
  • Дворец Браницких, Варшава, Польша. …
  • Дворец Линдерхоф, Германия.
  • Екатерининский дворец, Св. …
  • Hotel de Soubise (зал принцессы), Париж, Франция. …
  • Дворец Чапских, Варшава, Польша. …
  • Замок Шантильи, месье ле Принс Холл, Париж, Франция.

Каковы некоторые примеры искусства и архитектурных стилей рококо? Кто художники, создавшие каждый из них?

10 произведений искусства, определивших стиль рококо
  • Жан-Антуан Ватто, «Паломничество на Китеру» (1717 г.)
  • Франсуа Буше, Триумф Венеры (1740 г.)
  • Жан-Оноре Фрагонар, Встреча (из цикла «Любовь пастухов») (1771–72)
  • Морис-Кантен де Латур, Портрет маркизы де Помпадур (1748–1755)

Что повлияло на стиль рококо?

Начало рококо. В живописи рококо прежде всего испытал влияние использование венецианской школой цвета, эротических предметов, и аркадские пейзажи, в то время как школа Фонтенбло была основополагающей для дизайна интерьера в стиле рококо.

Как старые художники делали краски?

Ранние художники смешивали свои пигменты с краской, используя воду, слюну, мочу или животные жиры. . Затем они наносили их пальцами, кистями или выдували через полые кости, как сегодняшние аэрографы.

Какой новый цвет краски был разработан и популяризирован в эпоху Возрождения?

Голландский киноварь, полученный путем прямого соединения ртути и серы с нагреванием с последующей сублимацией, был высоко развит во времена Рембрандта. Обычно он предпочитал использовать ярко-красную охру, усиленную добавлением красного озера, а не киновари, которую он использовал лишь изредка.

Как производили краску в 1800-х годах?

До тех пор, пока во время промышленной революции (около 1800 г.) краска не стала производиться в промышленных масштабах, художники делать свои собственные краски, измельчая пигмент в масло. Краска затвердеет, и ее придется каждый день обновлять. Краска состоит из мелких крупинок пигмента, взвешенных в масле. … Краска со временем схватывается и затвердевает.

Что изображено на картине Fête Galante?

Картины Fête galante являются важной частью периода искусства рококо, когда центр европейского искусства отошел от иерархического, стандартизированное величие церкви и королевского двора и стремление ценить близость и личные удовольствия.

Как называется особый стиль живописи рококо, изображавший природу?

Ватто был в значительной степени ответственен за создание особого типа живописи рококо, названного картина праздника галанте. Эти картины изображали уличные развлечения или развлечения высшего общества.

Что отличало стиль рококо от раннего барокко?

Что отличало стиль рококо в искусстве от более раннего стиля барокко? искусство в стиле рококо был светским и подчеркивал изящество, обаяние, легкость и мягкое действие, а не величие и силу.

Где больше всего любили рисовать художники рококо?

В Австрия и Южная ГерманияНаибольшее влияние на стиль рококо оказала итальянская живопись. Венецианский художник Джованни Баттиста Тьеполо, которому помогал его сын Джованни Доменико Тьеполо, был приглашен для росписи фресок в Вюрцбургской резиденции (1720–1744).

Какова была цель искусства рококо?

Живопись в стиле рококо, зародившаяся в Париже в начале 18 века, характеризуется мягкими цветами и изогнутыми линиями. изображает сцены любви, природы, любовных встреч, беззаботных развлечений и юности.. Слово «рококо» происходит от rocaille, что в переводе с французского означает «щебень» или «камень». Смотрите также, в чем разница между тканью и системой органов.

Как выглядели интерьеры в стиле рококо?

Как выглядит рококо? Рококо возник как форма дизайна интерьера, и это был стиль, ориентированный в основном на интерьеры. В то время как стиль барокко был драматичным, смелым и величественным с контрастными цветами, рококо был легкий, игривый и нежный с нежными оттенками пастельных тонов.

Каковы некоторые характеристики искусства и дизайна рококо. Как это связано с искусством барокко?

В искусстве барокко и рококо есть сходство в их стилях. Их можно узнать по роскошному убранству и эстетически приятному внешнему виду. При этом существует заметная разница в тоне, который создает каждый стиль. Рококо имеет более личное, мягкое, приятное ощущение, в то время как искусство барокко драматично и мощно.

Чем Буше наиболее известен?

Живопись Буше известна своим идиллические и сладострастные картины на классические темы, декоративные аллегории и пасторальные сцены. Он был, пожалуй, самым знаменитым живописцем и художником-декоратором 18 века.

Франсуа Буше
ИзвестенКартина
ДвижениеРококо
Подпись

Кто нарисовал картинку выше?

Какой художник нарисовал изображение выше? Диего Веласкес.

Что из нижеперечисленного является сюжетом, который обычно встречается в картинах в стиле рококо?

Произведения искусства в стиле рококо часто изображают темы любовь, классические мифы, молодость и игривость. Антуан Ватто считается первым великим художником рококо, оказавшим влияние на более поздних мастеров рококо, таких как Буше и Фрагонар.

Что такое колониальные цвета?

Классические колониальные цвета краски включают скромные землистые тона, такие как белый, кремово-желтый, миндальный, охра, красновато-коричневый, темно-коричневый, бежевый, серо-коричневый и приглушенный зеленый. Эти цвета были обычным явлением, потому что пигменты для красок поступали из природных ресурсов, таких как растения, почва и минералы.

Какой был первый цвет краски?

Впервые использованный в доисторических наскальных рисунках, красная охра является одним из старейших пигментов, которые до сих пор используются. Найденная в богатой железом почве и впервые использованная в качестве художественного материала (насколько нам известно) в доисторических наскальных рисунках, красная охра является одним из старейших пигментов, которые все еще используются.

Какого цвета были дома в 1800-х годах?

Черный и зеленый были двумя самыми распространенными цветами в 19 веке. Покраска оконной створки в темный цвет улучшит внешний вид почти любого исторического дома, а покраска в белый цвет, как правило, отвлекает от внешнего вида.

Как художники эпохи Возрождения делали свои краски?

Живопись в эпоху Возрождения чаще всего выполнялась как фреска или фрески на гипсокартонных стенах. Для фресок пигменты смешивали с водой и рисовали прямо на стене. Однако некоторые художники рисовали по дереву, используя темперные краски, которые представляют собой пигменты, в которых в качестве связующего используется яичный желток.

Какие краски использовались в эпоху Возрождения?

Фреска Есть три основных живописных средства, которые использовались в эпоху Возрождения, это фреска, (обсуждается здесь) Яичная темпера и картина маслом. Существуют различные типы фресок, настоящая фреска или фреска Буона очень постоянны и состоят из рисования кистью по свеженанесенной влажной известковой штукатурке (называемой интонако).

Смотрите также чем питаются водоросли

Что означали цвета в эпоху Возрождения?

Красный означает волнение и интенсивность, Розовый означает чувство нежности, Желтый символизирует радость, счастье, оптимизм, Синий отражает мир, спокойствие. Зеленый олицетворяет природу и здоровье, белый – чистоту и чистоту, черный – силу, утонченность, формальность и смерть.

Какие цвета были популярны в 1700-х годах?

К ним относятся Оранжево-красный пигмент Vermilion (китайский красный), Carmine, «Lac», желто-красный Realgar и ярко-красный «Dragons Blood», а также землистые оттенки, такие как Venetian Red. К ним относятся превосходный пигмент ультрамарин, а также его остатки, известные как ультрамариновый пепел, азурит и египетский синий.

Как красили стены в 1700-х годах?

В колониальную Америку основным материалом для краски были масло и вода. … Широкие возможности предоставили домовладельцам краску, необходимую им для окраски стен и потолков. Художники использовали кисти с деревянными ручками, сделанными из различных волосков.

Как делали белую краску?

Традиционно соединения металлов (соли) используются для создания различных цветов, например, диоксид титана (ярко-белое химическое вещество, часто встречающееся в песке) используется для изготовления белой краски, из оксида железа получают желтую, красную, коричневую или оранжевую краску (вспомните, как железо становится ржаво-красным), а из оксида хрома получают зеленую краску.

Что из следующего является примером картины Fête Galante?

Отплытие Жана-Антуана Ватто на Ситеру является прекрасным примером галантного праздника, что является французской фразой, которая примерно переводится как картина с изображением модников, отдыхающих на открытом воздухе.

Какая характеристика живописи Энгра отражает его приверженность академической традиции неоклассицизма?

Какая характеристика картин Энгра отражает его приверженность академической традиции неоклассицизма? физическая выразительность тел. Все перечисленное можно найти в ОБОИХ произведениях Делакруа «Свобода, ведущая народ», и в «Плоте Медузы» Жерико, КРОМЕ _____.

Какие термины лучше всего описывают стиль барокко?

Для стиля барокко характерны преувеличенное движение и четкие детали, используемые для создания драмы, изобилия и величия в скульптуре, живописи, архитектуре, литературе, танце и музыке. Барочная иконография была прямой, очевидной и драматичной, намереваясь прежде всего обратиться к чувствам и эмоциям.

Какой термин используется для описания стиля живописи рококо, изображающего увеселения и развлечения высших слоев общества на открытом воздухе?

Французский «любовный фестиваль». Тип живописи в стиле рококо, изображающий развлечения на открытом воздухе французского высшего общества. Тип портретной живописи 18-го века, предназначенный для передачи изящества и класса человека с помощью определенных стандартизированных условностей. Итальянский «живописный вид».

Понимание стилей искусства: рококо

5 лучших произведений искусства в стиле рококо

Общие характеристики искусства и архитектуры рококо

Стиль рококо 1700-1760 гг.

Американский вариант Рококо

Рококо — это название одного из крупнейших международных декоративных стилей восемнадцатого века.

Он известен своим отходом от классического понятия порядка и симметрии, рококо презирал правила и жертвовал ими в пользу украшений, которые требовали умелых рук и большого воображения, что выходило за пределы академических традиций. Главный акцент делался на натуралистический орнамент, резной или гравированный. Этот стиль зародился в Италии, и процветал во Франции в начале 1730-х, в Англии в 1740-х и в Америке в 1750-х.

Американцы приняли рококо, но сосредоточились исключительно на украшениях: орнаментах, рокайлиях (rocaille), листьях аканта и других представителях флоры и фауны, зачастую составлявших симметричные композиции. Они с энтузиазмом применялись многими ведущими ремесленниками в архитектурных интерьерах, гравюрах, серебряных изделиях, мебели и прочих предметах домашнего обихода.

Рококо пересек Атлантику тремя основными способами: в виде рисунков в книгах, завезенных предметов в стиле рококо, иммигрантов и ремесленников. Влияние рисунков в книгах, так же как и завезенных предметов, было ограничено, из-за отсутствия необходимой документации, а точнее — инструкций. Так что основными распространителями рококо в Америке стали иммигранты-ремесленники, чьи навыки помогли разобраться в тонкостях стиля. В 1750-х и 1760-х, целая волна высоко квалифицированных и амбициозных молодых мастеров, большинство из них прошли  подготовку в Лондоне, эмигрировали в Америку, применив свои способности и возможности для личного продвижения и социального развития.

Только в крупных городах и их окрестностях были доступны все необходимые компоненты, способствовавшие развитию американского стиля рококо: дизайнеры, проектировщики, ремесленники, материалы и заказчики. Наиболее плодородными районами, в плане дизайна в стиле американского рококо были Бостон, Нью-Йорк, Чарльстон и Филадельфия, а также все морские порты и все, что было тесно связано с Лондоном. Во время расцвета эпохи американского рококо, Бостон был уже в «сумерках» своего колониального господства, поэтому вкус его жителей был самым консервативным из четырех городов. Примеры из Нью-Йорка довольно редки, без сомнения, потому, что большой процент их был разграблен отступающими войсками лоялистов или уничтожен в результате катастрофических пожаров, которые сопровождали оккупацию города.

В процветающем Чарлстоне, самом большом городе на юге, рококо процветал, но существовала значительная зависимость от импорта товаров. Филадельфия, приближаясь к апогею своей власти и богатства, была крупнейшим городом в колониях. Ее процветание и культура привлекали иммигрантов-мастеров и уникальных специалистов, способных обеспечить замысловатыми узорами ее самых богатых граждан. Как и следовало ожидать, город стал Афинами Америки, арбитром в новом стиле и источником экспонатов для музеев.

Живопись рококо. Мастера галантного жанра (А.Ватто, Ф.Буше, О.Фрагонар)

Живопись рококо.
Мастера галантного жанра
(А.Ватто, Ф.Буше, О.Фрагонар).
Итоговая работа по МХК
Ученицы 11А класса средней школы
№28 имени А.А.Суркова
Сидоровой Елены

2. Живопись рококо

• Рококо (французский rocail — похожий на
раковину), наименование стиля,
господствовавшего в
западноевропейском искусстве в
течение первых трех четвертей 18
века. Термин Рококо возник во Франции в
конце 18 века, в эпоху расцвета
классицизма, как презрительная кличка
для всего манерного искусства
предшествующего периода; изогнутая,
капризная линия, напоминающая
очертания раковины, — его главный
формальный признак
• Мировоззрение феодального общества в
период, предшествующий его крушению,
нашло в искусстве Рококо своё яркое
отражение.

