Ампир в живописи: суть, история, особенности. Отличительные черты ампира, известные художники направления. Примеры картин в стиле ампир

Содержание

Стиль ампир в искусстве и декоративной живописи

Дизайн

Какое отражение нашел стиль ампир в архитектуре, живописи и декоре интерьера: величество и изысканность

В начале 19 века в искусстве лидирует стиль ампир, который зародился во Франции в эпоху правления Наполеона Бонапарта.

Это направление нашло яркое отражение во всех отраслях искусства – и в архитектуре, и в живописи, и декоре интерьера.

Стиль ампир в декоративном искусстве

Ампир в искусстве был завершающим этапом развития классицизма, он опирался на художественные достижения древней Греции и Рима.

Направление представляет собой воплощение величества, изысканности, мощи и воинской славы.

В архитектуре этого времени использовались древнеегипетские декоративные формы – военные трофеи, мечи, сфинксы.

При оформлении интерьера в этом величественном стиле применялись такие элементы и приемы, как этрусские вазы, помпейская роспись, греческий и римский декор, ренессансные фрески и орнаменты.

Главным представителем этого стиля в живописи был Ж.Л.Давид, автор картин «Клятва Горациев» и «Брут», в которых он прославлял эпизоды из республиканского Рима.

Именно ему принадлежала ведущая роль в формировании этого нового направления в искусстве. Среди художников того времени также был известный Ф. Жерар – ученик Давида.

Для стиля ампир в искусстве характерной является лаконичность и сдержанность, но в то же время нельзя не заметить его помпезность и величественность.

Если для раннего классицизма свойственной была легкость и галантность, то ампир в декоративном искусстве отражает атмосферу диктатуры, которую воплощали в реальность архитекторы Ш. Персье и П. Фонтен.

Направление характеризуется жесткостью и холодностью, оно демонстрирует вырождение классицистических форм.

И в декоре интерьера, и в живописи, и в архитектуре отражалось величие императора и самой империи.

Достигалось это с помощью применения определенных приемов и элементов. Практически везде можно было увидеть орнаменты с изображением трофеев, луков, стрел, лавровых венков, императорских орлов.

Еще по теме не пропустите

Направления и стили в искусстве — Ампир

Просмотров: 37352

Ампир, стиль в архитектуре и искусстве

Ампир (от франц. empire — империя), стиль в архитектуре и искусстве трёх первых десятилетий XIX в., завершающий эволюцию классицизма. Ориентируясь на образцы античного искусства, ампир преимущественно опирался на художественное наследие архаичной Греции и императорского Рима, черпая из него мотивы для воплощения величеств, мощи: монументальные массивные портики (главным образом дорического и тосканского ордеров), военная эмблематика в архитектурных деталях и декоре (ликторские связки, воинские доспехи, лавровые венки, орлы и т. п.). Ампир впитал в себя также отдельные древнеегипетские архитектурные и пластические мотивы (большие нерасчленённые плоскости стен и пилонов, массивные геометрические объёмы, египетский орнамент, стилизованные сфинксы и т.

