Эпоха рококо: суть рококо, история рокайльной эпохи в живописи, характерные особенности. Примеры картин ярких представителей рококо — Франсуа Буше, Жан-Марка Натье, Николя Ланкре, Жана-Оноре Фрагонара

Содержание

Эпоха рококо — презентация онлайн

РОКОКО
(«причудливый», «капризный», фр. rococo, от rocaille — осколки камней, ракушка,
раковины)
Издавна раковинами декорировали
искусственные гроты и
чаши фонтанов, позднее в оформлении
интерьеров стали активно использоваться
орнаменты,повторяющие витые, округлые
очертания раковин. К XVIII веку интерес к ним
только рос.
Они усложнялись и переплетались,
становились всё более изощренными
и причудливыми.
Такие орнаменты назывались рокайлями,
а сам стиль, построенный на капризных
гнутых линиях и нежнейших цветовых
переливах,
— соответственно, рококо.
Портрет мадам
де Помпадур
Франсуа Буше
Портрет мадам
де Помпадур
Франсуа Буше
Синонимом понятия «рококо» становятся не только пышные наряды,
но и манера поведения знати.
Безделье, наслаждение,– именно так должны были проводить свое время аристократы.
18 век называют эпохой рококо или «Галантным веком».
В то время знать, как никогда прежде, гордилась своим праздным образом
жизни, нарочитым ничегонеделанием.
И всё-таки именно
галантное, капризное, вычурное рококо
становится для XVIII века знаковым. Недаром
это «столетие
париков, карет, менуэтов, треуголок» (Натан
Эйдельман) еще называют «галантный век».
Галантному веку — галантное искусство.
Рокайльный интерьер
Большого
Дворца в Петергофе.
Дворец строился полтора
века,изначально в стиле
барокко и классицизма,а во вр
емя правления Елизаветы
Петровны
получив грандиозную
по изысканности и богатству
отделку в стиле рококо.
Облик мужчин и женщин в искусстве рококо становится на удивление сходным. И те, и другие равно изнежены
и капризны. И те и другие изящнейше одеты. И даже румянами и пудрой мужчины и женщины галантного века
пользуются с одинаковым тщанием, ведь им важно выглядеть как можно лучше — авось удастся обмануть возраст?
Из мира рококо, как и из глянца, прочно изгнаны старость и болезни, бедность и уродство.
Говоря об эпохе рококо,
нельзя не упомянуть
женские прически. У
парикмахеров того
времени не было
недостатка в клиентах.
«Чем выше, тем
лучше», — именно так
можно
охарактеризовать моду
на прически.
Предпочтение
отдавали парикам. На
головах у дам
сооружали вазы с
цветами, корабли,
замки. Иногда высота
такого «шедевра»
могла достигать 60 см.
Истории даже известен
случай о том, когда
придворная дама
появилась на балу с
прической такой
высоты, что она задела
ей свечи на люстре, тем
самым вызвав пожар
не только на своей
голове, но и в
танцевальном зале.
К тому же все должны были выглядеть невероятно юными.
Это была еще одна причина использования пудры.
Пудрили даже маленьких детей и надевали на них парики.
Это делалось для того, чтобы все казались одного возраста.
Итак, старости для рококо не существовало. А как же еще один важный возраст — детский? Да так же! Ведь
не актуальна сама идея возрастных изменений. Дети, согласно убеждениям XVIII века, — всего лишь маленькие
взрослые. Поэтому наряжать их следует совершенно по-взрослому. Более того, их игры и забавы точь в точь копируют
взрослые. Дети со знаменитой картины Антуана Ватто «галантно» проводят время: мальчики музицируют, девочка
готова начать танцевать.
Большое распространение в искусстве рококо и всего XVIII в. получили портретные
бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их
ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни.
Туфли с вогнутым вовнутрь каблуком – еще одна особенность эпохи рококо. Изящной дама должна была
быть во всем, и ножки – не исключение. Чтобы зрительно уменьшить размер стопы, туфли делали с
вогнутым каблуком. Такая модель получила название «голубиная лапка».
Рассуждать так об ушедшей эпохе, нам позволяют картины, написанные в то время. Одним из самых
востребованных живописцев того времени был

РОКОКО: ИСКУССТВО И СТИЛЬ ЖИЗНИ: nikonova_alina — LiveJournal

ЭПОХА РОКОКО: В ПОИСКАХ ЦИТЕРЫ
часть 1


          Эпоха рококо, как и любая другая эпоха, создавала свои собственные мифы, одним из которых можно назвать миф об острове Цитера. Хотя образ Цитеры или блаженной страны, острова любви, встречался и в художественных произведениях предшествующего (например, в «Астрее» маркиза Юрфе), но в эпоху рококо он приобрел совершенно особое значение. Можно утверждать, что вся культура рококо связана именно с идеей поиска своей Цитеры, острова, символизирующего вечное счастье, которое заключается вечной и блаженной любви. Человек рококо живет в замкнутом мире, ценит и ищет везде эту замкнутость. Цитера – как раз такой замкнутый мир (поскольку это остров), где каждый может обрести высшее блаженство и высшую ценность – найти свою любовь.
         Цитера, к тому же, это – край вечной юности, остров, возле которого по одной из легенд произошло рождение Афродиты, вечно юной и вечно прекрасной античной богини, а в эпоху рококо люди «не признают ни старости, ни увядания. Они вечно молоды, вечно шутят, и даже на смертном одре они все еще кокетничают… События и поступки не имеют последствий. Есть только «сегодня». «Завтра» не существует» (Э. Фукс «Иллюстрированная история нравов», 1994, с.6)
       Олицетворением эпохи рококо стал Эрот, вырезающий лук из дубинки Геркулеса: отважный герой, символизирующий воинскую доблесть, мужество, героическое начало, уступает свое место Афродите и ее спутникам, высшей доблестью считаются теперь не слава и величие, а любовь и красота, неразрывно связанные с наслаждением.
          Идеи гедонизма, теории «joie de vivre» (радости жизни) становятся важной составной частью рокайльной философии. Они присутствуют во многих художественных произведениях, начиная с фривольных романов Кребийона-сына или Шарля Пино Дюкло и кончая полотнами Буше или Фрагонара. Наслаждение в эту эпоху — «неизменный спутник человека вплоть до гробовой доски, и каждому оно щедро расточает свои дары. В предчувствии наслаждения блестит уже взор отрока, как обещанием сияет все еще взор матроны. Природа отменила свои железные законы, лишив отвращения даже то, что противоестественно. Даже то, что противоестественно, погружено в море сияющей красоты. Куда ни взглянешь, всюду красота, всюду яркое сияние. Люди живут и умирают среди красоты. Она стоит у постели новорожденного и держит в своих руках руку умирающего. Она – солнце, которое никогда не заходит» (Э.Фукс, там же.).
        Без сомнения, красота для рококо – это почти сакральное понятие. Но это не та красота, величественная, мощная, могущественная, которая прославляла блестящий век Людовика XIV, царила в огромных дворцах и парках той эпохи. Красота рококо – это красота для дома, для замкнутого мирка, для узкого круга, она призвана ласкать взгляд, не утомляя. Это красота ненавязчивая и уютная, иногда чуть слащавая, а иногда трогательная. Она может развлекать и забавлять, но не вызывать более сильные эмоции.
    Стиль жизни и искусство этого времени основаны на стремлении к этой красоте, которая воспринимается как изящество формы, легкость и «приятность» для человека. Живописные произведения теперь чаще всего  сознательно включаются в оформление интерьеров для создания определенной атмосферы, «площадки для игры». Участниками этой игры становятся и экзотические и мифологические персонажи росписей, киайцы, турки и обезьянки, излюбленные античные  и пасторальные герои полотен Буше, Натуара, Удри и других живописцев. И все нимфы и пастушки Буше, галантные дамы с полотен Ватто воспринимаются как разные лики одного и того же образа – образа Венеры.
                                                                     

  Продолжение следует…

Женский костюм эпохи рококо — Орнамент и стиль в ДПИ — LiveJournal

Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1759


Женские платья эпохи рококо ( XVIII века) шили из шелковых,
позже хлопчатобумажных тканей с орнаментом из гирлянд или букетов цветов.


 На тканях типа бизар цветочный рисунок соединялся с причудливыми, иногда архитектурными мотивами.
 http://ornament-i-stil.livejournal.com/93612.html.

В этот период модный силуэт женского платья с затянутым торсом
и широченной юбкой напоминал перевернутый бокал.

Чтобы достичь подобного силуэта были  необходимы длинный узкий корсет и множество накрахмаленных юбок. 


http://udif26.livejournal.com/2440.html

Для придания юбке определенной формы, под юбкой носили жесткий каркас – панье.
Его делали из пластинок китового уса, металлических и ивовых прутьев, из переплетенного конского волоса.

Извините за качество. В музее Виктории и Альберта можно было все это померить,
но некому  сфотографировать. :-)))

Под тугим корсетом и панье носили белую рубашку, украшенную шитьем, кружевами, шелковыми цветами. Поверх рубашки, корсета и панье (в России – фижмы) надевали шелковую или парчовую юбку, иногда сразу две.

Нижняя, украшенная оборками юбка, могла выглядывать из под верхней, пышно задрапированной.

http://marinni.livejournal.com/344490.html


Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1759

Корсет скрывали под зашнурованным лифом  с пришитыми узкими рукавами длиной до локтя,
а к шнуровке пристегивали треугольную вставку. Обилие лент и кружев уподобляли даму пышному цветку.

Многие дамы предпочитали носить верхнее распашное платье, свободное в талии и с глубокими вертикальными складками на спине. Сегодня такое платье называют «платье Ватто», в честь живописца, много раз изображавшего этот наряд. 


А.Ватто. Лавка Жерсена, 1720, фрагмент

В моде пудреные парики больших размеров и причудливой формы, украшенные цветами, лентами,
корзинами фруктов и даже кораблями.

Т.Гейнсборо. Дама в голубом, 1780

Из под укороченного платья выглядывают атласные туфельки на каблучке рюмочкой.

 На лицах толстый слой пудры, обильная косметика и мушки разной формы.

http://bellezza-storia.livejournal.com/7173.html#cutid1

В моде все неожиданное, диковинное, странное – золотые табакерки, бонбоньерки, лорнеты и муфты. http://marinni.livejournal.com/781871.html

Более подробно здесь http://churya.com.ua/rococo_fashion1.html


Культура Рококо | КУЛЬТУРА И ИСКУССТВО ЭПОХИ КЛАССИЦИЗМА | ИСТОРИЯ КУЛЬТУРЫ | Культура.

Искусство. ИсторияРОКОКО — культурный стиль, утвердившийся в Европе в XVIII в. В нем господствовал ценностно-нормативный культ всего естественного, в том числе идея-философема естественного человека.

Когда в 1715 г. во Франции после многих десятилетий блистательного царствования умер король Людовик ХIV, то его преемником стал пятилетний правнук, а роль регента при несовершеннолетнем короле начал исполнять герцог Филипп Орлеанский, имевший прозвище «хвастливого распутника». Вместе с периодом Регенства (1715 — 1723) наступила новая эпоха в жизни государства, общества и культуры, которая продлилась до 1789 г., т. е. до разрушения Бастилии и начала Великой Французской революции. Культурная жизнь Франции этого периода складывалась из взаимодействия трех основных стилей – рококо, сентиментализма и стиля Просвещения. За первым стояла дворянская и в первую очередь придворная аристократия, за вторым – молодой, восходящий класс национальной буржуазии, а проводниками и апологетами Просвещения выступали преимущественно представители творческой интеллигенции – мыслители, ученые, писатели, поэты.

Философия либертинажа. Мировоззернческим основанием культуры рококо служила философия либертинажа (от лат. libertinusn –освобожденный, свободный). Обозначающая свободу от религиозно-церковных норм, она достаточно прочно утвердилась во французской литературе XVIII вв. Ее истоки можно обнаружить в образе мольеровского Дон-Жуана, в его характерном диалоге со слугой Сганарелем:

«Сганарель: Хотелось бы мне выведать ваши мысли. Неужели вы совсем не верите в небо?
Дон Жуан: Оставим это.
Сганарель: Стало быть, не верите. А в ад?
Дон Жуан: Э!
Сганарель: То же самое. А в дьявола, скажите пожалуйста?
Дон Жуан: Вот-Вот.
Сганарель: Тоже, значит, не особенно. Ну, а в будущую жизнь хоть сколько-нибудь верите?
Дон Жуан: Ха – ха!..
Сганарель: … Однако нужно же во что-нибудь верить. Во что вы верите?
Дон Жуан: Во что я верю?
Сганарель: Да.
Дон Жуан: Я верю, Сганарель, что дважды два – четыре, а дважды четыре – восемь»
(Мольер Ж. Б. Комедии. М., 1983. С. 145).

В категориях либертинажа выстроена жизненная философия абсолютного большинства создателей и носителей культуры рококо.

Эстетика рафинированной естественности. После господства духа строгой нормативности, характерного для эпохи Людовика XIV, воцарилась атмосфера фривольной раскованности. На сцене, в поэзии, живописи торжественная театральность уступила место грациозной чувственности. Мебель стала более миниатюрной и комфортной, украшения из тяжелого золота были вытеснены серебром и хрупким, изящным фарфором. Живописцы стали чаще пользоваться не масляными красками, а пастелью с ее светлым, нежным колоритом. Так возник новый стиль рококо (франц. rococo – вычурный) — стиль светских салонов, аристократических гостиных, дворянских усадеб, загородных домов и замков. В нем отсутствовал пафос парадной государственности, откровенного властолюбия и военно-политических амбиций, характерный для классицизма. Рококо – это погруженность в частную жизнь, интимную атмосферу аристократического быта, отдыха, развлечений, игр, пиршеств, любовных утех. В нем нет волевого начала, героической напряженности, явно выраженного интеллектуализма и высокой этики. Вместо всего этого царит откровенный гедонизм с его созерцательной расслабленностью и эротической чувственностью. Экзальтированная религиозность барокко и моральная патетика классицизма оказались вытеснены эстетическими принципами, защищающими право человека на земные, греховные услады.

Эстетика рококо обнаружила способность облекаться в самые причудливые формы, от совершенно безобидных до разрушительных и преступных. Те и другие находили своих приверженцев во всех социальных слоях, от королевского двора до лакейских каморок. Так, маркиза де Помпадур устраивала в своих замках сельские праздники, где разыгрывались идиллические сценки пастушеской жизни. Сама она могла появиться во время таких представлений в наряде простой садовницы, а придворные дамы рядились птичницами и молочницами. Королева Мария-Антуанетта, любившая по временам одевать ситцевое платье и соломенную шляпку, устроила в саду одного из своих дворцов ферму, где сама пыталась доить коров, собирать сливки и взбивать масло.

Антропология имморальной естественности. Естественному человеку культуры рококо не было дела ни до Бога, ни до государства, ни до общественного долга и норм нравственности. Руководствующийся непомерной жаждой удовольствий, он ставил во главу угла, в центр миропорядка свое естество с обостренной чувственностью, способной достигать демонической силы роковых страстей.

Антитеза разума и чувств, характерная для классицизма и разрешавшаяся в XVII в. в трагедиях Ж. Расина и П. Корнеля в пользу разума, теперь, в культуре рококо, разрешалась исключительно в пользу чувств и чувственности. Человек рококо старался как можно реже вспоминать о картезианской диктатуре разума. Его, как стихийного материалиста и атеиста, одолевало ощущение быстротечности жизни и предчувствие неизбежности смерти. Сознавая бренность всего, что сегодня цветет, а завтра увянет, он пытался заставить себя забыть об этом и погрузиться в атмосферу чувственных удовольствий, ловить ускользающие мгновения. С обреченностью смертника, приговоренного к казни, он торопился с максимально доступной интенсивностью изживать свою бренную плоть.

Его апокалиптическая философия неизбежного конца и этика безудержного гедонизма отлились не только в лаконичную формулу дворцовой аристократии «После нас хоть потоп», но и в имморально-криминальную антропологию маркиза де Сада. Автор скандальных романов и безбожных трактатов, также уверенный в том, что человеку следует быть как можно ближе к простоте естественного существования, пошел гораздо дальше невинных рассуждений Ж.–Ж. Руссо. Для него антропологема естественного человека открыла путь к апологии естественного права людей на беспрепятственное удовлетворение своих витальных потребностей и сексуальных наклонностей.

По сравнению со стилем барокко культура рококо выглядит измельчавшей и нравственно падшей. Это своего рода «мини-барокко”, сохранившее театральность, декоративность, тягу к причудливым формам, но спустившееся с небес на землю, забывшее о Боге, о возвышенных запросах души и погрузившееся в витальную стихию чувственных наслаждений. Былые религиозно-этические императивы сменились одним: «Спеши насладиться всеми радостями земной жизни!”. По этой причине в картинах живописцев данного периода библейские пророки, евангельские апостолы и христианские святые уступили место Венерам, Аполлонам, Эротам, изнеженным Купидонам, грациозным нимфам и сладострастным вакханкам.

Героев и персонажей искусства рококо не влекут гражданские доблести, им нет дела до Бога, государства, общественного долга, норм нравственности и законов права. Смысл жизни для них не в служении чему-то сверхличному, а в удовлетворении собственных чувственных вожделений. На картинах самых известных живописцев эпохи рококо Ф. Буше, А. Ватто, Ж. Фрагонара изображены большей частью люди, похожие на мимозы, не склонные к волевым и интеллектуальным усилиям, считающие себя созданными не для труда и борьбы, а для утонченных наслаждений и изысканных развлечений, которым они предаются с азартом и упоением.

Из всех возможных наслаждений культура рококо ставит на первое место любовные наслаждения. Эрос – единственное божество, которому человек рококо готов служить и поклоняться. Живопись и литература наполняются разнообразными сюжетами эротического характера от картин легкого флирта («Поцелуй украдкой» Фрагонара, «Капризница» Ватто и др.) до сцен откровенного, разнузданного разврата (роман де Сада «Сто двадцать дней Содома»). В произведениях литературы, живописи, скульптуры, наиболее типичных для культуры рококо, сексуальное влечение обставлено причудливым эстетическим декором, нормами аристократической куртуазности и театрализованной галантности. Перед зрителем, читателем предстают хотя и незамысловатые, но приятные для созерцания сцены, в которых форма изящна, изящество капризно, каприз окрашен эротизмом, а эротика несет с собой дух естественного жизнелюбия. Так заявляют о себе произведения, выполненные не в виде манифестов замкнутых эстетических пространств высокого аристократизма, но выглядящие как картины жизни «искусственного» человека, старающегося быть «естественным», то есть внемлющим зову «живой жизни», требующему, чтобы способность людей к любви не иссякала.

На фоне банальной повседневности, в свете принудительной рутины социальной нормативности мир рококо представал как гедонистическая утопия. Это был «воспеваемый в стихах и прозе, изображенный на картинах и гравюрах некий «остров любви», где царят шаловливое безделье и сладострастная лень, милая шутка и тонкий флирт, где вечны праздники и забавы, где очаровательна вечно весенняя природа, сини небеса, ласково солнце, свежи и благоуханны травы и цветы, где мужчины изобретательны и неутомимы в любви, а женщины прекрасны, нежны и наивно распутны» (Михайлов А.Д. Роман Кребийона-сына и литературные проблемы рококо. – В кн.: Кребийон-сын. Заблуждения сердца и ума. М., 1974, с. 302).