• Равнодушие к социальным проблемам,
стремление уйти от
действительности в мир вымысла и
интимных переживаний приводят в
искусстве к декоративной
театральности образов и глубокой
условности воплощённых чувств.
• Героический сюжет и героизированный
человек сменяются эротической
тематикой.
• Тяжелой торжественности форм
барокко приходит на смену камерная,
хрупкая декоративность Рококо.
• Лозунгом эстетики Рококо становится
«искусство как наслаждение».
• Цель художественного произведения —
возбуждать легкие, приятные эмоции,
развлекать, ласкать глаз причудливым
узором линий, изысканными
сочетаниями светлых нарядных красок,
что особенно ярко выразилось в
архитектурном убранстве интерьера, с
новыми требованиями которого
сообразовалась и живопись Рококо
• Наиболее распространённая форма
живописного произведения — небольшое
декоративное панно, большей частью
овальной, круглой либо причудливо-изогнутой
формы.
• В основе композиции и рисунка лежит мягко
изгибающаяся линия, которая придает
произведению обязательную для этого стиля
вычурность и нарядность.
• Ориентация на античную пластику в
трактовке человеческой фигуры и лица
сменяется более интимным идеалом.
Акцентируется округлость очертаний,
изящество удлинённых конечностей,
миловидность черт. Форма моделируется при
помощи смягченных переходов света и тени;
отсутствуют резкие тени, яркие,
контрастные краски.
• Одна из особенностей живописи Рококо утонченный колоризм. В своих
колористических изысканиях художники
эпохи Рококо шли от Рубенса и
венецианцев. Однако живые, насыщенные
краски Рубенса и Венерозе в их
произведениях бледнеют и меркнут.
Красное превратилось в розовое, синеев голубое. Лица и обнаженные тела
приобретают неживую кукольную
белизну.
• Живописцы увлекаются изысканными
сопоставлениями лимонно-желтых,
сиреневых, блеклоголубых, вялорозовых,
сероватых и ржавых тонов.
• Одним из основоположников стиля
рококо был Антуан Ватто (1684 — 1721),
создатель пасторального жанра.
• Он дал наиболее совершенное
воплощение эстетических принципов и
формальных особенностей этого стиля.
Глубокая эмоциональность и
меланхоличная мечтательность
образов придают произведениям Ватто
характер особой утонченности,
которой уже не достигают его
непосредственные подражатели, так
называемые художники «галантных
празднеств» (Ланкре, Патер, Кийар и
другие).

8. Антуан Ватто


Ватто (Watteau) Антуан (1684–1721),
французский живописец и рисовальщик.
Творческие устремления Ватто положили
начало новому этапу в развитии французской
живописи, графики и декоративного
искусства. Важную роль в творческом
методе Ватто играло поэтическое
воображение; внутренняя жизнь его
персонажей раскрывается в особой сфере
влечения в мир мечты, причудливо
переплетающегося с обращением к
лирической отзывчивости зрителя. Ватто
впервые воссоздал в искусстве мир
тончайших душевных состояний, нередко
окрашенных иронией и горечью, порожденных
ощущением несоответствия мечты и
реальности. Персонажи картин Ватто постоянно повторяющиеся типы, но за их
галантной игрой, под маской актёра кроется
бесконечное многообразие оттенков
поэтического чувства. В лирических сценах
Ватто, чаще всего представляющих группы
фигур на лоне природы, тончайшим
градациям чувств созвучна эмоциональность
пейзажа. Группы и персонажи многофигурных
сцен развивают в различных вариациях
общую лирическую тему.
«Бал»
Картину «Бал»
Ватто написал
примерно в то же
время, что и
«Паломничество на
остров Киферу».
Здесь мы вновь
встречаем статуи кариатиды глядят на
танцующих и
веселящихся людей с
высоты своих
постаментов.
«Радости жизни»
Персонажи Ватто напоминают не действительных
людей, развлекающихся на лоне природы, а театральных
актеров, разыгрывающих пьесу на фоне декораций,
изображающих парк или лесную поляну. При этом они
даже не всегда одеты в «очевидно-театральные»
костюмы.
«Паломничество на остров Киферу» (1717)
Эту в высшей степени изящную (и меланхолическую) картину Ватто
представил жюри академиков
• при своем избрании в действительные члены
Королевской академии живописи и ваяния в 1717 году.
«Паломничество на остров Киферу» — в большей степени настроенческая,
нежели повествовательная картина, как, впрочем, и большинство работ
Ватто. Из названия можно заключить, что автор хочет нам показать «праздник
любви». Ан нет. Скорее — окончание праздника, когда уже вся амброзия съедена и
нектар выпит. Ощущение мимолетности и непрочности счастья (и, по
большому счету, невозможности его, ведь человек не может удовлетвориться
«мимолетностью», и в миг наивысшего блаженства тоскует о том, что «все
кончится») подчеркивается осенней, сумеречной прозрачностью пейзажа.
«Гамма любви» (1717)
• Свое название эта
картина получила уже
после смерти Ватто,
поэтому оно может не
вполне
соответствовать
изначальному замыслу
автора. Однако для
зрителя очевидно, что
музыка выступает
здесь связующим звеном
между мужчиной и
женщиной. Она — повод
для сближения, «казус
белли». Любопытно,
что в «Гамме любви»
мастер пользуется
нехарактерным для себя
композиционным
приемом: выдвигает
влюбленную пару на
передний план.
«Перспектива»
На этой картине
удивительным образом
противопоставлена
«прочность» природы
переменчивости человека.
Чувствуется, что люди лишь
ненадолго зашли в этотпрелестный уголок парка и
скоро уйдут. И ничто не
будет напоминать об их
пребывании здесь. Фигуры
людей теряются на фоне
таинственных туманных
ландшафтов
«Отдых на охоте» (1720)
«Отдых на охоте» сложно
назвать в полном смысле
реалистическим полотном. Но
черты реализма здесь
очевидным образом
присутствуют. Обратите
внимание, например, на то, что
вся сцена помещена не в
окружении паркового ландшафта,
но «на лоне» вполне дикой (хотя и
несколько идеализированной)
природы. Как и во многих
работах Ватто, персонажи здесь
«разбиты» на пары. Но если в
большинстве случаев за этим
«разбиением» улавливается
некий — и лукаво дразнящий, и
неподдельно тревожный подтекст, то в «Отдыхе на
охоте» ничего подобного нет.
Особенно заслуживает внимания
пара на заднем плане — кавалер
помогает своей даме подняться
с земли, и этот жест исполнен
самой дружеской и детской
игривости, хотя двумя годами
ранее Ватто наверняка вложил
бы в него совсем, иной смысл.
Франсуа Буше
Буше (Boucher) Франсуа (1703–1770),
французский живописец. В 1755-1765
руководил Королевской мануфактурой
гобеленов в Париже, с 1765 – директор
Королевской академии живописи и
скульптуры, “первый живописец короля”,
один из ярких мастеров рококо. Живопись
Буше в полной мере отразила
декоративные принципы искусства его
времени. Буше в начале творческого пути
испытал влияние А.Ватто (гравировал его
картины), в дальнейшем писал плафоны,
панно, картины с мифологическими,
пасторальными, жанровыми сценами,
нарядно-кокетливые портреты,
идиллические пейзажи, выдержанные в
мягких серебристо-зеленых тонах .
«Юпитер и Калиссто» (1744).
• В картине «Юпитер и
Каллисто» Буше обратился к
«Метаморфозам» римского
писателя Овидия,
пересказавшего миф о боге
Юпитере, который,
влюбившись в нимфу
Каллисто и желая ее
соблазнить, принял облик
богини Дианы.
• Художник интерпретирует
чувственный эпизод античной
мифологии в характерном
для рококо поверхностном,
игривом духе.
«Купание Дианы» (1742)
Буше изобразил богиню-охотницу
Диану на берегу прозрачного ручья.
Свой колчан со стрелами она небрежно
бросила поодаль. На переднем плане
зритель видит ее лук и «плоды трудов»
— двух подстреленных голубей и зайца.
Художник никого не собирался
обмануть: в виде богини он изобразил
вполне земную девушку. Мифология
здесь — только благопристойный повод
обратиться к обнаженной женской
натуре.. Жестом одалиски Диана
перебирает нежно-розовыми пухлыми
пальчиками нитку жемчуга. Ее тело тело изнеженной фаворитки какогонибудь герцога. Сложно представить,
чтобы эта изящная красавица могла
проводить по нескольку часов в погоне
за дичью. Еще труднее вообразить
себе, что эта Диана натравит своих
псов на несчастного Актеона, случайно
увидевшего ее наготу. Скорее уж раскроет ему навстречу свои объятия.
Непринужденные позы богини и нимфы,
ее верной служанки, свидетельствуют
о мастерстве Буше-рисовальщика.

18. «Осенняя пастораль» (1749)

• «Осенняя пастораль» — одна
из двух картин, заказанных
Франсуа Буше министром
финансов Людовика XV. На
картине представлена
умилительная сцена юноша-пастух кормит
виноградом Лизетту,
главную героиню
пантомимы. Этот сюжет
настолько полюбился Буше,
что он написал еще как
минимум две картины на
него, а пастух и Лизетта
со временем превратились
в фарфоровые статуэтки.
«Закат Солнца» (1752)
Парная картина к «Восход
Солнца». За основу здесь Буше
берет сюжет из
«Метаморфоз» Овидия, но
перетолковывает его так,
что он превращается в
будуарную сцену. Аполлон,
совершивший свой дневной
путь по небосклону,
спускается в объятия нимфы
Тетис, а купидоны
задергивают над ними полог
ночи.

20. «Мельница» (1751)

• Один из «фирменных» пейзажей Буше. Здесь есть все, что
только может пожелать самый прихотливый заказчик.
Старая мельница, покосившиеся изгороди, мостик,
голуби, милые ребятишки. Даже прачка, которая
стирает белье в изящной позе придворной дамы,
делающей глубокий реверанс.
«Женщина, поправляющая подвязку» (1742)
• Большим поклонником
жанровых картины Буше
был и граф Тессин. Для
него художник написал
«Женщину, поправляющую
подвязку» (1742).
Отметьте, как, сильно
отличаются эти картины
от жанровых сцен
Шардена. Каждая деталь вплоть до каблучка
туфельки красавицы,
вплоть до детской игрушки
— говорит здесь об
«искусстве жить». И
очевидно, что это
«искусство» Буше
понимает совершенно поиному, чем Шарден.

22. Жан Оноре Фрагонар


Жан Оноре Фрагонар (Fragonard) французский живописец и гравер (17321806), ученик сперва Шардена, а потом
Буше, и в 1752 году за картину
«Жертвоприношение Иеровоама»
получил большую премию с правом
путешествия в Рим в качестве
пенсионера французского
правительства. В больших
исторических картинах Фрагонара мало
оригинальности; в его пейзажах природа
является слишком переиначенной и
приукрашенной; зато жанровые его
картины, хотя и не чуждые манерности,
пленяют зрителя умно изобретенной
композицией, грациозностью рисунка,
изящностью и деликатностью
колоритных тонов, плавностью и
сочностью письма и вообще большим
вкусом исполнения.
«Купальщицы»
Женскому обнаженному телу
неизменно посвящали свои
работы французские
художники стиля Рококо. В
отличие от своего учителя
Буше, Фрагонару,
вернувшемуся из Италии в
1761 году, не нужен был
мифологический сюжет,
чтобы оправдать
изображение группы
белокурых рубенсовских
красавиц. Обнаженные тела,
ткани и пышная
растительность сливаются
в потоке жирных
стремительных мазков. Это
придает картине
динамичность наброска качество, сделавшее
Фрагонара впоследствии
неординарным художником
своего времени.
«Поцелуй украдкой»
«Вершиной «галантного»
творчества Фрагонара
является картина «Поцелуй
украдкой», хранящаяся ныне в
Государственном Эрмитаже. В
маленькой комнате,
отделенной от зала
полуоткрытой дверью, юноша
похищает поцелуй у
очаровательной девушки. Та,
застигнутая врасплох его
«нападением» и несколько
смущенная, смотрит на эту
дверь, опасаясь, что ктонибудь может войти и
увидеть их. Правая рука ее,
зажатая в нежных тисках его
ладоней, замерла в
предостерегающем жесте
«Качели»
Картину Жана Оноре
Фрагонара «Качели, или
Счастливые случайности
качелей» (Jean-Honore
Fragonard «The Swing», 1767,
Wallace Collection, London,
England) принято считать
образцовым примером
галантной живописи. В самом
деле, здесь есть все признаки
галантного жанра: дама и
кавалеры в парке, пикантный
сюжет, амуры и т. д. Эта
картина Фрагонара занимает
ключевое место не только в
истории галантной культуры
XVIII века, но и в истории
визуальности и напрямую
связана с просветительской
реформой видения.
«Выигранный поцелуй»
Во время игры в карты молоденькая девушка, очевидно,
проиграла своему столь же молодому партнеру. Игра шла на
поцелуи, и теперь юноша требует свой выигрыш. Девушка не
очень склонна рассчитываться с ним: ее подруге приходится
держать ее за руки. Однако ни настоящего сопротивления, ни
огорчения не заметно. Каждый из персонажей картины очень
естественен. Художник как будто любуется этими
качествами. Картина написана в теплых тонах, в широкой
живописной манере, любимой Фрагонаром как в эскизах, так и в
законченных произведениях
Проверь себя
1.Что обозначает термин рококо? Как и когда он возник?
2. Сформулируйте тематику и целевую направленность
произведений стиля рококо.
3.Назовите автора картины «Осенняя пастораль»?
4. Кто из художников в 1752 году за картину
«Жертвоприношение Иеровоама» получил большую премию с
правом путешествия в Рим в качестве пенсионера
французского правительства?
5.Какую богиню любил изображать Франсуа Буше на своих
картинах?
6. В каких картинах за основу Буше берет сюжет из
«Метаморфоз» Овидия?
7.Что играло важную роль в творческом методе Антуана
Ватто?
8.Назовите наиболее известные картины Антуана Ватто?
9.Назовите отличительные признаки работ Жана Оноре
Фрагонара?
10.Какая картина является «вершиной «галантного»
творчества Жана Оноре Фрагонара?

