Диего ривера картины самые известные: Картины Диего Риверы. Diego Rivera

Содержание

Картины Диего Риверы. Diego Rivera

Мексиканский художник Диего Ривера

 Диего Ривера (исп. Diego Rivera; 8 декабря 1886 — 25 ноября 1957) — мексиканский живописец, художник-монументалист (муралист) и график, архитектор, один из самых известных мексиканских художников, видный политический деятель компартии, один из создателей национальной школы монументальной живописи.

Диего Ривера родился 8 декабря 1886 года в городе Гуанахуато на северо-западе Мексики. C 1896 по 1902 годы брал уроки рисования и живописи в Академии художеств Сан-Карло в Мехико. За успехи был премирован стипендией, которая позволила художнику поехать в Испанию. С 1907 по 1921 учился и работал в Испании, Франции, Италии, Бельгии, Нидерландах, Великобритании. Учился в Академии художеств в Мадриде (1907), затем жил и работал в Париже (1909-1920), в Италии (1920-1921). Был близко знаком с парижской художественной элитой, в том числе с Пабло Пикассо,

Альфонсо Рейесом и другими.

 Как художник Ривера испытал влияние как классического европейского изобразительного искусства (изучал стенные росписи XIV—XVI веков), так и модернизма, в частности кубизма. Очень близки ему были и традиционные мексиканские художественные жанры и стили.

 В 1921 Диего Ривера вернулся в Мексику и вскоре включился в осуществление государственной художественной программы по украшению фресками общественных зданий.

На протяжении 1920-х годов выработал собственный стиль монументальной живописи. В 1930-е годы стал одним из самых известных художников Мексики. С 1930 по 1934 Ривера жил в США, работая над росписями зданий в Нью-Йорке, Детройте и Сан-Франциско.

В 1931 состоялась большая выставка произведений Диего Риверы в Музее современного искусства в Нью-Йорке. В течение нескольких лет после 1934 он занимался преимущественно станковой живописью. Работая в технике масла и акварели, отдавал предпочтение таким жанрам, как портрет и пейзаж.

Начиная с 1940 Ривера вновь обратился к фресковой живописи: работал для Всемирной выставки в Сан-Франциско, расписывал Национальный дворец в Мехико.

 В 1922 году Ривера вступает в Мексиканскую коммунистическую партию. В 1927 он приезжает в СССР, где в 1928 году становится членом-учредителем объединения «Октябрь». В начале своего участия в коммунистическом движении Ривера придерживался троцкистских взглядов, но потом (после убийства Троцкого) занял позицию, более соответствовавшую официальному курсу Сталина. В 1955—1956 художник повторно посетил СССР.

 Художник скончался 25 ноября 1957 года в Мехико.

 Жена Риверы  —  известная художница Фрида Кало.

Смотреть фото художников Фриды Кало и Диего Риверы.

 Ривера  стал одним из основателей мексиканской школы монументальной живописи, расписав огромное число стен общественных зданий. Одной из главных тем в творчестве Риверы были фольклорные сюжеты, верования и обычаи народа Мексики.

 

 

 

Последние материалы в этом разделе:

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

Картина Диего Риверы побила рекорд его жены Фриды Кало

Диего Ривера.

«Танец в Теуантепеке», 1928 (фрагмент)

© 2016 Banco de Mexico Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, Mexico, D.F. / Artists Rights Society (ARS), New York. Phillips Auction House via AP

Автор Анастасия Новикова

24 мая 2016

Картина Диего Риверы «Танец в Теуантепеке» стала самым дорогим полотном латиноамериканского художника. Она была продана в ходе частной сделки при посредничестве аукционного дома Phillips за $15,75 млн.

Предыдущий рекорд для латиноамериканской живописи, установленный 12 мая в рамках торгов Christie’s, не продержался и месяца. Тогда полотно художницы Фриды Кало «Две обнаженные в лесу» ушло с молотка за $8 млн. Рекорд Фриды побила картина ее мужа — Диего Риверы. Его «Танец в Теуантепеке» был продан в ходе частной сделки при посредничестве аукционного дома Phillips почти вдвое дороже — за $15,75 млн. Новым владельцем картины Риверы стал основатель и президент Музея латиноамериканского искусства в Буэнос-Айресе Эдуардо Константини. «Более 20 лет я мечтал о приобретении этой картины Диего Риверы, который для меня является самым важным художником в истории латиноамериканского искусства», — отметил Константини.

 

Фрида Кало и Диего Ривера

© Getty | Wallace Marly


Полотно «Танец в Теуантепеке» Диего Ривера написал в 1928 году. На нем художник изобразил группу танцоров, исполняющих народный танец сандунга под банановым деревом. Картина Риверы — один из наиболее масштабных образцов мексиканской монументальной живописи. Размер холста составляет 2 х 1,6 м.  

Диего Ривера. «Танец в Теуантепеке», 1928

© 2016 Banco de Mexico Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, Mexico, D.F. / Artists Rights Society (ARS), New York. Phillips Auction House via AP


Картину «Танец в Теуантепеке» называют важнейшей работой Риверы, находящейся в частном владении за пределами Мексики. Впервые полотно было показано публике в 1930 году в нью-йоркском Метрополитен-музее. С 1995 года работа художника находилась в частной коллекции в Нью-Йорке, а до этого — входила в собрание искусства IBM Gallery of Science and Art. 

кто он такой подробно, самые известные картины, периоды творчества живописца. Фотопортрет Диего Ривера

Диего Ривера (Diego Rivera; родился 8 декабря 1886 г. — умер 24 ноября 1957 г.) чаще упоминается как муж несравненной Фриды Кало (Frida Kahlo), но его собственный художественный талант, а также политические взгляды и многочисленные любовные похождения заслуживают особого внимания. Выходец из зажиточной мексиканской семьи, Диего Ривера сначала был коммунистом, затем стал последовательным троцкистом, и, несмотря на разногласия с Троцким, до конца жизни остался убежденным сторонником левых идей. Очень любил женщин, отвечавших ему взаимностью.

У Диего Риверы любовь к рисованию проявилась еще в нежном возрасте. Отец оказался настолько поражен стремлением трехлетнего мальчика разрисовывать все вокруг, что переделал под увлечение сына одну из комнат, покрыв стены обычными школьными досками. Спустя несколько десятилетий Диего Ривера вписал свое имя золотыми буквами в историю мексиканского изобразительного искусства. И стал одним из самых известных и противоречивых художников мира, творивших монументальные произведения.

Диего Ривера не был красавцем. Тучный и неуклюжий мужчина с набухшими веками и выпученными глазами, он, тем не менее, пользовался популярностью у женщин, покоряя их необузданным темпераментом и красноречием. Он был официально четырежды женат, заводил по несколько любовных интрижек одновременно, и при этом всячески унижал своих возлюбленных. Однажды Ривера признался, что особенно жестоким страданиям он подвергает тех женщин, в которых сам безудержно влюблен.

Диего Риверу называли «людоедом». В отношениях с любимыми женщинами он полностью соответствовал своему прозвищу, забирая у любовницы все, что она способна отдать мужчине, в ответ награждая ее мучениями. Свою первую супругу Ангелину Белову он любил, но изменял ей, ревновал и даже бил. А потом, после развода, даже сделал вид, что не узнал ее при случайной встрече. Изысканно унижать он умел даже своих детей. Например, внебрачную дочь от Марии Воробьевой-Стебельской он так никогда и не признал официально и чурался ее на людях. А потом, расставшись с Марией, женился на писательнице Гуадалупе Марин и она родила Диего двух дочерей.

В 1949 году в жизни Риверы случилась 22-летняя Фрида Кало, которая стала главной женщиной всей его судьбы. Впрочем, Фриде он тоже изменял, причем однажды — с ее сестрой. Любвеобильная Фрида поступила с Диего так, как раньше он поступал с любившими его женщинами. Она развелась с ним и не скрывала свои любовные связи с другими мужчинами, в том числе с самим Троцким. А когда измученный разлукой Ривера вымолил у супруги шанс на воссоединение, Фрида вынудила его заключить брачный контракт с полным отказом от секса. И он согласился.

Но настоящей страстью Риверы была живопись. В 1907 году он переехал из Мехико в Европу, где познакомился и подружился с последователями кубизма и импрессионизма. А в Париже сам Пабло Пикассо стал близким другом и учителем юного художника. В творчестве Ривера был разносторонним, изображая то, что хотел и как хотел. Предпочитал создавать фрески, украшая монументальной живописью общественные здания. Муралы, преимущественно, имели политический окрас.

Диего Ривера воодушевился революционными настроениями, царящими в обществе, и пристально следил за ситуацией в СССР. Он дважды приезжал в Советский Союз. В первый раз это случилось в 1927 году, когда Диего принял участие в торжественных празднованиях десятой годовщины Октябрьской революции. А потом вернулся в 1955 году. Естественно, Ривера одобрял коммунистические идеи. В 1922 году он вступил в компартию Мексики, а из поездки в Москву даже привез мандат на строительство рабоче-крестьянского течения в своей стране. Со временем художник разочаровался в слишком жестких методах Сталина и принял позицию Троцкого, которого даже приютил в общем с Фридой доме.

Но и в партии Троцкого Ривера не задержался. Его исключили оттуда в августе 1939 года за разногласия с официальной позицией лидера. А Диего Ривера вдруг проникся идеологией Сталина и под конец своего жизненного пути, перед поездкой в СССР вновь вступил в ряды мексиканских коммунистов.

Политические убеждения муралиста сказались и на его творчестве. Помимо любимой темы, фольклора, Диего Ривера создавал произведения, осветляющие революционные события в стране и мире. Например, Рокфеллеровский центр заказал художнику фреску «Человек на распутье». Художник изобразил на мурале Ленина, что не понравилось заказчикам. Просьбу заменить Ленина на менее спорного персонажа или на неизвестного человека автор отверг, поэтому центр уничтожил фреску.

Через год после визита в СССР Диего Ривера умер. И оставил после себя богатое наследие, удивляющее зрителя, заставляющее задумываться и искать ответы на вопросы.

Муралы не купить на аукционах, но, в отличие от картин, ими можно любоваться в любое время дня и ночи. А чтобы стать владельцем интересной картины, написанной импрессионистом или кубистом, стоит заглянуть на онлайн-платформу Very Important Lot, где собраны яркие и оригинальные коллекции изобразительного искусства. Возможно вам встретится и картина Диего Ривера.

Фрида Кало и Диего Ривера – Картины Фриды Кало: bogachkova1957 — LiveJournal

В Манеже выставка «Фрида Кало и Диего Ривера. Живопись и графика из музейных и частных собраний», которая показывает шедевры, созданные Фридой Кало (1907-1954) и Диего Риверой (1886-1957), и рассказывает историю супружеской пары, ставшей самой знаменитой в искусстве ХХ века.

Это уникальная по своему составу ретроспектива двух художников — более 90 произведений Фриды Кало и Диего Риверы, от ранних до поздних: живопись, рисунки, литографии. Основу экспозиции составили работы из собрания Музея Долорес Ольмедо (Мехико), обладающего крупнейшей в мире коллекцией живописных произведений Кало и Риверы, живопись и графика из частных собраний Европы и Латинской Америки, работы из собрания внука Диего Риверы Хуана Коронеля Риверы и галереи «Арвил» (Мексика, США), ранее не экспонировавшиеся в России произведения из ГМИИ им. А.С. Пушкина, а также не публиковавшиеся ранее документы из российских государственных архивов. Дополняют экспозицию многочисленные фотографии и документальные фильмы о жизни и творчестве Фриды Кало и Диего Риверы.

Выставка – это  удивительная противоречивая вселенная одной из самых влиятельных артистических пар двадцатого века — Фриды Кало и Диего Риверы, где яркая мексиканская культура переплетается с эпатажной модой, а революционные манифесты соседствуют со страстной любовью.

«Фрида — это лента, обернутая вокруг бомбы», — так основоположник сюрреализма Андре Бретон описал искусство и жизнь великой мексиканской художницы Фриды Кало. Фрида Кало написала около 145 картин маслом, 60 из которых — автопортреты. Ее картины — гремучая смесь мексиканских народных мотивов и наивного искусства в духе французских модернистов, а в их основе — история боли и любви, страсти и непонимания, которые сопровождали Фриду всю ее жизнь. Из этого сплава появился образ, который прошел через весь XX век и стал вызовом устоям западного общества. «Эта выставка не просто демонстрация живописи. Это демонстрация силы духа, силы воли, мужественности этой женщины, её стремления к жизни».