п.).
Ампир первоначально сложился во Франции на рубеже XVIII-XIX вв. в недрах классицизма, в котором поиски изящной простоты форм и декора постепенно сменились стремлением к предельной лапидарности и монументальной выразительности. Наиболее ярким проявлением этой тенденции был проникнутый гражданским пафосом суровый аскетизм проектов К. Н. Леду и ряда архитекторов эпохи Великой французской революции 1789-1794. Выдвинутые ими новые градостроительные и художественные идеи стали основой развития ампира, получая в различных странах истолкование, продиктованное местными особенностями общественной и политической жизни. В период империи Наполеона I целям прославления успехов государства служила мемориальная архитектура (триумфальные арки, памятные колонны), иногда повторявшая древнеримские образцы (арка на площади Каррузель в Париже, 1806, архитекторы Ш. Персье и П. Ф. Л. Фонтен, — повторение арки Септимия Севера в Риме). В отделке нарочито парадных интерьеров дворцов (Мальмезон, Фонтенбло, Богарне и др.
), перестроенных Персье и Фонтеном, мотивы египетских рельефов, этрусских ваз, помпеянских росписей, греческого и римского декора созвучны ампирной мебели Ф. О. Жакоба, стилизованной в духе обстановки богатого древнеримского дома.
Ампир получил распространение в европейских странах; в России он стал выразителем идей независимости и величия русского государства и проявился в градостроительных ансамблях (Театральная улица, ныне улица Росси, архитектор К. И. Росси; стрелка Васильевского острова с Биржей, архитектор Ж. Тома де Томон), общественных зданиях (Адмиралтейство, архитектор А. Д. Захаров; Горный институт, архитектор А. Н. Воронихин; все — в Петербурге), монументальной скульптуре (памятник Минину и Пожарскому в Москве, 1804-18, скульптор И. П. Мартос) и декоративно-прикладном искусстве.

Лит.: А. И. Некрасов, Русский ампир, М., 1935; Bourgeois E., Le style Empire, ses origines et ses caractиres, P., 1930; Isermeyer Ch.-A., Empire, Mьnch., 1977.

Родительская категория: История | Культура
Категория: Направления | Стили

Ампир стиль — Краткий словарь по эстетике

АМПИР (фр. empire — империя) — поздний классицизм эпохи империи Наполеона. Возникновение стиля ампир было выражением идейного и художественного кризиса как следствия разгрома французской революции. Возвысившаяся буржуазия связывала с Наполеоном надежду на возрождение могущества Франции как мировой державы. Искусство было призвано прославлять Наполеона и его завоевания. Воскрешаются времена императорского Рима, но лишь затем, чтобы провозгласить беззаветную преданность императору. Искусство превращается в официально-апологетическое, помпезное.

Принцип рационализма и железной логики, выдвинутый классицизмом, приобретает чисто формальный характер. Стилизация, нетворческое отношение к наследию других эпох, рабское подражание средствам и приемам классического искусства, лишают многие произведения ампир художественной ценности. Задачи архитектуры возвеличивание нации, прославление воинских подвигов — сказались как в назначении построек, так и в выборе; изобразительно выразительных средств.

Воздвигаются триумфальные арки на площадях Этуаль и Каррузель, триумфальная колонна на Вандомской площади (подобие колонны Траяна в Риме), дворцы и общественные здания. Создается ряд внушительных ансамблей, подчиненных единому эстетическому замыслу (архитекторы К. Леду, Дж. Стоун).

В живописи гражданский пафос картин часто холоден и наигран.

Скульптура стиля ампир также представлена именами, которые связаны с классицизмом (А. Канова, Г Шадов, Б. Торвальдсен).

Отличительной особенностью стиля ампир является также специфичный выбор декоративных средств. Залы дворцов украсили картины сражений, массивные львы и сфинксы встали у порталов зданий. Военные эмблемы, щиты, копья, пучки стрел, лавровые венки, различные типы оружия, стилизация греко-римских орнаментов стали излюбленным мотивом декоративных лепных украшений. В конце 30-х гг. XIX в. ампир становится все более академичным, эпигонским, псевдоисторическим стилем.

Художественные принципы архитектуры и прикладного искусства французского ампир получили развитие в Англии, Германии, Италии, России. Русская архитектура ампир, позднего классицизма, отличается самобытностью и национальным своеобразием. Талантливые архитекторы создали монументальные ансамбли и общественные здания, ставшие украшением Петербурга (К. Росси, А. Захаров, А. Воронихин).

Лавка старины » Стиль ампир в дизайне, архитектуре и искусстве

Этот стиль появился в самом начале девятнадцатого века, благодаря французскому императору Наполеону I Бонапарту. Именно в ту эпоху распространенный классицизм стал торжественнее и триумфальнее, что зародило новую моду. Стоит отменить, что имперский стиль полностью соответствовал своему времени, ведь это была эпоха больших войн, великих завоеваний и огромных армий.