В одном из наиболее ярких произведений литературы рококо, романе А.-Ф. Прево «История кавалера де Грие и Манон Леско», любовное влечение предстает как демоническая сила или некий рок, увлекающий главного героя со стези добродетели в объятия обольстительной куртизанки и одновременно в пучину опасных приключений. По словам автора, он рассказывает историю, которая являет собой «злосчастный пример власти страстей над человеком». В преамбуле романа Прево задается вопросом, отчего люди, ясно сознающие важность и необходимость добродетельного поведения, так легко и быстро оказываются в бездне порока: «Размышляя о нравственных правилах, нельзя не дивиться, видя, как люди в одно и то же время и уважают их, и пренебрегают ими; задаешься вопросом, в чем причина того странного свойства человеческого сердца, что, увлекаясь идеями добра и совершенства, оно на деле удаляется от них». По мнению Прево, противоречия между высокими идеями и низким поведением имеют место потому, что нравственные правила являются лишь неопределенными и общими принципами, которые весьма трудно бывает применить к конкретным характерам и поступкам. Но самое главное препятствие на пути добродетели заключается в неспособности человека владеть собой, управлять своими страстями. Они властвуют над ним и толкают его на безумства и преступления, превращают в игрушку злых сил.

Трагические коллизии и авантюры, в которые люди вовлекаются силою своих страстей, всегда составляли один из главных предметов художественного изображения в мировом искусстве. Однако, в искусстве рококо драматизм этих коллизий смягчен и театрализован. Жизнь в нем часто предстает в виде театра, поступки людей выглядят как игра, а сами они ведут себя как актеры, разыгрывающие различные роли. Празднично-игровое начало определяет и содержание, и формы художественных произведений. Над всем довлеет концепция бытия как театрализованного праздника любви. Так, в живописных композициях театральность представлена напряженно-галантными позами кавалеров и дам, их изысканно-вычурной разряженностью, присутствием в их нарядах бантов и кружев, а также эстетикой замкнутых пространств, похожих на сценические площадки и изображающих укромные уголки парков, уютные гостинные, оперные ложи, дамские будуары и т. п.

В искусстве рококо царят сознание быстротечности жизни и неизбежности смерти, ощущение бренности всего, что еще не успело утратить сил и красоты. Одновременно с ними соседствуют страх смерти и стремление хотя бы на время забыть о ней, о сопутствующих ей страданиях, боли, утратах, то есть всем, что мешает радостям и наслаждениям.

Один из ведущих принципов стиля Рококо — принцип сенсуализма (от лат. sensus – ощущение), в свете которого человек рассматривался как существо, обладающее в первую очередь чувственностью и чье мировосприятие определяется его эмоциональным настроем. В соответствии с ним человек не признает над собой авторитарной власти разума, предпочитая отдаваться капризной стихии изменчивых эмоциональных состояний. В результате сенсуализм смыкается с гедонизмом, а философия чувственности оказывается тождественна философии наслаждений.

Источник: 
Бачинин

Европейский костюм 18 века (мода эпохи Рококо)

Западноевропейский костюм первой половины 18 века (мода Рококо)

В 18 веке стиль барокко сменился стилем рококо. Название это происходит от французского слова, означающего «украшение в форме раковины».
Стиль рококо отличался изящной декоративностью, хрупкостью, утонченностью, чувственностью и некоторой манерностью. Он не терпел прямых линий, и они приобрели изогнутость и плавность. Это был последний период господства аристократической моды, который окончился с началом французской революции и падением абсолютизма.
Идеалом рококо считался изящный силуэт и утонченные манеры. Движение, походка вырабатывались под руководством учителей «хороших манер». «Хороший тон» стал той преградой, которая разделяла аристократию и буржуазию.

18 век называли «галантным веком», веком менуэта, кружев и пудры.
Модным силуэтом были узкие плечи, очень тонкая талия, округлая линия бедер, маленькая прическа. Даже мужской костюм выглядел женственным.
Костюмы аристократии шились из бархата, дорогого тяжелого шелка и парчи, тончайшего полотна и кружев, блистали золотом и драгоценностями (даже вместо пуговиц на них были драгоценные камни). Парадные платья, хотя бы и самые дорогие, надевались всего один раз.

Мужской костюм

Обязательной принадлежностью мужского аристократического костюма была белоснежная рубашка из тонкого полотна с пышными кружевными манжетами и разрезом, спереди украшенным кружевными оборками — «жабо».

Поверх рубашки надевали «весту» — узкую распашную куртку из яркой шелковой ткани с вышивкой с узкими длинными рукавами, которые не сшивались, а скреплялись по локтевому шву в нескольких местах. Эта куртка застегивалась впереди на талии до середины груди, открывая жабо. Во второй половине века весту стали шить без рукавов, а спинку делали из полотна, и она получила название «вестон», или «жилет». В Англии веста называлась «вескоут».
Поверх рубашки и весты мужчины носили жюстокор.
В начале 18 века жюстокор трансформируется в «аби», который плотнее облегал грудь и талию, имел несколько складок-фалд в боковых швах, и шлицу с фальшивой застежкой на спине. Парадные аби шили из атласа или шелка и украшали вышивкой борта и карманы, а манжеты делали из той же ткани, что и весту.
С конца XVIII в. аби стали носить только при дворе.
С жюстокором и аби мужчины носили «кюлоты» — узкие штаны длиной до колена или немного ниже его. Они застегивались внизу на пуговицу, и иногда у них были карманы. Поверх кюлотов дворяне иногда надевали белые шелковые чулки, а буржуа — цветные.
Перчатки, плащи шпага на поясной портупее дополняли костюм. В 30-е гг. 18 века вместе с модой на нюхательный табак появились табакерки и табакотерки.
Зимой мужчины носили большие муфты и «гетры» — чулки без подошвы, которые надевались прямо поверх обуви и защищали ноги от ступни до колен.

Женский костюм

Женщина в костюме эпохи рококо напоминала изящную фарфоровую статуэтку. Силуэт костюма ярких и светлых тонов был очень женственным и подчеркивал нежность хрупких плеч, тонкую талию и округлость бедер.
Женщины носили нижнюю сорочку, корсет и «фижмы» — облегченный каркас, на котором юбка лежала свободно, падая широкими складками. Фижмы, а во Франции «панье», делали из ивовых прутьев или китового уса, прокладывая валиками и слоями простеганной ткани.

на женщине: парадное платье с фижмами

на мужчине: парадный жюстокор

на женщине: парадное платье с фижмами
на мужчине: жюстокор в виде мундира и кюлоты

Форма панье была разнообразной: овальной, круглой, конусообразной. Самые широкие колоколообразные носили аристократки. Женщины из буржуазной среды вместо панье чаще носили накрахмаленные нижние юбки. Спустя десятилетие панье сильно расширились, приобретя форму эллипса. Проходить в двери, садиться в карету в них было очень неудобно, и при изготовлении каркаса стали использовать шарниры.
Придворное платье имело шлейф, который пришивался к плечам или к талии.
Женщины носили нижнее и верхнее платья — «фрепон» и «модест». Подол фрепона богато вышивался, лиф был очень узким, под него надевали корсет. Платье модест было распашным от талии, и по краям разреза его украшали богатой вышивкой. Лиф модеста скреплялся на груди бантами или шнуровался. Банты располагались на груди так называемой «лестницей» — уменьшаясь по величине сверху вниз.

Декольте в форме каре украшали кружевами. Узкий, гладко вшитый у плеча рукав дополнялся пышными кружевными воланами (чаще всего их было три). Шею дамы иногда повязывали легкой шелковой косынкой.
Модным в эпоху рококо был «контуш» — платье «со складками Ватто» — широкое, длинное, неотрезное в талии. Носили его без пояса, надевая поверх нижней юбки на каркасе. На спине, под обшивкой ворота, закладывались крупные складки. Контуш мог быть распашным и скрепляться на груди лентами или цельным, без разреза. Его шили из шелковых, полушелковых, атласных, бархатных тканей светлых ярких расцветок или в крупную полоску. К середине 18 века контуш сильно укоротился, и его носили только дома. На улице в контуше можно было встретить лишь представительниц низших слоев населения.

костюмы для прогулок

на мужчине: шелковый камзол с пелериной, берет с пером

на женщине: платье-контуш со складками «ватто»

Чулки у дам были светлые шелковые с вышивкой золотом или серебром.
С середины 18 века частью женского охотничьего костюма стали кюлоты.
Простые горожанки в своей одежде подражали костюмам знати, но шили ее из недорогих тканей более темных расцветок.

Фарфоровая статуэтка «Девушка с гусем»

Обувь

Мужчины носили башмаки на невысоком каблуке и плоские легкие туфли, украшенные пряжкой эскарпен.
У женщин были открытые туфли из атласа или тонкой цветной кожи на высоком каблуке.

Прически и головные уборы

Мужские прически в стиле «рококо» представляли собой завитые в локоны или гладко зачесанные назад волосы. Сзади их связывали черной лентой или прятали в черный мешочек-«кошелек». Аристократы пудрили волосы, а также носили белые пудреные парики. Лицо гладко брили.

Модным головным убором в 18 веке стала «треуголка», которую носили даже женщины. Мужчины часто держали ее на сгибе левой руки, а не на голове.
Дамская прическа была небольшой. Волосы завивали в локоны, поднимали вверх и скалывали на затылке. Прическу пудрили и украшали лентами, перьями, цветами, нитками жемчуга.
Головные уборы дамы надевали редко. Голову покрывали накидкой, во время путешествий надевали мужскую треуголку, а дома носили небольшой чепчик, украшенный лентами, цветами, кружевом.

Украшения и косметика

В 18 веке в моде были румяна, пудра, духи, мушки. Пудрили волосы и парики.
И мужской, и женский костюм эпохи рококо дополнялся большим количеством украшений, в том числе и ювелирных. В одежде присутствовали кружева, банты, рюши, богатейшие вышивки.
Модными были кольца, браслеты, ожерелья, колье, золотые часы на цепочках. Полюбились маленькие букеты искусственных цветов (часто фарфоровые), которые прикалывали на груди. Белизну кожи женщины оттеняли бархоткой или рюшами из кружев на шее. Не потеряли популярности веера, которые иногда расписывали такие знаменитые художники, как Ватто и Буше.

Западноевропейский костюм второй половины 18 века (позднее Рококо)

2-я половина 18 века — период классицизма в искусстве. Стиль рококо, определивший тенденцию в моде середины 18 века, получил название «позднего рококо».
В 70-е годы 18 века значительную роль начинает играть английская мода, связанная с культом чувств, простоты, стремлением сблизиться с природой. Отличаясь большей строгостью формы и цвета, она прежде всего оказала влияние на мужской костюм.
Проникнув на континент, английская мода вначале распространилась в среде крупной буржуазии и дворянской молодежи. Затем она проникла и в высшее общество и заметно повлияла на придворный костюм.
Английское дворянство создало удобный по покрою, простой костюм. Состоял он из синего суконного фрака, короткого желтого жилета, кожаных штанов, сапог с отворотами и круглой шляпы.

Мужской костюм

Мужская одежда в эпоху позднего рококо стала богаче красками и наряднее. Сюртуки и жилеты сплошь покрывались вышивкой золотом и серебром, канителью и блестками.
В 70-х гг. в мужском костюме произошли радикальные изменения. В моду повсеместно входит английский суконный «фрак», постепенно вытеснивший французский жюстокор.
Фрак появился в Англии в 1-й половине 18 века. Первоначально он предназначался для верховой езды, а позже распространился в Европе как гражданская одежда. Его всегда носили без шпаги, и у него не было карманов.
Фрак шили из тканей темных строгих расцветок или из шелка, например, во Франции. Крой его был облегающий, воротник стоячий или отложной и отогнутые от талии полы. Покрой фрака часто менялся.
Особенно моден в 70-е гг. стал английский «редингот» — верхняя одежда с прямыми полами и шалевым воротником. Первоначально редингот служил костюмом для верховой езды.
У рубашек сузились манжеты и уменьшилось жабо. Узкими оставались и кюлоты. Наряду с белыми появились полосатые шерстяные чулки.
В употребление входят более короткие жилеты, срезанные по линии бедер, и сюртук — чаще всего из полосатого сукна.

Женский костюм

Женский костюм середины 18 века сохранял характер стиля рококо, но стал более сложным по силуэту и декору.
Характерным признаком моды 2-й половины 18 века стала новая форма кринолина — овальная.
Дамы носили широкую, эллипсообразно растянутую в боках и уплощенную впереди и сзади юбку. Кавалеру рядом с дамой в такой юбке приходилось идти не рядом, а несколько впереди, ведя ее за руку. Парадное платье покрывалось массой гирлянд из лент и бантов, а края его обшивались оборками из лент и кружев. Такие наряды были уместны во время грандиозных празднеств при дворе Людовика XVI и Марии Антуанетты. Они считались верхом элегантности.
В конце 18 века утренним платьем светской женщины был «полонез», состоящий из юбки и лифа, поверх которого надевалось распашное платье. У верхнего платья выкраивалась неотрезная спинка из трех частей и почти прямые полы. В местах соединения спинки и полочек продергивался шнурок и с его помощью получались сборки, а внизу платья образовывались полукруглые драпировки. Существовало множество вариантов этого платья — от домашнего до парадного. Были полонезы с низким декольте, с пышными драпировками, закрывавшими спереди почти всю юбку («полонез с крыльями») и т. д.
Повседневным дамским нарядом служил костюм с укороченной «до косточки» нижней юбкой и подобранной вокруг талии в виде мягких полукружий верхней юбкой. Этот костюм дополнялся большой косынкой, отделанной кружевами или оборками, которую накидывали на плечи.
Парадные туалеты отличались большой пышностью и украшались кружевами, оборками, бусами, букетами и гирляндами искусственных и живых цветов, а головные уборы — страусовыми и павлиньими перьями. Перчатки, зонтик, трость и лорнет вошли в моду к 80-м гг. 18 века.
В 80-е гг. английская мода влияет и на женский костюм. Для платьев «английского» типа характерна мягкость линий, их шьют из легких тканей светлых тонов. Жесткие каркасы постепенно выходят из моды. Платья утягиваются немного выше талии, что напоминает силуэт античных одежд. Юбка струится мягкими свободными складками, заканчиваясь небольшим шлейфом. Лиф с округлым вырезом мягко драпируется косынкой, покрывающей плечи и грудь.
Для верховой езды аристократки надевали костюм, состоящий из юбки и жакета, напоминающего мужской фрак.

Обувь

Мужской обувью были башмаки с большими металлическими пряжками. Для утренней прогулки и верховой езды служили сапоги-ботфорты.
Дамы носили парчовые, атласные или бархатные туфли на высоком каблуке и чулки светлых тонов.

туфли 18 века

Прически и головные уборы

Мужские прически почти не изменились. Чаще всего волосы зачесывали назад и стягивали на затылке в пучок, перевязывая черной лентой. Пряди над висками завивали, укладывая в параллельные валики. Прически по-прежнему пудрили. Парики еще носили, но они уже выходили из моды. Шляпу стали чаще надевать на голову, а не держать в руках, как раньше. Вместо прежней треуголки в моду входит более удобная «двууголка». Появились «английские» шляпы конической формы с невысокой тульей и узкими полями и цилиндр, который надевали к рединготу.
Между 70-80-и гг. 18 века возникла сложная парадная дамская прическа — «куафюра», составлявшая одно целое с головным убором. Несколько ее видов были созданы парикмахером французской королевы Марии Антуанетты — Леонаром. Волосы поднимались надо лбом на высоту иногда до 60 см и закреплялись на легком каркасе, который устанавливался на макушке головы. Потом их завивали, укрепляли шпильками, помадили, пудрили и украшали лентами, перьями, кружевами, цветами, массой драгоценностей. Поверх прически на голову водружали целые корзины с цветами, фруктами или даже макеты парусных кораблей.

Парадная прическа времен Марии-Антуанетты

Под влиянием английской моды прическа постепенно стала ниже, упростилась, волосы перестали пудрить. Шляпы — огромные из шелка или бархата или «английские» с широкими полями.

Источник — «История в костюмах. От фараона до денди». Автор — Анна Блейз, художник — Дарья Чалтыкьян

Прекрасная Дама эпохи Рококо / Разное. Интересное / Бэйбики. Куклы фото. Одежда для кукол

Дорогие мои Бейбиковцы, в первой части моего топика мы перенесемся во Францию 18 века, в «галантный век» короля Людовика XV и великолепной Марии Антуанетты.
Это время расцвета самого женственного стиля в истории, который назывался «Рококо». Итак вперед мои друзья, в блистательный XVIII век, «век, когда правили женщины», как сказал А.С. Пушкин.

… Иллюстрации не претендуют на историческую достоверность 🙂

Начало этого стиля приходится на период 1715-1723 гг. — время правления регента Филиппа Орлеанского, и достигает расцвета в эпоху короля Людовика XV. Людовик (впрочем, как и многие его предшественники) мало интересовался государственными делами, все свое время посвящая охоте, бесконечным балам и другим развлечениям.


Так, беспечно резвясь, развлекаясь и «прожигая жизнь», Людовик XV придумал знаменитое изречение “После нас хоть потоп”. Что ж, король, как говорится, «как в воду глядел» — после смерти Людовика XV, в 1789 г., разразилась Великая Французская революция, и королевская власть во Франции была уничтожена.

Огромное влияние на всю жизнь государства в царствование Людовика XV оказывали его фаворитки. От их капризов и интриг зависела вся политика короля. Наибольшее влияние на короля оказывала знаменитая маркиза де Помпадур, чьи портреты вы видите ниже.


Говорят, что на прихоти фавориток уходило более половины государственного бюджета! Некоторые исследователи вообще этот период называют «веком женщин» — так велико было их воздействие на все стороны жизни государства. И, конечно, они оказывали самое непосредственное влияние на развитие моды и стиля.


В эту эпоху, прежде всего, изменился сам стиль жизни, главенствующие тенденции в обществе. Прочь грубость, вульгарность — но вместе с тем и простоту, естественность! В моде хрупкая жеманница, неземное томное романтическое существо. Идеалом женщины в этот период является стройная и хрупкая жеманница с осиной талией, узкими бёдрами, хрупкими плечами. Такой силуэт оставался модным на протяжении всей эпохи рококо



Стиль рококо отличался причудливой асимметрией и изяществом форм. 18 век — это время, когда аристократия замыкается в своем уютном мирке, проводя жизнь в бесчисленных празднествах, балах, маскарадах, охотах, пикниках и любовных приключениях. В светских салонах господствовали женщины. Желание нравиться преобладало надо всем и вызывало к жизни одежду, подчеркивающую чувственные формы тела. Все, абсолютно все хотели быть молодыми (вечно молодыми): чтобы скрыть возраст, волосы покрывали слоем пудры, скрывающей седину, щеки сильно румянили.


Движения, походку вырабатывали с учителями «хороших манер», даже сидя за столом, ноги вставляли в специальные колодки, приучая их к «третьей позиции». «Хороший тон» являлся последней преградой, при помощи которой аристократия пыталась отмежеваться от набиравшей силу буржуазии.


Недаром XVIII в. называли «галантным веком», веком пудры, кружев, менуэта, веком женственного мужчины.Аристократические костюмы сверкали золотом и драгоценными камнями. Официальная одежда, служебная, салонная и даже домашняя были одинаково великолепны. Даже вместо пуговиц носили драгоценности. А граф д’Артуа, будущий король Карл X, в качестве пуговиц использовал маленькие часики в драгоценной оправе. Парадные платья, даже самые дорогие, надевали лишь по одному разу.

В одеждах преобладали нежные тона, а растительные узоры выглядели особенно натуралистично. Это время, когда придворные острословы изощряются в фривольности: модные ткани нежно-зеленного и нежно-желтого цветов получают почти неприличные игривые названия — «испачканный навозом», «кака дофина» (дофин — наследник престола) и т.д.грациозность и легкость отличают силуэт женского костюма того времени: узкие плечи, чрезвычайно тонкая талия, высоко приподнятая грудь, округлая линия бедер.