17 сентября 1925 года автобус, на котором ехала Фрида Кало, столкнулся с трамваем. Девушка получила серьезные травмы – многочисленные переломы костей и повреждения внутренних органов, после чего год была прикована к постели. От последствий этой аварии Фрида страдала всю жизнь. В 1929 году она создала картину, иллюстрирующую ее собственную историю. В небольшой картине Фрида изображает городские типажи Мехико, встретившиеся в одном автобусе: домохозяйка с корзинкой для провизии, рабочий в комбинезоне, обездоленная индейская крестьянка с ребенком на руках, буржуа и молодая, одетая по последней моде, девушка. При внимательном рассмотрении уличная сценка оборачивается коллективным портретом людей из ближнего окружения Фриды: изображены сама художница, Диего Ривера (в рабочем комбинезоне), предприниматель Уильям Спратлинг и бывшая жена Риверы Гуадалупе Марин.

Фрида Кало. Автобус. 1929. Холст, масло. Музей Долорес Ольмедо.

В ранних произведениях Фрида демонстрирует быстро растущую уверенность в своих художественных возможностях, а именно владение рисунком и эксперименты с цветом.

Фрида Кало. Портрет Алисии Галант. 1929. Холст, масло. Музей Долорес Ольмедо. Фрида Кало. Портрет Лютера Бёрбанка. 1932 год. Холст, масло. Музей Долорес Ольмедо.

4 июля 1932 в  Дейтройте у Фриды случился выкидыш – из-за повреждений, полученных в аварии в 1925 году, ее репродуктивное здоровье было сильно подорвано. Пережив эту трагедию, она стала первой художницей в истории, которая обратилась к теме потери ребенка. По форме картина «Больница Генри Форда» напоминает традиционные мексиканские вотивные изображения – ретабло. Все предметы, соединенные с Фридой красными нитями-пуповинами, которые она прижимает к своему животу, раскрывает смысл происшедшего и имеет свое собственное значение: плод – потерянный ребенок, орхидея – подарок Диего, по словам Фриды, «соединение сексуального и сентиментального», улитка – мучительно ползущее время, анатомический женский макет – «попытка объяснить устройство женщины», металлическое устройство – «механическая часть любого дела», а поврежденная в аварии тазовая кость – причина, по которой Фрида так и не смогла иметь детей. Однако Фрида исключает из ретабло самое главное – фигуру святого-спасителя. Она изображает себя не просто одинокой в своем отчаянии, но брошенной, оставленной высшими силами и абсолютно беспомощной перед лицом судьбы.

Фрида Кало. Больница Генри Форда. 1932 год. Холст, масло. Музей Долорес Ольмедо.

Отсутствие формальной подготовки пошло ее индивидуальному стилю на пользу: с самого начала ее манера стала узнаваемой и ярко-индивидуальной. Фрида отрицала влияние на свое творчество каких бы то ни было течений в искусстве, настойчиво проводя прямую линию между своими чувствами и ощущениями и произведениями, которые она создавала. Однако ее творчество со всей очевидностью связано с бытовавшим тогда интересом к национальному доколумбову наследию, к традиционному религиозному искусству, вобравшему в себя древние культурные и эстетические коды, и к уникальной смешанной «космической расе» мексиканцев, частью которой была она сама. 

Смешивая старое и новое, собственные символы и образы классической литературы и сочинений Фрейда, Фрида, в конце концов, пришла к определению своего творчества: «Я никогда не рисую сны или кошмары. Я рисую свою собственную реальность»

В экспозиции — как ранние работы Фриды, опирающиеся на традиции европейского портретного искусства эпохи Ренессанса, так и произведения периода расцвета ее таланта. Ключевыми работами Фриды являются ее автопортреты.

Фрида Кало. Обнаженная Ади Вебер (Моя кузина). 1930 год. Бумага, карандаш. Музей Долорес Ольмедо.

Особый акцент Фрида делает на изображение ступней, может быть потому, что у нее было повреждение ноги после перенесенного в детстве полиомиелита.

Фрида Кало. Портрет неизвестной в белом платье. 1929 год. Холст, масло. Частное собрание. Фрида Кало. Портрет доньи Роситы Морильо. 1944 год. Мазонит, масло. Музей Долорес Ольмедо. Фрида Кало. Натюрморт (Я принадлежу Самуэлю Фастлихту). 1951 год. Мазонит, масло. Частное собрание. Фрида Кало. Натюрморт с попугаем и флагом. 1951 год. Мазонит, масло. Частное собрание.

Одна из самых известных работ Кало – «Сломанная колонна» (1944), своего рода манифест ее страданий и стойкости к ударам судьбы, художественный символ силы женщины. 

Фрида Кало. Сломанная колонна. 1944 год. Холст, масло. Музей Долорес Ольмедо. Фрида Кало. Моя кормилица и я. 1937 год. Металл, масло. Музей Долорес Ольмедо. Фрида Кало. Автопортрет с обезьяной. 1945 год. Холст, масло. Музей Долорес Ольмедо.

«Автопортрет с обезьянкой» — все образы складываются в послание: Фрида снова не верит Диего, а силы ей дают ее прошлое и те, кто к ней привязан.

Последствиями аварии для Фриды стали постоянные боли, невозможность иметь детей и прогрессирующие с годами проблемы с позвоночником. В результате каждые два года художница оказывалась в больнице – для того, чтобы ей сделали очередную операцию. С годами пребывание в больничных стенах становились все продолжительней, а физические проблемы усугублялись психологическими: в 1940 году в Сан-Франциско Фрида впервые прошла лечение от алкоголизма. Депрессия и физические страдания делали саму мысль о новой встрече с врачами невыносимой. Это отчаяние она выразила в картине «Без надежды». Картина написана в 1945 году. Несмотря на то, что этот год стал годом ее профессионального признания, Фрида все больше погружалась в наркотическую и алкогольную зависимость, чтобы заглушить боль своего разрушающегося тела. Из-за болезни Фрида совсем потеряла аппетит, сильно похудела, и врачи прописали ей насильственное кормление. Для нее это стало очередной пыткой – ей оставалось лишь рисовать. На фоне испещренного расщелинами Педрегальского плоскогорья Фрида лежит в кровати – обездвиженная, придавленная огромным мольбертом. Мольберт – то, что удерживает ее в постели, и то, куда она может выплеснуть свой гнев и отчаяние.

Фрида Кало. Без надежды. 1945 год. Мазонит, масло. Музей Долорес Ольмедо. Фрида Кало. Солнце и жизнь. 1947 год. Мазонит, масло. Частное собрание. Фрида Кало. Цыпленок. 1945 год. Мазонит, масло. Музей Долорес Ольмедо.

Знакомство Фриды Кало и Диего Риверы состоялось благодаря живописи, когда, восстановив силы после аварии, Фрида привезла на оценку маститому живописцу Ривере свои первые работы. «Эта девочка — художник от рождения, необыкновенно чуткая и способная к наблюдению», — так позже скажет Ривера о работах юной Кало. Их отношения будут переполнять эмоции и страсть, все это найдет отражение в ее творчестве. Ее работы — это пропуск в сюрреалистичный мир, который сначала очаровывает яркими красками, а затем раскрывает глубину чувств художницы, боль от бесконечных операций, которые ей пришлось перенести, и страсть, которая наполняла ее жизнь. В 1929 году Фрида и Диего поженились, в 1939 – развелись, и снова поженились в 1940-м – на этот раз навсегда.

Фрида Кало. Диего и я. 1944 год. Мазонит, масло. Частное собрание.

Ангелина Белова, Гуаделупе Марин, Фрида Кало… Все долгие привязанности Диего Риверы были отмечены его неверностью. Когда в 1929 году Фрида и Диего поженились, ей было 22 года, ему – 42. Уже через год после свадьбы Диего стал изменять своей молодой супруге. Переломным моментом для этого и без того непростого брака стал роман Диего с младшей сестрой Фриды Кристиной. Свою боль, ярость и отчаяние Фрида выплеснула на холст «Несколько царапин», придав убийце на полотне черты Диего Риверы.

Фрида Кало. Несколько царапин. 1935 год. Металл, масло. Музей Долорес Ольмедо.

Фрида писала о муже: «Я не могу говорить о Диего как о моем муже, потому что это слово по отношению к нему абсурдно. Он никогда не был и никогда не будет чьим-то мужем. Не могу говорить о нем и как о моем любовнике – потому что наши отношения гораздо больше, чем просто секс. А если я попытаюсь говорить о его душе, мне, в конце концов, придется написать картину о собственных эмоциях».

На выставке произведения Фриды и Диего — это перекличка двух художников и соединение двух уникальных личностей в одну историю соперничества в искусстве, любви-борьбы, которая на долгие годы стала главной темой творчества Фриды Кало. «В моей жизни было две аварии: одна — когда автобус врезался в трамвай, другая — это Диего». Если автокатастрофа была роковой случайностью, то из-за противоречивости натуры, в которой сила и независимость сочетались с одержимостью и жертвенностью, сложные отношения с Диего Риверой были неизбежными.

Творческие  способности Фриды выходили за рамки ее творчества и проявлялись, в том числе в ее ярком и узнаваемом стиле одежды, коллекционировании предметов искусства и постоянном стремлении к декорированию: даже собственные гипсовые корсеты, которые ей пришлось носить из-за проблем с позвоночником, она превратила в арт-объекты.

А вот тайна шедевра Фриды «Раненый стол». 

Фрида Кало. Раненый стол. 1940 год. Панель, масло. Картина утеряна.

Картина была написана Фридой в 1940 году. «Раненый стол» был самой большой работой (1,2 х 2,4 м), когда-либо созданной художницей. Впервые она была показана в январе 1940 года на Международной выставке сюрреализма в Мехико. В этой работе художественный прием Фриды – смешение мифов, отсылок к фрейдизму, к современной литературе и собственной, личной символике – находит наиболее полное выражение. Это двойной автопортрет – Фрида изображает себя дважды: в своем излюбленном платье теуаны – традиционном женском одеянии региона Теуантепек на юго-западе Мексики, и в виде стола на человеческих ногах, покрытого кровоточащими ранами. Рядом со столом изображены племянники художницы, дети ее сестры Кристины Изольда и Антонио, и питомец Фриды олененок Гранизо. За столом Иуда, традиционная фигура из папье-маше для шествий Страстной недели, сама Фрида, изображенная без рук, а справа от нее глиняная статуэтка в стиле Наярит и карнавальная фигура Смерти из проволоки и гипса. Все эти фигуры из ее личного «символического словаря»: фигура Иуды для Фриды была метафорой суицидных мыслей, старинная доколумбова статуэтка – старой истории, которую она никак не могла забыть, Смерть – о ней она думала «слишком часто». Изначально теуана Фриды носила настоящие драгоценности – на снимках картины видно, что на ней были разные ожерелья – их прикрепляли к доске через небольшие отверстия. Именно эту работу Фрида передала Советскому Союзу в 1945 году в составе большого дара от мексиканских художников. С 1947 года работа находилась в Москве. Уже после смерти Кало, в 1954 году Диего Ривера обратился к послу СССР в Мексике с просьбой показать «Раненый стол» на выставке в Варшаве, и 2 декабря 1954 года полотно было отправлено в Польшу. С тех пор «Раненый стол» считается пропавшим — до сих пор его местонахождение неизвестно.

Несколько фотографий Фриды.

Фрида Кало. 1926. Фотограф Гильермо Кало. Наталья Седова (жена Л. Троцкого), Фрида Кало, Лев Троцкий и Макс Шехтман в Тампико. 1937. Неизвестный фотограф.

Продолжение в следующем блоге — Фрида Кало и Диего Ривера. Картины Диего Ривера.