Интересно то, что ампир широко распространился в России в те времена, когда армия Наполеона пыталась захватить страну. В период правления Александра I появились такие шедевры архитектуры, как Михайловский Дворец, Большой Театр в Москве, Усадьба Гагарина и другие. Еще сильнее «Российский ампир» развивался во времена правления Николая Первого.

Отличительные особенности ампира

Ампир много позаимствовал у культуры античного Рима и Древней Греции. Здесь обязательно встречаются элементы, подчеркивающие государственную мощь, военное превосходство, сильную армию. Не случайно ампир появился во времена больших империй. Сам стиль использовался во многих сферах. Даже в наше время художники, скульпторы и дизайнеры часто прибегают к элементам девятнадцатого века в своих работах, чтобы придать им особенную торжественность.

Ампир в архитектуре

Здания, построенные в этом стиле, выделяются большим количеством колонн, лепнины, обязательно должны присутствовать античные элементы. Все массивное, с соблюдением точной симметрии. Также должно присутствовать что-то из военной тематики. Самым известным сооружением в этом стиле можно назвать парижскую Триумфальную арку. Лично Наполеон в 1805-м году отдал приказ построить величественное сооружение, а возводилась арка тридцать лет.

Над проектом работало несколько ведущих французских архитекторов под руководством Франсуа Шальгрена.

Еще одно знаменитое сооружение в стиле ампир — Вандомская колонна. Это не менее значимое творение эпохи Наполеона Бонапарта. Создатель грандиозного сооружения — архитектор Жан Лепер. Колонну строили специально в честь побед французской армии, в ней прекрасно прослеживаются античные темы и военная мощь Франции.

Есть известные сооружения в стиле ампир и в России. Самый знаменитый архитектор, который работал в этом стиле Карл Росси, именно он является создателем Михайловского Дворца и здания Главного Штаба. Большой популярностью в Российской империи также пользовались скульптуры и исторические памятники. Иван Петрович Мартос, самый знаменитый скульптор тех времен, работал над памятником Минину и Пожарскому на Красной Площади в Москве, Александру I в Таганроге, бронзовой статуей Иоанна Крестителя в Санкт-Петербурге. Сегодня работы скульптора относятся к национальному достоянию.

Уже в СССР в 1930-t годы стиль обновился, получив название «Сталинский ампир», который отличался наличием черт конструктивизма. Самые яркие примеры — сталинские высотки в Москве, среди которых здание Московского государственного университета.

Ампир в живописи

В этом плане самыми известными тоже были французские мастера. Жак Луи Давид считается лучшим мастером в стиле ампир. Лучшие работы живописца — «Наполеон на перевале Сен-Бернар» и «Портрет мадам Рекамье». Картины в этом стиле, как и архитектура, выделяются величественностью, военной эстетикой, победами. Если это, например, женский портрет, то на полотне обязательно должна присутствовать дама из высшего сословия, полная гордости и величия.

Ампир в интерьере

В имперском стиле также обустраивалось внутреннее убранство. Большие залы с высокими потолками украшали самым дорогим декором, обязательно присутствовали колонны, лепнина, античные скульптуры. Также могли использоваться образы античной культуры, например, животные, воины на колесницах. Основные цвета — золото и бронза. Обязательно наличие картин в соответствующем стиле в массивных позолоченных рамах.

Особенность стиля в том, что он требует большого пространства. Комнаты должны быть просторными, с широкими окнами. Для создания внутреннего убранства использовалась массивная мебель с декоративными ножками и богатым сложным декором. Потолок обязательно украшала большая люстра. Кроме драгоценных металлов в оформлении использовалась древесина дорогих пород, мраморные плиты, хрусталь.

Ампир в моде

Женские платья в этом стиле выделялись роскошью, обязательно открытые плечи, глубокое декольте и завышенная талия. На таком платье присутствовало обилие золотых вставок. Были не только платья для светских выходов, но и варианты на каждый день, они отличались греческим силуэтом. Мужской костюм — это военные веяния с мундирами, на которых присутствуют различные награды.