Опять в моде платья на железных обручах, юбки стали шире и приобрели куполообразную форму. Во второй половине столетия юбка сильно расширяется в стороны, ее круглая форма превращается в овальную (растянутую в боках и сплюснутую спереди и сзади). Бока юбки так вытянуты, что кавалер не мог идти с дамой рядом, а шел несколько впереди, ведя ее за руку.


Костюм завершался прелестной женской головкой со значительно уменьшившейся в размерах гладкой прической. Но уже во второй половине XVIII в. прическа снова «вырастает» вверх, иногда на высоту до 60 сантиметров. Причем это происходит чуть ли не пропорционально тому, как все больше и больше расширяется юбка на бедрах. Знаменитые парикмахеры (легендарный Дажé — личный куафер маркизы де Помпадур — всевластной фаворитки Людовика XV, блистательный Леонар Боляр — придворный парикмахер Марии-Антуанетты) вместе с модистками создают на головах своих высокородных клиенток натюрморты из цветов, лент, декоративных шпилек и перьев; тюрбановидные чепцы, украшенные полумесяцем; даже целые корабли с поднятыми парусами; ветряные мельницы, мосты и многое другое, вплоть до садовой архитектуры. Иногда на голове была масса драгоценностей, которые превосходили вес самой головы.


Чаще всего платье выполнялось цельнокроеным. Корсетный лиф плотно облегал фигуру спереди, а на спинке масса ткани свободно ниспадала широкими складками, переходящими в длинный шлейф. Декольте чаще всего делалось очень низким, сильно открывавшим грудь и шею. Юбка на каркасе, выполнялась почти без складок. Рукава, узкие вверху и расширенные книзу, завершались пышными широкими кружевами в несколько рядов. Многие костюмы эпохи Рококо нашли свое отражение в творчестве знаменитого художника Антуана Ватто, и этот особый крой спинки платья даже стал называться «складки Ватто», такие же как и на платье моей кукле Мишель.


В эпоху Рококо за счет более пышных юбок объем женского костюма в целом увеличился, что сказалось на декоре используемых тканей. Стали широко использовать ткани с крупным рисунком, появились также ткани в полоску. И, конечно же, глобальные тенденции в развитии стиля рококо привели к общему усложнению декоративности. В эту эпоху основным трендом в моде является украшательство. Платья в изобилии отделываются гирляндами, пуфами, кружевом.

Повсеместно принято ношение корсета. Это делает талию все более тонкой – франтихи эпохи Рококо наследуют моду, принятую еще при Екатерине Медичи, которая, как известно, затягивала корсет до буквально «осиной» талии (33 см). Корсет также сильно приподнимает грудь и почти что обнажает ее, поэтому декольте принято прикрывать тонкой полупрозрачной косынкой.


С одной стороны, контраст между тонкой, изящной талией и необъятным кринолином на каркасе панье дает модницам возможность получить чрезвычайно сексуальную и привлекательную фигуру. С другой – ношение жестокого, чрезвычайно плотно затянутого корсета приводит к тому, что женщина может упасть в обморок при малейшем волнении или ускорении шага.


Помимо, так сказать, основного туалета, XVIII в. принес большое количество мелких дополнений к одежде: сумочки для косметики, называемые по имени фаворитки короля – «помпадур», перчатки, муфты, веер. Туфли того времени – маленькие и изящные, имеющие глубокий вырез и довольно высокий каблук. Также носили и довольно низкие шелковые туфли, с богатой вышивкой, украшенные драгоценными камнями, пряжками и лентами.




Одежда эпохи Рококо достаточно откровенно демонстрировала обнаженное тело. Поэтому нижнему белью, которое теперь стало почти что произведением искусства, также уделялось большое внимание. Оно изготавливалось из шелка и украшалось кружевной отделкой, богатой вышивкой, серебром и золотом.


Стиль Рококо – это типичная придворная мода, которая быстро распространилась на всю аристократическую Европу. В это время все шире распространялись и первые модные журналы, которые способствовали стремительному распространению новинок моды в европейских столицах.




А здесь продолжение моего топика, рассказ о кукле Мишель Баркер

знаменитых картин эпохи рококо — лучшее искусство эпохи французского рококо

Роскошь, декаданс, театральность – вот несколько слов, которые приходят на ум, когда мы вспоминаем произведения искусства эпохи рококо. Движение рококо было роскошным визуальным движением, зародившимся в ок. 1720 Париж. Великолепные картины этого периода характеризовались своим орнаментально-декоративным стилем. Если вам интересно взглянуть на захватывающее искусство, появившееся в результате движения рококо, продолжайте читать, чтобы показать наши 10 самых известных картин рококо, пока мы углубляемся в известные произведения 18-го века!

 

 

Что означало движение в стиле рококо?

Период рококо охватывает большую часть XVIII века.Он возник в Париже c. 1720 г. и вскоре распространился по Франции и другим частям Европы, включая Италию, Германию, Россию и Австрию. Движение рококо началось как реакция на более формальное величие и тяжесть предшествующего ему стиля барокко, противопоставив его тонкой легкости и причудливости.

Король Людовик XV считался «вечным подростком», что дает представление о том, почему игривый характер французского рококо так подходил для его правления.

Портрет Людовика XV (1719) работы Жана Ранка;  Жан Ранк, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Движение рококо стало синонимом неотразимой мадам де Помпадур, любовницы нового короля XV. Мадам де Помпадур олицетворяла собой сущность стиля рококо, и она стала ассоциироваться с этим движением, поскольку имела власть над всеми стильными вещами. Она была главным покровителем движения и заказала многие из своих портретов в стиле рококо.

Слово «рококо» происходит от французского слова «rocaille», означающего гальку или скалу, и относится к камням и раковинам, которые использовались для украшения фонтанов или интерьеров гротов со времен Ренессанса. Термин «рокайль» использовался для описания декоративно-орнаментального стиля, который был представлен в картинах в стиле рококо.

Заранее подготовленный рейс (ок. 1772-1773) Жана-Онора Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, Wikimedia Commons

Художники в стиле рококо этого периода сосредоточились на свете и пастели в своих ярких сценах игривого ухаживания и досуга, которые передавали более нежную и женственную сущность. Движение рококо определялось использованием природных мотивов, изогнутых линий, мягких цветов и тем, касающихся природы, игривости, беззаботного веселья, юности и любви.

Картины в стиле рококо отличались замысловатым орнаментом, пышным декором и асимметричным рисунком. Искусство рококо преувеличивало принципы театральности и иллюзорности.

 

 

Наши лучшие 10 самых известных картин в стиле рококо

Движение рококо охватило большую часть 18 века, зародившись в Париже и распространившись по разным частям Европы. За это время художники рококо, внесшие свой вклад в движение, оставили обильную коллекцию картин в стиле рококо, которые были экстравагантными, элегантными и богатыми; картины, которые продолжали вдохновлять художников, которые последовали за ними и продолжают прославляться по сей день.Вот наша подборка из 10 самых известных картин в стиле рококо.

 

Посадка на Китеру (1717) Жана-Антуана Ватто
Художник Жан-Антуан Ватто
Дата покраски 1717
Средний Холст, масло
Размеры 129 см x 194 см
Где он находится в настоящее время Музей Лувра, Париж, Франция

Жан-Антуан Ватто считается основоположником живописи в стиле рококо. Включая влияние мастеров венецианского Возрождения, таких как Паоло Веронезе и Тициан; и фламандский гигант Питер Пауль Рубенс, Ватто разработал композиции, которые были динамичны в блестяще выразительных цветах. Ватто представил дикую и идиллическую картину природы.

Эта картина, также известная как «Паломничество на остров Кифера», считается одной из самых известных картин Ватто в стиле рококо.

Посадка на Китеру (1717) Жана-Антуана Ватто;  Жан-Антуан Ватто, общественное достояние, Wikimedia Commons

Посадка на Китеру сочетает в себе пышный пейзаж, напоминающий стиль эпохи Возрождения, с символической сценой, где группа пар либо отправляется на Киферу, либо возвращается с нее, маленького греческого острова, расположенного недалеко от мифологического места, где Афродита , Богиня любви, родилась.На переднем плане три пары, каждая из которых представляет собой отдельный этап ухаживания. В небе летают три амура, что отражает любовные внушения острова.

Его картина была принята Королевской академией живописи и скульптуры, что принесло признание новообразованному жанру и утвердило стиль рококо. Это представило картину fête galante, ухаживания, которая включала фирменное слияние фантазии и реальности Ватто как в декорациях, так и в костюмах на его картинах, а также в неуказанном предмете его картин.

Характеристики, которые Ватто развил в своих картинах в стиле рококо, вдохновили таких художников, как Франсуа Буше и Жан-Оноре Фрагонар, которые впоследствии стали гигантами рококо.

 

Вход в Гранд-канал (ок. 1730 г.) Каналетто
Художник Каналетто
Дата покраски с. 1730
Средний Холст, масло
Размеры 49. 6 см х 73,6 см
Где он находится в настоящее время Музей изящных искусств, Хьюстон, США

Среди итальянских городских пейзажей нет никого похожего на Джованни Антонио Канала, известного под именем Каналетто. Вход в Гранд-канал считается его самой известной картиной, на которой изображен вход в водный путь, ведущий в Венецию, с гондольерами, маневрирующими со своими пассажирами по полотну.Венеция в то время была популярной творческой гаванью. Слева от картины изображена большая церковь — базилика Санта-Мария-делла-Салюте.

Вход в Гранд-канал (ок. 1730 г.) Каналетто; Canaletto, общественное достояние, Wikimedia Commons

Картина Каналетто отличается типичным асимметричным рисунком искусства рококо. Асимметричное расположение гондольеров указывает на движение картины, так как три из них вытянуты вверх, привлекая взгляд вдаль.Тонкая работа местных цветов создает золотой оттенок, который предполагает, что он уловил суть идиллической сцены. Замысловатое изображение света Каналетто запечатлело работу солнца и теней на красивой венецианской архитектуре.

Этот стиль пейзажа, аркадский пейзаж, сильно вдохновил стиль живописи рококо.

Картина Каналетто «Вход в Большой канал» считается одной из самых известных картин в стиле рококо, созданных за пределами Франции в 1700-х годах.Каналетто мастерски рисовал с натуры и умело передал атмосферу, которую пытался передать. Его работы сохранили свое признание и влияние: в 2017 году Дэвид Бикерстафф показал их в своем фильме « Каналетто и искусство Венеции».

 

Мыльные пузыри (ок. 1733–1734) Жана-Батиста-Симеона Шардена
Художник Жан-Батист-Симеон Шарден
Дата покраски с.1733 – 1734
Средний Холст, масло
Размеры 61 см x 63,2 см
Где он находится в настоящее время Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

В отличие от экстравагантных и обширных сцен, которые часто ассоциируются с произведениями искусства в стиле рококо, картины Жана-Батиста-Симеона Шардена изображали, казалось бы, простую перспективу, несмотря на то, что он был пионером движения рококо. Известные произведения Шардена посвящены игривости детей; на самом деле, одна из его самых известных работ Мыльные пузыри изображала двух играющих детей. На этой картине он изобразил ребенка, пускающего мыльные пузыри, а друг наблюдает за ним сзади.

Цвета в Soap Bubbles довольно приглушенные, демонстрируя насыщенные коричневые и черные цвета. Эти цвета подчеркивают контраст светящегося лица и рук мальчика, которые приглашают вас сосредоточиться на том, что делает мальчик, поскольку вы, как зритель, погружаетесь, как и мальчик, в детский акт выдувания пузырей.Мазки Шардена толстые и текстурированные, имитирующие тактильные текстуры ткани, кожи и камня.

Картина передает ощущение детства и мимолетную радость праздной игры.

Мыльные пузыри (ок. 1733–1734) Жана-Батиста-Симеона Шардена; Жан-Батист-Симеон Шарден, общественное достояние, через Wikimedia Commons

По наблюдениям многих критиков и искусствоведов, картина, кажется, изображает невинность детства и легкость развлечения, а не что-то глубоко символическое. Однако некоторые видят в пузыре намекающий символ непостоянства жизни.

Картина послужила отчетливым вкладом Шардена в движение рококо, с его реалистическими сценами, создающими жанр, изображающий играющих детей, натюрморты и домашние сцены, отражающие неторопливые развлечения, типичные для движения рококо.

Шарден умело изобразил повседневную эстетику французского среднего класса и приобрел множество поклонников, которые достигли таких знаковых фигур, как Винсент Ван Гог, Поль Сезанн и Эдуард Мане.

 

Туалетная вода Венеры (1751) Франсуа Буше
Художник Франсуа Буше
Дата покраски 1751
Средний Холст, масло
Размеры 108,3 см x 85,1 см
Где он находится в настоящее время Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

На картине La Toilette de Vénus Франсуа Буше изображена обнаженная мадам де Помпадур в образе Венеры, классической богини красоты и любви. Картина источает откровенную театральность с изображением Буше сладострастной плоти, асимметричным расположением мебели, роскошными тканями, жемчугом и цветами. La Toilette de Vénus изначально был написан для украшения роскошного люкса мадам де Помпадур из трех комнат, которые составляли ее ванные комнаты в ее замке Бельвю.

И Буше, и мадам де Помпадур стали синонимами движения рококо.

Туалетная вода Венеры (1751) Франсуа Буше; Франсуа Буше, CC0, через Wikimedia Commons

Два белых голубя и три херувима склоняются к фигуре Венеры, сидящей на сиденье с золотой рамой.Синие драпировки, переливающиеся светом и тенью, частично открыты для вида на манящий сад, что создает завораживающее ощущение отдыха. Изображение мадам де Помпадур в образе Венеры идеализирует ее, а окружение ее фигуры витиеватыми украшениями усиливает общее ощущение роскоши.

Чувственные образы Буше социальной элиты и известных граждан стали частью его собственного графического бренда.

Мадам де Помпадур была самой заметной покровительницей Буше до своей смерти в 1764 году. Туалетная Венера был одним из многих портретов, которые она заказала. Буше мастерски представил сочетание театральности и воплощения идентичностей с реальными личностями своих героев. Демонстрируя искусство внешнего вида, которое все еще представляло истинную личность его субъекта. Способность Буше увлекательно изображать свои предметы привела к тому, что он стал известен как один из самых известных художников рококо в портретной живописи.

 

Аллегория планет и континентов (1752) Джованни Баттиста Тьеполо
Художник Джованни Баттиста Тьеполо
Дата покраски 1752
Средний Холст, масло
Размеры 185.4 см х 139,4 см
Где он находится в настоящее время Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

Аллегория планет и континентов — одна из самых известных картин Джованни Баттиста Тьеполо, вклад в развитие итальянского рококо, основанный на французском стиле рококо и более воздушном выражении предшествующего стиля барокко. Аллегория планет и континентов изображает пышное расположение небесных фигур, которые вместе представляют различные планеты и континенты Земли.

Картина была создана для подвешивания на потолке лестницы в Вюрцбургской резиденции в Германии для принца-епископа Карла Филиппа фон Гриффенклау.

Аллегория планет и континентов (1752) Джованни Баттиста Тьеполо; Джованни Баттиста Тьеполо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Эффектное праздничное изображение движения солнца по небу Тьеполо демонстрирует великолепие цвета, света и завихряющихся узоров.Слева от центра вы можете увидеть Аполлона, греческого бога солнца, который освещен сзади сияющим шаром, когда он призывает к солнцу лошадей, стоящих справа от него. Остальные боги символизируют планеты, вращающиеся вокруг Аполлона, солнца. На границе изображено множество фигур, указывающих на центр картины, как бы указывая на то, что внутри находится божественность. Цифры представляют людей Африки, Америки, Азии и Европы.

Большая фреска была составлена ​​таким образом, чтобы отдельные части картины можно было рассматривать отдельно в определенных местах остановки.Тьеполо создал впечатление, что перспектива подстраивается под положение зрителя.

Гений Тьеполо можно было засвидетельствовать в расположении его пастелей, он создавал напряжение в сцене, которое подчеркивало драматические позы и повествовательное движение его фигур, создавая живой эффект. Своим воображением он создал театральный язык для передачи древних повествований и священных легенд. Именно гений Тьеполо вдохновлял таких художников, как Франсиско Гойя .

 

Портрет мадам де Помпадур (1756) работы Франсуа Буше
Художник Франсуа Буше
Дата покраски 1756
Средний Холст, масло
Размеры 212 см x 164 см
Где он находится в настоящее время Старая пинакотека, Мюнхен, Германия

Изысканный Портрет мадам де Помпадур Франсуа Буше изображал любовницу короля Людовика XV. Мадам де Помпадур олицетворяла собой сущность стиля рококо, и она стала ассоциироваться с этим движением, поскольку имела власть над всеми стильными вещами. Это был еще один портрет Буше, который она заказала. Портрет Буше точно изобразил ее роскошной, декадентской и модно элегантной. На полноразмерном портрете Буше изображена мадам де Помпадур, полулежащая в роскошном зеленом шелковом платье, украшенном узором из розовых роз.

Экстравагантные оттенки золота покрывают картину, золотая парча обрамляет комнату, а замысловатые золотые часы картеля над камином придают картине роскошные детали.

Портрет мадам де Помпадур (1756 г.) работы Франсуа Буше; Франсуа Буше, общественное достояние, Wikimedia Commons

Картина богата символикой с такими деталями, как полный книжный шкаф с несколькими книгами, разбросанными по полу, и часы в форме лиры, украшенные лаврами. Символизирует ее любовь к поэзии, музыке и литературе. Картина передает приятный досуг и уверенность, но все же способна продемонстрировать вес ее интеллектуального влияния с пером и открытой книгой в руке.

Поза мадам де Помпадур, с обращенным влево взглядом, олицетворяла глубокую философскую мысль. Работа Буше над «Портрет мадам де Помпадур » послужила своего рода социальной иконографией, где каждый фактор был тщательно выбран и стилистически унифицирован, чтобы изобразить идеальный образ. Изображения Буше мадам де Помпадур продемонстрировали типичную живопись в стиле рококо.

Мадам де Помпадур способствовала развитию движения рококо благодаря своему влиянию.

 

Купальщицы (1765) Жана-Оноре Фрагонара
Художник Жан-Оноре Фрагонар
Дата покраски 1765
Средний Холст, масло
Размеры 80 см x 64 см
Где он находится в настоящее время Музей Лувра, Париж, Франция

  Жан-Оноре Фрагонар разработал особый стиль в период французского рококо. Он часто использовал цвета, которые были более яркими по сравнению с его коллегами, не только это, но и его картины в целом довольно сильно отличались от произведений рококо начала 18 века. Одна из его знаменитых картин в стиле рококо называется « Купальщицы, », на которой изображены восемь женщин, беззаботно купающихся на солнце.

Деревья, окружающие женщин, обрамляют их тела, поскольку все они расположены в различных позах, каждая из которых выражает уникальные личности и характеристики.

Купальщицы (1765) Жана-Оноре Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, Wikimedia Commons

Сцена купания была популярна в эпоху рококо. Это часто использовалось как средство, чтобы продемонстрировать мастерство художников рококо, поскольку им приходилось рисовать обнаженные фигуры в разных положениях под разными углами, и, конечно же, провокационный сюжет приближался к щекотливому. В The Bathers была легкость в палитре и теме, так как более светлые тона используемых цветов подходили для выражения мягкости и невинности женщин.

Кисть Фрагонара была осязаемой и свободной, что создавало ощущение текучести, что способствовало живости произведений искусства в стиле рококо.

Купальщицы была одной из последних художественных картин Фрагонара в стиле рококо, которые были публично показаны и выставлены. В 1767 году он начал рисовать исключительно для частных клиентов. Фрагонар был одним из художников рококо в эпицентре движения, он написал более 500 впечатляющих картин, документирующих упадок времени и иллюстрирующих беззаботное развлечение и образы великолепия.