Самые известные картины Фриды Кало и их истории

Фрида Кало вошла в историю как одна из самых ярких и популярных художниц в мировой культуре, но ее работы пронизаны метафорами физической и душевной боли. Сегодня, в день рождения художницы, предлагаем погрузиться в ее творчество и вспомнить истории, которые стоят за ее известными картинами

«Сломанная колонна», 1944

Фриде Кало удалось невероятное: уже в 30-х годах прошлого века она стала известной художницей, прославила свою страну и стала символом мексиканского сюрреализма. И все это несмотря на то, что ее судьба была полна драм и испытаний, а каждый день Фриды с юности проходил в боли: в детстве Кало перенесла тяжелую болезнь, а в 1925 году стала жертвой страшной аварии, которая отразилась на всей ее дальнейшей жизни и творчестве.  В 1944 году здоровье художницы сильно пошатнулось — из-за поврежденного позвоночника ей пришлось в течение пяти месяцев носить стальной корсет, в котором было тяжело передвигаться и даже дышать. Несмотря на долге месяцы мучений, Кало продолжала писать. 

Картина «Сломанная колонна» отражает страдания художницы в этот период. Вместо присущих ей ярких нарядов и цветов в высокой прическе — почти обнаженная и беззащитная фигура в корсете, вместо буйства растительности на заднем плане и обожаемых художницей обезьянок и попугаев — выжженная земля под грозовым небом. В теле Фриды видна рассыпающаяся ионическая колонна, а в кожу вонзается множество железных гвоздей. Картина стала олицетворением одиночества и боли художницы, но даже в ней она спрятала послание, дарящее надежду: в каждом зрачке Кало изображен крошечный белый голубь — символ мира. К слову, именно работа Фриды «Сломанная колонна» послужила вдохновением для Жан-Поля Готье при создании костюма героини Миллы Йовович, Лилу, для фильма «Пятый элемент».  

«Две Фриды», 1939


Упоминая картину «Две Фриды», художница признавалась, что двойной портрет стал результатом ее переживаний по поводу кризиса в отношениях с Диего Риверой и их брака, окончившегося разводом. В 1929 году, соглашаясь выйти за него замуж, Кало знала о том, что мексиканский художник славится очень размытыми представлениями о верности и бывает жесток к женщинам. Тем не менее любовь Фриды одержала верх — она прощала ему измены и сама не ограничивала себя в любовных связях. Но один роман Кало все же не смогла простить. После того как Ривера на протяжении года изменял ей с ее младшей сестрой, художница подала на развод. 

Свою драму она выразила в картине «Две Фриды», на которой изображены две сущности Кало — та, которую любил Диего, в одном из традиционных мексиканских костюмов, что так ему нравились, и та, которую он отверг, одетая в свадебное платье в викторианском стиле.  Источник жизни обеих — маленький портрет Диего-ребенка, который держит в руке одна из героинь полотна, в то время как вторая пытается остановить кровотечение из сердца хирургическим зажимом. 

«Всего-то несколько царапин!», 1935

Картина «Всего-то несколько царапин!» посвящена той же болезненной теме — отношениям с Диего и его предательствам. На создание работы, посвященной двойному предательству — мужа и сестры, — Кало вдохновила газетная заметка об убийстве неверной женщины ревнивым любовником. Циничная фраза мужчины, произнесенная в суде после множества ножевых ранений, «Это были всего лишь несколько царапин!», послужила названием картины. Черный и белый голуби, которые держат белую ленту, символизируют светлую и темную стороны любви. На наброске к этой картине Фрида написала на ленте цитату из популярной в то время песни: «Моя милая больше меня не любит. .. Она отдалась другому негодяю, но сегодня я до нее добрался, ее час пробил». В финальной версии художница написала на ленте цитату убийцы из газеты. Чтобы передать боль от душевных страданий, Фрида изобразила на раме пятна крови и несколько раз проткнула ее ножом. 

«Госпиталь Генри Форда», 1932

«Госпиталь Генри Форда» — первая картина Фриды Кало, написанная на металлической пластине, в традиции ретабло, испанских алтарных образов. На ней изображена еще одна трагедия — невозможность стать матерью, что было еще одним последствием чудовищной аварии в юности художницы. Фрида не раз пыталась родить от Диего, но каждая беременность заканчивалась выкидышем и еще сильнее подрывала здоровье Кало. Картина «Госпиталь Генри Форда» посвящена одному из таких эпизодов: летом 1932 года, во время жизни в Детройте, художница снова потеряла ребенка, несмотря на соблюдение строгого постельного режима. В один из худших моментов своей жизни Фрида снова обратилась к живописи. На полотне, которое стало для Фриды способом выразить страдания, боль и ужас, она изобразила пять символов. Неродившегося ребенка, о котором так мечтала пара; улитку — олицетворение мучительного и медленно текущего времени, проведенного в больнице; кости таза, раздробленные в аварии; орхидею, символизирующую женственность и материнство, и механическое устройство, обозначающее бесчеловечность и жестокость медицинских процедур. Позже Диего Ривера говорил, что Фрида — «единственная художница в истории искусств, которая вскрыла свою грудную клетку и собственное сердце, чтобы показать биологическую природу своих чувств». «Госпиталь Генри Форда» стал первой в истории мировой живописи картиной, посвященной потере неродившегося ребенка. 

«Автопортрет, посвященный Льву Троцкому», 1937

С именем Фриды, которая еще при жизни получила большую известность, было связано множество сплетен и скандалов. Несмотря на то, что главным мужчиной в ее жизни всегда оставался Диего Ривера, художница была открытой бисексуалкой и не стеснялась своих многочисленных любовных связей. Считается, что в числе ее любовников были испанский художник Хосе Бартоли, скульптор Исаму Ногути, певица Чавела Варгас, поэт Владимир Маяковский и коммунист Лев Троцкий.

Неизвестно, насколько серьезной и продолжительной была любовная связь между Фридой и Львом Троцким, но духовная связь художницы и политика была крепкой и глубокой. Фрида всегда интересовалась революционными движениями, а Троцкий был пленен сильной и яркой личностью мексиканки. Спустя несколько месяцев отношений Кало начала пренебрежительно называть своего советского друга «старичком», и после того, как он окончательно ей наскучил, она написала бывшему любовнику автопортрет. Фрида изобразила себя в традиционной мексиканской одежде, со вплетенными в волосы цветами. В руке художница держит записку: «Я посвящаю эту картину Льву Троцкому, со всей моей любовью, 7 ноября 1937 года. Фрида Кало, Сан-Анхель, Мехико». 

Картины брачного прошлого – Газета Коммерсантъ № 237 (6475) от 22.12.2018

В московском Манеже открылась выставка «Viva la Vida. Фрида Кало и Диего Ривера». Более 90 произведений живописи и графики из собрания Музея Долорес Ольмедо в Мехико и частных коллекций дополнены внушительной галереей фотопортретов супругов-художников, письмами Фриды к мужу, скульптурой доколумбовой эпохи, графикой других мексиканских художников 1940-х годов из собрания ГМИИ им. Пушкина. Выставка (куратор — Катарина Лопаткина) подготовлена фондом «Связь времен» и петербургским Музеем Фаберже и продлится беспрецедентные для Манежа три месяца. Рассказывает Игорь Гребельников.

Впервые в России выставку Фриды Кало показали в 2016 году в Музее Фаберже: успех был такой, что очереди желающих посмотреть стояли даже в двадцатиградусные морозы, о чем с восторгом вспоминала на пресс-конференции Адриана Харамильо из мексиканского Музея Долорес Ольмедо, предоставившего большую часть работ обоих художников и для московского показа. Представляя на равных творчество Кало и Диего Риверы, самой колоритной художественной пары в искусстве ХХ века, выставка будто символически восстанавливает их мучительный (прежде всего для нее, из-за многочисленных измен мужа, в том числе и с младшей сестрой художницы), шаткий, распадавшийся брак.

Хотя экспозицию и открывает гигантская фотография их страстного поцелуя, эти художники настолько отличны друг от друга (если не сказать противоположны) в своих творческих интересах и к тому же так далеко разведены «большой» историей искусства, что их почти не показывали вместе: первая большая совместная выставка состоялась лишь в 2014 году в Палаццо Дукале в Генуе. В искусстве (и при жизни художников, и после) они будто обращались на разных орбитах. Ривера прославился благодаря своим росписям на стенах крупнейших государственных учреждений Мехико, созданным начиная с конца 20-х, а также росписям 30-х годов в штаб-квартирах крупных американских компаний. Это было, по сути, пропагандистское искусство, формировавшее новую идентичность мексиканской нации, где героями выступали рабочие, военные, революционеры. Оно задействовало богатейший арсенал европейской живописи — от позднего Ренессанса до кубизма и сюрреализма — и своей мощью произвело на американских соседей сильное впечатление. Что неудивительно: Ривера был блестящим профи с образованием, полученным сначала в Академии Сан-Карлос в Мехико, а затем в Париже — с небольшими перерывами он прожил в Европе 14 лет, откуда вернулся в Мексику признанным автором, потом еще год путешествовал по Италии, осваивая монументальные приемы Кватроченто, чтобы применить их на службе революции.

На выставке в Манеже Ривера показан в самых разных своих ипостасях: сезаннистскими, кубистскими, сюрреалистическими работами, гигантскими принтами его знаменитых фресок, серией лубочного вида портретов советских детей, написанных в середине 50-х годов. А также автором четырехметровой картины 1954 года «Славная победа», вычурного живописного шаржа на тему американской агрессии против Гватемалы (в свое время подаренной им советской стране, но до сих пор пылившейся в запасниках Пушкинского музея).

И все же не будет преувеличением сказать, что в нынешнем веке Ривера уже скорее воспринимается мужем Фриды Кало, ставшей за последние десятилетия куда более знаменитой, да что там — иконой стиля, ролевой моделью self made woman. Частота выставок Фриды по всему миру не сдает оборотов: только что завершилась ее гигантская ретроспектива в лондонском Музее Виктории и Альберта, в феврале она откроется в Бруклинском музее Нью-Йорка. Ее самые знаменитые картины стали мемами, разошлись невероятными тиражами постеров и самой разнообразной сувенирной продукции (под магазин подобных товаров и в Манеже отведена приличная площадь), но тем ценнее увидеть подлинники.

Эти небольшие по формату картины — полная противоположность работам Риверы: у него — проповедь, революционное содержание которой в наше время уже плохо считывается, отдает фальшью, у нее — исповедь, причем о том, что решаются проговорить немногие современные женщины. Никто прежде так откровенно не высказывался в искусстве на темы собственной физической боли и морального страдания — от увечий, операций, абортов, бесконечных измен мужа. Она не собиралась становиться художницей (хоть и родилась в семье фотографа), но все изменила автомобильная авария, в результате которой у 18-летней Кало, и без того прихрамывавшей из-за перенесенного в детстве полиомиелита, был сломан позвоночник и повреждены многие органы. Можно сказать, на занятия живописью ее обрекла тяжелая инвалидность, но она же, по сути, и стала ее главной темой. Впервые Диего Риверу она увидела в 14-летнем возрасте, когда тот расписывал здание школы, в которой она училась, а уже после аварии их познакомила подруга Кало, фотограф Тина Модотти. Они поженились, когда ей было 22 года, а он был на двадцать лет старше (и имел за плечами вереницу связей, в частности, еще в Париже у Риверы были дети и от двух русских художниц — Ангелины Беловой и Маревны).

Взаимная страсть была подогрета и общей увлеченностью коммунистическими идеями, хотя и не без противоречий: они дружили с Троцким и даже одно время укрывали его, а позже восхваляли Сталина. Но, в отличие от Риверы, Кало, изучавшая живопись по альбомам, целиком посвятила творчество самой себе и ближайшему кругу. Автопортреты в ренессансной манере вскоре уступят изображениям, вроде бы сюрреалистичным по форме; их даже можно было бы упрекнуть в том, что они скатываются в наивную живопись или вовсе в китч, если бы не та цена, которую художница «заплатила» за право писать как ей вздумается, не оглядываясь на авторитеты.

И сегодня эта ее тончайшая манера письма, каллиграфически изысканная в деталях, с причудливой символикой и образностью, казалось бы, страшно далекая от тогдашних генеральных линий в искусстве, производит сильное впечатление. Тут тонкая и в то же время радикальная игра со стилями и темами классической живописи: чем ее самый знаменитый автопортрет «Сломанная колонна» (1934) с будто распятым, утыканным гвоздями, закованным в корсет обнаженным телом и оголенным позвоночником в виде разрушенной колонны не отсылка к главному христианскому образу? Тут шокирующие откровенность и боль, как на картине «Больница Генри Форда» (1932) или на литографии «Фрида и аборт» (1932) об опыте вынужденного прерывания беременности, в которых художница разбирает свое тело на части. Но тут и восторг перед жизнью, выписанный в причудливых натюрмортах или портретах, фоном которых выступают дивные цветочные композиции или природные ландшафты. Да что там, и свои гипсовые корсеты Кало превратила в арт-объекты, испещренные орнаментами или революционной символикой. Ее изувеченное тело и созданный художницей его соблазнительный образ — метафора революции в искусстве, открывшей право женщинам высказываться исходя из своего опыта, сегодня, пожалуй что, и превосходящая по своему значению огромные расписные стены Диего Риверы.