Часть 7 — Часть 7

      Иногда стиль Рококо определяют как последнюю, кризисную фазу  развития

Барокко. Это верно лишь в том смысле, что хронологически Рококо  следует  за

Барокко. Но стиль Барокко не получил широкого  распространения  во  Франции,

точно так же как Рококо  —  в  Италии.   Барокко,  по  существу,  итальянское

явление,  связанное  как  с   Классицизмом,   последовательным   усложнением

классицистических  форм  архитектуры  Итальянского  Возрождения,  так  и   с

идеологией  католической  контрреформации.  Напротив,  в   «Большом   стиле»

искусства Франции XVII в. господствовал светский Классицизм в  соединении  с

национальными традициями  Готики  и  лишь  в  небольшой  степени  элементами

Рекомендуемые материалы

заимствованными у стиля Барокко. И Рококо, и

      Барокко насыщенны и декоративны, но если барочная пышность  напряжена,

динамична, то рокайльная —  нежна  и  расслаблена.  Вместе  с  тем,  есть  и

переходные, гибридные формы  «барочно-рокайльного»  стиля.  Однако  в  целом

французское Роко-ко более связано с формами «Большого стиля» Людовика XIV  и

стиля Регентства мчала XVIII столетия.

      В  главном  Рококо  противоположно  всей  предшествующей  эпохе.   Если

предыдущие художественные стили складывались в архитектуре  и  только  затем

распространялись в живописи, скульптуре, мебели,  одежде,  то  Рококо,  этот

оригинальный плод изобретательности французского гения, сразу же возник  как

камерный стиль аристократических гостиных и будуаров, оформления  интерьера,

декоративного и прикладного искусства и практически  не  нашел  отражения  в

архитектурном экстерьере. В то же время, будучи камерным,  интимным  стилем,

он вышел за пределы  Франции,  и  по  влиянию  на  развитие  евро-  пейского

искусства его можно поставить в один ряд только с Готикой. Если  европейский

Классицизм  не  оригинален  и  ретроспективен,  поскольку  в  своих   формах

ориентирован на античность, а Барокко выросло из Классицизма,  то  Готика  и

Рококо от начала и до конца — оригинальные явления, не имеющие прототипов  в

истории искусства.

      Стремление к интимному  стилю  оформления  интерьера  после  шумной  и

помпезной эпохи Людовика XIV появилось  еще  в  период  Регентства.   Центром

формирования новой культуры XVIII в. стал не дворцовый парадный интерьер,  а

салон, быт частного дома. Заправляли французскими салонами  женщины,  именно

они  создавали  среду,  в  которой  формировалась  новая   аристократическая

культура со своим языком — изящным, галантным и ироничным,  с  определенными

правилами поведения. Женщины аристократических гостиных становились  главным

объектом искусства, свою повседневную жизнь они также стремились  превращать

в искусство. Для них  художники-декораторы  создавали  проекты,  а  огромная

армия  портных,  парикмахеров,  ювелиров,  живописцев,  ткачей,  мебельщиков

создавали удивительные вещи. Уподобленная маскараду жизнь  светских  салонов

французской столицы ставилась в зависимость от моды, которая диктовалась

      фаворитками короля: маркизой де Помпадур (см. помпадур  стиль),  мадам

Дюбаррд Марии Лещинской. Фигура женщины — средоточие нового  стиля.   Поэтому

цд оформление парадных залов или  деловых  кабинетов,  а  галантные  манеры,

костюмы  предметы  обстановки  будуаров  и  спален  определяли  его  главные

особенности.  Полвека  спустя,  один  из  главных  апологетов   Классицизма,

живописец  Ж.-Л.  Давид  презрительно   назвал   этот   стиль   «эротическим

маньеризмом».

      В стиле Рококо эстетизировалось все материальное,  телесное  и  этому,

самым  парадоксальным  образом,  придавалось  ду.  ховное  значение,  отчего

создавалось  ощу.  щение   воздушной   легкости,   эфемерности   проявлялись

тончайшие нюансы чувства и  мысли.  В  эпоху  французского  Рококо  получили

наиболее яркую,  завершенную  форму  процессы,  начавшиеся  еще  в  «Большом

стиле» Людовика XIV: эстетизировалась не  цель,  а  средства  искусства,  не

художественный образ как целое, а отдельные способы и приемы  композиции.  С

этим  связаны  некоторое  «легкомыслие»,  чисто  французское   изящество   и

изощренный эротизм новой культуры. В эпоху Рококо  традиционная  французская

куртуазность, так блестяще воспетая трубадурами в  средневековье,  принимает

несколько   извращенный   характер   и   место    возвышенно    прекрасного,

недосягаемого   идеала   красоты    занимает    доступное,    пикантное    и

сладострастное. При этом различия прекрасного  и  безобразного,  волновавшие

художников Ренессанса, уже не столь существенны. Эта  новая  эстетика  самым

непосредственным   образом   отразилась   в   настроении    изобразительного

искусства. Любимыми темами  художников  Рококо  стали  не  сила,  страсть  и

героика,  а  нежность  и  игра.   философские   темы   «Пляски   смерти»   и

«Апокалипсиса», чрезвычайно распространенные в позднее средневековье,  эпоху

Возрождения и даже  в  XVII  в.,  совершенно  исчезают  вместе  с  ощущением

времени, которое как бы останавливается, а то и вовсе  не  существует.  Есть

только настоящее, без прошлого и будущего. Эстетизируется само мгновение,  а

не жизнь.

      Идейной  и  эмоциональной  основой  стиля  французского  Рококо   стал

гедонизм и  индивидуализм,  сформировавшийся  еще  в  период  Регентства,  а

формой — интимная и игривая грация, «дух мелочей  прелестных  и  воздушных»,

как  определил  ее  рус-ядай   поэт   М.   Кузмин.   Эстетика   мимолетного,

неуловимого,  изменчивого  и  каприз-goro  нашла  свое  выражение  в   жанре

«каприз» (франц. caprice  —  каприз,  причуда),  отличающегося,  однако,  от

барочного  «ка-уриччи»  своей  легкостью  и  веселостью  —  это  всего  лишь

«красивая миниатюра», пустяк. Любимая аллегория Рококо — ((Остров Кифера»  —

название одной из самых известных картин А. Ватто — мифический  остров,  рай

влюбленных с храмом Венеры, где царствует  безделье,  легкий  флирт,  вечные

праздники и забавы;

      мужчины там галантны, а женщины прекрасны, нежны  и  наивно  распутны.

Острота двусмысленностей подобных  аллегорий  только  усиливалась,  с  одной

стороны,  призывами  к  вечному  наслаждению,  а  с  другой  —  намеками  на

быстротечность жизни,  скорую  пресыщенность  удовольствиями  и  эфемерность

земного  счастья. Рококо — это соединение жизнелюбия и  пессимизма,  радости

и тоски, ощущения новизны форм и предчувствие конца.  Девизом  эпохи  Рококо

стал «счастливый

      миг»…

      г Главный вид изобразительного искусства — настенные панно, плафоны  и

декоративные композиции, расположенные над дверными или оконными проемами  —

де-сюдепорты (франц.  dessus-de-porte  —  над  дверью).  Изменился  заказчик

картин. Если в эпоху Барокко и «Большого стиля»  главными  заказчиками  были

католическая церковь и  королевский  двор,  то  теперь  состав  любителей  и

ценителей  живописи  пополнился  новой   аристократией   и   представителями

«третьего сословия». Ведущие живописцы стиля Рококо: А. Ватто, К. Жилло,  Н.

Ланкре, ф. Буше, О.  Фрагонар.  Их  картины  большей  частью  декоративны  и

предназначены для жилого интерьера. Со  временем  появляется  и  новый  жанр

камерно-Декоративной  живописи  —  пастораль  (франц.  pastorate   от   лат.

pastoralis — пастушеский). Но в эпоху  Рококо  это  не  просто  деревенский,

сельский мотив, а идиллические картины  «пастушеской»  жизни  с  эротическим

подтекстом: пастухи и пастушки одетые в богатые  бальные  наря-Ды,  на  фоне

природы, в обстановке полной свободы, покоя, среди  цветов  заняты  Чтением,

игрой на свирели…

      Продолжали   использоваться   традиционные   мифологические    сюжеты,

характерные для  Классицизма  и  Барокко,  но  круг  персонажей  значительно

сужался. Венера, нимфы и  амуры  затмевали  все  остальные  божества.  Образ

солнечного бога Аполлона — Гелиоса, олицетворявшего Людовика XIV,  полностью

исчезает из  искусства.   Героические  сюжеты  окончательно  отступили  перед

темами,  дававшими  художнику  большой  простор   в   изображении   женского

обнаженного тела —  основное  желание  новых  покупателей  картин.  Античные

богини и нимфы выглядели по-современному привлекательными, а то  и  попросту

расценивались в качестве  соблазнительных  изображений.  Прозрачные  намеки,

сцены соблазнения — главные  темы  живописи  Рококо.  Так  эстетика  будуара

впервые соединилась с классическими сюжетами. Вместо  полнокровных,  пышущих

энергией, силой и движением, фигур Рубенса — идеала стиля  Барокко,  в  моду

Рококо вошли хрупкие и томные тела в  «нежном  возрасте».  Красота  мужского

тела больше не привлекает художников, старость и  смерть  для  них  тоже  не

существует. Есть только красота женщины, да и то  ее  «ранняя  весна».  Этот

образ воплощался соответствующими  средствами:  мягкими  округлыми  линиями,

тонкими  нюансами  формы  и  цвета,  чему  было  найдено  и  соответствующее

теоретическое обоснование: «. .. эти формы посвящены Венере… В самом  деле,

взглянем на прекрасную женщину. Контуры ее тела  мягки  и  округлы,  мускулы

едва заметны, во всем царит простая  и  естественная  нежность,  которую  мы

скорее  чувствуем,  чем  можем  определить»  .  Так   в   искусстве   Рококо

женственность  стала  главным  критерием  красоты.   Французский   писатель-

символист Ж.-К. Гюисманс столетие спустя выразил это качество  устами  героя

своего  романа  еще  более  откровенно:  «Стиль  Луи  XV  подходил  хрупким,

истощенным возбуждениями мозга людям; ведь только  XVIII  век  сумел  облечь

женщину порочной атмосферой, придать контурам  мебели  форму  ее  прелестей,

заимствуя  для  изгибов,  для  хитросплетений  дерева  и  меди  судороги  ее

наслаждения, завитки ее спазм…»2. Манера живописцев и рисовальщиков

       Le Camus de Mezieres. Le Genie de 1Architecture ou 1Analogie  de  cet

art avec nos sensations, Paris, 1780, p. 122. Цит. по: Кожина  Е.  Искусство

Франции XVIII века. Л.: Искусство, 1971, с. 36. Гюисманс    Ж.-Ш.  Наоборот.

 М.:

      Стиль, 1990, С. 51.

      Рококо предельно живописна, бегла, почте импрессионистична. Впервые  в

истории искусства легализованы изображения об-ваясенного тела  в  откровенно

эротическом   смысле,   натурщиц   в   вызывающих   позах,    дашь    слегка

замаскированных с помощью каяо значащих атрибутов под  Диан  и  Венер.  Сама

Венера стала изображаться не богиней, а раздетой или  полураздетой  светской

дамой, подчас с известными чертами какой-либо высокопоставленной особы,  де-

Нбнстрирующей свои прелести  в  возможно  более  пикантной,  домашней,  даже

прозаической обстановке.  Причем  все  это  считалось  весьма  похвальным  и

подобная находчивость художника всегда  получала  одобрение.  Сами  сюжетные

ситуации выискивались такие, чтобы служить поводом,  как  бы  невинным,  для

откровенной эротики, например «Прекрасные  возможности  качелей».   Небывалое

распространение  получают  всевозможные   «купания»,   «утренние   туалеты»,

«летние  удовольствия»,  а  также  «сравнения»,  когда  несколько   красавиц

вступают в соревнование, демонстрируя друг другу, и конечно, зрителю,  части

своего тела. Поэтому популярный античный  сюжет  «Диана  и  Актеон»  кажется

двусмысленным, а большинство картин Буше, Ватто Младшего и  позднее  Л.  Бу-

айи — просто повод для демонстрации пикантных поз.

      ~ В  архитектуре  интерьера  взамен  классических  колонн,  пилястр  и

капителей появляются тонкие рельефные  обрамления,  ленточные  переплетения,

гротески вперемежку с  новым  элементом  рокайля.  Углы  стен  закругляются.