 

Качели (1767) Жана-Оноре Фрагонара
Художник Жан-Оноре Фрагонар
Дата покраски 1767
Средний Холст, масло
Размеры 81 см x 64,2 см
Где он находится в настоящее время Коллекция Уоллеса, Лондон, Великобритания

Качели — еще один пример мастерской работы Жана-Оноре Фрагонара. Произведение в стиле рококо изображает грациозную молодую женщину, которая игриво качается на ветке дерева, когда молодой человек смотрит на нее снизу, а другой мужчина позади нее стоит в тени, дергая ее качели за веревку. Мужчина перед ней расположен таким образом, чтобы ему было видно под ее платьем, что олицетворяло гедонизм эпохи рококо, часто присутствующий в творчестве Фрагонара.

Качели — квинтэссенция живописи в стиле рококо, с фирменной ловкой кистью Фрагонара, мягкими цветами и освещением, а также легкомысленно-беззаботными темами.Пенистое розовое платье молодой женщины развевается, когда она парит в воздухе, обнажая свои ноги краснеющему мужчине внизу. Дразняще, она отталкивает ее к статуе купидона, бога любви и желания. В то время босая ступня женщины была символом наготы.

В предполагаемой иронии Фрагонар одел женщину в шляпу-бержер, шляпу пастушки, которая символизировала чистоту и добродетель.

Счастливые случайности на качелях (1767) Жана-Оноре Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, Wikimedia Commons

Качели признаны одним из самых известных произведений искусства эпохи рококо. Асимметричная композиция, пышные декорации, игривость, небрежность и многослойный эротизм олицетворяют собой черты стиля рококо. Качели закрепили за собой место культурного и художественного символа.

Было сделано несколько намеков на это всегда вдохновляющее произведение с заметными упоминаниями в популярной культуре, такими как фильм Диснея Frozen , где его можно увидеть сидящим в художественной галерее, или когда на него ссылались современные художники Кент. Монкман и Йинка Шонибаре в своей работе или как часть 3D-инсталляции Ларри Мосса в Центре искусств Фелпса.

 

Синий мальчик (ок. 1770) Томаса Гейнсборо
Художник Томас Гейнсборо
Дата покраски с. 1770
Средний Холст, масло
Размеры 177,8 см x 112,1 см
Где он находится в настоящее время Генри Э. Художественная галерея Хантингтона, Сан-Марино, Калифорния, США

Синий мальчик считается одной из самых известных картин Томаса Гейнсборо в стиле рококо. На ней изображен портрет мальчика в синем мундире, как этюд костюма. Розовощекий мальчик элегантно одет в детализированный костюм на фоне бурного пейзажа На Гейнсборо повлиял стиль французского рококо благодаря его обучению в Академии Сент-Мартинс-лейн, что вдохновило его на исследование динамики между людьми и их окружением.С этим интересом он изобразил множество портретов экстравагантно одетых фигур в пышных уличных сценах.

Картина написана под влиянием Антониса ван Дейка и демонстрирует первую попытку Гейнсборо создать костюм в стиле Ван Дейка с лазурным нарядом мальчика.

Джонатан Баттолл (Голубой мальчик) (ок. 1770 г.) Томаса Гейнсборо; Томас Гейнсборо, общественное достояние, Wikimedia Commons

Gainsborough создает контраст между деревенским фоном и изящной фигурой. Портрет в натуральную величину иллюстрирует исключительное техническое мастерство и отражает его умелое использование стиля рококо, объединяющего фантазию и реальность. Тонкая и резкая многослойная кисть имела замысловатые оттенки бирюзы, лазурита, кобальта, индиго и сланца, что делало синий наэлектризованным на фоне бурной пейзажной сцены.

Голубой мальчик был шедевром Гейнсборо. Это бросило вызов традиционным представлениям об эстетике, поскольку синий традиционно считался только фоновым элементом, но Гейнсборо использовал его в качестве своего основного цвета.

Картина отразила традиции стиля рококо, но также вобрала в себя новаторские черты реализма, такие как туго зашнурованные пуговицы.

Картина имела немедленный успех. С момента своего дебюта и до наших дней картина остается вдохновляющим произведением, вдохновившим ее на все, от таких песен, как « Blue Boy Blues » Коула Портера, до одного из костюмов главного героя Джанго в фильме Квентина Тарантино « Джанго освобожденный».

 

Автопортрет в соломенной шляпе (1782) Элизабет Луизы Виже-Лебрен
Художник Элизабет Луиза Виже Ле Брун
Дата покраски 1782
Средний Холст, масло
Размеры 97,8 см x 70,5 см
Где он находится в настоящее время Национальная галерея, Лондон, Великобритания

Элизабет Луиза Виже Лебрен была одной из самых плодовитых художниц своего времени.Хотя некоторые из картин Лебрен включали в себя элементы неоклассического стиля, ее портреты в основном считались картинами в стиле рококо. Она считалась одним из самых известных художников рококо по ряду причин; помимо ее огромных навыков, она была ведущим художником-портретистом Марии-Антуанетты. В Автопортрет с Соломенной шляпой она нарисовала автопортрет, в котором ей удалось запечатлеть как непринужденную, так и аристократическую элегантность, изображая ее собственное художественное мастерство.

Эта картина блестяще демонстрирует элементы французского стиля рококо; свободные мазки, особенно заметные, когда смотришь на ее волосы; пастельные тона; и ее юношеское причудливое выражение лица.

Автопортрет в соломенной шляпе (после 1782 г.) Элизабет Луизы Виже Лебрен; Элизабет Луиза Виже-Лебрен, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Ее лицо мягко затенено, что открывает ее уверенный взгляд, направленный на зрителя. Ле Брун добилась нарочитой небрежности в своих картинах, изображая себя серьезным художником. На ее картину повлиял Le Chapeau de Paille Питера Пауля Рубенса.

В то время женщины-художницы в основном ограничивались рисованием портретов. За свое время Ле Брун создала более 220 пейзажных картин, и 660 портретов, причем некоторые из ее картин выставлены во всемирно известных музеях по всему миру. Она была одной из самых известных художниц в стиле рококо. Ле Брун преодолела множество препятствий, занимаясь карьерой, в которой доминировали мужчины, но она победила и стала одной из четырех женщин, официально принятых в Королевскую академию изящных искусств, что помогло ей стать одной из первых женщин, получивших международное признание.

 

Знаменитые картины в стиле рококо, о которых шла речь в этой статье, сохраняют свое значение и по сей день. В то время как список показывает нашу подборку 10 самых известных картин в стиле рококо, есть бесчисленное множество картин этого движения, на которые стоит взглянуть. Если вам понравилась эта статья, мы думаем, что вам могут понравиться и другие наши работы, и мы рекомендуем вам больше узнать о нашем веб-сайте!

 

 

Часто задаваемые вопросы

 

Что такое период рококо?

Период рококо был роскошным визуальным движением, которое зародилось в ок.1720 Париж и распространился по Франции и другим частям Европы, включая Италию, Германию, Россию и Австрию. Художники рококо этого периода сосредоточились на внимании к деталям, с его яркими сценами игривого ухаживания и экстремального досуга. Движение охватило большую часть 18 века. Слово рококо происходит от французского слова rocaille , означающего гальку или скалу, и относится к камням и ракушкам, которые использовались для украшения интерьеров гротов со времен Ренессанса.Термин «рокайль» использовался для описания декоративно-орнаментального стиля, который был представлен в картинах в стиле рококо.

 

Что повлияло на искусство рококо?

Движение рококо началось как реакция на более формальное величие и тяжесть стиля барокко, которое ему предшествовало, противопоставляя его тонкой легкости и причудливости. Король Людовик XV считался «вечным подростком», поэтому игривый характер французского рококо так подходил для его правления.Движение рококо стало синонимом неотразимой мадам де Помпадур, любовницы нового короля XV. Мадам де Помпадур олицетворяла собой сущность стиля рококо, и она стала ассоциироваться с этим движением, поскольку имела власть над всеми стильными вещами и была заметной покровительницей этого движения.

 

Каковы определяющие черты искусства рококо?

Движение рококо определялось использованием природных мотивов, изогнутых линий, мягких и пастельных тонов, а также тем, касающихся природы, игривости, беззаботного веселья, юности и любви.Художественные картины в стиле рококо характеризовались замысловатым орнаментом, пышным декором и асимметричным рисунком. Искусство рококо преувеличивало принципы театральности и иллюзорности.

 

рококо | История костюма

Значительный сдвиг в культуре произошел во Франции и других странах в начале 18 90 889 90 890 века, известного как Просвещение, которое ценило разум выше авторитета. Во Франции сфера влияния искусства, культуры и моды переместилась из Версаля в Париж, где класс образованной буржуазии приобрел влияние и власть в салонах и кафе.Таким образом, введенная новая мода оказала большее влияние на общество, затронув не только членов королевской семьи и аристократов, но также средний и даже низший классы. По иронии судьбы, самой важной фигурой, установившей моду в стиле рококо, была любовница Людовика XV мадам Помпадур. Она обожала пастельные тона и легкий, веселый стиль, который стал известен как рококо, а впоследствии стали популярными легкие полоски и цветочные узоры. К концу периода Мария-Антуанетта стала лидером французской моды, как и ее портниха Роза Бертен.Чрезвычайная экстравагантность была ее торговой маркой, которая в конечном итоге раздула пламя Французской революции.

 

Модные дизайнеры приобрели еще большее влияние в эту эпоху, поскольку люди изо всех сил пытались одеться по последним модным тенденциям. В эту эпоху появились журналы о моде, изначально предназначенные для интеллектуальных читателей, но быстро привлекшие внимание низших классов своими красочными иллюстрациями и последними новостями моды. Несмотря на то, что индустрия моды была временно разрушена во Франции во время революции, она процветала в других европейских странах, особенно в Англии.

 

В этот период разрабатывался новый женский силуэт. Корзины или широкие обручи, которые носили под юбкой, выходящей вбок, стали основным продуктом. Чрезвычайно широкие корзины носили на официальных мероприятиях, а меньшие – в повседневной обстановке. Талии были туго стянуты корсетами, контрастировавшими с широкими юбками. Глубокие вырезы также стали обычным явлением. Юбки обычно открывались спереди, обнажая нижнюю юбку или нижнюю юбку. Рукава Pagoda возникли примерно в середине 18 го века, были узкими от плеча до локтя и заканчивались расклешенным кружевом и лентами.В этот период было несколько основных типов платьев. У платья Ватто была свободная спина, которая становилась частью пышной юбки и облегающего лифа. Халат по-французски также имел обтягивающий лиф с глубоким квадратным вырезом, обычно с большими бантами спереди, широкими корзинами и был щедро отделан всевозможными кружевами, лентами и цветами. Халат à l’anglais отличался облегающим лифом с пышной юбкой, которую носили без корзин, обычно немного удлинняя сзади, чтобы сформировать небольшой шлейф, и часто вокруг выреза носили какой-то кружевной платок. Эти платья часто носили с короткими жакетами с широкими лацканами, созданными по образцу мужских редингот. Мария-Антуанетта представила сорочку à la reine (на фото справа), свободное белое платье с ярким шелковым поясом на талии. Поначалу это считалось шокирующим для женщин, так как корсет не надевался и была очевидна естественная фигура. Однако женщины ухватились за этот стиль, используя его как символ своего возросшего раскрепощения.

Женские каблуки стали намного изящнее с более тонкими каблуками и красивыми украшениями.В начале периода женщины носили волосы плотно прижатыми к голове, иногда припудренными или увенчанными кружевными платками, что резко контрастировало с их широкими корзинами. Однако волосы постепенно носили все выше и выше, пока не потребовались парики. Эти высокие локоны были искусно завиты и украшены перьями, цветами, миниатюрными скульптурами и фигурками. Волосы присыпали пшеничной мукой и мукой, что вызвало возмущение низших классов, поскольку цены на хлеб стали опасно высокими.

 

Мужчины обычно носили различные варианты одежды по-французски : пальто, жилет и бриджи.Жилет был самой декоративной деталью, обычно богато вышитой или украшенной узорчатыми тканями. Кружево жабо по-прежнему носили завязывая вокруг шеи. Бриджи обычно заканчивались до колен, под ними надевали белые чулки и туфли на каблуках, которые обычно имели большие квадратные пряжки. Пальто носили ближе к телу и не были такими юбочными, как в эпоху барокко. Их также носили более открытыми, чтобы продемонстрировать сложные жилеты. Шляпы Tricorne стали популярными в этот период, часто отороченные тесьмой и украшенные страусовыми перьями.Парики обычно носили мужчины, предпочтительно белые. Стиль мужских волос cadogan стал популярным в этот период с горизонтальными завитками волос над ушами. Французские элиты и аристократы носили особенно роскошную одежду, и их часто называли «макаронами», как показано на карикатуре справа. Низший класс ненавидел их открытую демонстрацию богатства, когда сами они были одеты не более чем в лохмотья.

Мода сыграла большую роль во Французской революции.Революционеры характеризовали себя тем, что патриотически носили триколор — красный, белый и синий — на розетках, юбках, бриджах и т. д. Поскольку большая часть восстания была совершена низшим классом, они называли себя санкюлотами , или «без бриджей». », так как они носили брюки рабочего класса до щиколотки. Это привело к тому, что бриджи до колен стали крайне непопулярными и даже опасными для ношения во Франции. Одежда стала вопросом жизни и смерти; беспорядки и убийства могли быть вызваны просто потому, что кто-то не носил трехцветную розетку, а людей в экстравагантных платьях или костюмах обвиняли в том, что они аристократы.

 

Эпоха рококо определялась, казалось бы, контрастными аспектами: экстравагантностью и стремлением к простоте, светлыми цветами и тяжелыми материалами, аристократами и буржуазией. Эта кульминация породила очень разнообразную эпоху в моде, как никогда раньше. Хотя это движение в значительной степени было прекращено Французской революцией, его идеи и основные аспекты сильно повлияли на будущую моду на десятилетия.

 

Читать полностью »

Рококо | История эротического искусства

Рококо – такой же специфический и привлекательный, как и его название, это сочетание искусства, политики, жажды страсти и похоти.Каждое из вышеперечисленных ключевых слов определяет направление в искусстве 18 века. Рококо,…

Подробнее

Рококо – такой же специфический и привлекательный, как и его название, это сочетание искусства, политики, жажды страсти и похоти. Каждое из вышеперечисленных ключевых слов определяет направление в искусстве 18 века. Рококо, от французского слова rocaille, что означает «украшение ракушек и альпинариев», также известное как «позднее барокко», является реакцией на само барокко.То, что предшествовало стилю рококо, в глазах художников было смертью для свободы самовыражения и источником всех художественных ограничений. Стремление Людовика XIV подчеркнуть свое господство и величие Франции проявилось в величественных и формальных произведениях французского искусства семнадцатого века. Барокко было «рабом» этого «прославляющего власть и политику» искусства, использовавшегося для выражения королевской помпезности.

Франсуа Буше | Геракл и Омфала (1735)

В 1715 году французский народ приветствовал своего нового короля; Людовик XV, пятилетний ребенок, сменил своего дедушку Людовика XIV, Короля-Солнце, который сделал Францию ​​превосходящей силой в Европе.Его жадность к великолепию и живости была безмерной, поэтому он отбросил преданность в Версале и строгое искусство, которое поддерживал и ранее использовал Людовик XIV для выражения власти короля. Франция двигалась в направлении, противоположном высшим желаниям, чтобы сосредоточиться на более личных и приятных интересах. По мере того, как политическая жизнь и личная этика ослабевали, изменения отражались в другом стиле мастерства, который был личным, светлым и часто эротичным. Возник стиль рококо.Начиная с декоративно-прикладного искусства, рококо подчеркивал бледные и тонкие цвета, изгибы и узоры, в основном покрытые мотивами цветов, виноградных лоз и ракушек. Художники обратились от грандиозности к экзотическим поверхностным удовольствиям теней и света, от глубоких религиозных и исторических сюжетов — однако они никогда полностью не игнорировались — к более личным легендарным сценам, перспективам повседневной жизни и живописи.

Антуан Ватто | Le Faux Pas (1717)

То, в чем художники пошли дальше всего в эпоху рококо, было освобождение от представления эротики по-другому, однако, очень смелое из них в этот период.Убегая от политических правил и рамок, рококо пробудило в людях страсть; не то чтобы люди раньше не были сексуально сознательны, но искусство дало им то, чего они не могли себе позволить, — свободу. Гордость, власть и фигура дамы, будучи синонимом королевской Франции, теперь стали синонимом и произведений стиля рококо. Эротика взята на высоком уровне; он не отображается только через чистую наготу, напротив, стиль рококо богат эротическими одеждами, и некоторыми обнаженными частями тела.Эротика – это символ страсти, похотливых и эмоциональных бурь, сексуальности, сексуальных желаний, мечтаний и фантазий. Эротика рококо — это тоска буржуазной француженки, толчок для мужского органа и оргазм для разума художника.

Этот художественный стиль остроумен и хитер; с одной стороны — невинность и простота французской жизни, показанные пастельными тонами и использованием утонченных, разочарованных орнаментов, а с другой стороны — «сладкая развратность». Мы не видим Содома и Гоморры во главе с куртизанками, царскими слугами и иждивенцами; так отчетливо стиль рококо дает нам картину тихой, мирной Франции.Если мы пойдем немного глубже и дальше, мы сможем понять, что пастельные тона и пудровые розы, возможно, являются символом обнаженной женской кожи. Пышные сады и фонтаны – это великолепие женщины, скрытое под длинными бальными и маскарадными платьями.

Франсуа Буше | Блондинка-одалиска (1752)

Золотая тройка рококо — художники: Антуан Ватто, Франсуа Буше и Жан-Оноре Фрагонар — единственные трое, взглянувшие на барокко в лицо и вместо того, чтобы следовать королевским условиям, приняли эротизм как свою вечную любовь . Смелость Ватто видна в картинах праздника Галанте, в которых он показал игровую и эротическую сторону французской аристократии. Хорошим примером «одетой эротики» является его картина Le faux pas (1717), кричащая о сексуальном желании, страсти, соблазнении и любви.

Буше был эротическим «вестником» в стиле рококо.

Ему нравилось рисовать женское тело таким, какое оно есть; соблазнительные, буйные и голые. Через изображение своих знакомых женщин или жены Буше выражает женственность и страсть.

Жан-Оноре Фрагонар | Качели (1767)

В конце концов, Фрагонар умел играть с умом и глазом потребителей своего искусства; «Качели», его самая известная работа, показывает, казалось бы, обычный день французской буржуазии. Женщина наслаждается качелями со своим слугой, а перед ней лежит мужчина, взгляд которого устремлен ей под юбку. Этот прикрытый эротизм щекочет воображение; что таится в умах двух влюбленных? Многие игры «кошки-мышки» используются в искусстве рококо. Пастельные тона, красивые сады и пышные цветы покрывают тогдашние эротические развлечения. Причудливая политическая хитрость и стремление к власти сменились тогда жаждой страсти и раскрытия сексуальных секретов.

Французская история моды и костюма 18 века. Эпоха рококо.

Дама в юбке-кольце, 1780 год.

История моды восемнадцатого века.

Эпоха рококо

К концу XVII века развитие европейского костюма в истинном смысле этого слова достигло высшей точки.Начиная с этого периода размеры на какое-то время были меньше. Парики были не такими высокими, отделка различных предметов одежды была менее либеральной, пальто стало фраком.

При Людовике XVI в моде появились, казалось бы, новые направления, но изменения коснулись больше орнамента, чем общего кроя. Развитие в области одежды тоже, казалось, стремилось к революции. Но этому предшествовал еще один период, который, с чисто художественной точки зрения, произвел моды с большим очарованием и разнообразием, ранее неизвестным (1700–1790). В сфере моды лидерство Франции было так же непреклонно, как и в сфере политики.