Все отзывы о выставке «Viva la Vida. Фрида Кало и Диего Ривера» – Афиша-Выставки

ФРИДА КАЛО И ДИЕГО РИВЕРА .

«Viva la Vida. Фрида Кало и Диего Ривера. Живопись и графика из музейных и частных собраний»,- выставка в ЦВЗ Манеж , представленная Культурно-историческим фондом «Связь времен» и Музеем Фаберже будет экспонироваться до 22 февраля .

Я напишу ещё отдельно о творчестве Фриды и Диего и о своём восприятии .

Но сегодня речь об организации выставки .

Вы знаете — на выставки я хожу часто и люблю это . Кроме предметов искусства обращаешь внимание на оформление , организацию экспозиции , свет , количество и качество демонстрируемого материала . И , хочется отметить , — уровень именно организации выставок у нас несомненно растёт .

Давайте посмотрим , что сделано на этой выставке .

Огромное пустое единое выставочное пространство идеально зондировано со смысловыми центрами , и зонами отдыха . При этом сразу у входа вас встречает план- схема — где и что расположено .

Напоминаю , сегодня мы не об искусстве ( я ещё думаю о культе физической и нравственной боли ) , а именно об организации .

Пространство с картинами разделено на две цветовые зоны- красную и синюю ( как когда- то дом Фриды и Диего )

В начале экспозиции на противоположных стенах биографическая информация о художниках : даты , краткие факты , несколько фотографий . Сделано очень удобно , емко . Люди читают , при этом не создавая столпотворения , поскольку информация достаточно хорошо распределена по стене .

В выставке , кроме картин , представлены и предметы : корсеты Фриды, дневники, фотографии , костюмы в её стиле , предметы народного мексиканского искусства …

В большом комфортном зале демонстрируется фильм — интересный , познавательный и пронзительный, как и вся их история .

Использованы современные технологии : вы можете скачать с помощью QR кода музыку , книги и даже пройти викторину о том , хорошо ли вы изучили выставку .

Свет выстроен так, что вы смотрите картины словно наедине с произведением искусства . Он приглушен и посетители растворяются в этом пространстве а картины , подсвеченные очень профессионально , остаются единственными реальными персонажами этого мира .

Организованы фотозоны ( бросьте в меня камень 🙄 это речь не об искусстве , а об умении понимать и принимать реалии сегодняшнего дня и его потребности )

Есть сувенирный магазин с просто великолепным ассортиментом памятной продукции , самой разной ценовой политики .

Проводятся мастер- классы на самые разные темы , А также лекции и перформансы, расписание можно посмотреть на сайте .

Огромные фотографии и цепляющие за живое надписи на стенах….

На мой взгляд , организация выставки на отлично .

А вы обращаете внимание на оформление, технологию , организацию ? Или только искусство ?

Рассказать о живописи Фриды и Диего ?

12 самых известных картин Диего Риверы

Диего Ривера, один из пионеров мексиканского мурализма, прославился своими реалистичными фресками и яркими картинами. Он с детства увлекался живописью и начал заниматься искусством в мексиканской Академии Сан-Карлос, когда ему едва исполнилось десять. Он эмигрировал в Европу в 1907 году, и Теодоро А. Дехеса Мендес, губернатор мексиканского штата Веракрус, спонсировал его обучение там.

 

Диего Ривера

Сначала он оставался в Испании, а затем постепенно переехал во Францию, где имел честь жить и работать с множеством выдающихся личностей. Именно в Париже он познакомился с движением кубизма, возглавляемым такими известными художниками, как Жорж Брак, Пабло Пикассо и Хуан Грис. Он принял эту новую форму искусства между 1913 и 1917 годами, после чего его внимание переключилось на постимпрессионизм, вдохновленный Полем Сезанном. Его художественный гений был оценен во всем мире и неоднократно выставлялся на различных выставках. Его картины были спонтанными, поскольку он говорил: «Я рисую то, что вижу», «Я рисую то, что рисую» и «Я рисую то, что думаю». Он несколько раз женился, одной из его жен была известная мексиканская художница Фрида Кало, с которой он заключил брачные узы в 1929 году.Их свадьба прошла через много потрясений, и после развода в 1939 году они снова поженились друг с другом в 1940 году, оставаясь парой до смерти Фриды. Ривера умер в возрасте 70 лет от сердечной недостаточности.

Биография Диего Риверы в двух словах

Полное имя Диего Мария де ла Консепсьон Хуан Непомусено Эстанислао де ла Ривера и Баррьентос Акоста и Родригес
Рождение 8 Декабрь 1886
Национальность Мексиканский
Смерть 24 Ноябрь 1957
Наставник Хосе Гуадалупе Посада
Вдохновение Пабло Пикассо, Поль Сезанн
Периоды Мексиканский мурализм, кубизм, постимпрессионизм

Список лучших картин Диего Риверы

1.

Улица в Авиле
Выполнено в: 1908
Стиль или период: Пейзажная живопись
Размеры: 129 см x 141 см
Местонахождение: Museo Nacional de Arte
Материал: Холст, масло

Одна из популярных пейзажных картин Риверы, использование ярких цветов, особенно при изображении деревьев, выводит эту работу на совершенно другой уровень.

2. Обнаженная с каллами

Завершено в: 1944
Стиль или период: Ар-деко
Размеры: 157 см x 124 см
Материал: Холст, масло

Альтернативно называемая Desnudo con alcatraces, это одна из популярных настенных росписей Диего Риверы, где он продолжает прославлять отношения крестьян с природой. Лилии, символизирующие чувственность, великолепно изображены на этом произведении.

3. День мертвых

Выполнено в: 1924
Стиль или период: Историческая живопись, мурализм
Местонахождение: Главный штаб Секретариата народного образования, Мехико
Средний: Фреска

День мертвых – один из значимых праздников Мексики, когда люди вспоминают своих близких, перешедших в иной мир.Ривера был частью мексиканского движения художников-монументалистов, и по возвращении в Мексику в 1921 году он решил создать реалистичные фрески, посвященные праздникам страны, и это произведение искусства было одним из них. Эта фреска, намекающая на своего рода праздник, сыграла важную роль в установлении тенденции включения Дня мертвых в качестве важной темы в изобразительном искусстве.

4. Человек на перекрестке

Выполнено в: 1934
Стиль или период: Мексиканский мурализм
Размеры: 160 см x 43 см
Адрес: 30 Rockefeller Plaza, Нью-Йорк
Средний: Фреска

Было много споров по поводу этой картины, которая сначала была установлена ​​в вестибюле Рокфеллер Плаза, 30.Первоначально он получил одобрение семьи Рокфеллеров, но разногласия возникли после того, как портрет Владимира Ленина был включен рядом с первомайским парадом. Тогдашний директор Рокфеллеровского центра Нельсон Рокфеллер попросил Риверу удалить изображение, но тот отказался. Поэтому ее сняли, и через три года ее заменила другая фреска Хосепа Марии Серта. Первоначальная работа существовала только в виде черно-белых изображений, после чего он перекрасил эту работу, назвав ее Человеком-контролером Вселенной, что было похоже на оригинал, за исключением нескольких изменений.

5. Арбузы

Выполнено в: 1957
Стиль или период: Социальный реализм, современное искусство
Размеры: 68,7 см x 92,7 см
Адрес: Музей Долорес Ольмедо Патиньо
Материал: Холст, масло

Арбузы имеют символическое значение на мексиканском празднике День мертвых, который используется для поминовения умерших.Жена Диего Риверы подарила натюрморт с изображением этого фрукта всего за восемь дней до своей смерти. Ривера, возможно, написал эту картину в память о своей лучшей половине и случайно умер через несколько дней после этого. Хотя значение арбуза неясно, яркое использование цветов придает ему реалистичный вид.

6. Ретрато де Игнасио Санчес

Выполнено в: 1927
Размеры: 39 см x 79 см
Материал: Холст, масло

Это прекрасное произведение искусства прекрасно иллюстрирует умение Риверы рисовать людей, которых он регулярно видел. Это просто, но элегантно, а использование цветов минимально. На лице маленького мальчика невинность, когда он удовлетворенно смотрит. Жест, который он формирует, сжимая руки, и зрелый взгляд его глаз говорят о том, что он более зрелый, чем его возраст. Большая шляпа почти закрывает его лицо, а его одежда указывает на то, что он может присоединиться к своим родителям в поле. В этой картине отразилась склонность Риверы изображать жизнь крестьян и их борьбу за выживание.

7.Материнство Анджелина и ребенок

Выполнено в: 1916
Стиль или период: Кубизм
Размеры: 132 см x 86 см
Местонахождение: Museo de Arte Carrillo Gil, Мехико
Материал: Холст, масло

Ривера был частью авангардного движения кубизма, что отразилось во многих его работах, в том числе и в этой. На этой картине видна техника кубизма анализа объектов, их разбивания и абстрактной сборки. На картине, основанной на личной жизни Риверы, изображены его гражданская жена Анджелина Белофф и их сын Диего, которые покинули мир смертных через несколько месяцев после его рождения после того, как заболели гриппом.

8.  Сон о воскресном дне в центральном районе Аламеда

Завершено в: 1946 -1947
Размеры: 156 см x 47 см
Местонахождение: Museo Mural Diego Rivera, Мехико
Материал: Холст, масло

Карлос Обрегон Сантасилия, известный мексиканский архитектор, попросил Риверу написать эту картину для ресторана Versailles отеля Del Prado.Однако после землетрясения 1985 года, обрушившегося на город Мехико, отель был снесен, а фреска осталась в Музее фресок Диего Риверы. Сюжет картины — конфликт среди класса буржуазии после мексиканской революции 1910 года. Он берет Центральный парк Аламеда в качестве основного фона, на котором было изображено множество выдающихся личностей, таких как его жена Фрида Кало, Ла Малинче, Хосе Марти и Уинфилд Скотт.

9. Цветочница

Выполнено в: 1935
Стиль или период: Пейзаж
Размеры: 121.92 см x 121,29 см
Адрес: Музей современного искусства Сан-Франциско
Материал: Мазонит, масляная краска, темпера

Он прост на вид, но несет в себе много символизма, изображая суматоху и суматоху в жизни крестьянского сословия, частую тему, которую можно увидеть во многих его работах. Крестьянин изо всех сил пытается справиться с огромной цветочной корзиной, а его жена помогает ему в этом. Цветы прекрасны, но человек, несущий их, не в состоянии лелеять их красоту, поскольку для него это просто мирской объект сделки. По мнению некоторых критиков, большая корзина на спине рабочего может указывать на препятствия, с которыми может столкнуться неподготовленный рабочий в капиталистическом мире.

10. Крестьяне

Выполнено в: 1931
Стиль или период: Пейзаж
Материал: Холст, масло

Еще одна интересная крестьянская картина Риверы, где мужчина тяжело трудится, а другой человек наблюдает за ним.Красивый пейзаж, созданный с помощью ярких цветов, резко контрастирует с человеком в кадре, который прилагает все усилия для выполнения задачи.

11. Матрос за завтраком

Выполнено в: 1914
Стиль или период: Кубизм, историческая живопись
Размеры: 117 см x 72 см
Материал: Холст, масло

Еще одна картина Риверы в стиле кубизма символизирует растущую волну французского националистического движения. Следуя технике кубизма, он создает геометрическую версию моряка, который сидит за деревянным столиком в кафе и предается напитку. Слово «отечество», начертанное на его мундире, является намеком на лояльность и патриотизм.

12. Рынок Теночтитлана

Выполнено в: 1945
Стиль или период: Историческая живопись
Адрес: Национальный дворец Мексики
Материал: Холст, масло

Основанный ацтеками, он превратился в процветающий город, и Ривера замечательно представляет рыночную сцену в этой картине.Работа показывает тяжело трудящихся рабочих, но не намекает на империализм ацтеков. В то время рабство было на пике, и люди продавались, как и другие товары, хотя здесь нет и намека на то же самое.