Вместо карниза, отграничивающего  плоскость  стены  от  потолка,  появляется

падуга — плавный, полукруглый переход, самым пластичным образом  связывающий

то и другое и делающий незаметной  для  глаза  тектонику  интерьера.  Падуги

встречались и раньше, в «Большом стиле», но в эпоху Рококо они  декорируются

не круглой скульптурой, а тонким  орнаментальным  рельефом,  выполненным  из

гипса «стукко» (от нтал. stucco — отделывать). Лепной  орнамент  ,  рокайля,

будучи сам по себе атектонич-

      ным,  еще  более  усиливает  «живописность»  г  падуг.   Тенденция   к

живописности внутреннего пространства намечалась в архитектуре Барокко,  Jfo

в стиле Рококо она Достигла  наивысшего  развития.  При  этом  яркие  краски

сменились нежными пастель-Вход в салон. Гравюра И.Нильсона. 1760. Дрезден

      нымн тонами — белым, розовым,  палевым,  оливковым,  светло-голубым  с

позолотой. Рельефные рокайльные завитки стукко плавно  переходят  в  роспись

золотом  по  белому  фону.  Вся   орнаментика   характеризуется   тонкостью,

легкостью,  изяществом.  Центр  интерьера  —   невысокий   камин,   покрытый

мраморной плитой, на которую ставились часы  золоченой  бронзы,  канделябры,

вазы  китайского  фарфора.  Над  камином  непременно   большое   зеркало   в

позолоченной раме. У камина — столик, кресла. Другие зеркала — в  простенках

между окнами — назывались трюмо, (франц. trumeau — простенок). Вообще  мотив

зеркала как символа призрачности, игры, соединения иллюзии и  реальности,  в

искусстве  Рококо  приобретает  ведущее  значение.  Многочисленные   зеркала

отражаются  одно  в  другом,  создавая  впечатление   бесконечного   зыбкого

пространства анфилады комнат. Горящие свечи мириадами  искр  лишь  усиливают

это  впечатление.  Стиль  Рококо   дает   наслаждение   самому   изысканному

эстетическому  вкусу.  Здесь  все  рассчитано  на   создание   определенного

настроения, но не более…

      Рококо — один из самых «формальных» стилей, в нем важнее не «что», а

      «как» делается художником, не что изоб.  ражено  в  каждом  конкретном

случае, д каким образом это оформлено. И в этом Рококо ближе  всего  музыке.

Рококо  есть  удивительный  пример   «мнимой   пластики»   трансцендентности

изобразительных мотивов, являющихся, по существу,  музыкальной  организацией

форм. «Это победа звуков и  мелодий  над  линиями  и  телом…  Это  уже  не

архитектура  тела…  с  извилистыми   фасадами,   порталы,   дворы   с   их

инкрустациями  в  форме  раковин,   величественные   лестничные   помещения,

галереи,  залы,  кабинеты  —  это  окаменелые  сонаты,  менуэты,  мадригалы,

прелюдии;  это  камерная  музыка  из  гипса,  мрамора,  слоновой   кости   и

благородного  дерева,  кантилены  из  волют  и  картушей,  каденции  внешних

лестниц  и  коньков…  «allegro  fuggitivo»   для  маленького   оркестра»2.

Проблемы  архитектуры  в  искусстве  Рококо  сужаются  до  задач  оформления

интерьера.  Модным  словом   в   культуре   Рококо   становится  «bagatelle»

(франц.  безделица,  пустяк,  безделушка).  Мелкие   фарфоровые   статуэтки,

шкатулки, вазы, расставляются везде, где только можно: на  каминных  полках,

столиках,  специальных  подставках-консолях,  в  шкафах-горках,  вытесняющих

тяжелые комоды. Усиливается мода на  все  экзотическое,  необычное,  главным

образом на восточное, китайское  искусство.  Наряду  с  китайским  фарфором,

ввозимым в Европу еще в  XVII  в.,  становятся  популярными  лаковые  панно,

украшающие стены или искусно вмонтированные в европейскую  мебель,  картины,

шелковые ткани с изображениями сцен из китайской жизни, пагодами,  китайцами

и  китаянками,  пальмами,  зонтиками  и  попугаями.  Такое   псевдокитайское

искусство получило название шинуазери (франц. chinoiserie  —  китайщи-на  от

China — Китай), а изображения обезьянок и  других  экзотических  животных  —

сенжери (франц. singerie —  обезьянничанье  от  singe  —  обезьяна).  Иногда

целые интерьеры оформляются в экзотическом китайском вкусе,  как,  например,

в  потсдамском  Санс-Суси   или   ораниенбаумском   Китайском   дворце   под

Петербургом. В орнаментальных композициях китайские мотивы могут  сочетаться

с ренессансными гротесками, особое распространение полу-

       «Бодро, радостно текущий»  (итал. ).  Шпенглер    О.    Закат  Европы.

Новосибирск: Наука. 1993, т. 1, с. 372.

      Кювнлье ф. фантаэш. Гравюра. Ок. 1730

      чает мотив  «атрибутов»  —  композиций  из  Музыкальных  инструментов,

предметов  охоты   или   сельского   труда.   Орнаментальный   декор   своей

деструктивностью  и  асимметричностью   скрывает   конструктивные   членения

архитектуры и мебели.

      Если в  эпоху  Барокко  сферы  деятельности  архитектора,  скульптора,

живописца и  рисовальщика-орнаменталиста  были  разобщены,  то  в  искусстве

рококо они вновь соединились. Но главным художником стал теперь  не  зодчий,

а   рисовалыцик-орнамен-.   талист,   декоратор   с   бригадой   помощников-

исполнителей. Таким образом, представление  об  интерьере  как  о  целостном

Художественном ансамбле получило наиболее полное выражение  именно  в  эпоху

Рококо. французские  художники  стиля  Ро-Коко  с  одинаковой  тщательностью

прорисовывали лепной  декор  стен,  зеркал,  мебели,  каминов,  канделябров,

рисунки тканей,

      формы дверных ручек.

      Большую роль в распространении  стиля  Рококо  сыграла  орнаментальная

гравюра. Жанр орнаментального гротеска, осно-

      Мейссонье Ж.-О. Гравюра. 1734 воположником которого во Франции  еще  в

XVI столетии был Ж.-А. Дюсерсо развивался в творчестве художников-орнамента-

листов эпохи Людовика XIV Ж. Лепотра и Ж. Берена,  нашел  свое  естественное

продолжение в период Регентства у К. Одра-па, А. Ватто, а наивысший взлет  —

в безудержных рокайльных фантазиях Н. Пи-но, Ж.-О. Меиссонье, Д. Маро  и  Ф.

Кюви-лъе. Орнаментальные композиции этих художников  использовали  в  совсем

творчестве мебельщики, резчики, лепщики,  бронзовщики  и  ювелиры.  В  жанре

«шину-азери» особенно известен Ж. Пиллеман, в мебели —  семья  потомственных

мастеров Каффиери, в ювелирном искусстве — семья Жермен.  Среди  мебельщиков

также  —  М.  Карлен,  П.  Мижон,  Э.  Мишар.  Братья  Мартен   прославились

изобретением лаков, во всем похожих на китайские.

      В сравнении с более спокойными линиями стиля Регентства, первую стадию

развития Рококо 1730-1735 гг., главным образом  в  рисунках  орнаменталистов

Пино   и   Мейссонье,   отличавшихся    крайней    свободой,    асимметрией,

живописностью, во Франции называли «genre pittoresque»

      («живописная, живая манера»).

      В одном ряду с эротическими сюжетами живописи Рококо можно поставить и

многие произведения  декоративно-прикладного  искусства.  К  сожалению,  они

почти не дошли до нашего времени и известны лишь по литературным  описаниям.

К примеру, пересказанная братьями  Гонкурами  легенда  об  истории  создания

«чудесной вазы» для фруктов, некогда украшавшей  Малый  Трианон  в  Версале,

форма которой была будто бы отлита из золота  с  «несравненной  груди  Марии

Антуанетты». О многочисленных безделушках-багателях подобного рода  говорить

не приходится.

      Эстетизация эротики коснулась и знамени—ух  нежных  красок  искусства

Рококо. В вЯДУ популярных в то время  названий  ддмыми  безобидными  кажутся

«цвет живо-»д только  что  постригшейся  монахини»,  щвет  бедра  испуганной

нимфы» или  особого  рода  красный  цвет  «a  la  Fillelte»  франц.  «как  у

девочки»)… Эти и еще

      Jee  откровенные  названия  совсем  не  ка-ись  тогда   смешными   или

постыдными. Эротика совмещалась с  тягой  к  экзотика  и  стилизациями  «под

Восток». Подобные стилизации служили главным  образом  средством  «освежения

чувств», преодоления пресыщенности, усталости  от  эротического  напряжения.

Интересна  в  этом  отношении  связь  художественного   стиля   Роко-(0:   с

Романтизмом  раннего  этапа  эпохи  Просвещения.   Первоначально   различные

тенденции мирно уживались вместе. Еще в  Период  Регентства,  в  1704г.,  А.

Галлан начал публиковать свой французский перевод  сказок  «Тысячи  и  одной

ночи». Вслед за тем мода на все восточное буквально захлестнула  Париж.   Это

открыло  дуть  идеям  Просвещения  в   завуалированных   формах   аллегорий,

иносказаний,  стилизаций.  В  1721г.  появились  «Персидские  Письма»  Ш.-Л.

Монтескье, в 1748г.— «Нескромные сокровища» Д. Дидро. Изображение Востока  в

этих  произведениях  было   художественным   приемом,   позволявшим   острее

почувствовать  слабые  стороны  аристократической  европейской  культуры,  и

одновременно  поводом  для   эстетизации   откровенной   эротики.   Ведь   в

представлении  европейца  Восток  —  край  утонченной  неги   и   изысканных

наслаждений. Духовная  опустошенность,  эмоциональная  усталость  ма  закате

эпохи  Рококо,  явившаяся  естественным   следствием   крайнего   напряжения

.Чувственности, породила сентиментализм, Который как бы по  инерции  перешел

в  Следующую  эпоху  Просвещения,  с  точки  зрения   идеологии   совершенно

противоположную Рококо. Ведь не случайно даже в .России, на краю Европы,  А.

Пушкин, великий классик и романтик одновременно, так страстно  увлекался  Э.

Парни — литературным воплощением французского Ро-Коко  —  и  так  ловко  ему

подражал в  Молодые  годы.  Огромную  популярность  Имели  переводы  романов

Ретнфа де ла Бретона и Ш. де Лакло.

      Но позднее игра в Рококо была отброшена, и французские просветители, а

      вслед за ними критики и литераторы «просвещенного» XIX  в.  подвергали

эстетику Рококо ужасающей критике и всячески над ней насмехались.  Г.  Гейне

назвал это  время  годами  «больного  поколения»,  которое  существовало  «в

веселом   гдехов-ном блеске и  цветущем  тлении».  Путцкин  в  «Арапе  Петра

Великого»  писал,  что  в  период  Регентства  «нравственность   гибла»,   а

«государство распадалось  под  игривые  припевы  сатирических  водевилей»  .

Характерна и эволюция самого стиля Рококо от  искренней  чувствительности  и

тонкой поэзии картин Ватто к искусственной, наигранной чувственности Буше  и

Ж. -М. Наттье и, наконец, к сентиментализму «скрытой развращенности  невинных

девушек» Ж.-Б. Греза. Итогом  этой  эволюции  стала  внутренняя  холодность,

отсутствие  искренности,  усталость  и  медленное  умирание  стиля,  что   и

подготовило смену Рококо Неоклассицизмом второй половины XVIII в.

      Своеобразное преломление испытал стиль Рококо за пределами Франции.  В

Венеции   расцвело   так   называемое   «венецианское    рококо».    Роскошь

венецианского стиля соединилась с утонченностью культуры  XVIII  столетия  в

живописи С. Риччи и Дж.-Б. Тьеполо. Их нежные желто-голубые  краски  звучали

в пейзажах Каналетто и Гварди.  Однако  венецианское  сеттеченто  (от  итал.

settecento — семисотые годы) представляло, скорее, не Рококо,  а  соединение

элементов  Барокко,  которое   продолжало   господствовать   в   Италии,   с

особенностями  венецианской  школы  живописи  и  лишь   своей   пластической

культурой, тонкостью формы ассоциировалось с французским Рококо. В  Германии

стиль Рококо  нашел  наиболее  полное  выражение  в  искусстве  майссенского

фарфора, в творчестве дрезденских художников (см. саксонское искусство) и  в

так называемом фридерианском рококо. Фарфор как материал с  его  белоснежной

поверхностью  и  тонкой,  миниатюрной  росписью   был   одним   из   главных

художественных открытий эпохи Рококо. Он был просто создан для этого  стиля.

Во Франции большой популярностью пользовались изделия севрского  фарфора,  а

также оригинальная орнаментика руанских фаянсов.

      Пушкин  А. С. Полн. собр. соч.: В 10-ти т. М.;Л.: Изд. АН СССР,  19SO-

195!, т. 6, с. 10.

      КЛАССИЦИЗМ,    КЛАССИЦИСТИЧЕСКИЙ  СТИЛЬ  (нем.  Klassizismus  от  лат.

classicus — см. классика, классическое искусство). В  отличие  от  классики,

классицизм  —  не  качественное,  а  функциональное  понятие,  оно  выражает

определенную тенденцию художественного мышления, основанную на  естественном

стремлении к простоте, ясности, рациональности,  логичности  художественного

образа, т. е.  на  рационально-идеализирующем  архетипе  мышления.  Подобный

идеал наиболее ярко проявил себя в истории лишь однажды — в  эпоху  античной

классики. Поэтому в большинстве случаев преобладание на  определенном  этапе

развития классицистического мышления означает ориентацию на формы  античного

искусства.  По  словам  П.  Муратова,   «способность   возрождаться   вообще

свойственна античному миру»,  что  не  раз  повторялось  в  истории  2.  Это

говорит о том, что обращение к античности — W

       А. Бенуа размышляет… М.: Сов. художник, 1968, с. 119, 130.

      2 Муратов П. Образы Италии. М.: Республика. 1994, с. 223.

      ддъ, а внешний и не всегда обязательный (Визнак искусства Классицизма.

Неизмен-

      щ природа Классицизма не в его фор-jjOE, а в бессмертии классики, в ее

способности сохранения души и смысла для (рювека, когда сами формы  древнего

язы-эдского  искусства  уже  умерли  и  актуально   белее   не   существуют.