Как можно заметить, этот стиль затрагивает многие сферы жизни, он прочно обосновался в искусстве и дизайне. У ампира есть много поклонников, но есть и те, кто считает обилие роскоши неуместным. И все же у данного стиля присутствуют черты, которые не помешало бы позаимствовать даже скептикам, ведь торжественность, возвышенность и исторические мотивы способны завоевать сердца многих людей.

Архитектура ампир — Страница 2 — Всемирное наследие литературы, истории, живописи

Мистецтво Передньої Азії. Культура Шумеру 4-3 тис. до н. е. До початку 4 тисячоріччя до н.е. шумерийцы, пройшовши щабель неоліту, вступили в період мідного віку. Вони жили родовим ладом, займалися землеробством і скотарством, хоча полювання й рибальство ще грали в Читать дальше …

Искусство Возрождения. Искусство Испании. Живопись 15 в. Будучи по преимуществу религиозным искусством, испанская живопись была особенно сильно скована требованиями церкви. Инквизиция пользовалась здесь правом своего рода цензуры. Она наложила запрет на изображение наготы, восставала против светской трактовки религиозных сюжетов, препятствовала Читать дальше . ..

Искусство Средних Веков. Искусство Кореи. Живопись. Наиболее ранние росписи, датируемые 4—6 веками, находятся в гробнице Сан Ен Чон и отражают добуддий-ские представления культа предков. Подобно тому как это было в египетских гробницах, на стенах погребальных камер изображена земная жизнь покойного, Читать дальше …

Голландское Искусство 17 Века. Жанровая живопись. Параллельно с пейзажем развивается и жанровая живопись. В бытовых картинах первой половины 17 века особенно распространены изображения веселящейся компании, где действующими лицами являются представители военной среды, проводящие время за курением, игрой в триктрак или Читать дальше …

Мистецтво Відродження. Мистецтво Італії. Мистецтво Високого Відродження. Архітектура в другій половині 16 в. У другій половині 16 століття відзначається вгасання стилю Ренесансу. Цьому сприяли погіршення зовнішньополітичного й економічного становища Італії й процес, що почався у зв’язку із цим, реставрації феодальних Читать дальше . ..

Голландское Искусство 17 Века. Пейзажная живопись. Со всей последовательностью, без уступок началу идеализации основные установки голландской школы проявляются в необычайно развитом в этой школе пейзаже. В период зрелости голландский пейзаж вступает около 1630 года. Приблизительно двадцать следующих за тем лет Читать дальше …

Мистецтво Відродження. Мистецтво Італії. Мистецтво Проторенессанса. Образотворче мистецтво Не менш складним було й образотворче мистецтво 13-14 століть. У той час, коли в інших країнах Західної Європи одержує розвиток зрілий готичний стиль, в Італії виникає мистецтво, у якому вже втримується нова Читать дальше …

Искусство Возрождения. Искусство Испании. Архитектура. Развитие ренессансных форм в архитектуре и изобразительном искусстве Испании протекает медленно. В 15— начале 16 века в испанской архитектуре еще господствуют переходные формы от готики к Ренессансу. В это время получает распространение так называемый стиль Читать дальше . ..

Мистецтво Відродження. Мистецтво Італії. Загальна характеристика мистецтва Умбрии в 15 в. Розташована до півночі й сходу від Тоскани Умбрия складалася з ряду порівняно невеликих міст, що перемежовувалися з феодальними маєтками, і не мала такого великого економічного й культурного центра, яким Читать дальше …

Стиль ампир

Стиль ампир

Введение

Ампир (от фр. empire — «империя») — стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период правления императора Наполеона I; развивался в течение трёх первых десятилетий XIX века; сменился эклектическими течениями. Стиль ампир является своеобразным отражением римской классики в сочетании с египетскими мотивами.