Другие известные картины Риверы включают « Утро Авила» (1908 г. ), « Подсолнухи» , фрески промышленности Детройта (1932–33 гг., Состоят из 27 панелей), «История Мексики» (1929–35 гг., На лестничной площадке Национального дворца Мехико), « Подсолнухи». , и Дом на мосту. Ривера был героем нескольких кинематографических («Колыбель Уилла Рок» и «Фрида») и литературных презентаций.Его жена Фрида Кало также спроецировала его на одной из своих картин в 1931 году, через два года после их свадьбы, которая также считалась их свадебным портретом.

10 самых известных произведений Диего Риверы

 

Работал в первой половине двадцатого века, Диего Ривера ( 1886 – 1957) был мексиканским художником, наиболее известным своими большими настенными росписями или фресками .Считающийся гением, который мог приложить руку к любому стилю, включая импрессионистов, постимпрессионистов, кубистов и фламандцев , Ривера считал, что каждый должен иметь возможность увидеть его искусство, и поэтому рисовал большие фрески на общественных зданиях. Узнайте больше об искусстве Диего Риверы, изучив 10 его самых известных работ, включая такие картины, как «Носитель цветов» , и фрески, подобные тем, которые он создал для Detroit Industry .


#10 Замороженные активы

Тип: Фреска

Год: 1931

Замороженные активы (1931)

В 1931 году Диего Ривера сначала создал пять переносных фресок для Музея современного искусства в Нью-Йорке, изображающих события в истории Мексики, а затем, после открытия выставки, он создал еще три фрески, каждая из которых запечатлела сцен из Эпоха депрессии Нью-Йорк .Frozen Assents является одним из этих трех. В верхней части панели изображены узнаваемые небоскребы, а в нижней — зал ожидания банка. Фреска считается проницательным взглядом на реальность Нью-Йорка и вызвала отклик у публики в условиях депрессии.


#9 Символический пейзаж

Тип: Холст, масло

Год: 1940

Символический пейзаж (1940)

У Диего Риверы были бурные отношения с другой известной мексиканской художницей Фридой Кало . Они развелись в 1939 году, но позже снова поженились и оставались вместе до самой смерти Кало в 1954 году. Эта знаменитая картина была создана в период, когда Ривера был опечален разводом с Кало. На картине изображено упавшее дерево с гладкой корой, окруженное камнями, принимающими всевозможные формы, и другими символическими объектами. В нем используется красочный природный ландшафт, чтобы символически изобразить обстоятельства, с которыми он столкнулся в то время.


#8 Мечта воскресного дня в парке Аламеда

Тип: Фреска

Год: 1946 – 1947

Мечта воскресного дня в парке Аламеда (1947)

Эта фреска является самым известным произведением искусства Фреска музея Диего Риверы .Первоначально созданный для ресторана Versailles в отеле Prado , он был перемещен в музей после того, как отель был разрушен землетрясением 1985 года в Мехико . Alameda Central — общественный муниципальный парк в центре Мехико, ставший свидетелем нескольких важных событий в истории Мексики . На фреске изображены эти события вместе с известными мексиканскими людьми, проходящими через парк. В центре произведения искусства находится изображение Ла Калавера Катрина , известного женского скелета, выполненного мексиканским иллюстратором Хосе Гуадалупе Посада .



#7 Плодородная земля

Тип: Фреска

Год: 1924 – 1927

«Изобилие земли» (1926 г.) — часть фресок Диего Риверы «Плодородная земля»

Автономный университет Чапинго — сельскохозяйственный колледж, расположенный в Тескоко, Мексика. Первоначально он начинался как Национальная сельскохозяйственная школа . Здесь находится одна из самых известных фресок Диего Риверы. Широко известная как «Tierra Fecundada» (Плодородная земля) , работа разделена на три части.На левой панели изображена борьба человека за землю, на правой панели показана эволюция Матери-природы, а в центре показано общение между человеком и землей. «Плодородное поле» считается одним из лучших произведений Риверы.


#6 Цветонос

Тип: Мазонит, масло

Год: 1935

Носитель цветов (1935)

Эта картина является одним из самых известных изображений борьбы простого рабочего, живущего в капиталистическом обществе .Ривера использует яркие цвета, чтобы изобразить обычного человека на четвереньках, которому трудно нести груз огромной корзины с цветами. Женщина, скорее всего жена крестьянина, стоит за ним и пытается помочь ему поднять ношу. В то время как зритель может видеть красоту цветов, крестьянин не обращает на это внимания из-за своего положения.


#5 Создание

Тип: Фреска

Год: 1922

Создание (1923)

Это была первая фреска Риверы по заказу правительства, которая считается одним из его самых ранних шедевров.Он создавался в течение года и занимает площадь более тысячи квадратных футов. На картине изображен ряд аллегорических фигур, включая Веру, Надежду, Милосердие, Образование и Науку. Считающееся эталоном мексиканского мурализма , «Сотворение мира» можно увидеть в Колледже Сан-Ильдефонсо , музее и культурном центре в Мехико, который считается местом рождения мексиканского движения мурализма.


#4 Аграрный лидер Сапата

Тип: Фреска

Год: 1931

Аграрный лидер Сапата (1931)

Эмилиано Сапата был выдающимся лидером крестьянской революции в мексиканском штате Морелос и одним из ведущих деятелей мексиканской революции .Он также был вдохновителем аграрного движения, известного как Zapatismo . Эта фреска, на которой Сапата изображен с уздечкой величественной белой лошади в руке и стоит над мертвым телом землевладельца, была создана как часть восьми переносных фресок для персональной выставки Риверы в Музее современного искусства (MoMA). в 1931 году. Аграрный лидер Запата входит в число самых известных изображений мексиканского лидера и считается вехой в мексиканском искусстве .



#3 История Мексики

Тип: Фреска

Год: 1929 – 1935

Теночтитлан – Знаменитая фреска на северной стене в Национальном дворце

В августе 1929 года Ривера начал рисовать свои грандиозные фрески на больших лестницах и лестничных клетках Национального дворца , центра мексиканского правительства, расположенного на главной площади Мехико. Секция Северной стены фрески изображает богатство древней культуры ацтеков .Основная Западная стена является центральной частью фрески и резюмирует историю Мексики как серию конфликтов, восстаний и революций против угнетения. Южная стена содержит изображения лучшего будущего Мексики с прогрессом и процветанием. Среди самых известных работ Риверы фрески получили совместное название «Эпос мексиканского народа» .


# 2 Промышленные фрески Детройта

Тип: Фреска

Год: 1932 – 1933

Часть фрески

северной стены Детройтской промышленности В 1932 году Диего Ривера получил заказ на роспись двадцати семи фресок в Детройтском институте искусств в Мидтаун Детройт, Мичиган, США.С. Из 27 росписей, написанных Риверой, две самые крупные росписи расположены на северной и южной стенах. На них изображены рабочие, работающие на заводе компании Ford Motor Company в Ривер-Руж. На других панелях изображены достижения в различных научных областях, таких как медицина и технологии. Ривера считал фрески Detroit Industry Murals своей самой успешной работой . В 2014 году фрескам был присвоен статус национальных исторических памятников.


#1 Человек на перекрестке

Тип: Фреска

Год: 1934

Человек на перекрестке (воссозданная версия после спора)

Эта фреска была впервые заказана Рокфеллерами для стены первого этажа Рокфеллеровского центра в Нью-Йорке. Однако завершить его не удалось, так как Ривера отказался убрать вызывавший споры портрет Ленина . Впоследствии он был уничтожен, но у Риверы были его черно-белые фотографии. Используя их, он воссоздал почти идентичную фреску во Дворце изящных искусств в Мехико. Он был переименован в Man, Controller of the Universe . В центре этого шедевра находится рабочий, управляющий механизмами с кулаком, держащим перед собой сферу. 4 фигуры, напоминающие пропеллеры, тянутся от центра к углу композиции, символизируя научные открытия.Композиция также изображает контраст между капитализмом и социализмом: богатые люди играют в карты и курят слева, а справа Ленин держится за руки с многонациональной группой рабочих. Это определенно самый известный шедевр Диего Риверы .

7 Известные фрески Диего Риверы

Если вы слышали о Диего Ривере, вы, вероятно, слышали и о его фресках. Но как все началось? Будучи молодым художником из Мексики, Диего Ривера наслаждался поистине вдохновляющими 15 годами, которые он провел в Европе, с 1907 по 1921 год. Когда он вернулся в Мексику, следующая страница его личной и профессиональной жизни должна была быть перевернута. Он начал склоняться к настенной и фресковой живописи. Вскоре Ривера стал участвовать в спонсируемой правительством мексиканской программе настенных росписей, запланированной Хосе Васконселосом, министром образования Мексики в то время. Это было отправной точкой карьеры Диего Риверы как художника-монументалиста. И у него были большие планы на эту карьеру. Например, для росписи стен в Секретариате народного просвещения в Мехико он намеревался создать 124 различных фрески.Так он и сделал, и рисовал их с 1922 по 1928 год.

Примерно в то же время началась еще одна важная часть жизни Диего Риверы. Осенью 1922 года Ривера был одним из основателей Революционного союза технических рабочих, художников и скульпторов. Позже в том же году он вступил в Коммунистическую партию Мексики . Как художник он был социально активен, поэтому его работы выражали его левую политическую ориентацию. Диего Ривера продвигал коммунизм и социализм и верил в революционный характер искусства.Как пожизненный марксист, он поддерживал прочные отношения и с Советским Союзом. Но это не помешало ему совершить прорыв в Соединенных Штатах. Ну, по крайней мере, в начале. Позже было несколько спорных ситуаций, когда комиссары и меценаты из США просили его изменить некоторые детали в его фресках. Но Диего Ривера не хотел менять свои фрески, поэтому не стал этого делать.

В период с 1922 по 1953 год Ривера рисовал фрески по всей Мексике, а также оставил свой след несколькими значительными настенными росписями в Соединенных Штатах.Их можно увидеть в Сан-Франциско, Детройте и Нью-Йорке. Стены общественных зданий по всей Мексике и Соединенным Штатам служили холстом для его работ, поскольку он создавал выдающиеся работы. Благодаря Ривере концепция паблик-арта была заново изобретена, и эта конкретная форма искусства снова была признана важной частью современного искусства как в американском, так и в мексиканском искусстве. К сожалению, не все картины Диего Риверы сегодня выставлены на всеобщее обозрение, особенно в США.Некоторые из них, например шесть переносных настенных фресок , которые он написал для Музея современного искусства в Нью-Йорке , хранились или распространялись в течение 80 лет. Затем выставка МоМА в 2011 году вернула эти настенные росписи (на самом деле пять из них, потому что шестой якобы утерян), но вскоре после выставки они снова были скрыты.

Нечто подобное происходит в Сан-Франциско. Измени мир или иди домой — так называется инсталляция мексиканского художника Алехандро Альманса Переда в Художественном институте Сан-Франциско.Эта конкретная часть инсталляции скрывает за собой произведение Диего Риверы «Создание фрески, изображающее здание города ». Так, одна из его знаменитых фресок сейчас спрятана за металлической конструкцией, которую поставили прямо перед ней в рамках перформанса другого мексиканского художника. Как сообщается, Алехандро Альманса Переда заявил, что другими мексиканскими артистами пренебрегают по сравнению с Диего Риверой. Таким образом, он хотел затмить свою работу, но был обратный эффект — размещение конструкции перед фреской Риверы только привлекло больше общественного внимания к произведениям Риверы.Алехандро тоже получил внимание, которого хотел, но то, как он это сделал, остается спорным. Однако произведения Диего Риверы все еще находятся в тени этой металлической конструкции, и зрители, желающие ее увидеть, не имеют возможности насладиться ею в полной мере.

С таким процветающим художником, как Диего Ривера, трудно сказать, какие его работы важнее других. Но некоторые из его фресок определенно выделялись, а некоторые со временем стали более популярными, чем другие. Однако за каждым из них стоит история.Здесь мы представляем вам самые известные фрески Диего Риверы. Наслаждайтесь их историями.