Классицизм обращен в будущее, в не в  прошлое,  и  в  этом  заключается  его

художественно-исторический смысл. Основой  классицистического  кировоззрения

является онтологическое, f.f, вневременное, понимание красоты, убе-адение  в

том, что Красота вечна и ее щсоны действуют  объективно.  Класси-щрм  —  это

естественное  и  закономерное  дня   определенных   этапов   художественного

развития человека стремление найти точку опоры в  меняющемся  мире,  обрести

уверенность  в  будущем,  спокойствие,  эмоциональную   уравновешенность   в

системе рационального художественного мышления, юных и  завершенных  в  себе

Рекомендуем посмотреть лекцию «Диагностика хронического панкреатита».

представлени-ие(~   о   пространстве   и   времени,   строгих,    замкнутых,

размеренных,   проверенных   классикой   формах.   Поэтому   Классицизм   не

локализуется  в  какой-либо   одной   исторической   эпохе,   художественном

направлении,  течении,  стиле   или   национальной   школе   искусства.    Он

встречается постоянно в самых разнообразных формах, в различные периоды и  в

разных странах.

Мультимедиа Арт Музей, Москва | События

БЛОК «ФРАНЦИЯ»

Занятие 1. Обзор искусства XVII века в странах Европы и в России. Стиль барокко. Основные черты.

Занятие 2. «Большой стиль» Людовика XIV. Классицизм и барокко конца XVII века во Франции. Античные мифы в творчестве Никола Пуссена. «Пуссенисты» и «рубенсисты». Классицистический портрет.

Занятие 3. «Галантные празднества» Антуана Ватто, основоположника стиля рококо. Основные черты рококо.

Занятие 4. Людовик XV и маркиза де Помпадур как законодатели стиля рококо. Придворный портретист Франсуа Буше.

Занятие 5. Придворный живописец Франсуа Буше и его ученик, грациозный Жан-Оноре Фрагонар.

Занятие 6. Правдивый и задушевный Жан-Батист Шарден и его натюрморты.

Занятие 7. Воспитатель нравов, художник Жан-Батист Грез. Бытовой жанр XVIII века.

Занятие 8. Почти детектив. Европейский фарфор XVIII века. Фарфор Мейсена, Севра, Челси и бисквит Фальконе.

Занятие 9. Что такое шинуазри в искусстве рококо. Интерьеры, мебель, фарфор, живопись и парковые павильоны.

Занятие 10. «Стиль Людовика XVI» или неоклассицизм, а также стиль «а-ля грек». Раскопки Геркуланума и Помпеи. Малый Трианон и Анж-Жак Габриэль. Пантеон в Париже и Жак-Жермен Суффло. Интерьеры в стиле «а-ля грек».

Занятие 11. Королева Мария-Антуанетта и искусство ее времени. Идеи сентиментализма и Анри Руссо. Увлечение английским пейзажным парком, «идеальная деревня» королевы в Версале. Портреты Элизабет Виже-Лебрен.

Занятие 12. Мода и прически XVIII века от маркизы де Помпадур до Марии-Антуанетты.

Занятие 13. Скульптура XVIII века: игривое рококо и строгий классицизм. Спящие Венеры, парковая скульптура и психологический портрет. Скульпторы Кусту, Лемуан и Пигаль. Искусство пастели в XVIII веке от Каррьеры Розальба до Жана-Батиста Перронно и Мориса де Латура.

Занятие 14. Античные темы в картинах крупнейшего французского живописца Жака-Луи Давида.

Занятие 15. Неоклассицизм в скульптурах Кановы и Гудона. Начало романтизма в пейзажах Верне и Юбера Робера.

БЛОК «АНГЛИЯ»

Занятие 16. Общая характеристика и особенности английского искусства XVIII века. Палладианство в архитектуре классицизма (Кристофер Рен и Роберт Адам). Стиль рококо в оформлении интерьеров, сочетание шинуазри и готики в мебели Томаса Чиппендейла.

Занятие 17. Уильям Хогарт — моралист и сатирик, крупнейший английский живописец и график XVIII века. Что такое гравюра.

Занятие 18. Как появился английский пейзажный парк и что это такое. Сравнение английского пейзажного парка с парком версальского типа. Сентиментализм в английском искусстве XVIII века.

Занятие 19. Расцвет портрета в английской живописи XVIII века. Три крупнейших живописца Англии этого периода. Строгий Рейнольдс, поэтичный Ромни и виртуоз Гейнсборо. Джордж Ромни и его муза леди Гамильтон — одна из самых красивых женщин XVIII столетия.

Занятие 20. Блестящий портретист и тончайший пейзажист Томас Гейнсборо. Смелая, естественная, непринужденная живопись и легкие серебристые краски. Техника художника и черты стиля рококо.

Занятие 21. Непревзойденный Джозайя Веджвуд — художник, керамист и дизайнер. История его жизни. Союз науки и искусства.

БЛОК «ГЕРМАНИЯ»

Занятие 22. Сан-Суси («без забот») — изящный дворец короля Фридриха II, «прусский Версаль». Интерьеры, мебель, фарфор. Удивительный чайный павильон в парке. Мейсенский фарфор — первый фарфор в Европе. История изобретения.

БЛОК «ИСПАНИЯ»

Занятие 23. Франсиско Гойя — великий испанский живописец второй половины XVIII века, первый живописец короля. Трагичная жизнь страстной натуры. Жанровые сцены, мифологические и исторические сюжеты, портреты. Черты рококо, романтизма и символизма в живописи художника. Оригинальные манера письма и палитра цветов. Гравюры художника.

БЛОК «ИТАЛИЯ»

Занятие 24. Блеск Венеции в XVIII веке. Джованни Баттиста Тьеполо — крупнейший мастер стиля рококо. Свободная легкая манера письма и фресковая живопись художника.

Занятие 25. Рождение нового жанра в венецианской живописи — ведута. Художники Гварди, Беллотто и Каналетто. Бытописатель Венеции и мастер жанровых сцен Пьетро Лонги.

БЛОК «РОССИЯ»

Занятие 26. Петровское и елизаветинское барокко. «Золотой век» Екатерины II. Что такое рококо времен Екатерины II.

Занятие 27. «Золотой век» Екатерины II. Расцвет всех видов искусств и науки. Что такое русский классицизм. Великолепные торжественные здания Санкт-Петербурга.

Занятие 28. Московский классицизм XVIII века. Талантливые архитекторы Москвы Василий Баженов и Матвей Казаков.

Занятие 29. Дворцово-парковый ансамбль Ораниенбаум и павильон Катальной горки. Архитектор Антонио Ринальди. Китайский дворец и шинуазри в оформлении интерьеров. Изобретение фарфора в России. Дмитрий Виноградов: трагедия отца русского фарфора.

Занятие 30. Живопись второй половины XVIII века. Три блестящих портретиста. Удивительный и загадочный портретист Фёдор Рокотов и парадный портретист Дмитрий Левицкий. Сентиментализм в портретах Владимира Боровиковского.

Рококо. Творчество, живопись, интерьер, картины мастеров стиля rococo

Рококо Творчество, живопись мастеров стиля рококо

  Рококо (франц. rococo, от rocaille, рокайль – декоративный мотив в форме раковины), стилевое направление в европейском искусстве 1-й половины 18 века. Для рококо характерны гедонистические настроения, уход в мир иллюзорной и идиллической театральной игры, пристрастие к идиллически-пасторальной и чувственно-эротической сюжетике. Возникшее во Франции, рококо в области архитектуры сказалось главным образом в характере декора, приобретшего подчеркнуто изящные, утонченно-усложненные формы; распространяясь в зодчестве других стран Европы (постройки Георга Кнобельсдорфа, Бальтазара Нёймана, отчасти Маттеуса Даниеля Пёппельмана), рококо часто выступало как местный вариант позднего барокко. Преимущественно декоративный характер имела богатая тонкими переливами цвета и одновременно несколько блеклая по колориту живопись рококо (картины и росписи Франсуа Буше, Джованни Антонио Гварди, Никола Ланкре, Джованни Пеллегрини, Жана Оноре Фрагонара). Живопись рококо, тесно связанная с интерьером отеля, получила развитие в декоративных и станковых камерных формах. В росписях плафонов, стен, наддверных панно (дессюдепорт), в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные галантные темы, рисовавшие интимный быт аристократии, пасторальный жанр (пастушеские сцены), идеализированный портрет, изображающий модель в образе мифологического героя. Образ человека утрачивал самостоятельное значение, фигура превращалась в деталь орнаментального убранства интерьера.

Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков. Одновременно с развитием живописи рококо усиливалась роль реалистического направления; достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж. Одним из основоположников стиля рококо был талантливый живописец Антуан Ватто, давший наиболее совершенное воплощение принципам этого стиля. Эмоциональность и меланхолическая мечтательность придают характерам персонажей картин Ватто особую утонченность. Непосредственными последователями мастера, которые по большей части превратили манеру Ватто в изысканную и поверхностную моду, являлись художники Никола Ланкре, Жан Батист Патер, Кийар и другие живописцы. Крупнейшим мастером собственно рокайльного искусства стал ученик художника исторического жанра ЛемуанА Франсуа Буше, мастер занимательных любовных сюжетов, великолепный колорист и рисовальщик. Живопись Буше диктовала законы целой плеяде мастеров (Шарль-Жозеф Натуар, братья Ванлоо, Антуан Куапель, отчасти Элизабет Виже-Лебрен, и другие) и это влияние продержалось вплоть до Великой Французской революции 1789 года.

Среди значительных мастеров рококо были художники самого разного дарования, обращавшиеся к самым разным жанрам живописи: Франсуа-Гюбер Друэ, Луи Токе, Луи-Мишель Ванлоо, Морис Кантен де Латур, Жан-Марк Наттье, Жан Батист Перроно. Последним крупным живописцем рококо был Жан Оноре Фрагонар, тонкий портретист и пейзажист, как и Ватто, не вписывающийся в рамки просто модного стиля. Скульптура рококо во Франции менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение в искусстве рококо и всего 18 столетия получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни. Крупнейшие скульпторы рококо: Жан Батист Лемуан, Этьен Морис Фальконе, Огюстен Пажу, Клод Мишель Клодион.

В скульптуре рококо других европейских стран также преобладали предназначенные для украшения интерьеров рельефы и статуи, небольшие статуэтки, в том числе из терракоты и фарфора (изделия немецкого скульптора, мастера фарфоровой пластики Иоганна Иоахима Кендлера). Прихотливое изящество отделки, частое заимствование экзотических декоративных мотивов китайского искусства, виртуозное выявление выразительных возможностей материала присущи рокайльному декоративно-прикладному искусству.

Стиль рококо в живописи: как отличить? | Виктория Латка — арт художник

Согласитесь, друзья мои, подчас разобраться в стиле живописи очень сложно, особенно если нет специального образования. А вот стиль рококо узнать очень просто, он всегда ассоциируется с красотой, элегантностью и легкостью!

Даже само название рококо уносит наше воображение к милым нежным розовощеким красавицам в напудренных париках с няшными ручками и ножками. Какая прелесть!💖

Франсуа Буше «Птичья клетка»

Франсуа Буше «Птичья клетка»

Менялись эпохи, менялись правители и вместе с этим менялось отношение общества к искусству. И вот в начале 18 века на смену торжественному и тяжеловатому стилю барокко пришел легкий вычурный озорник рококо.

Кстати, критики считают, что стиль рококо – далекий предок современного гламура и глянца. Самая главная общая черта – это мода на вечную молодость. Только сейчас это достигается методами пластической коррекции или просто возможностями фотошопа, а во времена рококо пользовались пудрами, румянами и шикарными париками. Причем, как вы помните, одинаково кудрявыми и румяными были и мужчины, и женщины.

Живописцы того времени поменяли краски с торжественных темных и сочных цветов на легкие, разбеленные пастельные оттенки. Живописью рококо можно любоваться и наслаждаться, она в основном не содержит психологических нагрузок и не требует глубокого понимания.

Художник Жан Оноре Фрагонар

Художник Жан Оноре Фрагонар

О характерных особенностях, самых известных художниках и необычных красках стиля рококо читайте в моей статье на сайте художника.

Хочу заметить, что как всегда в живописи, в 18 веке были альтернативы, не все же писали картины с нежными красотками. И наряду с популярным глянцевым галантным стилем, развивался классицизм, а еще в это время стал зарождаться сентиментализм. Согласитесь со мной, что каждый художник имеет право на свою живопись, в манере близкой ему. А эта эпоха отличалась многообразием возможностей для живописцев.

А на десерт предлагаю отправиться в небольшое путешествие по югу Франции, где я живу. Мы с вами посетим небольшой городок Ла Напуль, который находится неподалеку от Канн. Увидим красивейшие пейзажи и старинный замок 17 века. Приятного просмотра!
Другие путешествия в творческой компании и рассказы о моих АРТ-проектах смотрите на видео канале. Присоединяйтесь, смотрите видео, ставьте лайки и подписывайтесь!

Top 6 Известные художники рококо

Если известные художники художественного направления барокко были склонны использовать орнаментальных и драматических элементов , то художники движения, которое последовало за ним, пошли еще дальше.

Рококо зародился во Франции в 1730-х годах и характеризовался элементом неожиданности с использованием trompe l’oeil Браманте во фресках, а также театральных элементов для создания обильного чувства драмы .

Механизм, который иногда называют « позднего барокко », первоначально назывался « стиль рокайль » и определял пышные украшения, созданные в ответ на самопрославляющий « стиль Людовика XIV », стиль который широко использовался в Версальском дворце .