Являясь выражением имперских притязаний Наполеона Бонапарта на мировое господство, этот стиль насильственно насаждался на чуждую ему почву завоеванных стран. Примечательно, что ни одна из побежденных Наполеоном стран, по существу, не приняла этого стиля. В Германии и Австрии своеобразной художественной оппозицией наполеоновскому нашествию стал стиль Бидермайер, хотя в нем отчасти и использовались ампирные формы.

И только одна страна-победительница — Россия добровольно приняла «стиль Империи». На это были и свои внутренние причины: Россия становилась могущественной империей.

Еще до начала Отечественной войны 1812 г. архитекторы Персье и Фонтен, с разрешения Наполеона, через французского посла в Петербурге, посылали российскому императору Александру I альбомы с видами «всего замечательного, что строилось в Париже».

Русская аристократия подражала нравам парижских Салонов, как бы заранее капитулируя перед узурпатором. Настолько был силен гипноз французской моды. Сам Наполеон присылал Александру описания своего итальянского и египетского походов с гравюрами.

Эти отношения были прерваны войной. Но уже в 1814 г. в Париже император Александр встретился с П. Фонтеном и, еще до вторичного вступления союзных армий, получил тринадцать альбомов с рисунками пером и акварелью — проектами оформления интерьеров и мебели. Эти альбомы сыграли существенную роль в распространении стиля «русского (петербургского) ампира».

Во Франции они были опубликованы только в 1892 г. Персье и Фонтен, после поражения французской Империи, и сами стремились на русскую службу, но Александр предпочел им О. Монферрана, тогда никому неизвестного, будущего создателя грандиозного Исаакиевского собора в Петербурге.

Таким образом, в Европе сложились две разновидности ампира: французский ампир и русский ампир. «Русский ампир« был мягче, свободнее, пластичнее французского. Он также делился на две ветви: столичную и провинциальную. Олицетворением столичного, «петербургского ампира» был К. Росси, он и смягчил своим итальянско-русским вкусом жесткость наполеоновского стиля. Провинциальный «московский ампир» и стиль подмосковных дворянских усадеб отличался еще большим своеобразием.

Русский ампир

В разной степени ампир отразился на искусстве всей Европы. Его специфический воинственный и мужественный оттенок, сформировавшийся в эпоху наполеоновских войн, проявился в художественной культуре Германии и Австрии, Италии и Скандинавских стран. Но свое самое совершенное воплощение этот стиль нашел, как ни парадоксально, в стране, которая стала главной причиной гибели наполеоновской армии, — в России, превратившейся к тому времени в могущественную империю. Великая радость победы окрасила русский ампир в ликующие и праздничные тона с некоторым романтическим оттенком.

Русский ампирявился логическим завершением длительного развития классицизма в архитектуре. Ампир в начале XIX века был востребован в первую очередь во Франции и отражал бурный период её истории: Великую французскую революцию, имперские амбиции Наполеона, войны, охватившие всю Европу. В России первой трети XIX века ампир оказался нужен для прославления государственного могущества страны-победительницы.

Ампир как художественный стиль был естественным продолжением классицизма XVIII века. Провести четкую границу между искусством строгого и зрелого классицизма, приходящегося на последние годы правления Екатерины II и недолгое царствование Павла, и ампиром практически невозможно. В особенности это относится к ранней стадии русского ампира, занимающей отрезок времени от восшествия на престол Александра I в 1801 году и коронации Наполеона в 1804 вплоть до Отечественной войны 1812 года. И архитектурные формы, и почерпнутые из неиссякаемого арсенала античности композиционные схемы, и сюжетные и орнаментальные мотивы были теми же. Менялись лишь трактовка и понимание самих этих мотивов, которым придавалась иная смысловая окраска. Искавший вдохновения в античности классицизм был далек от археологической скрупулезности. Ампир же, подражавший легко различимым античным стилям, напротив, был предельно точен в передаче деталей орнамента и декоративных мотивов. Классицизм, как тонко было замечено, искал «простоты, отдыха от излишеств рококо, легких линий, нежных красок, тонкой гармонии», был «мягок и светел», ампир, напротив, — «мужественен, строг и холоден», торжественен и величав.