Всякая новинка, правда, пробивалась, но медленно и не всегда одновременно в разных местах. Решающее значение в этом вопросе имела удаленность от Парижа. Города в районе Рейна часто на годы опережали крупные города, такие как Вена или Берлин. Именно появление модных тарелок способствовало более быстрому распространению.

Они начали появляться с 1770 года в Париже.Затем, примерно с 1786 года, через равные промежутки времени приходили такие газеты, как Journal des Luxus und der Moden (Журнал о роскоши и моде), рассылаемый Бертухом в Веймаре.

Табличка V. Жилет с рукавами для домашнего платья, ок. 1720 г.

Франция Мужское платье 1700-1750 гг.

Первое важное изменение коснулось парика, который носят мужчины. С начала восемнадцатого века парики стали намного меньше. Главной движущей силой этого изменения была армия. Большие парики оказались неудобными для верховой езды, боев и других активных упражнений, и кавалерийские офицеры попытались преодолеть неудобство, завязав длинные пейсы лентой. Немецкие офицеры сочли этого достаточным и, таким образом, ввели моду на косички (см. Таблицу V), но французские офицеры завязали концы парика и засунули их в небольшой шелковый мешочек, который можно было застегнуть наверху, и, таким образом, изобрели прическу. сумка, le crapaud .

Табличка VIII. Пальто и шелковое платье. Около 1730-1740 гг.

В 1700 году парики уже не носили, как несколько лет назад, двумя большими массами локонов спереди, а третья масса ниспадала на спину.

Локоны теперь были одинаковой длины и распределены по всей окружности, на груди, плечах и спине (см. Фото VIII). Задняя часть была разделена на две части, каждая с узлом на конце. Позже они приняли форму двух длинных ожидающих очереди . Эта мода стала повсеместно популярной и сохранялась у престарелых придворных до времен Людовика XVI. Однако он снова вышел из моды к 1720 году, когда парики стали намного меньше.

Рис. 407.Бриджи.

Бриджи также претерпели важные изменения. Когда мужчинам надоели широкие «отстойники» или панталоны (около 1660 г.), кюлот , надетый под них, снова вошел в свои права. Он был все еще очень широким и завязывался ниже колен шнурком. Но так как верхняя часть чулок теперь натягивалась поверх бриджей — практика, которую затрудняла форма штанин бриджей, — бриджи стали намного теснее в коленях. Через несколько лет вся нога стала намного туже.Этому изменению штанов способствовало значительное усовершенствование их покроя около 1700 года (см. рис. 407). Необходимая ширина у сиденья получалась за счет выдвижения спинки вверх. С конца шестнадцатого века переднее отверстие — la bavaroise — застегивалось на пуговицы, и теперь это расположение применялось к застежкам на коленях, которые также теперь застегивались на пуговицы.

Рис. 408. Жилет из желтой парчи с цветочным орнаментом, ок. 1700 г.

Пойнт опять сделали более тугим, и застегивали либо вообще, либо от талии вверх. Общий крой не изменился, но в последующие годы произошли другие изменения. Талия варьировалась по длине; манжеты были либо широкие и открытые сзади, либо узкие (открытые или закрытые), либо очень широкие и закрытые. *) Пуговицы сюртука, сюртука и жилета (который был похож на сюртук и спускался до колен — см. рис. 408) были довольно большими и стали важным предметом торговли во Франции и Англии. .

*) Манжеты, застегивающиеся сзади, обычно назывались pavements en pagoda, что указывает на предпочтение китайских моделей.)

Рис. 409. Жилет с рукавами (смокинг) из медно-красного бархата, первая половина XVIII в.

К середине века их стали делать из козьей шерсти или шелка, а позже из металла. Золотая или серебряная отделка и шитье теперь не использовались так широко, как при Людовике XIV, но они появлялись в тех же местах, что и в его время, — на краях сюртука спереди, в разрезе сзади, на спине и по всему периметру. клапаны карманов и края манжет.Материал и цвет обшлагов были такими же, как и подкладка пальто, а теперь в большинстве случаев и жилета. С 1730 года подкладка больше не выходила за большие отвернутые назад манжеты, а ограничивалась только манжетами. Охотничьи и верховые пальто в основном были без отворотов. (См. рис. 410.)

Рис. 410. Охотничий кафтан из желтой оленьей кожи с чеканным орнаментом, первая половина XVIII в.

Ленточные бантики на правом плече мундира, называемые аксельбантами и первоначально предназначенные для удержания портупеи, были оставлены в качестве украшения, хотя теперь от них не было никакой пользы; они спускались четырьмя длинными концами до локтей.После 1725 года они постепенно вышли из моды.

Придворные костюмы. Царствование Людовика XV, 1745 год.

Привычка по-французски.

Только что описанный костюм назывался l’habit à la française . Людовик XIV добавил к нему в качестве придворного платья богато отороченный наплечный плащ, похожий на испанский, доходящий до колен. Около 1730 года этот костюм претерпел важные изменения. В подражание женским фартингалам в полы мужских пальто вшивали стержни из китового уса, чтобы удлинить их.

Придворный Людовика XV в одежде по-французски.

В то же время жилеты от талии застегивались всего на несколько пуговиц, так что le jabot, или кружевная оборка, окружавшая ворот рубашки, была выставлена ​​напоказ. Он был той же ширины и узора, что и манжеты. Появление жабо вытеснило из моды длинные, свисающие, богато вышитые концы муслинового галстука. Галстук с более короткими концами также вскоре был вытеснен галстуком, завязанным сзади узлом и украшенным спереди бриллиантовой булавкой.Эти галстуки также обычно были из белого муслина. Только военные носили поверх них еще один шейный платок из цветного шелка (красного или черного), из-за которого над ним выглядывала узкая полоска нижнего белого.

Во второй половине XVII века французы переняли одну из голландских мод. Для верховой езды углы фалд выворачивались наружу и застегивались на пуговицы или крючки. Другие народы заимствовали эту практику у Франции, и она стала универсальной около 1700 года.Покрой пальто не изменился, а юбки ничуть не заострились. Этот фасон пальто повсеместно был принят военными, и это привело к созданию в Англии пальто для верховой езды — « frock ».

Рис. 414. Верхнее пальто Rockelaure, примерно середина восемнадцатого века.

В непогоду надевали шинель с карманами и маленькую накидку. Он был застегнут и назван в честь своего изобретателя, герцога Роклорского.(См. рис. 414.) Одеждой для путешествий был длинный плащ в форме колеса. Для утреннего туалета джентльмены носили что-то вроде свободного халата. Он был сделан из бархата или шелка, на шелковой подкладке и завязывался на талии лентами. Под ним был надет жилет из того же материала (см. фото X).

Табличка X. Домашнее пальто для дома и жилет с рукавами. Около 1750 года.

Головной убор представлял собой высокий «ночной колпак» из шелка. Сумка для волос, le cracped, поначалу предназначалась только для повседневного ношения.Для церемониальных или придворных мероприятий джентльмены должны были появляться с зачесанными назад волосами, скрепленными лентой, свисавшей с плеч. Военные, особенно в Пруссии, носили жесткие косички. Передние волосы были зачесаны назад, а по бокам завиты в локоны. Сначала в моде были три-четыре завитка с каждой стороны. Позже их было всего два, и около 1790 г. они были преобразованы в небольшие, слегка выпуклые тупеты, или пучки, называемые ailes de pigeon (крылья голубя).

Когда эта мода вошла в моду, волосы надо лбом были собраны в пучок, но впоследствии и они приобрели форму заостренного парика, называемого vergette à la chinoise (китайская щетка для пыли). Из-за этой художественной прически нельзя было носить треуголку; его носили в руке или под мышкой. Он был низко в макушке, и поля больше не торчали вверх. У этой шапки-ба не было плюмажа, только отделка из золотой или серебряной тесьмы. Чулки теперь носили не поверх галифе, а под ними.Их защищали облегающие полотняные гетры — хауссо. Полная одежда включала трость и меч. Последний был настолько популярен, что его использование регулировалось установленными правилами. Лакеям, слугам в ливреях, торговым ученикам, музыкантам и поварам запрещалось носить его.

Женское платье 1750.

К середине восемнадцатого века женский костюм претерпел еще большие изменения, чем мужской. Путь для них был подготовлен в царствование Людовика XIV.Платья снова поддержал фартингейл, вышедший из моды за столетие до этого. Это выделялось вокруг владельца в форме колокола. Фонтанчик, или пучок волос, вскоре полностью исчез, и его место заняла простая, но высокая прическа из кудрей. Новый фартингейл, поначалу не очень широкий, представлял собой каркас из обручей из тростника, китового уса или стали, скрепленных между собой веревками. Из-за сходства с корзинами, в которых во Франции держали домашнюю птицу, их называли паньерами, или корзинками для кур.

Фартингейл

Уже при Людовике XIV фартингейл стал расширяться. Наибольшей ширины он достиг примерно в 1725 году, когда самые нижние обручи часто были 5 или 6 метров в окружности, а самые верхние — 3 метра. С каждой стороны верхнего обруча были закреплены два полукруглых куска стали, чтобы предотвратить внезапное расширение юбки и сохранить ее полукруглую форму. Хотя это был обычный стиль фартингейла, существовали различные его незначительные модификации.

Окружность разная; фартингейл иногда был слегка сжат к спине.Эти модификации носили разные названия, как, например, la culbute, le bout-en-train, le tatez-y и т. д. Все виды были крайне неудобны и часто доставляли своим владельцам затруднения не только на улицах, но и в вагонах и при перевозках. проходили через двери. Они занимали место трех-четырех человек, и женщинам приходилось извиваться и поворачиваться, чтобы избежать препятствий.

Несмотря на это, мода так быстро распространилась, что в начале царствования Людовика XIV женщины всех стран, от принцесс до работниц, носили этот своеобразный наряд, и на женщину без фартингейла смотрели свысока.Появление фартингейла сначала не вызвало никаких изменений в платьях, надетых поверх него, но когда оно стало увеличиваться в окружности, длинное, ниспадающее платье, открытое спереди и собранное сзади, перестало быть подходящим платьем. Так что сборка сзади была опущена, шлейф убран, а платье всячески затянуто кулисками. Единственными изменениями в нижнем белье были большая ширина и более свободная отделка. Около 1700 года появился новый стиль украшения из китового уса, проложенного вдоль и поперек.Сделано так, чтобы ребро выступало.

Дополнительная литература

Для изготовления этой кромки грубая льняная подкладка была вырезана на несколько сантиметров уже у стопы, чем материал, покрывающий корсет. При ее пришивании края материала загибались вверх. Сзади и спереди английский корсет имел широкие шнурки, которые пропускались поверху юбки, чтобы держать ее внизу, а узкие шнурки сбоку были спрятаны под юбкой. В передней части этого корсета, в верхней части подкладки, как и в переднем нагруднике (la piece) французского корсета, был сделан небольшой карман для душистых трав.И французский, и английский стили шнуровались от стопы вверх.

Контуши

«Туалетная» Франсуа Буша, 1742 г. Контуши.

Незадолго до смерти Людовика XIV дамы стали носить широкие верхние платья. Они напоминали длинные плащи с рукавами, без какой-либо выкройки на талии; они свисали от плеч до ступней, постепенно расширяясь книзу. Их называли контушами. Они были открыты спереди, и их носили как дома, так и на улице.Они были шелковые или шерстяные и застегивались — иногда только на груди, а в других случаях вплоть до ступни — бантами из широкой ленты.

Эти контуры носили настолько повсеместно около 1730 г., что едва ли можно было увидеть какой-либо другой стиль одежды. Еще одним популярным материалом для них была белая или розовая тафта. Молодые девушки носили поверх платья из тафты сильно контрастного цвета газовую или вышитую муслиновую ткань.

Мадам де Помпадур в контуше, 1746 год.

Короткие контуши, доходившие до колен и носившиеся только в помещении, были популярны в Германии и были известны как казацкие.Как и более длинные контуры, они были с вырезом на шее и оторочены узким кружевом. В этом отношении, а также по стилю рукавов они напоминали другие платья, которые носили в то время.

Графиня дю Барри в Contouche 1770 (также Andrienne, Adrienne, Schlender, Robe battante, Robe volante, Robe invine oder Robe à la française).

Около 1740 года контуш был сделан с подкладкой в ​​виде облегающего лифа. Оно было пришито к платью только спереди; спина соединялась с ним только у шеи.Остальная часть платья свободно спала, как и прежде. Задняя часть подкладки из грубого полотна была скроена цельным куском и лишь немного укреплена китовым усом. Передняя часть была похожа на корсет со шнуровкой сзади. Покрой у него был такой же, и он тоже имел жесткость из китового уса. Передняя часть была разделена посередине и устроена для шнуровки. Этой застежки, однако, не было видно, потому что соответствующая часть платья была натянута поперек подкладки и пришита близко к отверстиям для шнурков, оставляя столько края, сколько было необходимо, чтобы скрыть кружевную часть.

Аббат. Слуга в Контуше. Вторая половина 18 в.

Этот предмет одежды, который в остальном был точь-в-точь как контуш, назывался в Германии Schlender . Иногда передняя часть лифа была полностью отделена от юбки и вырезалась как нижняя часть лифа. Затем юбку пришивали к нижнему краю спинки и плиссировали. Это придавало Schlender точно такой же внешний вид, как обычный халат.

Халат Ронде

Около 1750 года фартингейлы сильно уменьшились в размерах.В то же время контуш постепенно выходил из моды. Его место заняла мантия, или платье, называемое robe ronde, распахнутое ниже талии. Это платье было чем-то принципиально новым. Под лиф теперь редко надевали отдельный корсет, потому что подкладка халата была практически корсетом. Застежка лифа этого robe ronde всегда была впереди и была то ли как у Schlender, то ли Sleeker, то ли piece. В последнем случае крой материала и расположение китового уса в подкладке были скопированы с французского корсета.Материал и отделка нижнего платья, которое носили с рондом халата, всегда были точно такими же, как и у халата.

К середине века женщины стали носить в качестве утреннего туалета одежду, напоминающую контуш, из тонкой белой материи и отороченную воланами. Примерно в то же время вошло в моду надевать на утренний туалет разного рода пудреницы и халаты. Поскольку контуш был таким же декольтированным, как и все остальные платья, с ним носили различные виды шейных платков.Излюбленным фасоном был небольшой треугольный фоллет из черного или цветного шелка. Аналогичными были палантины (палантины) — большие шейные платки из марли, крепа или кружева, обшитые кружевом и застегивавшиеся спереди серебряной тесьмой или пуговицами. Для зимнего ношения палантин сохранял свою прежнюю форму накидки и был либо из бархата, либо из меха, либо из коротких черных или белых перьев.

Ювелирные изделия 18 века.

Приблизительно до 1750 г. некоторые женщины все еще носили мантилью, короткий плащ из бархата, тафты или кружева с оборками из того же материала или небольшими рюшами из марли.

Длительное использование пучков волос (фонтанжей), задняя часть которых представляла собой шапку, закрывающую голову, приучило женщин среднего класса скрывать часть своих волос, и теперь они не желали отказываться от этой практики. Поэтому с появлением низких причесок, при которых светские женщины не носили головного убора, женщины среднего класса изобрели различные чепцы и прически, которые носили как дома, так и на улице. (Таблица VI.)

Табличка VI. Овчарка в стиле рококо около 1730 года.

Они были из белой марли или другого тонкого материала и были отделаны кружевом и лентами. Одни из них были сделаны на проволочном каркасе, другие не имели такого основания. Самыми популярными были dormeuses, или неглиже. Некоторые из них доходили до глаз; другие оставляли открытым не только лоб, но и часть волос. Стиль зависел от цели, которой они должны были служить.

Примерно до 1750 года изменения ограничивались платьем, прической и головным убором.Обувь осталась прежней, а тапочки носили в помещении по-прежнему. В непогоду поверх обуви надевали галоши. Однако привычные зеленые шелковые чулки с розовыми ластовицами уступили место белым. Женщины продолжали пользоваться косметикой и косметическими пластырями, но маски больше не носили. Перчатки теперь были не только из кожи или шелка, но и, начиная с 1740 года, из шелковой сетки. Без фанатов не обойтись. Нити жемчуга теперь носили не так часто, зато бриллианты были в моде.

Во второй половине восемнадцатого века мода претерпела полное изменение.Преобладало ощущение, что старые стили стали невозможными, и предпринимались попытки их улучшить, когда разразилась Французская революция и принесла глубокие изменения.

Франция Мужское платье 1750-1790

Первым результатом попытки создать более простой, практичный и удобный стиль одежды было значительное уменьшение украшений и значительное уменьшение ширины мужской одежды. На смену широкой отделке и богатой вышивке на сюртуке и жилете пришли узкая тесьма и простые гиранды.Отвернутые манжеты едва доходили до середины предплечья и прилегали к рукавам.

  • Маркиз в царствование Людовика XV 1740
  • Дворянин в царствование Людовика XV 1740

Однако самое заметное изменение в пальто произошло примерно в 1770 году. концы передней части пальто были срезаны, в результате чего получился новый стиль, le frac , или пальто с ласточкиным хвостом. В остальном это напоминало justaucorps, известное как привычка по-французски, но в то время как последний был без воротника, у первого всегда был небольшой воротник-стойка, le collet .Поскольку Людовик XVI носил этот новый стиль, он вскоре стал универсальным и в 1780 году стал признанным придворным платьем вместо привычки по-французски. Жилет также был укорочен и обрезан, как и пальто, так что роскошная вышивка вынужденно ограничивалась узким кантом. Примерно с 1780 года жилет постепенно вытесняется жилетом. Это было скопировано с английского жилета без рукавов. Он доходил до живота и был совершенно прямым в ногах, без хвоста и юбки.

В отличие от жилета задняя часть жилета была из того же материала (хотя и более низкого качества), что и передняя часть; он был приспособлен для шнуровки до лопаток.Благодаря этой ложной спинке и отсутствию рукавов была большая экономия материала; это также было реализовано в жилете с коротким передом. Эта промежуточная одежда — наполовину жилет и наполовину жилет — называлась жилет-весте, или вестон. Вскоре жилет-тельняшка и жилет полностью вытеснили собственно жилет, и название «вестон» применялось к обоим.

Вышитый фрак и жилет с юбкой были придворной одеждой во Франции до падения монархии, но с 1788 года обильные украшения исчезли.Это упрощение придавало фраку вид frac habillé, который до сих пор был просто одеждой, которую носили на балах или при утренних визитах к знатным особам. Вместе с фраком никогда не надевали жилет, а всегда жилет или гирлянду вместе с шпагой. В целом, однако, мечи перестали носить с тех пор, как были приняты английские ласточкины хвосты и круглые шляпы. Вместо этого джентльмены носили испанскую трость с большим набалдашником в круглой шляпе.

Одежда Нижнего мира по-прежнему состояла из длинных шелковых чулок и бриджей ниже колен, где они не только застегивались, но и застегивались пряжкой и ремешком. Наряду с фраком и жилетом Франция также приняла другой (английский) стиль бриджей, который также стал широко использоваться. Вместо переднего отверстия на пуговицах у них был довольно широкий клапан, le pont или la patte; они поддерживались плечевыми подтяжками les bretteles. Пряжки для обуви теперь были намного больше, чем те, которые носили раньше.

Маркиза в царствование Людовика XV, 1740 год.

Франция Женское платье 1750

В последние годы правления Людовика XV женская одежда почти не изменилась. В 1750 г. фартингейл стал уменьшаться в размерах, а около 1760 г. его заменили многочисленные жесткие нижние юбки. Примерно в это же время раскопки в Греции привели к введению греческой моды — à la Grècque — но главным образом это коснулось парикмахерского искусства. Единственной другой новинкой была одежда, которая представляла собой наполовину плащ, наполовину пиджак.Шея спереди была ниже, чем раньше, но сзади становилась все выше и выше.