После охвата Франции дизайном, архитектурой и живописью стиль стал художественным движением , которое быстро распространилось на другие части Европы, включая северную Италию, Австрию, южную Германию, многие части Центральной Европы и даже Россия.

Итак, кто были самых известных художников рококо ?

Давайте посмотрим поближе!

1.

Жан-Оноре Фрагонар

Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806) был одним из самых плодовитых художников рококо своего времени, написав более 550 картин . он был активен в последние годы Ancien Régime до того, как Французская революция разразилась в 1789 . Его стиль характеризуется изобилием и чувством близости.

Одним из наиболее примечательных фактов о Фрагонаре является то, что он был почти полностью забыт , только для того, чтобы его работы были заново открыты в 1873 году, спустя несколько десятилетий после его смерти. На данный момент он считается одним из лучших художников французского искусства . определил художественное движение рококо с чувственными и декоративными картинами .Некоторые считают его одним из самых известных художников рококо 18 века и рисовали сцены, начиная от классических тем и заканчивая орнаментальными аллегориями.

Он явно черпал вдохновение у художников эпохи барокко , таких как Питер Пауль Рубенс , и не ограничивался только живописью, но также был успешным дизайнером гобеленов и гравером . Он неоднократно украшал королевские дворцы Версаля, Фонтенбло и Шуази своими уникальными рисунками.Франсуа Буше / Wiki Commons

3. Томас Гейнсборо

Томас Гейнсборо (1727-1788) был британским художником, рисовальщиком и гравером. Он известен своим быстрым темпом в живописи и поэтому оставил довольно обширное творчество, состоящее как из портретов, так и из пейзажей. Он предпочитал писать пейзажи и считается основателем британской пейзажной школы XVIII века .

Его можно легко считать одним из самых плодовитых и известных британских художников второй половины 18-го века и он был одним из основателей Королевской академии , художественного учреждения, основанного на Пикадилли в Лондоне , которое было Основан в 1768 году. Томас Гейнсборо / Wiki Commons

4. Жан-Марк Натье

Жан-Марк Натье (1685-1766), возможно, является одним из самых известных художников-портретистов 18-го века , именно по той причине, что он был придворный художник короля Людовика XV и поэтому написал многочисленные портреты дам, живущих во дворце.

Его работа была высоко оценена, так как он обладал уникальным талантом украшать модели , сохраняя при этом внешний вид моделей чрезвычайно реалистичными .В то время как он рисовал различных придворных дам, в том числе, например, любовницу короля Мадам де Помпадур , он также написал портрет русского царя Петра I в 1717 году во время своего визита в Версальский дворец, который станет источником вдохновения для его Петергофский дворец .Жан-Марк Натье / Wiki Commons

5. Элизабет Виже-Лебрен

Элизабет Виже-Лебрен (1755-1842) была еще известным французским художником-портретистом , написавшим различные картины членов королевской семьи. .Она была видным членом Старого режима и личным портретистом Марии-Антуанетты , многократно изображая французскую королеву.

Она также была одним из самых плодовитых художников своего времени , создав не менее 660 портретов и 220 пейзажей . ее картины выставлены в некоторых из крупнейших музеев мира , включая Лувр в Париже , Национальную галерею в Лондоне и Метрополитен-музей в Нью-Йорке.Элизабет Виже-Лебрен и ее дочь Жюли / Wiki Commons

6. Жан-Антуан Ватто

Жан-Антуан Ватто (1684-1721) широко известен как Антуан Ватто и считается одним из первых художников рококо. , который буквально возродил художественное движение барокко . Ему приписывают изобретение « fêtes galantes », картин театральных вечеринок, которые стали чрезвычайно популярными и вдохновили многих будущих художников.

Его влияние на искусство 18 века , в общем, было непревзойденным, и хотя он страдал от слабого здоровья большую часть своей взрослой жизни, он оставил свой неизгладимый след в мире искусства как художник и источник вдохновения для будущих поколений !Жан-Антуан Ватто / Wiki Commons

Художники рококо, путеводитель по художественным музеям и веб-сайтам » Искусство и культура в Интернете


А
Буше, Франсуа

Франсуа Буше. Национальная галерея, Лондон
Диана выходит из ванны. Лувр
Франсуа Буше. Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия,
Франсуа Буше. Полное собрание сочинений
Франсуа Буше (1703–1770). Сочинение. Метрополитен-музей
Франсуа Буше. WikiPaintings.org

Шарден, Жан-Симеон

Жан-Симеон Шарден. Национальная галерея, Лондон
Жан-Симеон Шарден, произведения искусства в художественных музеях.
Жан-Батист-Симеон. Веб-музей. Статья и изображения.
Жан-Батиз-Симеон Шарден. Ле Лувр. Автопортрет
Жан Симеон Шарден. Музей изящных искусств Бордо
Жан-Батиз Шарден. Музей изящных искусств, Бостон

Д

де Ла Тур, Морис-Квентин

Морис-Кантен де Латур. Музей Гетти

Ф

Фрагонар, Жан-Оноре

Жан-Оноре Фрагонар. WebMuseum
Жан-Оноре Фрагонар, статья в Википедии.
Жан-Оноре Фрагонар. Метрополитен-музей, Нью-Йорк.
Жан-Оноре Фрагонар. Художественный музей Портленда
Жан Оноре Фрагонар. Галерея изображений с введением, стилем и техникой, контекстом, влиянием. Artble
Жан-Оноре Фрагонар. Лувр
Жан-Оноре Фрагонар. Ле Лувр. Купальщицы
Жан-Оноре Фрагонар. Национальная галерея, Лондон.
Жан-Оноре Фрагонар. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
Россия. Искать по названию.
Жан-Оноре Фрогонар. Детройтский институт искусств
Жан-Оноре Фрагонар. Произведения искусства в музеях.
Жан-Оноре Фрагонар. Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия.

Гейнсборо, Томас

Гейнсборо, Томас. Томас Гейнсборо. Работы Томаса Гейнсборо в художественных музеях.
Томас Гейнсборо. Национальная галерея, Лондон
Дом Томаса Гейнсборо
Томас Гейнсборо. Коллекция Музея Виктории и Альберта.
Томас Гейнсборо, статья в Википедии.
Томас Гейнсборо. Галерея Ольги
Томас Гейнсборо. WebMuseum
Томас-Гейнсборо.орг. Более 70 работ Томаса Гейнсборо.
Томас Гейнсборо. Утренняя прогулка

Хогарт, Уильям

Уильям Хогарт. Галерея Ольги
Уильям Хогарт. Запись в Википедии.
Сайт исследований Уильяма Хогарта
Уильям Хогарт. Интернет-галерея искусств
Уильям Хогарт. Национальная галерея
Уильям Хогарт. Музей Виктории и Альберта

R

Риччи, Себастьяно

Риччи, Себастьяно. Себастьяно Риччи.Интернет-галерея искусств
Себастьяно Риччи. Joconde Французская база данных
Себастьяно Риччи. Лувр, Париж
Себастьяно Риччи. Музей Гетти
Себастьяно Риччи. База данных изображений Wikimedia Commons.
Себастьяно Риччи. Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия,
Себастьяно Риччи. Художественные музеи, в которых выставлены произведения искусства Риччи.
Себастьяно Риччи, запись в Википедии.

Т

Тьеполо, Джованни Баттиста

Тьеполо, Джованни Баттиста. Джованни Тьеполо. Национальная галерея, Лондон.
Джованни Тьеполо. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия.
Джованни Тьеполо. Работы Тьеполо выставлены в художественных музеях.
Джованни Тьеполо. Метрополитен-музей
Джованни Тьеполо. Художественный институт Чикаго
Джованни Тьеполо. Национальная художественная галерея
Джованни Тьеполо. Веб-музей искусств

Виже Ле Брун, Элизабет

Vigee Le Brun, Элизабет Луиза, всеобъемлющий веб-сайт.
Элизабет Луиза Виже-Лебрен. Женщины в искусстве.
Элизабет Луиза Виже-Лебрен.Автопортрет. Национальная галерея, Лондон
Элизабет Луиза Виже-Лебрен. Произведения искусства в музеях.
Элизабет Виже-Лебрен. Галерея Ольги

Вт

Ватто, Жан-Антуан

Ватто, Жан-Антуан. Жан-Антуан Ватто. Произведения Ватто в художественных музеях.
Жан-Антион Ватто. Музей Гетти
Жан-Антиуан Ватто. Метрополитен-музей, введение и галерея изображений.
Жан-Антуан Ватто. Национальная галерея, Лондон
Жан-Антион Ватто.Художественный институт Чикаго
Ватто. Галерея изображений с введением, художественным контекстом, биографией, стилем и техникой, влиянием. Артабле.
Ватто. Эрмитаж, Россия.
Ватто. Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия,
Ватто. Лувр, Париж
Ватто. Интернет-галерея искусств
Жан Антуан Ватто. Галерея CGFA. Партия четырех, Арлекин, Император на Луне,
Гадалки

Сайты в стиле рококо, Архитектура в стиле рококо *

Архитектура: список веб-сайтов об архитектуре рококо из Википедии.

Произведения XVIII века в художественных музеях.
Обширный веб-каталог художников 18 века и художников рококо. Артциклопедия

Обзор периода рококо
из Национальной галереи искусств, Вашингтон, округ Колумбия.

Баварское рококо. Жак-Эдуар Берже: 
Головокружительное величие рококо

Мода эпохи рококо.

Le Louvre Коллекция французского рококо.

Мюнхенские дворцы

Дворец Нимфенбург

Мода рококо, костюмы.
La Couturière Parisienne

Стиль рококо
Католическая энциклопедия

Обзор эпохи рококо.
Католическая энциклопедия

Версаль
Версальский дворец

Статья в Википедии об искусстве и архитектуре рококо.

 

Жан-Батист Симеон Шарден Карточный домик 1727  Национальная художественная галерея

Элизабет-Луиза Виже-Лебрен Автопортрет в соломенной шляпе Национальная галерея

«Песнь о любви», Антуан Ватто

Музей Антуана Ватто Пьеро Тиссена-Борнемисы, Мадрид

 

Нравится:

Нравится Загрузка…

История искусства: барокко и рококо


Уильям Хогарт

(Британская энциклопедия)

родился 10 ноября 1697, Лондон
умер 26 октября 1764, Лондон

первый великий художник английского происхождения, вызвавший восхищение за границей, наиболее известный его нравоучительные и сатирические гравюры и картины — например, Прогресс повесы (восемь сцены, начатые в 1732 г.). Его попытки завоевать репутацию художника-историка и портретист, однако, потерпел финансовое разочарование, и его эстетическое теории оказали большее влияние на романтическую литературу, чем на живопись.

Юность и начало карьеры

Хогарт — единственный сын Ричарда Хогарта, второстепенного ученого-классика и школьным учителем — вырос с двумя сестрами, Мэри и Энн, в самом сердце бурлящий город. Очевидные способности Ричарда как классика привели его скудное вознаграждение, но обеспечило образованного и трудолюбивого, если не благополучный, дом. Позже, оглядываясь на этот период, Хогарт остановился почти исключительно из-за плохого обращения с его отцом со стороны печатники, книготорговцы и богатые покровители.Помимо подтверждения своего недоверие к учебе, его обида на разочаровывающего отца Опыт способствовал развитию у мальчика уверенности в себе и независимости от персонаж.

Будучи мальчиком с небольшой склонностью к науке, но одаренным восприятия окружающего мира, любил подражать и рисовать характеры, интересы, которые поощрялись посещением местного малярная мастерская. Не препятствуя его художественным наклонностям, его отец, как позже жаловался Хогарт, мог сделать немногим больше, «кроме того, в некотором роде для себя. Следовательно, он искал безопасности солидное ремесленное образование и поступил в ученики примерно в возрасте 15, к серебрянику. Хогарт предположительно переехал в дом своего хозяина, где он научился гравировать золотые и серебряные изделия гербовыми узоры — по его собственному выражению, «монстры геральдики». Ценные годы потерялись на том, что гравер Джордж Вертью метко назвал «низкокустарниковым». инструкции» имели решающее значение для последующего развития Хогарта. Помимо порождаемой ими неуверенности, разочарование Хогарта своим обучение привело его к использованию неортодоксальных методов самообучения в чтобы наверстать упущенное время.Его оригинальность и гибкость в художник многим обязан этому прагматичному и нетрадиционному подходу к своему карьера.

Годы ученичества Хогарта ни в коем случае не были посвящены исключительно однако к тяжелой работе. Общительный и любит повеселиться, увлекающийся и с чувством юмора наблюдатель за человеческим поведением, с особой любовью к театру и шоу всех видов, он, очевидно, был компанейским компаньоном. Никогда чопорный, он знал бурную жизнь лондонских улиц, непристойные дома, ярмарки и театры из первых рук и получили от них благодатное оценка жизненной силы народных традиций.В то же время он тянуло в кофейни и таверны, посещаемые писателями, музыкантов, актеров и либеральных профессионалов, формирующих прочные дружбы в таких оживленных интеллектуальных кругах. Его симпатии покоились со средними классами и особенно с критическими, просвещенный элемент — рациональный, терпимый и гуманный, — который играл такую ​​заметную роль в культурной жизни ганноверской Англии.