Внешне архитектура русского ампира использует классические ордерные системы, причём не только тосканские или дорические. Вслед за александровским классицизмом усиливается стремление к монументальности, парадности, мужественности. Композиции зданий строго симметричны, торжественны. Наряду с лаконичностью форм отмечается проявление милитаристской символики Древнего мира: изображения доспехов, лавровых венков, орлов. Большое значение приобретает синтез архитектуры и монументальной скульптуры, а в храмовых зданиях — монументальной живописи. Возникают декоративные архитектурные сооружения: триумфальные арки, памятные колонны.

Столичный (петербургский) ампир

Главными мастерами этой эпохи стали К. И. Росси и В. П. Стасов. Росси целиком отошёл от французских источников ампира (Леду,Персье, Фонтена, Виньона) и продолжил петербургские традиции Камерона, Кваренги, Бренны. Творчество К. Росси отличало сочетание архитектурного и градостроительного подходов, смелое преображение городского пространства, что нашло отражение в великолепных петербургских ансамблях Дворцовой площади со зданием Главного штаба (1819-1829), Сенатской площади со зданиями Сената и Синода (1829-1833), Михайловской площади с Михайловским дворцом (1819-1825), Александринской площади со зданием Александринского театра (1827-1832).

Первой постройкой Карла Росси в Санкт-Петербурге стали два павильона, возведенные в саду Аничкова дворца (1816-1818, Невский проспект, 39). Павильоны отличают большие арочные окна, соразмерные ионические колонны, фигуры древнерусских воинов. Несколько тяжеловатый карниз удачно «приземляет» одноэтажные здания.

Здание Главного штаба с комплексом из трех Триумфальных арок было сооружено на Дворцовой площади в 1819-1823 годах (скульпторы В. И. Демут-Малиновский и С. С. Пименов). Грандиозная дуга фасада Главного штаба придает композиционную законченность главной площади Северной столицы, на которую выходят барочный Зимний дворец и классическое здание Адмиралтейства. Ансамбль площади завершил в 1834 году Огюст Рикар Монферран, воздвигнув в центре площади, триумфальную колонну в честь победы над Наполеоном. В целом площадь образует торжественный ансамбль, посвящённый воинским победам. К. Росси является также автором проекта застройки Михайловской площади (ныне Площадь искусств).

В стиле позднего классицизма и русского ампира работали замечательные петербургские мастера XIX века Доменико Адамини(Дом Адамини, 1823-1827, набережная Мойки, 1), В. И. Беретти(Гауптвахта на Сенном рынке, 1818-1820, Садовая улица, 37), А. П. Брюллов (Михайловский театр, 1831-1833, Площадь искусств, 1, здание штаба Гвардейского корпуса, 1837-1843, Дворцовая площадь, 2-4) Давид Висконти (костёл Святого Станислава,1823-1825, улица Союза Печатников, 22), В. А. Глинка (перестройка особняка графа Н. П. Румянцева, 1820-е годы, Английская набережная, 44), Поль Жако (здание Дворянского собрания,1834-1839, Михайловская улица, 2), Джовани Лукини (здание портовой таможни, 1829-1832, набережная Макарова, 4), А. И. Мельников (здание единоверческой Никольской церкви,1820-1838, улица Марата, 24), А. А. Михайлов 2-й (рисовальный корпус Академии художеств, 1819-1821, Университетская набережная, 17, дом А. И. Корсакова, 1826-1828, Владимирский проспект, 12), П. С. Плавов (женское отделение Обуховской больницы, 1836-1839, Загородный проспект, 47), Антонио Порто(здание Военно-медицинской академии, 1799-1803, улица Академика Лебедева, 6), Луиджи Руска (Дом ордена иезуитов, канал Грибоедова, 8/1), И. И. Шарлемань (Скотопригонный двор, 1823-1826, Московский проспект, 65), Гаспаре Фосатти (перестройка дома З. Н. Юсуповой, 1835, Невский проспект, 86), С. Л. Шустов (Каменноостровский театр, 1827-1835, набережная Крестовки, 10, лит. А) и др.