Совет редактора: Диего Ривера: полные фрески

Если вы хотите получить полное представление о карьере Диего Риверы как художника-монументалиста, эта книга обязательна к прочтению. На этих страницах вы найдете все, что вы когда-либо хотели знать о Диего Ривере, художнике-монументалисте, но у вас не было возможности собрать информацию из разных источников. Здесь у вас будет все в одном месте, чтобы вы могли наслаждаться чтением, раскрывая различные пласты смысла, которые скрываются за сложными фресками Диего Риверы.

Избранное изображение: Диего Ривера — часть росписи, изображающей историю Мексики, в Национальной галерее в Мехико — изображение с сайта Yelp.com

Творчество – отправная точка выдающейся карьеры

Сотворение было первой работой Диего Риверы. Он начал рисовать ее в январе 1922 года, и она была довольно экспериментальной в технике энкаустики, но стала действительно значимой для его будущей карьеры. Фреска была написана в актовом зале Боливара Национальной подготовительной школы в Мехико , но Ривере было нелегко ее закончить.Не (только) потому, что это была его первая фреска, а потому, что ему приходилось защищаться с пистолетом от правых студентов, которые были в ярости и все время окружали его. Почему эти студенты были так суровы с Диего Риверой? Ну, скажем так, «правые» здесь ключевое слово. Помимо того, что он хорошо известен своим художественным талантом и безупречной карьерой художника, Ривера также был (не)известен своими личными убеждениями, за которые он очень сильно отстаивал. Эти убеждения соответствовали коммунистическим идеалам , поэтому Диего Ривера со временем стал одним из ведущих коммунистов Мексики.

Избранное изображение: Диего Ривера — Сотворение мира, 1922 г. (фрагмент) — Изображение с сайта Diegorivera.org

В Арсенале — улика убийства?

Многие картины Диего Риверы изображали мексиканскую историю и общество, особенно мексиканскую революцию 1910 года. Фреска В арсенале 1928 года не исключение. Фрагмент картины «В Арсенале », изображенной здесь, изображает Фриду Кало, раздающую боеприпасы солдатам-революционерам.Крайний справа Тина Модоттивит и ее любовник Хулио Антонио Мелла , кубинский революционер. Всего через несколько лет Мелло был застрелен на улице во время прогулки с Тиной, поэтому ее обвинили в том, что она наняла убийцу. Благодаря влиянию Диего Риверы она была освобождена от обвинений. На фреске есть еще одна интригующая личность. Человек в черной шляпе, смотрящий на Тину, — это Витторио Видали, сталинский агент, который стал любовником Тины после смерти Меллы. Есть веские основания полагать, что он был настоящим убийцей Меллы.Поскольку фигуры на этой картине также иллюстрируют политические убеждения Риверы, на картине также есть Лев Троцкий . Откуда Троцкий? Ну, он на самом деле жил с Диего Риверой и Фридой Кало в течение нескольких месяцев, находясь в изгнании в Мексике. Некоторые склонны интерпретировать это произведение искусства как свидетельство того, что Ривера заранее знал об убийстве Хулио Антонио Меллы, предположительно совершенным Витторио Видали. Хотя это так и не было доказано.

Избранное изображение: Диего Ривера — В Арсенале (фрагмент) — Изображение через Диегориверу. ком

Фрески Сан-Франциско — Городской клуб и Калифорнийская школа изящных искусств

В сентябре 1930 года Ривера принял приглашение архитектора Тимоти Л. Пфлюгера рисовать для него в Сан-Франциско. После прибытия в сопровождении своей новобрачной жены Фриды Кало Ривера нарисовал свою первую фреску в США, Аллегория Калифорнии , в Городском клубе фондовой биржи Сан-Франциско за комиссию в размере 2500 долларов. Находясь в Сан-Франциско, Кало и Ривера работали и жили в студии Ральфа Стэкпола, который в первую очередь предложил Риверу Пфлюгеру.В то время Ривера познакомился с известной теннисисткой Хелен Уиллс Муди, которая затем стала одной из его моделей для мурала City Club. Позже Ривера написал фреску под названием «Создание фрески, изображающей здание города » для Калифорнийской школы изящных искусств в Художественном институте Сан-Франциско . Теперь его затмевает инсталляция «Измени мир или иди домой » Алехандро Альмансы Переды. Несколько лет спустя Диего Ривера вернулся в Сан-Франциско, чтобы изобразить жизнь, экономику и политику всего континента в работе, которая стала известна как Pan American Unity

.

Рекомендуемое изображение: инсталляция Алехандро Альманса Переда перед фреской Диего Риверы «Создание фрески, показывающей здание города» в Художественном институте Сан-Франциско — изображение через Wsws.орг

Панамериканское единство — Брак Севера и Юга

«Моя фреска изображает слияние великого прошлого латиноамериканских земель, глубоко укоренившегося в почве, и высоких технических достижений Соединенных Штатов» , — писал Диего Ривера в 1940 году, когда рисовал произведение искусства  Брак художественного самовыражения Севера и Юга на этом континенте , часто называемый Панамериканским единством , который расположен в Городском колледже Сан-Франциско .Работа включает изображения двух архитектурных работ Пфлюгера, а также портреты Фриды Кало, резчика по дереву Дадли К. Картера и актрисы Полетт Годдар, которая изображена держащей Риверу за руку, когда они вместе сажают белое дерево. Среди помощников Риверы по фреске были афроамериканская художница-первопроходец, танцовщица и дизайнер текстиля Тельма Джонсон Стрит. Каким-то суровым образом эта фреска высотой 6,7 метра и длиной 22,5 метра существует сегодня в полумраке.

Избранное изображение: Диего Ривера — Брак художественного самовыражения Севера и Юга на этом континенте (детали) — Изображения через Диегориверу.ком

Человек на распутье, или Человек, контролер Вселенной

Еще одним примером споров, вызванных коммунистической стороной Диего Риверы, является его фреска «Человек на перекрестке », которую он начал рисовать в 1933 году для Рокфеллеровского центра в Нью-Йорке . Прежде чем он закончил его, его удалили после яростно негативной огласки. Что это было? Спор был из-за портрета Владимира Ленина на мурале. Рокфеллеровский центр потребовал его удаления, но Ривера отказался. После того, как в газетах было опубликовано несколько негативных статей на эту тему, дальнейшее финансирование Риверы было прекращено, поэтому он не смог закончить это произведение и выставить его на Всемирной выставке в Чикаго, как планировал. Но с большой суммой комиссии, полученной авансом, ответом Риверы на такого рода цензуру было то, что он будет перекрашивать одну и ту же фреску снова и снова, где бы его ни попросили, пока не закончатся комиссионные. Некоторые говорят, что фреску просто оставили закрытой, а не уничтожили.

Ривера действительно перекрасил фреску, на этот раз в Мексике. Он называется Человек, Контролер Вселенной (Человек в машине времени) , и он почти идентичен фреске Человек на перекрестке. Мексиканская версия нарисована на стенах Дворца изящных искусств в Мехико.

Избранное изображение: Диего Ривера — Человек, Контролирующий Вселенную, 1934 (фрагмент) — Изображение через Jinawallwork. blogspot.com

Детройтская промышленность в Детройтском институте искусств

Detroit Industry представляет, вероятно, самую известную из всех фресок Диего Риверы.Он состоит из 27 фресок на внутренних стенах Детройтского института искусств . Фрески написаны в 1932 и 1933 годах и основаны на жизни рабочих Ford Motor Company , причем многие из 27 панелей демонстрируют контраст между рабочими и руководством. Некоторые говорят, что Диего Ривера был вдохновлен протестами в Ford Motor Company, потому что они были действительно актуальными в то время. Впоследствии, в 1950-х годах, во дворе была установлена ​​​​большая вывеска, защищающая художественные достоинства фресок и нападающая на его политику как «отвратительную».

Избранное изображение: Диего Ривера — фреска Detroit Industry (фрагмент) — Изображение через Imgur.com
Изображения слайдера: Диего Ривера — Фреска Detroit Industry (детали) — Изображения через Art. com

Мечта воскресного дня в парке Аламеда

Быть атеистом и коммунистом вызвало некоторые проблемы в карьере Диего Риверы. Но ему было все равно. Он делал все по-своему, считая, что это к лучшему, и почти никогда не шел на компромиссы в своей работе.Хотя было несколько ситуаций, когда его об этом спрашивали. Например, для его фрески «Сон о воскресном дне в парке Аламеда», , написанной для Hotel del Prado , и на которой был изображен Игнасио Рамирес с табличкой с надписью «Бога не существует» , Риверу спросили убрать знак, потому что он вызвал гнев католических чиновников. Ривера отказался это сделать. Так произведение оставалось в безвестности девять лет. Только после этого Ривера согласился убрать вывеску.Но он не отказался от своих убеждений. «Чтобы утверждать, что Бога не существует, мне не нужно прятаться за дона Игнасио Рамиреса. Я атеист и считаю религию формой коллективного невроза», , — прокомментировал Диего Ривера после удаления надписи.

Избранное изображение: Диего Ривера — Сон воскресного дня в парке Аламеда, 1948 г. (фрагмент) — Изображение с сайта Diegorivera.com
Изображение слайдера: Диего Ривера — Воскресный полдень в парке Аламеда, 1948 — Деталь, изображающая Фриду Кало и Диего Риверу в детстве

Картины Диего Риверы, биография, идеи Влиятельный мексиканский художник 20

-го -го века, Диего Ривера был поистине выдающейся фигурой, проведшей значительные периоды своей карьеры в Европе и США.С., кроме родной Мексики. Вместе с Дэвидом Альфаро Сикейросом и Хосе Клементе Ороско Ривера был одним из ведущих членов и основателей мексиканского движения монументалистов. Используя стиль, основанный на разрозненных источниках, таких как современные европейские мастера и доколумбовое наследие Мексики, и выполненный в технике итальянской фресковой живописи, Ривера затронул основные темы, соответствующие масштабу выбранной им формы искусства: социальное неравенство; взаимосвязь природы, промышленности и техники; и история и судьба Мексики. Спустя более полувека после своей смерти Ривера по-прежнему остается одной из самых почитаемых фигур в Мексике, прославленной как за его роль в художественном возрождении страны и возрождение жанра настенной росписи, так и за его негабаритную личность.

Достижения

  • Ривера сделал роспись фресок своим основным методом, ценя масштабность и доступность для публики — противоположность тому, что он считал элитарным характером картин в галереях и музеях. Ривера использовал стены университетов и других общественных зданий по всей Мексике и Соединенным Штатам в качестве своего холста, создав необычайную работу, которая возродила интерес к фреске как форме искусства и помогла заново изобрести концепцию паблик-арта в США.С., проложив путь Федеральной художественной программе 1930-х гг.
  • Мексиканская культура и история составляли основные темы и влияние на искусство Риверы. Ривера, собравший огромную коллекцию доколумбовых артефактов, создал панорамные изображения мексиканской истории и повседневной жизни, от ее зарождения майя до мексиканской революции и послереволюционного настоящего, в стиле, во многом обязанном доколумбовой культуре.
  • Пожизненный марксист, член Коммунистической партии Мексики и имевший важные связи с Советским Союзом, Ривера является образцом социально преданного художника.Его искусство выражало его откровенную приверженность левым политическим мотивам, изображая такие предметы, как мексиканское крестьянство, американские рабочие и революционные деятели, такие как Эмилиано Сапата и Ленин. Временами его откровенная, бескомпромиссная левая политика вступала в противоречие с пожеланиями богатых меценатов и вызывала серьезные споры, которые возникали как внутри, так и за пределами мира искусства.

Биография Диего Риверы

Когда Диего Ривера впервые вернулся домой в Мексику после учебы во Франции, он был так переполнен радостью, что потерял сознание.Позже он сказал: «Великое искусство подобно дереву, которое растет в определенном месте и имеет собственный ствол, листья, цветы, ветви, плоды и корни. Секрет моей лучшей работы в том, что она мексиканская. .»

10 самых известных картин и фресок Диего Риверы

Диего Ривера был известным мексиканским художником, жившим с 8 декабря 1886 года по 24 ноября 1957 года. Его огромные фрески способствовали развитию движения настенной росписи в мексиканском и мировом искусстве.

Между 1922 и 1953 годами Ривера создавал фрески в Мехико, Чапинго и Куэрнаваке, а также в Сан-Франциско, Детройте и Нью-Йорке в Соединенных Штатах.