Греческая мода вскоре перестала влиять на одежду, но греческие прически продолжали развиваться. На голову наматывались шифоны, т. е. широкие полоски марли, различными способами прикрепленные к волосам. Около 1772 года волосы стали укладывать все выше и выше, пока расстояние от подбородка до макушки волос не стало часто достигать 70 см. или больше. На макушку этой массы волос были надеты три страусиных пера и бант, завязанный каким-то украшением.Также использовались жемчуг, цветы и эгреты. Диспропорция между ростом дамы, увеличенным из-за огромной прически, и уменьшенным обхватом из-за исчезновения фартингейла была настолько велика, что вызвала недовольство Марии-Антуанетты, и после восшествия на престол ее мужа в 1774 году ее первым шагом было вновь ввести фартингейл при дворе. Однако она придала ему форму, которой он еще никогда не имел.

Он расширялся только по бокам и был максимально прямым спереди и сзади.Каркас был сделан из железных ребер, 1 см. в ширину и 1 мм. толщиной, обтянутый тонкой кожей. Он состоял из нескольких частей. Главными из них были два довольно длинных стержня, слегка отогнутых наружу, скрепленных на концах с обеих сторон тремя обручами, диаметр которых был пропорционален обхвату носителя. Эти три обруча с каждой стороны были так шарнирно соединены друг с другом и с двумя длинными стержнями, что их можно было поднимать и опускать по желанию. При опускании два нижних обруча находились в одной горизонтальной плоскости со стержнями.Льняные ленты, прикрепленные к обручам, удерживали их на надлежащем расстоянии друг от друга, и когда самый нижний обруч был опущен, два других практически делили пространство между самым нижним обручем и талией пополам. Другие ленты, одни шли к обручам, а другие к стержням, соединяли каркас с поясным ремнем.

Этот фартингейл надевался так, чтобы стержни доходили примерно до середины корпуса или чуть ниже, и с этой высоты юбка ниспадала перпендикулярно в обе стороны. Несмотря на ширину этого каркаса, дамы могли по желанию уменьшить его почти до своего естественного размера, потому что петли позволяли поднимать выступающие обручи и платье до тех пор, пока их можно было при необходимости поддерживать на плечах.Узкие улочки и дверные проемы теперь не пугали дам, одетых таким образом. Поскольку эти фартингейлы выглядели так, как будто их единственная цель состояла в том, чтобы поддерживать локти, их называли à coudes. Красивый пример показан ниже.

Мария-Антуанетта 1783. Юности Марии-Антуанетты.

Этот фартингейл постепенно стал широко использоваться и оставался общепринятой формой придворной одежды вплоть до времен Французской революции. Для повседневного ношения он начал уменьшаться в размерах примерно в 1780 году и почти полностью вышел из моды примерно в 1785 году.При дворе примерно в то же время реже встречались чрезмерные размеры. Наконец, его надевали только в торжественных случаях.

Одежда 1780 г.

Поверх обручей надевалась нижняя юбка (юбка без корфа), le jupon. Его длина варьировалась в зависимости от моды того времени. По бокам он был длиннее, чем спереди и сзади, причем дополнительная длина равнялась расстоянию от талии до крайнего конца обручей. Она не имела складок спереди и очень мало сзади, где располагалась щель, но по бокам она была настолько полной, что могла пройти через обручи, совершенно не растягиваясь. Поверх него было надето платье le manteau. Он состоял из облегающего корсажа с декольте, корсажа с узкими рукавами до локтя и юбки с открытым передом и шлейфом. (См. также: Фартингейл. Корсет и кринолин.)

Дополнительная литература

Спинка лифа манто была сделана из шести полос, в каждую из которых с двух сторон, вплотную к стыковочным швам, вставлялся кусок китового уса. В переднюю часть также вшивали несколько стержней из китового уса.

Устройство для шнуровки лифа находилось в подкладке и было скрыто ниспадающей на него полоской материала.Рукава были расположены двумя небольшими складками, идущими вверх и назад. Длина юбки, или ля очереди, этого манто не равнялась сантиметру. перед, 125 см. сзади 122 см. с каждой стороны. Ширина составляла семь панелей по 47 см каждая. широкий. Юбка пришивалась сзади прямо к лифу, а сзади от бедра вперед прикреплялась к прочной тесьме, которая спереди застегивалась. Шитье было сделано так, чтобы распределить складки и разместить по одной на каждом шве лифа. Внутри юбки находились четыре равноудаленных ряда маленьких латунных колец, идущих сверху вниз на расстоянии 25 см.отдельно. Через них были пропущены завязки, которые позволяли владельцу поднимать и драпировать юбку по своему желанию.

Иногда юбку манто вырезали гораздо шире. В этом случае полотнище спинки вырезалось за одно целое со средним полотнищем спинки лифа, которое затем слегка подгибалось на талии. Усы сзади распределялись, как и в предыдущем случае, но юбка не пришивалась прямо к лифу. В некоторых случаях заднее полотнище юбки доводилось на всю ширину до горловины лифа и укладывалось там несколькими глубокими складками.Края были пришиты к подкладке. Эта одежда очень напоминала одежду Шлендера, которую носили в первой половине века. Он был фаворитом художника Ватто в начале века и оставался неизменно популярным в течение почти семидесяти лет. Передние края юбки манто не доходили до застежки лифа, так что были на 20 см. или больше, обнажая нижнее платье спереди.

Пальто. Людовик XV.

Изображение вверху: Моды су Людовика XV 1715-1774 гг.

Горловина лифа манто, как правило, была закрыта кверху, так что перед — Sleeker, la piece — был нужен редко. Верхний край корсажа был отделан галуном умеренной ширины, а прямо спереди был большой бант из цветной ленты или ромбовидная застежка. Узкие рукава, из которых длинные кружевные повязки спускались до предплечий, доходили по крайней мере до середины плеча и были разнообразно украшены на концах. Передние края юбки, которая иногда была на подкладке, имели отделку, как и рукава.Сама юбка либо ниспадала прямо к ногам, либо собиралась до колен в очень большие складки, которые неплотно заполнялись бумагой для сохранения мешковатой формы. Нижняя юбка, которая могла быть похожа или не похожа на манто по материалу и цвету, была обильно украшена своим собственным материалом или кружевом, шелковой лентой или даже полосками меха.

Аналогичное разнообразие было показано в стилях орнамента, наиболее распространенными из которых были воланы, воланы и особенно гладкие складки, называемые en platitude, прикрепленные к юбке либо прямыми линиями, либо большими или меньшими изгибами. Часто использовались и так называемые «пластиковые украшения». Это были куски материи, обшитые ватой и пришитые кривыми и венками. Потребность в более теплой одежде удовлетворялась за счет ваты и стеганых материалов. На подкладку из прочного льна укладывали тонкий слой ваты. Поверх ваты накладывался шелковый материал, который затем тонкими стежками через вату пришивался к подкладке. Сшивание было таким, что получались красивые узоры, покрывающие все платье нитевидными линиями — узор, который можно увидеть на ватных корсажах семнадцатого века и на камзолах шестнадцатого века.Он назывался матлассе.

Мода до 1780 года.

Манто пользовалось большей популярностью, чем широкий фартингейл, ибо даже после того, как последний вышел из моды, манто в почти неизменном виде продолжали носить с разрезами. На самом деле, даже в более поздние времена он изменил только свое название, поскольку все новые формы одежды, появившиеся примерно в 1790 году, были скроены по линиям этой одежды. Когда вскоре после 1780 года фартингейл постепенно исчез, его место заняли небольшие подушечки или подушечки, называемые карманами, застегивавшиеся на бедрах. Это продолжалось недолго. На смену им пришла довольно большая подушка, le cul, названная так по материалу (cul de crin), из которого она была сделана. Немцы назвали его cul de Paris, в честь города, где он был впервые представлен. Юбка, которую носили с набедренными подушечками и задником, обычно была складчатой ​​по всему периметру и доходила до ступней. С другой стороны, платье le manteau снова имело шлейф, тогда как при ношении с фартингейлом оно было собрано или заправлено. Иногда лиф также был сделан из материала, отличного от материала юбки.В таком случае юбку называли un tablier.

Несмотря на некоторые немаловажные изменения в крое, лиф после отделки сохранил прежнюю форму. Спинка теперь была вырезана цельным куском, но стала значительно уже у ступни, чем раньше. Он также был менее широким спереди. Между передом и спинкой была вставлена ​​боковая часть. Как и прежде, застежка лифа находилась на подкладке и была скрыта краем плательного материала. Китовых усов было меньше, чем раньше: два близко друг к другу сзади, по одному в середине каждой боковой детали, по одному на каждом шве, соединяющем спину и бока, и по одному на каждом краю шнуровки спереди. Горловина этих корсажей была еще очень низкой спереди, и поэтому, подражая общей практике англичанок, около 1790 года стало модным прикрывать бюст.

Миниатюрный халат с вырезом и декольте, 1780 год.

Это делалось с помощью большого треугольного куска тонкой белой ткани, называемого фишю, который надевался либо под лиф, либо поверх него. В последнем случае его перекрещивали на груди и завязывали сзади большим бантом. Как правило, фишю устраивали так, чтобы оно лежало спереди как можно свободнее, и для этой цели иногда применяли гнутые рамы.Их называли тушками, но французы дали им прозвище тромперы, или наставники. Англичане называли их «лжецами». Немецкое имя было Люгнер. Их использование, однако, не ограничивалось женщинами с бюстами; их носили и женщины с безупречными очертаниями.

Около 1790 года стали очень модными отдельные предметы одежды, похожие на жакеты. Они назывались карако и были, как правило, облегающими. Большинство разнообразных фасонов (которые вскоре снова вышли из моды) назывались жакетами, а название карако стало применяться только к фасону, напоминавшему мужской фрак. Это пользовалось большим успехом у немецких женщин, которые позаимствовали это у англичанок. Француженки предпочитали более простую форму карако.

Лифы. Людовик XV.

Лиф нижнего платья, поверх которого надевали карако или платье, закрытое только сверху, всегда был из того же материала, что и юбка, к которой он относился. Это было максимально близко. Сзади он был зашнурован, а спереди и по бокам укреплен китовым усом. Однако чаще всего нижнее платье было без корсажа.Вместо него был надет легкий корсет; его скрывал широкий перед, la piece d’estomac, из того же материала, что и платье. Этот перед был либо зашнурован, либо иным образом прикреплен с обеих сторон к халату или карако, так что халат также плотно прилегал к телу. В одном стиле карако нагрудник пришивался к верхнему платью и застегивался спереди, так что он выглядел как жилет.

Следуя моде, которая была распространена в Англии около 1786 года, женщины стали носить вместо верхней одежды легкий корсет, который немцы называли Mieder. Обычно это была черная тафта с белой подкладкой; у него был длинный козырек спереди и сзади, как лиф платья. Оно было укреплено китовым усом на расстоянии ладони друг от друга и обшито белым шелком. Эти корсеты либо завязывались сзади, либо застегивались спереди. В последнем случае края были на расстоянии четырех пальцев друг от друга и скреплены широкими матерчатыми лентами и стальными пряжками.

Около 1780 года стало модным надевать поверх элегантного костюма, который носили в помещении и на улице, включая короткое верхнее платье, известное как фурро-а-таблье (фартук или фартук).Он был из какого-то тонкого белого материала и был обшит широкой оборкой, называемой фалбала (воланы или меховые нити). Эти таблиры, как правило, были очень широкими и почти такими же длинными, как платье. На них были пришиты два больших кармана. Мода продержалась всего несколько лет.

Обувь и шляпы. Людовик XV.

В холодное время весны и осени дамы носили накидки — короткие накидки из шелковой материи, обшитые по всему краю воланами из той же материи или кружевом. Они были так широки посередине, что полностью закрывали спину владельца; они сужались к фронту.Концы были достаточно длинными, чтобы доходить до колена. Изготовленные из бархата и отделанные лебяжьим пухом или мехом, их носили даже зимой, но более привычной зимней одеждой были настоящие меха, называемые накидками.

Они различались по стилю, но обычно были короткими и очень широкими; они были снабжены широкими рукавами половинной длины.
Прическа, которая ко времени восшествия на престол Людовика XVI уже была очень высокой и включала в себя множество украшений, продолжала расти в высоту и должна была поддерживаться проволочными каркасами и разного рода подкладками.В 1778 г. она часто превышала 50 см. в высоту, а украшения включали марлю, жемчуг, ленты, мишуру, перья и цветы. Боковые кудри прежних дней все еще сохранялись иногда длинными, а иногда собранными ниже ушей, в то время как длинные волосы сзади либо свободно падали вниз с завитыми концами, либо половина их была зачесана вверх и уложена шиньоном. Эти два параллельных стиля получили название cheveux à la conseillère, поскольку они были основными стилями, на которых парикмахеры основывали все свои изменения.

Все исторические события, явления природы, мотивы из мифологии, даже события дня давали предложения для женских причесок и описательных имен. Один стиль носил название прически а-ля флоре — в нем корзинка с цветами располагалась на круто поднимающейся массе волос. Прическа à la victoire означала венок из лавровых или дубовых листьев. Дамы даже носили галантные партеры или кушетки из волос. Эта изобретательность не ограничивалась парижанками. У них были достойные соперницы в лице женщин Лондона, Берлина, Санкт-Петербурга.Петербург, Вена, Лейпциг, Дрезден, Геттинген и Франкфурт-на-Майне. Событие большого значения для парижанок произошло в 1785 году. Королева, только что родившая ребенка, лишилась своих великолепных светлых волос, которые сделали этот цвет модным и стали причиной того, что он стал называться cheveux de la Рейн. Ее парикмахер подстриг оставшиеся волосы довольно коротко, чтобы ввести новый стиль, la chevelure à l’enfant. Однако это не повлияло на прически немецких и английских женщин.Даже в Париже продолжали носить вариации прически, и вскоре cheveux à la conseillère, или прическа à l’urgence, как ее также называли, снова стала основой для множества других стилей.

Хотя эти стили причесок превосходили по размеру и разнообразию предшествующие им, признаки изменения вкуса уже были заметны. Накопленные массы волос начали терять свою популярность, и теперь женщины завивали свои волосы и укладывали их по новой моде, называемой хериссон, или стилем «ежик».Волосы на затылке по-прежнему были уложены шиньоном или падали сзади с завитыми концами. Орнамент, однако, полностью изменился, потому что теперь мода предписывала носить какой-то головной убор. Использование белого пороха, пришедшего в новом столетии, продолжалось, но около 1790 года светло-желтый или красный порох заменил белый, хотя и ненадолго.

Habit en surtout à brandebourg 1780

Ле капот

Примерно в 1780 году стало модным носить шляпы и шляпки даже с высокими прическами.Когда-то эта практика стала всеобщей модой, строго предписывавшей, когда следует носить шляпу или шляпку. Шляпа была объявлена ​​неформальной — en néglige. Чепчик был незаменим для la grande parure или парадного платья. Около 1786 года головной убор под названием шапка-чепчик был разрешен для обеих целей. Он состоял из куска ткани, уложенного таким образом, что наверху образовывал большой пух, скрепленный лентой, а остальная часть материала падала на затылок. Лента была завязана сзади узлом, увенчанным плюмажем из цветных перьев.Фата завершала этот головной убор. Все виды орнамента были добавлены для удовлетворения индивидуального вкуса.

Le bonnet, кусок материала (атласа, тафты или льна) любой желаемой формы, прикреплялся к волосам любым способом, который подходил владельцу, и носился с нитками бус, лент, кружев, перьев или цветов. Определенных правил не существовало — единственным законом в этом вопросе были мастерство и вкус парикмахера, который постоянно изобретал новые моды. Как и стили прически, шляпки носили всевозможные причудливые названия: были шляпки à la tiirque, à l’espagnole, à la bearnaise или даже à gueule de loup.События дня принесли новые стили с новыми именами. Например, призыв нотаблей в 1787 году породил стиль, называемый шляпой в стиле нотаблей.

Хотя чепчик был частью парадной одежды, его можно было носить и с неформальной одеждой. В самом деле, оно было его существенной частью, если выражение en néglige используется в том значении, которое оно имело тогда, как противоположность grande parure — придворному, официальному или бальному платью, — а не в его нынешнем значении «раздеть». , потому что шляпку en néglige носили как женщины из среднего класса, так и пожилые дамы просто для удобства.Модницы и барышни носили его особенно при походе в церковь или как часть прогулочного костюма.

Начиная с 1785 г. шляпы приобретали большие размеры, а прически становились меньше и, в частности, ниже. С этого времени форма шляпы все больше и больше отличалась от формы шляпы, ибо до этого времени они иногда отличались друг от друга только названием.

Ле Шапо

Шляпа le chapeau вошла в моду вскоре после 1780 года.Единственная разница между ним и капотом заключалась в почти горизонтальном крае. Шляпа, однако, вскоре начала принимать различные формы. В большинстве случаев она была довольно крупной, так что не скрывалась высокой прической. Обычно это был легкий материал — солома или шелк. Он мог быть как с высокой, так и с низкой макушкой, с широкими или узкими полями. Точно так же разнообразие было показано в том, как его носили. Он располагался на макушке волос, располагался боком или наклонялся вперед. Иногда она была низко, иногда высоко на голове, но во всех положениях ее нужно было закреплять лентами или булавками; иначе отвалилось.

Кепки и капюшоны. Людовик XV.

Еще большее разнообразие проявилось в отделке шляп. Использовались перья, цветы и ленты. С 1786 женщины стали носить шапки из бобрового меха, касторки, имитирующие форму мужских шапок, но с добавлением богатой пестрой отделки. В Париже в 1790 году дамы вольно или невольно украшали свои шляпы большими трехцветными кокардами или лентами.

Обувь почти не изменилась с середины века. С 1780 года каблуки стали ниже.Длинный верх также исчез, так что теперь обувь закрывала лишь пальцы ног. Около 1790 года пряжки вошли в моду. Вскоре после 1785 года обувь стала настолько удобной, что тапочки (мулы) перестали носить. Веер по-прежнему сохранял свою популярность, хотя в 1789 году появился грозный соперник в виде солнцезащитного зонта или зонтика. Поскольку солнцезащитный козырек в основном выносили на улицу, вентилятор устанавливался только в гостиной. Примерно в то же время вошли в обиход длинные трости, известные как бадины.

КАРЛ КОЛЕР
НЬЮ-ЙОРК, Г. ГОВАРД УАТТ, БРОУДВЕЙ 1930

Продолжая

Как искусство рококо получило свое название и что его породило? Определите это искусство

Как искусство рококо получило свое название?

Рококо — это слово-бумажник, объединяющее как «рокайль» (по-французски «раковина»), так и «барокко», по-итальянски «барокко», художественный стиль, предшествующий периоду рококо. В искусстве рококо широко используются изгибы в форме ракушек и волнообразные мотивы, особенно в роскошном дизайне мебели и внутреннем убранстве.


Что дало начало рококо? и где?

Абсолютный монарх, король Людовик XIV, умер в 1715 году, и хотя он правил Францией с непререкаемой автократией, будучи помешанным на микроконтроле в течение нескольких десятилетий, он также оставил свою нацию в качестве доминирующей сверхдержавы — экономической и военной державы. Людовик XIV победоносно провел свою страну через многочисленные войны, и к концу его правления Франция уже давно заменила Испанию в качестве континентальной державы после трагического поражения Испании во франко-испанской войне, а также в Тридцатилетней войне. Экономически процветающий, даже французский крестьянский класс имел больше привилегий, чем крестьяне в других европейских странах. Показательный пример: сорок процентов сельхозугодий принадлежало им.