Георг I был королем шесть лет, когда Хогарт открыл магазин самостоятельно в возрасте 23 лет, решив избежать жестких ограничений своего торговля.Он начал с посещения частной школы рисования в Сент-Мартинс. Лейн, где он присоединился к другим ученикам, рисовавшим по слепкам и живым моделям. Однако у него было естественное отвращение к копированию, которое он сравнивал с опустошением. воду из одного сосуда в другой, и это инстинктивное неприятие формальная подготовка в сочетании с природной своенравностью убедила его, что лучший метод обучения рисованию заключался в прямом внимании к реальному жизнь. Интуитивный реалист, занимающийся в первую очередь выразительным, а не чем формальные ценности, он разработал своего рода визуальную мнемонику: удерживая в уме, не рисуя на месте все, что я хотел имитировать.Из пристального наблюдения за повседневной сценой Хогарт тренировал свою необычную зрительную память до тех пор, пока не научился обходиться без предварительные исследования, перенося свои идеи прямо на бумагу или холст. Эта вдохновенная импровизация была дополнена огромным знанием европейской традиции в искусстве, приобретенный благодаря знакомству с широкий спектр репродуктивных гравюр. При этом он зарабатывал себе на жизнь как гравер по меди, выполняя торговые карточки, билеты и книги иллюстрации. Его растущий успех в качестве иллюстратора принес Хогарту мало удовлетворения, так как это влекло за собой нежелательную зависимость от книготорговцы, эксплуатировавшие его отца; позже он настаивал, что гравюра «делала немного больше, чем поддерживала себя в обычных развлечениях жизни, но (был) во всем пунктуальным казначеем. Он долгое время был поклонником беглой адаптации стиля позднего барокко сэра Джеймса Торнхилла, а в 1724 году он поступил в рисовальную школу, недавно открытую в Торнхилле. жилой дом. Это было началом критической ассоциации. Проведение официального должность сержантского живописца при короле и первое посвящение в рыцари Художник английского происхождения Торнхилл в своей карьере подтвердил жизненную силу родное искусство и общественная респектабельность художника. Хогарт заботился страстно относился к обоим, в первую очередь по личным причинам, но также и потому, что он верил в искусство как в жизненную творческую силу общества.Он презирал исключительное восхищение знатоков Старыми Мастерами и их предубеждение в пользу иностранных художников. В своей первой крупной работе Маскарады и оперы , изданные независимо от книготорговцев. в 1724 году Хогарт атаковал современные вкусы и выразил отношение которые энергично поддерживались на протяжении всей его жизни. смело задавать вопросы стандарты могущественной клики, которую поддерживал 3-й граф Берлингтон, влиятельный меценат и архитектор, первый удар со знатоками был искусно рассчитан на то, чтобы понравиться его герою, Торнхилл, который сам страдал от неоклассического стиля Берлингтона. возрождение.Таким образом, Хогарт нажил себе могущественных врагов в начале своей карьеры, и когда они отомстили примерно в 1730 году, аннулировав королевский интерес к его работы, он был жестоко разочарован. Действительно, несмотря на свою непримиримую откровенности, Хогарт всегда обескураживался и обижался, когда его противники наносят ответный удар.

Иск, который он подал в 1728 году против Джошуа Морриса, ткача гобеленов, проливает красноречивый свет на его восприимчивость. Подробности дела показывают, что к 30 годам Хогарт чувствовал себя достаточно уверенно его способности начать карьеру художника.Моррис не смог поделиться эту уверенность и отверг заказанную им картину на том основании, что это не было закончено. Хогарт с негодованием добивался и добился оправдание с помощью профессиональных свидетелей, включая Торнхилла. Их показания были полностью подтверждены его первой датированной картиной, 90 353. Опера нищего (1728 г.), сцена из популярного фарса Джона Гея, подчеркивал преобладающие интересы Хогарта: его участие в театральные и с приземленными, комическими сюжетами. Внимательно относитесь к реалистичные детали, он записал сцену именно такой, какой она представлялась публики и включал портреты главных действующих лиц и зрителей. Таким образом, он предвосхитил как свои более поздние повествовательные картины, так и небольшие, неформальные групповые портреты или «разговорные фрагменты», занимавшие его в годы сразу после этого удачного дебюта.

Репутация и успех

Хогарт сбежал в марте 1729 года с дочерью Торнхилла Джейн. То брак оказался стабильным и довольным, хотя и бездетным.Несколько месяцев позже Вертью отметил свой публичный успех «беседами», а в следующие несколько лет эти маленькие картины, признавшие большую долг перед художником начала 18-го века Антуаном Ватто и элегантностью французского искусства рококо, принесло Хогарту признательную и богатую клиентура. Хотя в то время он проявлял замечательную энергию, Хогарт быстро надоели эти маленькие работы, в которых участвовали многочисленные портреты за относительно скромное вознаграждение. Ради собственного удовольствия он начал записывать юмористические сцены из повседневной жизни.Переполненный холст Southwark Fair (1733) отражает шумную и буйную энергию популярный фестиваль и показывает, что Хогарт нащупывает свой путь к совершенно новый вид повествовательного искусства, основанный на живой оценке современного жизнь. Друзьями он завел в театральном мире актера-менеджера Дэвида Гаррик и писатель Генри Филдинг разделяли его энтузиазм в отношении честных натурализм в искусстве. Как и его великий предшественник, фламандец XVI в. художник Питер Брейгель Старший, Хогарт хотел извлечь занимательную и поучительные случаи из жизни.Рассказывая историю молодого растление деревенской девушки в Лондоне и ее последующие несчастья, он не только высмеивал порочность и безумие общества, но рисовал очевидная мораль. Гравюры предназначались для широкой публики, и их Огромный успех сразу же укрепил финансовое и финансовое положение Хогарта. художественная самостоятельность. Отныне он был свободен, в отличие от большинства его коллег, следовать собственным творческим наклонностям. Чтобы защитить его средства к существованию от недобросовестно пиратских изданий, он боролся за получение законодательство, защищающее авторские права художников, и удержало восьмичастное Прогресс Рейка до закона такого рода, известного как Хогарт Акт был принят в 1735 г.В следующем году Хогарт переехал в дом в Лестер-Филдс, который он должен был занимать до самой смерти.

Историческая и портретная живопись

После смерти Торнхилла, в 1734 году, Хогарт восстановил свой рисунок школа на кооперативной основе, и она стала важной ареной для художественная дискуссия и эксперимент. В 1735 году в соответствии с гуманитарная забота, которая занимала просвещенное мнение того времени, он был избран губернатором больницы Святого Варфоломея, и он захватил этот возможность украсить парадную лестницу двумя большими религиозными произведения, Pool of Bethesda и Добрый самаритянин .В отказавшись от комического повествования и жанра исторической живописи, он был Однако обычно считается, что он перестарался, и современные критики склонялись к этому мнению.

Около 1740 г. он снова обратился к написанию портретов, в основном сиделки среднего достатка. Особое удовольствие он получал от рисования сидячий портрет его друга, капитана-филантропа в полный рост. Томас Корам — убедительный и глубоко сочувствующий образ, мертвой аристократической традиции с откровенным реализмом и несли далеко идущие последствия для европейской портретной живописи.Хогарт, хорошо знаю его важности, благоразумно выставил его на полуобщественное обозрение в Воспитательный дом, благотворительное учреждение для детей-сирот основанный Корамом в 1739 году. С самого начала Хогарт играл активную роль в делах этого благотворительного предприятия, и когда здания были завершены в 1745 году, он убедил группу художников присоединиться к его в создании картин как назидательных украшений. Их кооператив благодаря усилиям была проведена первая публичная выставка современного искусства в Англии и был важным шагом к основанию Королевской академии. в 1768 году.

Знаменитый автопортрет 1745 года, года, во многом ознаменовавшего собой кульминацией карьеры Хогарта, был также художественным манифестом. Он озорно сопоставил свои тупые и умные черты с те из его крепкого мопса, Трампа, и размещенные тома великого английские писатели Уильям Шекспир, Джон Мильтон и Джонатан Свифт. рядом с палитрой, начертанной извилистой «линией красоты», его условное обозначение разнообразия, сложности и выразительности Природа.В том же году он опубликовал давно анонсированные эстампы Брак a la Mode , порицающий брачные обычаи высшего классы, для которых он закончил картины в мае 1743 года. выиграл у адвокатов Lincoln’s Inn (одного из четырех юридических обществ и школы в Лондоне), Хогарт в течение следующих нескольких лет сосредоточился на простые дидактические гравюры, выполненные с рисунков, а не картин, и направленные у неискушенной публики. Beer Street , Gin Lane и Four Stages of Cruelty (1751) он умышленно грубо вырезал деревянные блоки. сделать их дешевле и способствовать широкому распространению. Промышленность и Праздность (1747) содержит, кроме своего очевидного нравственного посыла, много самодраматизации, изображающей добродетельного ученика преуспела во враждебном мире. В эти годы неуверенность Хогарта и разочарование выразилось в ряде незавершенных картин.В несколько спонтанных набросков, преуспевших там, где он потерпел неудачу героические картины, он синтезировал динамические элементы XVII в. Стиль барокко с бескомпромиссным реализмом и полной экспрессивностью обращение с краской. Эти эскизы были проигнорированы при его жизни, и только после появления импрессионистов в 19 в. такие зарисовки привлекли серьезное внимание.

В 1745 и 1751 годах Хогарт устраивал аукционы своих работ. Обе продавались по чрезвычайно низким ценам, и Хогарт, в гневе и досаде, ушел в огорченную изоляцию, преследуя свои благотворительные интересы но принимая на публике дерзкую и оборонительную позу, которая вовлекала его во все более ожесточенных дебатах по художественным вопросам.Он изложил свою собственных теорий в Анализ красоты (1753), объединяя практические советы по живописи с критикой художественного истеблишмента. Он выразил свою веру в «красоту сочиненной замысловатости формы», который «наводит взгляд на погоню» и пропагандирует разнообразие, неправильность, движение и преувеличение в интересах большего выразительность. Хотя его идеи были восприняты почтительно, особенно на континенте книга вызвала много негативных отзывов со стороны его противники.

Его большая серия «Выборы» (1754–1758 гг.), написанная с особой тщательностью, была последняя попытка доказать достоинство «исторической комической живописи» и после этого он нарисовал мало важного. Его назначение сержантом живописца Георга III, придуманный в 1757 году, возродил некоторый интерес к портретной живописи, но его последние годы, когда он, вероятно, сильно плохое здоровье, преобладала озлобленность, вызванная неприятие его картины «Сигизмунда» (1759 г.) и возмущенная публика мнение по поводу его сатирической политической печати «Таймс», I (1762 г.).

Одержимый до последнего, за несколько месяцев до смерти он казнил гравюра с сардоническим названием Tail-Piece, или The Bathos , на которой он мрачно изобразил закат своего собственного художественного мира. В некотором смысле это был пророческим, ибо, как сказал английский художник XIX века Джон Констебл справедливо заметил: «У Хогарта нет школы, и ему никогда не подражали со сносным успехом». Его непосредственное влияние было сильнее чувствовалось в литературе, чем в живописи, а после его смерти было значительно романтики, многие из идей которых Хогарт ожидаемый, который первым признал его величие.Хотя никогда не пренебрегали, Хогарт запомнился главным образом своими сатирическими гравюрами. другой одинокий пионер, художник XIX века Дж.М.В. Тернер, последствия его работы были лучше поняты на континенте, чем в Англия.

Сьюзан Элизабет Бененсон
 

Искусство и визуальная культура: от средневековья до современности – OpenLearn достижения конкретных результатов в конкретных исторических обстоятельствах.Остается проблематичным, когда то, что начиналось как риторический прием для пренебрежительного отношения к определенным художникам и произведениям, превращается в якобы нейтральную категорию, применяемую в общих чертах. В случае барокко это уже не имеет большого значения; Борромини, например, сегодня вызывает всеобщее восхищение именно за те склонности, за которые его поносили в конце восемнадцатого века.

Однако это все еще актуальная проблема в случае с рококо, термином, возникшим примерно в то же время. Говорят, что ученики художника-неоклассика Жака-Луи Давида (1748–1825) придумали это слово (объединение rocaille , что означает разновидность декоративного камня и ракушек, и barocco , то есть барокко) незадолго до 1800 года, чтобы подвергнуть критике все, что они ассоциировали с модным вкусом придворного общества, сметенного Французской революцией.Сейчас он используется для обозначения эротического, игривого и декоративного стиля, который развился во Франции в первой половине восемнадцатого века. Пример Жана-Оноре Фрагонара (1732–1806), показанный на рис. 18, представляет собой «картину в шкафу», которую можно идентифицировать по ее небольшому размеру и, как известно, она была заказана придворным, который выставил бы ее вместе с другими картинами, скульптурами. и драгоценные предметы для создания гармоничного ансамбля (Бейли, 1987; Бейли, 2002, стр. 1). Проблема заключается в том, что уничижительные коннотации, которыми изначально было наполнено это слово, все еще цепляются за него, в результате чего рококо по-прежнему склонны осуждать за предполагаемую фривольность, поверхностность и декаданс, а не анализировать в отношении функций, которые он был разработан, чтобы служить тому значению, которое он имел в то время. (Недавние работы, которые предлагают должным образом историческое описание рококо, см. Sheriff, 1990; Scott, 1995; Hyde, 2006.)

Рисунок 18 81 × 64 см. Коллекция Уоллеса, Лондон. Фото: © Коллекция Уоллеса/Художественная библиотека Бриджмена.