Прежде чем завершить серию из 27 росписей, известную как Detroit Industry Murals, он провел ретроспективную выставку своих работ в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1931 году.

У Риверы было несколько браков и детей, в том числе по крайней мере одна биологическая дочь. Его первый и единственный сын умер, когда ему было два года.

Его третьей женой была Фрида Кало, мексиканская художница, с которой у него были бурные отношения, продолжавшиеся до самой ее смерти. Для своего шестого брака он женился на своем агенте.

Диего Ривера, которого часто считают лучшим мексиканским художником двадцатого века (хотя многие утверждают, что его жена Фрида Кало должна носить такой титул), оказал огромное влияние на мировое искусство.

Ривера известен, среди прочего, повторным введением фресковой живописи в современное искусство и архитектуру.

Известные картины Диего Риверы

1.

Фрески Detroit Industry

Промышленные фрески Детройта (1932–1933) представляют собой набор фресок, состоящий из двадцати семи панелей, изображающих промышленность Ford Motor Company и Детройт.

Они окружают внутренний двор Риверы Детройтского института искусств. Они были написаны между 1932 и 1933 годами, и Ривера считал их своей самой совершенной работой.

23 апреля 2014 года Департамент внутренних дел присвоил детройтским промышленным фрескам статус национального исторического памятника.

Две основные панели на северной и южной стенах изображают рабочих завода Ford Motor Company в Ривер-Руж.

Другие панели иллюстрируют достижения в различных областях науки, включая медицину и новые технологии.В совокупности серия настенных росписей иллюстрирует концепцию взаимосвязанности всех действий и мыслей.

2.

Человек на перекрестке

«Человек на перекрестке» (1934) — фреска в Рокфеллер-центре в Нью-Йорке. Первоначально планировалось установить его в фойе главного здания центра, 30 Rockefeller Plaza.

«Человек на перекрестке» исследовал современную социальную и научную культуру. Первоначально это было трехпанельное произведение искусства.На средней панели было изображение рабочего, работающего с оборудованием.

Две другие панели, «Граница этической эволюции» и «Граница материального развития», располагались по бокам от центральной панели, представляя соответственно социализм и капитализм.

Семья Рокфеллеров поддержала концепцию фрески: противопоставление капитализма коммунизму. После того, как газета New York World-Telegram возражала против статьи, назвав ее «антикапиталистической пропагандой», Ривера ответил, включив фотографии Владимира Ленина и советско-русского первомайского шествия.

Когда их нашли, Нельсон Рокфеллер — тогдашний директор Рокфеллеровского центра — настаивал на том, чтобы Ривера убрал картину Ленина, но Ривера отказался.

В мае 1933 года Рокфеллер приказал закрасить произведение искусства, тем самым уничтожив его до того, как оно было завершено, что вызвало возмущение и бойкот со стороны других художников.

«Человек на перекрестке» был удален в 1934 году и заменен тремя годами позже фреской Хосепа Марии Серта. Сохранились только черно-белые изображения оригинальной незаконченной картины; их застрелили, когда Ривера опасался, что его могут уничтожить.

Ривера воссоздал композицию в Мексике, используя изображения под альтернативным названием «Человек, управляющий Вселенной».

3.

Цветочница

«Цветочница» — картина Риверы, написанная маслом и темперой на масоните 1935 года.

Он выставлен в SF MOMA как часть коллекции Альберта М. Бендера. Картина представляет собой символическое изображение проблем рабочего в современной капиталистической среде.

«Цветочница» воплощает в себе одну из любимых тем Риверы и его восхищение мексиканским низшим классом, крестьянами и продавцами.

Своими публичными росписями художник публично поддержал дело Мексиканской революции и последовательно демонстрировал свое сочувствие простым людям, смело ассоциируя себя с ними и их несправедливыми страданиями.

4.

Мечта воскресного дня в парке Аламеда

Sueo de una tarde dominical en la Alameda Central, или «Сон о воскресном дне в Центральном Аламеде», представляет собой фреску Диего Риверы, написанную между 1946 и 1947 годами и служащую центральным элементом фрески Музея Диего Риверы, которая расположена рядом с Аламедой в историческом центре Мехико.

Произведение искусства было первоначально заказано архитектором Карлосом Обрегоном Сантацилией для ресторана Versailles в соседнем отеле Del Prado.

Когда после землетрясения в Мехико в 1985 году отель был объявлен непригодным для использования и подлежал разрушению, картина была отремонтирована и перемещена в собственный музей.

5.

Панамериканское единство

Pan American Unity — фреска, написанная в 1940 году в Сан-Франциско, Калифорния, для выставки «Искусство в действии» на Международной выставке «Золотые ворота» на острове Сокровищ (GGIE).

Эта инсталляция была в центре внимания выставки «Искусство в действии», в которой приняли участие несколько художников, создававших живые работы на протяжении всей выставки.

На картине были изображены Фрида Кало, резчик по дереву Дадли С. Картер и он сам, сажающий дерево и сжимающий руку актрисы Полетт Годдар.

Читайте также: Известные картины Фриды Кало

Тимоти Л. Пфлюгер изображен держащим в руках архитектурные чертежи строящейся библиотеки Пфлюгера.

До завершения фрески Художественная комиссия Сан-Франциско и Совет по образованию столкнулись с критикой ее содержания, особенно из-за включения карикатур на Адольфа Гитлера и Бенито Муссолини.

В августе 1940 года Художественная комиссия признала эстетическое качество, но передала Совету по образованию определение приемлемого предмета.

Когда Милтону Пфлюгеру (младшему брату Тимоти) в 1957 году было поручено построить театр в кампусе CCSF, он рекомендовал изменить свой первоначальный проект вестибюля театра, чтобы он соответствовал фреске нового помещения.

Эмми Лу Паккард вернулась в 1961 году, чтобы восстановить повреждения, и Мона Хоффман, еще одна из работниц Риверы над оригинальной картиной, не смогла заметить разницу, к большому удовольствию Паккарда.

Современная библиотека в CCSF планировалась с четырехэтажным атриумом для размещения произведений искусства, но ее не перенесли из-за опасений по поводу возможного повреждения.

В 1999 году специалист Института консервации Гетти отчитал руководство колледжа за то, что они не учли следующие два столетия, а дочь художника, Гваделупе Ривера-Марн, подтолкнула CCSF к созданию структуры, посвященной картине.В 2012 году Джим Диас из KMD Architects построил предполагаемую структуру для размещения картины.

6.

История Мексики

История Мексики — фреска на лестнице Национального дворца в Мехико.

Созданная между 1929 и 1935 годами фреска показывает историю Мексики с доисторических времен до наших дней, с акцентом на сражения простых мексиканцев против испанцев, французов и различных диктаторов, правивших страной в разные моменты ее истории. .

В период с 1923 по 1939 год по заказу правительства были созданы картины, посвященные падению режима Порфирио Диаса. В основном они были расположены в Мехико и соседних регионах.

Правительство поручило многим художникам написать изображения из мексиканской истории, в первую очередь Хосе Клементе Ороско, Давиду Альфаро Сикейросу и самому Ривере. В августе 1929 года Ривера начал рисовать «Историю Мексики» на лестничных клетках Национального дворца. Он был завершен за шесть лет.

7.

Создание фрески, изображающей строительство города

Создание фрески, изображающей строительство города покрывает ключевую стену в галерее Диего Ривера, современном выставочном пространстве для новых работ художников Института искусств Сан-Франциско.

Фреска была заказана Уильямом Герстлом (1930–1931), президентом Художественного института Сан-Франциско, и завершена Риверой за один месяц, с 1 по 31 мая 1931 года. Он подписан и датирован в правом нижнем углу, прямо под чертежным столом.

Работа эффективно объединяет искусство с трудом — «работой» самой творческой деятельности с людьми, которые окружают, поддерживают и финансируют произведение искусства.

Фреска была воспринята как противоречивое представление политики Риверы и проявление растущего авторитета художника среди промышленных рабочих.

8.

Пейзаж в стиле запата

Пейзаж в стиле Сапата представляет собой кульминацию тенденций современного искусства, примененных к мексиканской революции и борьбе революционного лидера Эмилиано Сапаты за защиту земель своего народа и его образа жизни.

Композиция выполнена в синтетическо-кубистском стиле, за исключением того, что на переднем плане присутствуют элементы, связанные с мексиканской революцией, а именно пистолет, пояс, тыква, шляпа и сарапе с красными полосами, придающими цвет к штуке.

9.

Соперники

«Соперники» — картина 1931 года, написанная по заказу Эбби Олдрич Рокфеллер, движущей силы создания Музея современного искусства в Нью-Йорке.

Художник написал картину, путешествуя на борту SS Moro из Мехико в Нью-Йорк.На изображении изображен «Лас-Велас», праздник, проводимый в мексиканском штате Оахака в честь местных святых покровителей и весенней щедрости.

10.

Будильник

«Будильник» — одна из картин Риверы в стиле кубизма, на которой будильник окружен музыкальными инструментами и карточной игрой.

Как и в предыдущих кубистических работах, картина включает в себя деконструированные и абстрагированные элементы; тем не менее, в отличие от многих других произведений кубизма, в картине широко используются яркие цвета.

Очень яркая палитра напоминает мексиканский флаг, намекая на вклад художника в создание единой творческой идентичности Мексики.

Диего Ривера — Картины, Фрески, Биография Диего Риверы


Диего Ривера, выдающаяся фигура в искусстве 20-го века, активно рисовавший на протяжении 50 лет с 1907 по 1957 год. США, а также в его доме в Мехико.В начале своей карьеры он баловался кубизмом, а позже увлекся постимпрессионизмом, но его уникальный стиль и точка зрения сразу бросаются в глаза. узнаваем как свой. Он был вовлечен в мир политики как убежденный марксист и вступил в Коммунистическую партию Мексики в 1922 году. Он принимал русского изгнанника Льва Троцкого и его жену в своем дом в Мехико в 1930-х годах. Жил в неспокойное время и вел бурную жизнь Диего Ривера, широко известный своими марксистскими взглядами, наряду с революционным марксизмом. Че Гевара и небольшая группа современных деятелей стали контркультурным символом 20-го века и создали наследие в искусстве, которое продолжается до сих пор. пробуждать воображение и разум.

Ранние годы Риверы: 1886-1915

Художник и его брат-близнец родились в 1886 году в Гуанахуато, Мексика. Его близнец умер в возрасте двух лет, и вскоре после этого семья переехала в Мехико. Его родители поощряли Диего художественный талант, зачислив его в Академию изящных искусств Сан-Карлоса, когда ему было примерно 12 лет. Там он изучал традиционные техники живописи и скульптуры под руководством в основном консервативного факультета.Херардо Мурильо был среди своих сокурсников по академии, художником, который станет движущей силой мексиканского движения настенной росписи в начале 20-х годов. века, в котором Ривера принял участие. В 1905 году двое студентов присоединились к группе других многообещающих художников на выставке, организованной редакторами журнала Savia Moderna.

Ривера завершил учебу в 1905 году, а в следующем году он выставил более двух десятков картин на ежегодной выставке искусств Академии Сан-Карлос.Одна из его работ того времени, «Эра», или «Обмолот» отображает элементы импрессионизма в игре света и тени и характерном использовании художником цвета.

В 1907 году Ривера получил государственную субсидию на обучение в Европе. Первой остановкой художника был Мадрид, где он учился у художника-реалиста Эдуардо Чичарро Агуэра в Королевской школе Сан-Фернандо. Академия. Там Ривера создал такие картины, как «Ночная сцена в Авиле», произведение, содержащее элементы реализма и импрессионизма. В мадридском музее Prada он ознакомился с картинами таких испанских мастеров, как Эль Греко, Франсиско Гойя и Диего Веласкес, все они повлияли на его художественное развитие.

Из Мадрида он переехал в Париж, где несколько лет жил время от времени среди других художников-эмигрантов-авангардистов, включая Пита Мондриана, Модильяни и его жена, художница Жанна Эбютерн. Ривера показал шесть картин на выставке 1910 года. при поддержке Общества независимых художников в Париже, включая реалистический портрет «Голова бретонки».Другие работы, выполненные художниками за это время, в том числе «Бретонская девушка» и «Дом над мостом» свидетельствует об акценте импрессионистов на преобразующей силе света.