Будучи сверхдержавой, в культурном отношении Франция в последнее время имела такой же международный статус, как и США. Французская культура оказала сильное влияние на другие страны мира. Это неудивительно, поскольку Людовик XIV превратил Францию ​​в маяк искусства, моды и культуры. Французские тенденции и причуды обычно сопровождались во всем мире.Точно так же, как Америка представила остальному миру итальянскую пиццу, японские суши, кубинские танцы сальса и китайское боевое искусство кунг-фу, Франция, как культурная сверхдержава, импортировала малоизвестные идеи, а затем экспортировала их в остальную Европу в течение 18 века. Например, они популяризировали Panniers, тренд «боковых обручей», первоначально появившийся в Испании, который расширял женские юбки по бокам, но оставлял спереди и сзади плоскими. Точно так же они начали повальное увлечение галстуком ( la cravat ), после того как увидели, что он украшает форму хорватского солдата.Вы могли заметить, что слово «галстук» происходит от слова «хорват» (по-французски «хорватский»). (350 лет спустя деловые люди на встречах в середине лета все еще давятся галстуками благодаря французам!) Теперь, когда вы, как и положено, испытываете изумление и благоговение перед завидным мировым положением Франции, пришло время узнать, что следующий Полное фиаско короля положило конец французскому политическому и военному господству. Как будто история играет с Францией злую шутку, после семидесяти двух лет процветания Людовика XIV, который был самым долгим правящим монархом из всех французских или европейских правителей всех времен и одним из величайших французских королей, по иронии судьбы ему непосредственно наследовал печально известный Людовик XV, считающийся одним из худших французских королей всех времен, был вторым по продолжительности правлением во французской истории (то есть после великого Людовика XIV). Читайте дальше, чтобы увидеть, как наследие Людовика XV контрастировало с наследием его предшественника, но также дало нам искусство рококо.

 

Политика и экономика

В начале 1700-х годов Новая Франция (Nouvelle-France) была очень большой частью французской Северной Америки. В современных США он включал французскую Луизиану, La Louisiane française , которая была обширной колонией, включавшей Алабаму, Миссисипи, а также Луизиану. Кроме того, французы контролировали самую развитую колонию в том, что позже стало Канадой, составлявшей большую часть сегодняшней восточной Канады, и они стремились изгнать британского врага, чтобы вся Канада была французской.Однако Людовик XV рассматривал Канаду как незначительную колонию, поэтому военная и финансовая поддержка, которую он направлял, всегда была ограничена и легко поглощалась коррумпированным колониальным правительством. Он предпочитал сосредоточить свои подкрепления на сражениях с британской армией в Германии и Индии. В то время как Людовик XV не считал Канаду достаточно важной, британцы наращивали свою военную мощь, чтобы захватить французские территории.

В конце концов, Франция была вовлечена в жестокую войну, Семилетнюю войну, которая закончилась унизительным поражением, и после нее Людовик XV завершил Парижский мирный договор (1763 г.), передав другим правительствам почти все французские территории в Северной Америке. и в процессе они потеряли Канаду, французскую Луизиану, а также большую часть Индии.Уступка Квебека по договору означала безвозвратную потерю всей Канады и других территорий по всему миру в пользу старого противника, Великобритании. Потеряв Новую Францию ​​по этому договору 1763 года, у французов не осталось территорий в Северной Америке, кроме группы крошечных островов (Сен-Пьер и Микелон) у восточного побережья Канады, которые они фактически контролируют и сегодня. Стоит отметить, что уступка французских территорий британцам закрепила восхождение Британии как великой сверхдержавы в следующем столетии, а другие уступки также способствовали превращению Пруссии (бывшего королевства Германии) в великую державу.

Между тем, по отдельному и секретному договору Фонтенбло (подписанному в 1762 г., обнародованному в 1764 г.) Людовик XV уступил Луизиану Испании. Он уступил Луизиану своему двоюродному брату, королю Испании Карлу III, в качестве тайного подарка «спасибо», чтобы уменьшить боль после поражения испанцев после их позднего вступления в Семилетнюю войну, в поддержку Франции, через которую , они потеряли Флориду в пользу Великобритании. Вероятно, такое расположение не сделало бы по-королевски радостным его предшественника Людовика XIV, в честь которого в 1682 году была названа Луизиана.Короче говоря, неудачная политика короля в Европе и других странах стоила Франции ее политического влияния в международных делах. Помимо потери территорий, таких как Канада и Луизиана, что подчеркнуло его слабую дипломатию, его экстравагантные расходы привели страну к банкротству, когда огромные суммы денег были потрачены на ненужные феерии помимо войны.

В тылу Франция имела самое большое население среди стран Европы, более 20 миллионов человек в начале 18-го века. Население быстро увеличивалось с каждым годом из-за уменьшения эпидемий и более низкого, чем когда-либо, уровня смертности. Постоянный рост французского населения увеличил нагрузку на доступные запасы продовольствия. Это уже не было феодальным обществом. Его давно заменил Капитализм. Однако большая часть феодального наследия сохранилась благодаря социальной структуре трех классов (сословий). Первым сословием было духовенство (100 000 человек). Они представляли 0,5% населения Франции и владели 10 процентами земли.Они платили минимальные налоги или вообще не платили налогов. Духовенство само поднимало налоги на землю, которой оно владело, и вело более чем комфортный образ жизни, большинство из которых были выходцами из знатных семей (особенно высшее духовенство, такое как епископы и аббаты), что было еще одним неприятным фактом жизни для простых людей. . Вторым сословием была аристократия (400 000 человек). Они составляли около 2% населения Франции и владели 30% земли. Монархия всегда оказывала аристократии особые льготы и освобождала их от налогов. Между тем они могли облагать крестьян налогом в дополнение к взиманию ренты с тех из них, кто жил на своих сельскохозяйственных угодьях. Дворянство имело исключительные права на охоту и рыбную ловлю, чего другим, например крестьянам, никогда не предоставлялось. У них было много других особых привилегий, переданных на протяжении веков, что сделало их очень непопулярными людьми во Франции. Третьим сословием были все остальные, то есть простые люди, которые были в основном крестьянами, но также включали рабочих, торговцев и ремесленников (рабочих физического труда).Это рабочий класс, который платит большую часть налогов во Франции. В то время как чуть менее 3% французов составляли духовенство и знать, простолюдины составляли 97% населения. 90% из них были крестьянами, которые жили на уровне прожиточного минимума или ниже, зарабатывая ровно столько, чтобы прокормить свои семьи. Несмотря на то, что они не были крепостными, как в феодальную эпоху, и, как упоминалось выше, им принадлежало до 40% земли, они все же обременены многими видами налогов. Несмотря на то, что хлеб был основным продуктом питания французов, они не могли даже владеть хлебными печами, которые принадлежали только представителям дворянского сословия.Если ты не принадлежишь к аристократии или духовенству, ты жил в очень суровых условиях.

К сожалению, налоги продолжали расти до середины 1700-х годов, и этот вопрос считался одной из главных причин Французской революции. Монарх собирал невыносимые и угнетающие налоги с простых людей, не желая облагать налогом знатные семьи. Франция скатывалась к нищете, в то время как монархия занималась чрезвычайно чрезмерными расходами, а аристократы довольствовались выгодным для них абсолютистским правлением.Аристократия как элитный социальный класс, закрытый клуб, в котором нужно было родиться, была распространена в большей части Европы, но аристократы Франции, в частности, считались снобами из снобов. Их тяжелая повседневная жизнь включала танцы, охоту, выпивку, азартные игры и множество сплетен. Король знал о кризисах, назревающих в его стране, а растущие антимонархические настроения и его ужасная репутация ускорили падение престижа монархии и разожгли оппозицию. Он заслужил репутацию ленивого, нерешительного и эгоистичного ловеласа, предавшегося удовольствиям и разврату. Подобно многим современным политикам, которые игнорируют суровую жизнь рабочего класса, если только они не поднимутся и не восстанут, король был больше заинтересован в собственных удовольствиях, чем в управлении делами своей нации. Апатия непопулярного короля вызвала ряд политических и экономических неудач, и ни одно из несчастий не побудило его к действию, поскольку Франция теряла свое мировое положение.Сочетание неправильных решений, невезения, тяжелых кризисов и бесхозяйственности навсегда разрушило его репутацию и его наследие. Его правление широко считается неудачным. Репутация французской монархии была непоправимой, и это в конечном итоге вызвало гнев народа, который в конечном итоге поднялся во время Французской революции.

Народный гнев был направлен не только на короля (последнего, короля Людовика XVI). Эпоху упадка также символизировала другая фигура: жена короля Людовика XVI Мария-Антуанетта. Все подошло к концу, когда безжалостное лезвие гильотины обрушилось на революцию, оборвав жизни многих аристократов, помимо короля Людовика XVI и его жены. Через три десятилетия после того, как период рококо отступил, Французская революция потрясла Францию ​​и разрушила ее классовую систему. Она стала великой европейской революцией 18 века, сформировавшей наш современный политический мир. Французская революция провозгласила новую эру без монархии и аристократии, закрыв последнюю главу древнего режима ( ancien régime ), просуществовавшего более тысячи лет.Это вызвало серьезный культурный сдвиг не только в изобразительном искусстве, но и в моде и прическах. Даже обувь изменилась кардинально. (Дополнительное преимущество революции: исчезли все следы французов в париках и четырехдюймовых туфлях на высоких каблуках с блестящими пряжками.)

Чтобы понять, как все пошло не так до революции, давайте вернемся к королю эпохи рококо (Людовик XV) и применим старую сексистскую французскую мудрость: cherchez la femme («ищите женщину»). За этим не совсем великим мужчиной стоит любовница.В течение сотен лет в европейской монархии быть любовницей было возможностью сделать карьеру; найти богатого мужчину, аристократа, а еще лучше попытаться соблазнить самого короля, это если вам посчастливится побывать на таких мероприятиях, как королевские балы. Если вы решитесь на эту карьеру, то в обмен на постоянное чувственное удовлетворение богатого человека, в исключительном случае с вашей стороны, все ваши расходы на проживание и жилье будут обеспечены. Если вы королевская любовница, ваше жилье может быть особняком со слугами.В случае с Королями вы будете соревноваться с другими любовницами, но ваша тяжелая работа может привести к тому, что вы станете официальной и любимой любовницей, « maîtresse en titre ». (К счастью, эти рабочие места в значительной степени исчезли, потому что большинство женщин сегодня предпочитают получать образование и зарабатывать собственные деньги, а не быть домашними любовницами). ванная комната. Для любого французского короля было многовековой традицией иметь кучу любовниц, и это был один из способов показать свою силу и мужественность.Вы доказываете свою мужественность количеством любовниц, которые у вас были. Но Людовик XV не просто придерживался старых традиций, он был известным бабником, что было навязчивой идеей, занимавшей большую часть его времени и оставившей его слишком занятым для своих политических обязанностей. Он проводил время между любовницами и куртизанками (эксклюзивными проститутками из высшего сословия для знати). Исторически Людовик XV запомнился не грандиозными достижениями, а внушительным количеством любовниц, среди которых мадам дю Барри и пресловутая мадам де Помпадур.

Мадам де Помпадур познакомилась с Людовиком XV на балу-маскараде по случаю свадьбы в 1745 году, затем она стала его последней королевской любовницей, но после многих бессонных ночей тяжелой работы она была повышена до его «главной любовницы», заслужив официальный титул « хозяйка ». С годами она превратилась больше, чем в любовницу, став его советником и доверенным лицом, в роли, похожей на премьер-министра без титула. У нее были физические отношения с ним в течение 5 лет, но за эти несколько лет она полностью доминировала над королем, и хотя их отношения стали платоническими, с 1750 года до ее смерти в 1764 году они все еще были очень близки.Позже она даже лично отбирала и предоставляла девушек для собственного удовольствия. Несмотря на свое неблагородное происхождение, она заняла первое место во дворце рядом с женатым королем, к большому огорчению других ревнивых любовниц. Слабый монарх позволил своей любовнице взять над собой контроль, и она впоследствии косвенно правила всем королевством. Его интересы не были особенно связаны с политикой. Он любил охотиться, пировать, смотреть концерты и театральные представления и посещать пышные балы.Но прежде всего женщины по-прежнему были его самой большой страстью. Французам был нужен монарх, который мог бы быть победоносным поджигателем войны, но все, что они получили, — это хронический развратник. Он вел распутную, безудержную жизнь с экстравагантными тратами, в то время как нация близка к банкротству.

В углу Версаля был спрятан элитный частный бордель под названием Le Parc aux Cerfs («парк оленей» или «парк оленей»), который был полон молодых женщин, доступных только для удовлетворения плотских желаний короля. Их молодой возраст означал, что они, вероятно, неопытны и, следовательно, здоровы.Этот гарем всегда был полон, а женщин доставляла его любимая любовница. Помимо морали, насколько отвратительно использовать деньги налогоплательщиков в ужасных экономических условиях для содержания целого публичного дома, заключенного в его роскошном особняке, только для личного пользования и удовольствия короля?! У Людовика XV по-прежнему было столько же кризисов, сколько и у сексуальных партнеров, и распространялись слухи о его развратном поведении. Общественность знала, что король не относился серьезно к своим обязанностям и что мадам де Помпадур взяла на себя дела правительства. Ее вмешательство широко обвиняли в том, что привело к дипломатическим катастрофам и крупным колониальным потерям, тем не менее, именно неудавшийся политик, сам Людовик XV, заслуживает наибольшей вины.

Уполномоченная госпожа приобрела беспрецедентную власть, вмешиваясь во внешнюю политику Франции. Одним из первых политических провалов, ставших следствием ее действий закулисного политика, стал злополучный союз, приведший к поражению Франции в Семилетней войне (1756–1763). В Семилетней войне участвовали многие страны, что сделало ее одной из крупнейших мировых войн до 20-го века, которую многие историки, а также Уинстон Черчилль считают первой мировой войной.Благодаря территориальным приобретениям после той войны Великобритания стала ведущей колониальной державой. С этой точки зрения нелегко не заметить ту непреднамеренную роль, которую французская любовница сыграла в обеспечении пути Великобритании к превращению в сверхдержаву.

Она стала настолько могущественной, что отстраняла от должности тех, кто ей не нравился, или тех, кто критиковал ее действия. Она спонсировала многих художников рококо и воспитала в Людовике XV страсть к искусству. Несмотря на политические катастрофы и ее пагубное влияние на французскую дипломатию, она поддерживала развлечения во дворце, планируя такие мероприятия, как королевские приемы и театральные постановки.Она также была хорошо известна в модном мире Парижа. Благодаря ее поддержке искусства имя Людовика XV ассоциировалось с французским искусством во всем мире, и Франция сохранила свое господство в искусстве и культуре. Примечательно, что самовластная любовница приобрела такое значительное политическое и культурное влияние. Подобно Людовику XIV периода барокко, который заказал множество своих портретов и принял французское искусство и моду, она взяла на себя аналогичную роль и заказала несколько портретов одному из своих любимых художников рококо, Франсуа Буше.Как последнее слово голливудской актрисы за свое изображение на обложке журнала, она полностью контролировала то, как ее изображали художники. Иногда нанятый художник начинал заново ее портрет, если ей не нравилось ее наполовину нарисованное изображение. На своих портретах она предстает не как свирепая роковая женщина, а как состоявшаяся женщина с большим опытом и неоспоримой значимостью.

Великое наследие Людовика XIV навсегда связано с французским господством, а имя Людовика XV для большинства людей в основном ассоциируется с мебелью! Очаровательная мебель Людовика XV (также известная как мебель в стиле рококо) была стилем, возникшим во время его правления, в котором производилась одна из самых востребованных предметов мебели всех времен.

Пророческая цитата «Après nous, le déluge» — «После нас потоп [потоп]» — приписывалась королю Людовику XV и иногда мадам Помпадур. Предчувствие потопа сбылось, и не было отвращения к надвигающемуся политическому, финансовому и социальному коллапсу. Хаос охватил страну всего через 15 лет после гибели Людовика XV во французской революции против монархии и аристократии.

Искусство и культура

После смерти Людовика XIV (1715 г.) и прихода к власти нового короля Людовика XV возник новый дух времени и свежий вкус к искусству. Французы задавали тенденции, и в то время как искусство барокко зародилось в Риме, искусство рококо зародилось во Франции в 1720-х годах, а затем распространилось по Европе, где было увлечение французским искусством и культурой. Французы установили стандарты того, что модно, в условиях тотальной монополии, которая сделала Францию ​​​​центром моды в 18 веке. Но это вышло из-под контроля в этом очень модном обществе, где люди, преодолевая дискомфорт, а иногда и боль, следуют абсурдно яркой моде. Дежавю? Да, потому что вы до сих пор видите болезненную моду каждый день, когда ходите по улицам любого крупного города.Потребление роскоши росло, и дворянство искало символы статуса в своем нелепом и смехотворном стиле. Несмотря на все усилия критиков и карикатуристов эпохи рококо, возобладала нелепая мода. Искусство рококо имело аристократический художественный вкус, поэтому его восприняли граждане других стран, подражавшие французским аристократам. Растущий верхний средний класс (богатые неблагородного происхождения, известные как буржуазия) также начал подражать французской аристократии (благородной по происхождению) в моде и образе жизни, чья привлекательность и влияние были эквивалентны сегодняшним знаменитостям. Возможно, картины в стиле рококо были бульварными фотографиями той эпохи, предназначенными для того, чтобы произвести впечатление на зевак, чтобы они бормотали себе под нос: «Ага, вот как живут богатые!»

Отношение людей к экстремальной моде не изменилось, но в нашем современном обществе, лишенном времени, у нас не так много свободного времени, как у французских аристократов в 1700-х годах. Если вы современная богатая женщина, вы можете очень быстро украсить себя брендовой одеждой высокого класса, такой как Louis Vuitton, Givenchy или Christian Dior; вы легко надеваете платье или джинсы и надеваете повседневную, но дорогую обувь — немного макияжа, несколько аксессуаров и называете это нарядом.Даже если сегодняшним женщинам некомфортно, они могут легко притворяться, что им комфортно в выбранном ими стиле. В 1700-х годах мода была гораздо более сложным процессом. Французские аристократы не работали, и мужчины и женщины в равной степени принимали участие в абсурдных тенденциях того времени. Мода была не для всех, только для богатых. Для тех, кто живет в изобилии и роскоши, можно было бы потратить много времени и денег, чтобы они оставались «в моде». Женщины с радостью посвящали своей внешности много часов каждый день, некоторые доходили до того, что меняли платья четыре или пять раз в день.Платья становились смехотворно широкими, а прически — возмутительно высокими. Типичная женщина может выглядеть в 3 раза крупнее мужчины. Некоторые добавляли к своим сложным прическам жемчуг, перья и даже крошечные модели кораблей, а некоторые носили парики из конского волоса. В сфере моды, как и во всем остальном, быть конкурентоспособным — это только человеческая природа, даже если это означало принять комичный вид, поэтому юбки француженок продолжали становиться шире. Корзины доставляли неудобства большинству женщин в общественных местах, настолько, что женщинам в гигантских платьях в форме колокола приходилось пользоваться стульями без подлокотников.Вы можете себе представить поход в туалет в таком массивном платье?!

Королевская фаворитка покровительствовала искусствам, как никогда ранее. Ее известное покровительство искусству рококо сделало ее синонимом этого художественного стиля. Позже, во время Французской революции, ее считали просто иконой легкомыслия рококо и символом дегенеративной культуры, тратящей деньги, которые не принадлежат ей, деньги налогоплательщиков, на ее ненасытный аппетит к покупкам одежды, мебели и искусства. Однако несправедливо выделять только мадам де Помпадур, поскольку вся привилегированная элита, изображенная на картинах в стиле рококо, жила в основном за счет непосильных налогов, собираемых с забитых крестьян.Такова была уродливая реальность, которую вы никогда не увидите в прекрасных картинах в стиле рококо — трагическая темная сторона за беззаботными неторопливыми прогулками.