Как показывает использование Вёльфлином голландского искусства в качестве примера барокко, опора на ярлыки стиля также проблематична, поскольку она проецирует однородную модель художественного развития по всей Европе, независимо от географических различий.Возьмем, к примеру, Великобританию, которая в этот период определяла себя как протестантскую нацию, в отличие от своих католических соседей, и гордилась традициями политической свободы, которые отличали ее от абсолютистских режимов на континенте, прежде всего во Франции. По этим и другим причинам барокко оказало сравнительно небольшое влияние на эту страну. Его основными британскими представителями была небольшая группа архитекторов, работавших в конце семнадцатого и начале восемнадцатого веков: Кристофер Рен (1632–1723), Джон Ванбру (1664–1726) и Николас Хоксмур (1661/62–1736). Точно так же, хотя то, что мы сейчас называем рококо, но тогда было известно как «современный вкус», получило определенное распространение в Британии, его использование было ограничено небольшими картинами и декоративными предметами. Хогарт пародировал то, что он видел, как его причудливые излишества в лиственном настенном орнаменте, из которого вырастали часы, кошка, рыба и Будда в . Тет-а-тет (рис. 11): предпочтение естественных, неправильных форм и мода на китайский язык. артефакты были типичны для рококо (ср. рис. 13) (Снодин, 1984; Корона, 1990; Портер, 2010).Британское искусство также можно рассматривать как аномальное, поскольку он создал крупного художника-неоклассика Бенджамина Уэста (1738–1820), который в любом случае был американцем по происхождению, примерно за два десятилетия до того, как Дэвид выставил то, что обычно считается манифестом стиля. картина, Клятва Горация . Конечно, классические картины Уэста являются «преждевременными» только с точки зрения концепции истории искусства как последовательности стилей того времени, которая предполагает, что Британия будет провинциальной заводью, отстающей от остальной Европы.

Цель здесь не в том, чтобы утвердить статус Британии как пионера неоклассицизма, а в том, чтобы привлечь внимание к доминированию классицизма на протяжении семнадцатого и восемнадцатого веков. Этот пункт особенно относится к архитектуре; классический словарь колонн, арок, куполов и фронтонов, заимствованный из древнегреческих и римских зданий, использовался практически во всех важных архитектурных проектах в этот период, за редкими исключениями, вплоть до 1800 года (см. Arciszweska and McKellar, 2004; Bergdoll, 2000). .Однако живопись и скульптура также глубоко обязаны наследию классической античности, даже в период расцвета барокко и рококо. Прибытие Марии Медичи в Марсель (рис. 16), например, показывает знакомство Рубенса с античными аллегориями и мифологией; крылатая фигура наверху олицетворяет славу, а обнаженные фигуры в воде — языческие богини. «Правильный» классицизм отличается от других стилей большей опорой на античную скульптуру, которую тогда можно было увидеть в папских, королевских и аристократических коллекциях произведений искусства. Он также восходит к эпохе Возрождения, когда наследие античности было впервые «открыто заново», и источником вдохновения для него послужили такие художники, как Рафаэль (1483–1520). Оба этих источника, но особенно античная скульптура, занимали центральное место в учебной программе художественных академий. Вместе они легли в основу того, что тогда было известно под такими ярлыками, как «великий стиль» или «истинный вкус». Ключевым моментом является то, что то, что мы сейчас называем классицизмом, не рассматривалось в то время как отдельный стиль, определяемый определенным набором формальных признаков (таких, которые разработал Вельфлин).Скорее, «античный» (как его называли) функционировал как культурная норма, устанавливая стандарты хорошего вкуса, которые отличали социальную элиту от работающей бедноты, не имевшей доступа к совокупности идей, текстов и объектов, составлявших культуру. классической традиции (Хаскелл и Пенни, 1981). Изображения и артефакты, выходящие за рамки этой традиции, по этим стандартам не считались искусством; это относилось как к «популярной», неэлитной аудитории, так и к представителям других культур.

Влияние рококо на британское искусство

Хотя движение рококо так и не закрепилось на британской земле, английские художники по-прежнему чувствовали его влияние, как свежий ветерок из-за Ла-Манша.Не становясь ярким, новый, более легкий вид проник в английское искусство.

Два ведущих британских художника того периода, Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс, находились под влиянием французского художника рококо Жана-Антуана Ватто, а также итальянских художников эпохи Возрождения и барокко, а также голландской и фламандской живописи. Третьим великим британским художником 18 века был Уильям Хогарт.

Уильям Хогарт

Гравюры на дереве Уильяма Хогарта (1697–1764) карикатурно изображают англичан из высшего сословия.Хогарт был одним из немногих художников того периода, которые использовали свой талант, чтобы критиковать и высмеивать высшие классы: их излишества, экстравагантность и моральную испорченность. Он выучился на гравера, а позже переключился на живопись. Но гравер в нем никогда не умирал. На самом деле, он сделал гравюры на некоторых своих картинах, чтобы продать несколько их копий. Умный парень.

Картины Хогарта выглядят как театральные постановки — в данном случае комедии нравов. Он создал серию картин, рассказывающих истории, как мультипликационные ленты; каждая картина — это глава в истории.Его первая серия моральных картин называется « Прогресс блудницы». Это была сенсация. В сериале рассказывается о превращении деревенщины в городскую проститутку и следует за ее постепенным упадком. Хогарт даже изображает ужасную смерть и похороны женщины — как моральный урок.

Он продолжил эту серию вторым хитом, The Rake’s Progress. Эта нарисованная история рассказывает о моральном падении Тома Рэйкуэлла. В одном из эпизодов Оргия, Том напивается до одури в борделе.Хотя проститутка ласкает его грудь, он выглядит слишком тошнотворным, чтобы это заметить. На темном фоне слуга, держащий свечу, ошеломленно смотрит на происходящее. На последней картине серии Том Рэйкуэлл находится в сумасшедшем доме.

Хотя картины и гравюры Хогарта призваны служить моральным урокам, его искусство никогда не кажется проповедническим. Каждая картина наполнена забавными и часто юмористическими деталями.

Томас Гейнсборо

Картины Томаса Гейнсборо (1727–1788) отличаются идеальными манерами.Все и все на своих местах. Его специальностью были портреты английских дворян и аристократов и здоровые английские пейзажи.

Он начинал как художник-пейзажист, но обнаружил, что писать портреты более выгодно. Несмотря на это, Гейнсборо никогда не отказывался от пейзажной живописи. Он часто размещал своих деревенских дам и джентльменов в уравновешенной английской сельской местности. Например, на своем большом портрете , мистер и миссис Эндрюс, , хранящемся в Национальной галерее в Лондоне, Гейнсборо изображает элегантно одетую пару Эндрюс на фоне красивого загородного пейзажа последних дней.

Миссис Эндрюс, одетая в голубое платье из тафты и остроконечные розовые бархатные тапочки, выглядит так, будто готова пойти в оперу, но чувствует себя непринужденно в сельской местности. Мистер Эндрюс со своей верной английской гончей, кажется, готов к охоте на лис. Но его элегантная белая куртка и белые чулки не подходят для деревенской прогулки. Как сельские дворяне, они в своей стихии, но явно никогда не поднимали мотыги. Они владеют землей, но не обрабатывают ее. На самом деле, пейзаж выглядит так, будто его приручили его пистолет и ее платье.

Чтобы облегчить им комфорт, Гейнсборо установил посреди луга богато украшенную кованую скамью. Скамейка, на которой сидит дама и на которую опирается мужчина, еще больше отделяет их от пейзажа, над которым они господствуют.

Сэр Джошуа Рейнольдс

Сэр Джошуа Рейнольдс (1723–1792) принес Италию в Англию. Он учился в Риме с 1750 по 1752 год, а затем совершил большое путешествие по Италии. Находясь под сильным влиянием Микеланджело, Рафаэля, Тициана и маньериста Джулио Романо, он импортировал в Англию то, что он называл «великим стилем».Будучи первым президентом Королевской академии художеств, Рейнольдс помог сформировать художественные вкусы по всей Великобритании.

Рейнольдс надеялся привнести в Англию и итальянские сюжеты, в частности, мифологическую и историческую живопись. Но британские вкусы склоняются к портретной живописи; Иностранные художники 16-го и 17-го веков, работавшие в Англии, такие как Ганс Гольбейн и Антонис ван Дейк, сосредоточились на портретах, помогая привить вкус к такого рода живописи.

Итак, как и его соперник Томас Гейнсборо, Рейнольдс писал портреты.Самая поразительная разница в их стилях заключается в том, как они ставили свои модели и встраивали их в свое окружение. Модели Гейнсборо сидят так, будто позируют для своей фотографии между глотками чая; фон — это просто фон. Ситтеры не взаимодействуют с ним. Фигуры на портретах Рейнольдса почти всегда активны и драматически или поэтически связаны с пейзажем.

Рейнольдс включил пейзажи, которые он нашел в итальянском искусстве, в свои портреты английских лордов и дам, особенно после 1760 года.Часто он помещал англичанок в итальянскую обстановку, акцентированную греческой колонной или бюстом, римской аркой или рельефом. Часто дамы носят развевающиеся римские платья и делают грандиозные или поэтические жесты. Рейнольдс был настолько вдохновлен Романо, что фактически заимствовал позы и даже фигуры из его картин. Он сказал: «Гений… это дитя подражания».

Хогарт, Гейнсборо и Рейнольдс действительно создали английскую школу живописи мирового класса, как и надеялся Рейнольдс. Следующая великая школа английских художников, Братство прерафаэлитов, опиралась на их достижения, в первую очередь, восставая против эстетики Рейнольдса.

Кто главные художники рококо? – Gzipwtf.com

Кто главные художники рококо?

Художники рококо

  • Франсуа Буше. Самым известным художником движения рококо, несомненно, является Франсуа Буше.
  • Жан-Антуан Ватто.
  • Жан-Оноре Фрагонар.
  • Жан-Батист-Симеон Шарден.
  • Каналетто.
  • Томас Гейнсборо.
  • Элизабет Луиза Виже Лебрен.
  • Морис-Кантен де Латур.

Кто является преобладающим художником барокко и рококо?

Считается, что этот период длился около 150 лет, за это время появились известные художники и архитекторы, такие как Караваджо, Питер Пауль Рубенс, Диего Веласкес, Джованни Баттиста Гаулли, Рембрандт ван Рейн, Йоханнес Вермеер, Джан Лоренцо Бернини и Франсиско де Сурбаран.

Кто три важных художника рококо?

Известные художники в стиле рококо включают Жан-Антуана Ватто (1684-1721), особенно его «галантные праздники» на открытом воздухе – см. его «Паломничество в Цитеру» (1717) Лувр, Париж; Шарлоттенбург, Берлин – Франсуа Буше (1703–1770) с его роскошными картинами декадентского баловства; Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806) с …

Каковы некоторые примеры стилей искусства и архитектуры рококо?

Примеры архитектуры в стиле рококо

  • Дворец Амалиенбург, Мюнхен, Германия.
  • Дворец Браницких, Варшава, Польша.
  • Дворец Линдерхоф, Германия.
  • Екатерининский дворец, ул.
  • Hotel de Soubise (Princess Hall), Париж, Франция.
  • Дворец Чапских, Варшава, Польша.
  • Замок Шантильи, Месье ле Пренс Холл, Париж, Франция.

Какие примеры искусства рококо и архитектурных стилей Кто те художники, которые создали каждое имя по крайней мере 3?

10 произведений искусства, определивших стиль рококо

  • Жан-Антуан Ватто, Паломничество на Китеру (1717)
  • Франсуа Буше, Триумф Венеры (1740)
  • Жан-Оноре Фрагонар, Встреча (из «Любви пастухов») (1771–72)
  • Морис-Кантен де Латур, Портрет маркизы де Помпадур (1748–1755)

Кто является одним из пионеров стиля рококо?

Отцом живописи в стиле рококо был Жан Антуан Ватто (француз, 1684–1721), который изобрел новый жанр, названный fêtes galantes, который представлял собой сцены ухаживаний. Родившийся недалеко от фламандской границы, Ватто находился под влиянием жанровых сцен из повседневной жизни, которые были весьма популярны во Фландрии и Нидерландах.

Какие пять художников были частью движения импрессионистов?

Импрессионизм — это художественное движение 19-го века, которое было создано группой парижских художников, в том числе Бертой Моризо, Клодом Моне, Огюстом Ренуаром, Эдгаром Дега, Камилем Писсарро и Альфредом Сислеем, а также американской художницей Мэри Кассат.

Чем был известен стиль рококо?

Французская живопись рококо в целом характеризовалась непринужденной, беззаботной обработкой мифологических и любовных тем, богатой и тонкой кистью, относительно легким тональным ключом и чувственным колоритом.Скульптура в стиле рококо отличалась интимным масштабом, натурализмом и разнообразными поверхностными эффектами.

В чем разница между искусством барокко и рококо?

Основное различие между искусством барокко и рококо заключается в том, что барокко описывает грандиозное, преувеличенное, динамичное позднеевропейское искусство между 1650 и 1700 годами, в то время как рококо является ответом позднего барокко, воплощающим легкую игривость и большую интимность.

Какими были истинные стили барокко и рококо?

Барокко и рококо: базовое сравнение Стиль рококо зародился во Франции, в отличие от барокко, зародившегося в Италии, а затем перешедшего в другие части Европы.Рококо не применялось к внешней архитектуре, как барокко, а было выражением искусства и интерьера. Барочный декор широко применялся в церковных интерьерах.

Каковы характеристики стиля рококо в искусстве?

Особенности искусства рококо включают природные мотивы, сложные резные формы, асимметричные узоры и рокайль. Популярным повторяющимся узором является стилизованная версия листа аканта.

Что делало искусство барокко уникальным?

Что делало искусство барокко уникальным.Вальдемар Янушчак описывает, как искусство барокко привлекло внимание людей драматическим использованием темных тонов. Реалистичные, повседневные лица Караваджо заменили идеалистические персонажи в более ранних религиозных картинах.