Однако, когда Ривера вернулся в Париж после краткого визита в Мексику, его стиль претерпел значительный сдвиг в сторону кубизма, который переживал свой расцвет в Европе во втором десятилетии 20 век. Кубисты стремились изобразить несколько измерений одного предмета с помощью геометрических форм или пересекающихся плоскостей. Под влиянием Пабло Пикассо и недавно умершего Поля Сезанна, картины Риверы становились все более абстрактными. Вид на Толедо 1912 года содержит как узнаваемые здания, так и элементы кубизма в пейзаже, а «Портрет Оскара Мещанинова» из следующего Год ясно иллюстрирует влияние кубизма на стиль Риверы.

К 1913 году художники полностью охватили кубизм в своем творчестве, о чем свидетельствуют такие работы, как «Женщина у колодца» и «Матрос за завтраком».Он представил работы на выставка Salon d’Automne, где такие работы, как Пикассо, Марсель Дюшан и Андре Лот, демонстрировали свои работы в предыдущие годы, вызвала как отрицательную, так и положительную реакцию внимание художественной общественности.

Средние годы Риверы: 1916-1928

«

Материнство: Анджелина и дитя» 1916 года — одна из последних чисто кубистских картин Риверы. Его художественное развитие пошло по новому пути. направление, поскольку художник сосредоточился на недавних политических событиях, таких как мексиканская революция и русская революция 1917 года, выдвигая на первый план свои идеологические взгляды.

Его картины начали изображать рабочий класс в сочетании с элементами его мексиканского наследия. Поездка по Италии в 1920 году пробудила в художнике интерес к фрескам эпохи Возрождения. в следующем году он вернулся в Мексику и занялся настенной живописью.

Ривера присоединился к группе художников, в том числе художнику-монументалисту Хосе Клементе Ороско и мексиканскому реалисту Дэвиду Альфаро Сикейросу, в спонсируемой государством программе настенных росписей. Первый набег Риверы на Жанр «Сотворение», который он нарисовал на стене в актовом зале Национальной подготовительной школы в Мехико, изображает небесное воинство с нимбами эпохи Возрождения.

Художник также присоединился к Мексиканскому коммунистическому обществу в первый год своей репатриации. Он также основал Революционный союз технических рабочих, художников и скульпторов. Он Позже, в 1922 году, он начал серию фресок, посвященных мексиканскому обществу и революционному прошлому страны, под названием «Баллада о пролетарской революции», которую он не завершил. до 1928 года. Готовая работа, состоящая из более чем 120 фресок площадью более 5 200 квадратных футов, установлена ​​​​в здании Секретариата народного образования Мехико.

К настоящему времени художнику было далеко за 30, и стиль живописи Диего Риверы вступил в свои права, показывая большие фигуры с упрощенными линиями и насыщенными цветами. Многие из его сцен рассказывают истории рабочих, таких как шахтеры, фермеры, промышленные рабочие и крестьяне. Его картины «Цветочница» и «Продавщица цветов». являются одними из его самых известных. Некоторые фрески показывают фестивали, такие как «День мертвых» и «Фестиваль кукурузы» 1924 года. В это время Ривера начал работу над фреской для Национальной школы искусства. Сельское хозяйство в Чапинго, Мексика, которую он назвал «Освобожденная Земля с природными силами, контролируемыми человеком». »

Когда искусство истинно, оно едино с природой. В этом секрет первобытного искусства, а также искусства мастеров — Микеланджело, Сезанн и Ренуар. Секрет моей лучшей работы в том, что она мексиканская…»
— Диего Ривера

Поздние годы Риверы: 1927-1957

Художник участвовал в составе делегации в СССР в 1927 году на празднование 10-летия Октябрьской революции.Находясь в Москве, Ривера познакомился с Альфредом Х. Барром-младшим, который стать другом и покровителем, а также директором Музея современного искусства. По возвращении в Мехико Ривера развелся со своей первой женой. Лупе Марин и женился на мексиканской художнице Фриде Кало. Он также начал работу над заказной серией фресок для Дворца Кортеса в Куэрнаваке.

Его известность возросла в Северной Америке, когда в Нью-Йорке вышли «Фрески Диего Риверы». Американский архитектор Тимоти Пфлюгер привез художника в Сан-Франциско с предложением некоторых комиссии. Поездка Риверы в Калифорнию совпала с первым крупным показом его работ в США.

Ривера написал три фрески в Сан-Франциско с 1930 по 1931 год. Одна из них, расположенная в здании Тихоокеанской фондовой биржи, называется «Аллегория Калифорнии». Эта работа сосредоточена вокруг огромная женская фигура, представляющая Калифорнию, на которой изображены несколько рабочих, занимающихся своими делами. «Создание фрески, изображающей строительство города» — название фрески, которую он написанный для Школы изящных искусств Сан-Франциско, которая представляет собой открытое здание с несколькими комнатами, каждая из которых заполнена людьми, работающими над различными задачами.Художник нарисовал третью фреску, Pan American Unity, который сейчас находится в театре Диего Риверы в Сан-Франциско. Это эпическое предприятие пяти фресок.

В 1932 году художник с супругой направились на восток, где их ждал заказ в Детройтском институте искусств. Там он изготовил 27 панелей, известных под общим названием «Фрески Детройтской промышленности». изображая эволюцию Ford Motor Company. Ривера считал эту серию, которую он закончил в 1933 году с помощью ассистентов, одним из самых успешных своих проектов.

Его следующее начинание окажется его самой печально известной неудачей. Получив заказ на роспись Рокфеллеровского центра в Нью-Йорке, художник начал работу над Человек на перекрестке. В центре главной фрески стояла фигура, а в различных секциях, окружающих его, появлялись сцены из науки, промышленность, политика и история. Справа и слева от центра возвышались гигантские статуи Юпитера и Цезаря. Рокфеллеры возражали против изображения Ленина на фреске.Когда Ривера отказались убрать его, отменили дальнейшие работы и уничтожили фреску. Впоследствии художник воссоздал сцену в меньшем масштабе во Дворце изящных искусств по возвращении в Мехико, используя фотографии фрески в качестве ориентира.

Он снова поехал в Сан-Франциско, чтобы нарисовать десять фресок для Международной выставки «Золотые ворота» 1940 года, а затем в течение этого времени выполнял различные заказы в своей родной стране. ближайших нескольких лет.В 1949 году Ривера посетил юбилейную выставку, посвященную 50-летию его работы, в Музее Дворца изящных искусств Мехико.

Фрида Кало умерла в 1954 году, а в следующем году Ривера женился на своей третьей жене, Эмме Уртадо. Год спустя вся Мексика отмечала 70-летие художника. Ривера умер от сердца болезни в 1957 г.

Влияние Диего Риверы на мир искусства

Как и Ван Гог в импрессионизме, влияние Диего Риверы на мексиканское искусство огромно.Ривера оставался центральной силой в развитии национального искусства. в Мексике на протяжении всей своей жизни. Однако, возможно, одним из его величайших наследий было его влияние на американскую концепцию паблик-арта. Изображая сцены американской жизни на общественных зданиях, Ривера первое вдохновение для программы WPA Франклина Делано Рузвельта. Из сотен американских художников, которые нашли работу через WPA, многие продолжали решать политические проблемы, которые сначала были подняты. публично представлено Риверой. И его оригинальный стиль живописи, и сила его идей остаются главными. влияние на американскую живопись.

Диего Ривера: картины и фрески

Ранние работы

Чтобы понять реальное влияние Диего Риверы, нам нужно начать с его самых ранних работ. Ривера был высокообразованным художником, учился в Академии изящных искусств Сан-Карлос в Мехико с десяти лет. В Мехико он познакомился с крупными художниками, такими как Хосе Посада (разработчик ныне известных мексиканских калаверас , или художественных изображений человеческого черепа), и познакомился с древним искусством ацтеков и ольмеков.Позже Ривера продолжил обучение в Испании и Париже, увлекаясь самыми современными движениями Европы, включая кубизм. Он подружился с Пабло Пикассо, познакомился с работами Поля Гогена и Анри Матисса и развил навыки в авангардном искусстве. Он познакомился с фресками Италии, похожими на фрески, и нашел в них способ связать древние традиции настенной росписи доиспанской Мексики с модернистскими художественными движениями.

Пейзаж в стиле сапата, написанный Риверой в 1915 году.

Мексиканский мурализм

Пока Ривера был в Европе, в Мексике началась революция против диктатора Порфирио Диаса.Наблюдая как за мексиканской революцией, так и за русской революцией, Ривера пришел к убеждению, что искусство должно иметь политическую (то есть марксистскую) ценность в возвышении простого рабочего человека. После окончания революции новое правительство Мексики стремилось восстановить доверие и продемонстрировать свою приверженность народу. Министр образования Хосе Васконселос предложил программу настенных росписей с участием ведущих художников Мексики, чтобы донести новую, дружественную к рабочему классу версию национальной истории Мексики в значительной степени неграмотному рабочему населению.Он призвал мексиканских художников за границей вернуться домой, и Диего Ривера ответил на призыв.

Первой фреской Риверы для Васконселоса была Creation , написанная в 1922-1923 гг. Сочетая христианские, еврейские, древнемексиканские и древнегреческие символы, он представляет собой сложный синтез мировых религий. Аллегорические фигуры Веры, Надежды, Милосердия, Образования и Науки изображены с упором на фенотипические черты мексиканских индейцев, связывающие их с мексиканским рабочим классом.Фигуры и сцена имеют несколько приплюснутый вид, сочетая в себе идеи авангардных течений, таких как кубизм, с эстетическими традициями ацтеков и других древних мексиканских обществ.

Творение Диего Риверы

Мурализм как движение

Creation задал тон программе настенных росписей, которая наполняла Мексику в течение следующих нескольких лет. Художники пришли к единой эстетике, сочетающей доиспанский мексиканский и авангардный модернизм в сложных композициях. Это движение, названное мексиканским мурализмом или мурализмом на испанском языке, теперь считается одним из определяющих национальных искусств Мексики.

Ривера нарисовал фрески, прославляющие трудящихся в Мексике, а также в Соединенных Штатах, особенно в Детройте и Манхэттене. Однако, возможно, его самая известная фреска находится в Национальном дворце в Мехико. Названная просто История Мексики , эта фреска (нарисованная на нескольких стенах) представляет мексиканскую национальную историю как сложную связь борьбы и триумфов, охватывающую период от ранней империи ацтеков до мексиканской революции и до процветающего и социалистического будущего.Он представляет мексиканскую идентичность не как чисто испанскую и не как чисто индейскую, а как сложный и изменчивый продукт сложного прошлого. На фреске главные национальные герои, от Бенито Хуареса до Панчо Вильи и Эмилиано Сапаты, можно найти среди множества обычных мексиканцев, борющихся за то, чтобы сделать свою нацию лучше.

Сцена из истории Мексики

Другие картины

Диего Риверу больше всего помнят за фрески, которые он написал в 1920-х и 1930-х годах, но его наследие на этом не закончилось.Он перенес те же темы движения монументалистов (прославление мексиканской народной жизни и сочетание традиционного и авангардного стилей) и в небольших картинах. Один из самых известных из них — Продавец цветов . Это была одна из нескольких картин Риверы, на которых изображены мексиканцы из рабочего класса и большие каллы. Эти пышные и красивые цветы родом из Мексики и, таким образом, являются символом красоты мексиканской народной культуры и напоминанием о том, что все прекрасные вещи в обществе являются результатом труда рабочего класса.Это послание нашло очень приемлемую аудиторию в Мексике, где обещания революции никогда по-настоящему не забывались, а мурализм остается народным искусством.

Продавец цветов

Краткое содержание урока

Диего Ривера был мексиканским художником начала 20 века. Получив образование в Мехико и Европе, он знакомился с последними авангардными течениями в изобразительном искусстве, и его особенно привлекал кубизм .Он также был глубоко очарован искусством доиспанской Мексики и искал способы объединить эти эстетические традиции с модернистской живописью. В 1920-х и 1930-х годах Ривера нарисовал массивные фрески, посвященные истории и идеям Мексики, которые были размещены в общественных правительственных зданиях. Он также рисовал картины меньшего масштаба, такие как Продавец цветов , которые имели отношение к аналогичным идеям. Эти картины сохранили свою популярность как символы мексиканской национальной идентичности и по сей день.Уловить суть нации — непростая задача, но многие считают, что Диего Ривере это удалось.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*