Вкус аристократов продиктовал художественный стиль рококо: по мере развития жизни во Франции строились более элегантные дома. Возник спрос на украшение стен и интерьеров просторных особняков и замков. Серьезное искусство барокко прошлых дней не подходило для украшения интимных и повседневных домов. Домовладельцы соревновались в украшении своих домов, в том числе в заказе картин, изображающих себя, выставляющих напоказ свое богатство, например, в одежде.Рынок также расширился за счет картин, изображающих пасторальные сказочные страны и сцены ухаживания.

Дореволюционное искусство рококо с его неглубокой тематикой предлагает уникальный взгляд на жизнь французского высшего класса в течение последних нескольких десятилетий. Это не отражает политическую и экономическую реальность того времени, но вы можете стать свидетелем того, когда жизнь была великой, а времени было предостаточно. Это было художественное движение, которое не было занято рабочим классом, и вы не найдете его изображения на картинах.

Искусство рококо было далеко от политики, так как оно никогда не носило серьезного смысла; черт возьми, у него даже нет сообщения. Точно так же, как критики дрянной жвачной поп-музыки испытывают ностальгию по старой музыке, скорее всего, искусствоведы рококо вспоминали о старых добрых временах великого искусства, такого как искусство барокко эпохи Людовика XIV или искусство эпохи Возрождения. По иронии судьбы легкомыслие стиля рококо является симптомом безразличия королевской семьи и аристократии, которые в основном молчали, когда их нация скатывалась вниз.Парадоксально и то, что в то время как французское политическое господство исчезало на их глазах, их господство ограничивалось в основном сферой искусства и культуры. Искусство рококо никогда не характеризовалось как революционное или великое. Некоторая критика была направлена ​​​​на предмет и на то, как она игнорировала внутренние и международные обстоятельства, будь то финансовые фиаско и страдания крестьян или политические неудачи за границей. Ведя свою роскошную жизнь, они не позволят таким проблемам испортить общее настроение! Гнев против аристократии кипел под поверхностью, и к моменту окончания вечеринки (читай: Французской революции) у всего дворянства были изъяты особые привилегии, а среди всех граждан проповедовалось равенство.

Нет никаких сомнений в том, что стиль рококо является истинным направлением в искусстве, тем не менее, очевидно, что это стиль, созданный для того, чтобы просто радовать глаз, просто радовать зрителей. Он олицетворял вкус французского высшего общества того времени, выраженный словами Эмили дю Шатле (1706–1749), французского ученого-аристократа, математика и любовницы знаменитого писателя Вольтера: «Мы должны начать с того, что скажем себе, что у нас нет ничего что еще делать в мире, кроме как искать приятных ощущений и чувств.

В искусстве рококо не было места ни патриотизму, ни благочестию. Нет места морали, святым или героям. Картины не были ни дидактическими, ни религиозными. Вместо этого вот то, что вы, вероятно, найдете в картинах в стиле рококо: сцены на открытом воздухе, пикники и пасторальные декорации, изящные любовники и игры, озорное поведение с чувством юмора, чувственное настроение и завуалированный эротизм. Вы найдете изящных любовников в любовных встречах и провокационных позах, но вы не найдете много того, что наводит на размышления или интеллектуально стимулирует.Вы не найдете картин, которые бросят вам вызов, только те, которые призваны радовать вас — красивых людей в окружении красивых пейзажей. Часто описывалось как легкомысленное, потому что оно не служило никакой другой цели, кроме как радовать глаз, а его основной raison d’être («причина существования») было только украшением.

Однако, когда вы смотрите на картины в стиле рококо и судите о богатых по их высокомерному, пышному и снисходительному образу жизни в эпоху упадка, обязательно обратите внимание на невинность счастливых родителей и детей и изящество элегантных любовников.

В искусстве рококо некоторые культурные критики увидели очень ранние «тревожные» признаки выхода из-под контроля женской сексуальности, особенно среди некоторых бунтарских женщин из аристократии! Имейте в виду, что слегка эротическое изображение женщин, вероятно, усугублялось художниками-мужчинами, угождающими удовольствиям мужской аристократии, поэтому женщины изображались как объекты вожделения, соблазнительные сирены и сладострастные богини.

В эпоху, когда Франция была воплощением роскоши, когда все было тщательно продумано, от мебели до причесок, эти картины отражали идеальное воплощение духа рококо, где высшие классы были заняты своими развлечениями, в то время как простые люди жили в нищете и нация продолжала терять территории в таких местах, как Европа и Северная Америка. Движение рококо иллюстрирует все проблемы во Франции, когда они приближались к революции. Этот художественный стиль так и не возродился, и художники, которые были известными художниками рококо, не смогли добиться успеха в послереволюционной Франции, так как рококо навсегда стало символом декаданса. Вечное отвращение к этому художественному стилю никогда не исчезало. Вы можете представить, как крестьяне во время жестоких беспорядков во время Французской революции грабили замки и замки, уничтожая все на своем пути, включая мебель и картины в стиле рококо.

Стиль рококо: Пусть едят торт

Рококо… Слово просто слетает с языка с причудливой расцветкой, мало чем отличаясь от стиля архитектуры, декора, моды и искусства 17-го и 18-го веков, которые он отражает. Рококо пришло вслед за периодом итальянского барокко (1595-1750). В архитектуре итальянского барокко использовалось мучительное использование материалов, в то время как в его искусстве часто изображались жестокие религиозные темы, окутанные богатой тьмой светотени, и пропаганда католической Реформации, как показано на картине Артемизии Джентилески (1593-1653) «Юдифь, обезглавливающая Олоферна». Французское рококо (1715-1793) расцвело во время правления короля Людовика XV, а своего расцвета достигло при правлении короля Людовика XVI и королевы Марии-Антуанетты. Чрезмерная мужественность предыдущей эпохи уступила место столь же чрезмерной женственности. Людовик XV работы Гиацинта Риго. © Public Domain После смерти короля Людовика XIV в 1715 году давняя идея о том, что король был уполномочен Богом, была поставлена ​​под сомнение, и возник новый вид секуляризма. Наследнику Людовика XIV, Людовику XV, было всего пять лет.«Регентство» во главе с герцогом Орлеанским правило Францией, пока Людовик не достиг совершеннолетия в 1723 году. Переходный стиль Регентства (1700–1730) отвернулся от формальностей Короля-Солнце к комфорту и удовольствиям. Проявлением Божьего посланника стал озорной херувим. Как писал архитектор, писатель и профессор Витольд Рыбчинский, «стиль рококо олицетворял собой общество, которое молилось и играло». Рококо было органичным движением к беззаботному, пасторальному, розовому взгляду на мир. Термин рококо происходит от португальского слова «барроко», что означает «неправильная жемчужина», и «рок» от французского слова «рокайль», метода украшения фонтанов и гротов, восходящего к итальянскому Возрождению. Используя эту технику, ремесленники смешивали ракушки, гальку и другие органические материалы с цементом, создавая изделия в морском стиле. Дизайнеры в стиле рококо были очарованы не только раковинами, но и листвой и замысловатыми завитками, часто покрытыми позолотой. Все, что можно было украсить.Причудливый характер рококо понравился любовнице, доверенному лицу и советнику Людовика XV, Жанне-Антуанетте Пуассон (1721-1764), более известной как мадам де Помпадур. Часто известная как «крестная мать рококо», она отвечала за продвижение Парижа как европейской столицы моды, музыки, искусства и дизайна. Находясь под сильным влиянием школы Фонтенбло (1528-1630), известной своим уникальным стилем дизайна интерьера, в котором все элементы создавали единую композицию, мадам де Помпадур также привнесла идеи уединения и комфорта в буржуазные парижские дома. Людовик XV даже изменил Версаль, сделав его более уединенным, частным домом. Версальский дворец. © Andreas H./ Pixabay

Рококо … Слово просто слетает с языка с причудливой расцветкой, мало чем отличаясь от стиля архитектуры, декора, моды и искусства 17-го и 18-го веков, которые он отражает. Рококо пришло вслед за периодом итальянского барокко (1595-1750). В архитектуре итальянского барокко использовалось мучительное использование материалов, в то время как в его искусстве часто изображались жестокие религиозные темы, окутанные богатой тьмой светотени, и пропаганда католической Реформации, как показано на картине Артемизии Джентилески (1593-1653) Юдифь, обезглавливающая Олоферна .

Французское рококо (1715-1793) расцвело во время правления короля Людовика XV, а своего расцвета достигло во время правления короля Людовика XVI и королевы Марии-Антуанетты. Чрезмерная мужественность предыдущей эпохи уступила место столь же чрезмерной женственности.

Людовик XV работы Гиацинта Риго. © Public Domain

После смерти короля Людовика XIV в 1715 году давняя идея о том, что король был уполномочен Богом, оказалась под вопросом, и возник новый вид секуляризма.Наследнику Людовика XIV, Людовику XV, было всего пять лет. «Регентство» во главе с герцогом Орлеанским правило Францией, пока Людовик не достиг совершеннолетия в 1723 году. Переходный стиль Регентства (1700–1730) отвернулся от формальностей Короля-Солнце к комфорту и удовольствиям. Проявлением Божьего посланника стал озорной херувим. Как писал архитектор, писатель и профессор Витольд Рыбчинский, «стиль рококо олицетворял собой общество, которое молилось и играло».

Рококо было органичным движением к беззаботному, пасторальному, розовому взгляду на мир.Термин рококо происходит от португальского слова « barroco », что означает «неправильная жемчужина», а «рок» — от французского слова «рокайль», метода украшения фонтанов и гротов, восходящего к итальянскому Возрождению. Используя эту технику, ремесленники смешивали ракушки, гальку и другие органические материалы с цементом, создавая изделия в морском стиле. Дизайнеры в стиле рококо были очарованы не только раковинами, но и листвой и замысловатыми завитками, часто покрытыми позолотой.Все, что можно было украсить.

Причудливый характер рококо понравился любовнице, доверенному лицу и советнику Людовика XV, Жанне-Антуанетте Пуассон (1721-1764), более известной как мадам де Помпадур. Часто известная как «крестная мать рококо», она отвечала за продвижение Парижа как европейской столицы моды, музыки, искусства и дизайна. Находясь под сильным влиянием школы Фонтенбло (1528-1630), известной своим уникальным стилем дизайна интерьера, в котором все элементы создавали единую композицию, мадам де Помпадур также привнесла идеи уединения и комфорта в буржуазные парижские дома.Людовик XV даже изменил Версаль, сделав его более уединенным, частным домом.

Версальский дворец. © Andreas H./ Pixabay

Стиль рококо практически не встречается в экстерьере зданий. Раньше внешний вид зданий отражался в интерьере, как будто здания выворачивались наизнанку. Рококо был первым стилем, разработанным для интерьеров. В это время жилые помещения стали более определенными. Больше не было одной комнаты, используемой для еды, сна и развлечений.Комнаты наверху стали частными местами для отдыха, а нижние помещения были предназначены для гостей, таких как Салон де ла Принцесса в отеле де Суби в Париже (ныне Национальный архив), шедевр архитектора Жермена Боффрана (1667-1754) и художник Шарль Натуар (1700-1777).

С новой планировкой внутреннего пространства возникла необходимость в новом декоре интерьера. Общий масштаб был уменьшен. Художники всех жанров могли свободно не только создавать великолепные фрески для дворцов, но и создавать более мелкие, более интимные предметы, которые можно было выставлять во французских домах, такие как часы, рамы для картин, зеркала, каминные полки, подсвечники, столы маркетри и обитые тканью. стулья.

Живопись была неотъемлемой частью движения рококо во Франции. Он считается одним из самых влиятельных французских художественных движений, соперничающим только с импрессионизмом. В то время как картины в стиле барокко изобиловали насыщенными цветами и глубокими тенями, в картинах в стиле рококо использовалась шипучая пастельная палитра. Тремя самыми известными художниками рококо являются Жан-Антуан Ватто (1684-1721), Франсуа Буше (1703-1770) и Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806). Они повлияли на все элементы дизайна.

Ватто считается отцом периода рококо в живописи. Он родился в Валансьене, провинциальной деревне в Бельгии, вошедшей в состав Франции в 1678 году. Он переехал в Париж, где зарабатывал на жизнь изготовлением копий произведений Тициана и Веронезе. Он присоединился к мастерской Клода Одрана, известного декоратора, где познакомился и подружился с Клодом Жилло, известным своими декоративными театральными декорациями. В результате работы Ватто часто изображали людей в костюмах на фоне театральных декораций, освещенных искусственным светом.

«Набережная на Цитере», Антуан Ватто. © Public Domain

На картине Ватто « Посадка на Китеру » (1717) изображены аристократические пары на Китере, мифологическом острове Любви. Также известен как отец Fête galante , жанра картин, изображающих fête champêtre , или вечеринку в саду, популярную среди аристократического класса. Одетые в костюмы, его подданные пили, обедали и занимались любовными занятиями в пасторальных садах и парках с парящими амурами и греческими богинями, смешивая фантазию с реальностью.Создавая как декоративные произведения, так и изобразительное искусство, предметы Ватто привлекали богатую клиентуру, в том числе недавно появившийся класс коллекционеров, что сделало его весьма успешным при жизни.

Венера в туалете Франсуа Буше. © Public Domain

Под влиянием Ватто Франсуа Буше стал самым известным художником позднего периода рококо. Известный сочетанием аристократической элегантности с эротическими процедурами обнаженной натуры, как видно из его «Туалет Венеры » (1751 г. ), он был одинаково влиятельным в декоративно-прикладном искусстве, театральных постановках и дизайне гобеленов.Буше был назначен первым художником короля в 1765 году и написал множество портретов мадам де Помпадур, с которой он долгое время ассоциировался. Он также известен своими блестящими гобеленовыми работами.

Мадам де Помпадур Франсуа Буше. © Public Domain

Жан-Оноре Фрагонар, ученик Буше и мастер натюрморта Жан-Симеон Шарден (1669-1779), известен созданием квинтэссенции картины в стиле рококо, Качели (1767). На кадре изображена женщина в вихре зеленой листвы, одетая в бледно-розовое платье, играющая на качелях и кокетливо устраивающая шоу.Он беззаботный, но чувственный, чрезмерно приукрашенный и аллегорический. В начале 1770-х годов Фрагонар получил множество заказов как от королевского правительства, так и от частных лиц. Одним из его самых важных покровителей была графиня дю Барри, последняя любовница Людовика XV, которая заказала несколько декоративных картин для Лувесьена, своего замка недалеко от Парижа. Во время и после Французской революции его картины потеряли популярность. С 1794 по 1797 год он помогал создавать и управлять новым Национальным музеем, созданным революционным правительством во дворце Лувра.

Качели, Жан-Оноре Фрагонар. © Public Domain

Мадам де Помпадур умерла в 1764 году, а через 10 лет умерла король Людовик XV. Следующий в очереди, Людовик XVI, будет последним из династии Бурбонов, правившим Францией. После десятилетий экстравагантности войны и аристократического богатства французский народ отменил монархию в 1793 году, когда были обезглавлены король Людовик XVI и его жена королева Мария-Антуанетта. С их смертью умерла эпоха рококо. Чтобы понять вершину рококо, нет ничего более яркого, чем фильм режиссера Софии Копполы « Мария-Антуанетта ».

Кадр из фильма «Мария-Антуанетта». © Public Domain

Действительно ли Мария-Антуанетта сказала: «Пусть едят пирожные»? Простой ответ на этот вопрос — «нет». Узнав о том, что парижские крестьяне голодают и слишком бедны, чтобы позволить себе хлеб, она сказала: « Qu’ils mangent de la brioche » («Пусть едят бриоши»). Хотя этот подслащенный хлеб дороже, чем средний багет, он не является многоярусным, красиво замороженным и украшенным gâteaux , как вы могли себе представить, имея в виду королеву.Тем не менее, перевод не меняет сути, по-прежнему предполагая, что французская королева была высокомерной и оторванной от среднего гражданина Франции.

Рококо от COLOURlovers :: COLOURlovers

Палитра в стиле рококо мягче и бледнее, чем богатые основные цвета и темные тона, характерные для вкусов барокко.

Рококо — стиль французского искусства и дизайна интерьера 18 века. Комнаты в стиле рококо были спроектированы как произведения искусства с элегантной и богато украшенной мебелью, небольшими скульптурами, декоративными зеркалами и гобеленами, дополняющими архитектуру, рельефы и настенные росписи.Его в значительной степени вытеснил неоклассический стиль.


Слово рококо рассматривается как сочетание французского rocaille, или каменного сада (относится к расположению камней в естественных формах, таких как раковины), и итальянского барокко, или стиля барокко. Из-за любви рококо к изгибам, похожим на ракушки, и сосредоточения внимания на декоративном искусстве, некоторые критики использовали этот термин, чтобы уничижительно намекнуть, что стиль был легкомысленным или просто модным; когда этот термин впервые был использован в английском языке примерно в 1836 году, это был разговорный язык, означающий «старомодный».Однако с середины 19 века этот термин был принят искусствоведами. Хотя до сих пор ведутся споры об историческом значении стиля для искусства в целом, в настоящее время рококо широко признано важным периодом в развитии европейского искусства.


Архитектура и дизайн интерьера

Беззаботные темы и замысловатые узоры рококо лучше всего проявились в меньшем масштабе, чем внушительная архитектура и скульптура в стиле барокко.Поэтому неудивительно, что французское искусство рококо чувствовало себя как дома в помещении. Изделия из металла, фарфоровые фигурки, оборки и особенно мебель приобрели новое значение, поскольку французские высшие классы стремились обустроить свои дома в модном ныне стиле.

Стиль рококо наслаждался асимметрией, вкусом, который был новым для европейского стиля. Эта практика оставления элементов несбалансированными для эффекта называется контрастом.

Живопись

Хотя рококо зародилось в чисто декоративном искусстве, его стиль отчетливо проявился в живописи.Эти художники использовали нежные цвета и изогнутые формы, украшая свои полотна херувимами и мифами о любви. Портретная живопись была также популярна среди художников рококо. Некоторые работы демонстрируют своего рода озорство или нечистоплотность в поведении их сюжетов, показывая историческую тенденцию отхода от церковно-государственной ориентации барокко. Пейзажи были пасторальными и часто изображали неторопливые прогулки аристократических пар.

Жан-Антуан Ватто (1684–1721) считается первым великим художником в стиле рококо.Он оказал большое влияние на более поздних художников, в том числе на Франсуа Буше (1703–1770) и Жана-Оноре Фрагонара (1732–1806), двух мастеров позднего периода. Даже тонкое прикосновение и чувствительность Томаса Гейнсборо (1727–1788) отражают дух рококо. Стиль Элизабет-Луиз Виже-Лебрен (1755-1842) также демонстрирует большое влияние рококо, особенно в ее портретах Марии-Антуанетты. Среди других художников рококо: Жан Франсуа де Трой (1679–1752), Жан-Батист ван Лоо (1685–1745), два его сына Луи-Мишель ван Лоо (1707–1771) и Шарль-Амеде-Филипп ван Лоо (1719–1771). 1795), его младший брат Шарль-Андре ван Лоо (1705–1765), Николя Ланкре (1690–1743), а также Жан-Батист-Симеон Шарден (1699–1779) и Жан-Батист Грез (1725–1805), которые были важными французскими художниками эпохи рококо, которых считают антирококо.

В эпоху рококо портретная живопись была важным компонентом живописи во всех странах, но особенно в Англии, где лидерами были Уильям Хогарт (1697-1764), в стиле грубого реализма, и Фрэнсис Хейман (1708-1776), Анжелика Кауфман который был швейцарцем (1741-1807), Томасом Гейнсборо и Джошуа Рейнольдсом (1723-1792), в более лестных стилях под влиянием Антония Ван Дейка (1599-1641).

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*