Выдающийся русский архитектор В. П. Стасов применял различные ордера, строил также без ордерные здания, здания в китайском стиле и др. Он являлся ярким представителем позднего петербургского ампира: ему принадлежат торжественные, парадные проекты зданий Российской Академии наук на Васильевском острове, Павловских казарм на Марсовом поле (1817-1821), Спасо-Преображенского собора (1827-1829), Троице-Измайловского собора (1828-1835), Нарвских (1827-1834) и Московских триумфальных ворот(1834-1838), а также великолепные дворцы в предместьях Санкт-Петербурга. В. П. Стасов является предтечей неорусского стиля XIX века.

Завершающей вспышкой русского ампира в архитектуре явился кафедральный Исаакиевский собор, построенный в 1819-1858 годах по проекту О. Монферрана. По существу, Монферран переделал проект А. Ринальди, строительство по которому не было закончено. В осуществлённом проекте превалируют простые формы: куб, квадрат, треугольник, цилиндр, параболический купол. Это, помимо огромного размера, придает храму дополнительную монументальность, создает впечатление вековой имперской незыблемости. Между тем в действительности здание весом в 300 тысяч тонн покоится на слабых грунтах (водонасыщенных озерно-ледниковых пылеватых суглинках), давление на которые близко к критическому[29]. При этом под восточной частью собора остались старые сваи длиной 8-10,5 м, а под западной частью были забиты просмоленные сваи длиной 6-8 м, что впоследствии привело к разности осадок до полуметра (юго-западный угол оседает сильнее).

Тем не менее при строительстве были использованы прогрессивные по тому времени технические решения: сплошной плитный ростверк из каменной кладки, чугунные ребра купола, полированные колонны из цельных гранитных монолитов. Силуэт здания собора, завершающий с западной стороны комплекс центральных площадей Петербурга, активно участвует в создании неповторимого архитектурного облика города. Следует отметить исключительно богатый наружный скульптурный декор храма и красочные интерьеры.

Таким образом, стиль ампир (в ином прочтении поздний классицизм), обрамленный в начале и в конце периода двумя грандиозными храмовыми зданиями — Казанским и Исаакиевским соборами, завершил важнейший этап в развитии города, во время которого были созданы множество уникальных архитектурных произведений. Но если «золотой век» русской литературы, живописи и музыки только начинался, то «золотой век» русской архитектуры близился к закату. Имперская монументальность и строгость входила в противоречие с ещё наивной демократизацией общества, раскачивалась кризисом феодальной крепостной системы. Архитектура отреагировала на это противоречие отходом от классических канонов, смешением стилей, попытками по-иному взглянуть на прошлое; то есть началом новой эпохи, которая впоследствии получила немного обидное, но ёмкое название «эклектика».

Провинциальный (московский) ампир

Московская архитектура, подобно архитектуре Петербурга, переживает в этот период блестящий расцвет, вдохновляется теми же идеалами и создает ряд больших произведений, так называемого «московского ампира». Величественный стиль петербургской архитектуры, с ее масштабами, величием и холодной гармонией линий, видоизменяется в Москве, приобретая интимную трактовку — теплоту, изящество линий, форм и украшений. Таково московское усадебное строительство, для которого типичен дом Найденова. Но в официальных зданиях архитектура московского ампира проникнута той же холодной суровостью и мощью (Провиантские склады, Манеж).

Первым крупным мастером московского ампира был вышедший из школы Казакова архитектор О. И. Бове. Лучшая постройка Бове — особняк князя Гагарина (1813) — разрушенная в результате налета фашистской авиации в 1941 году. В этом здании с широко раскинувшимися крыльями был особенно замечателен центр с его аркой-лоджией, группами колонн по бокам и барельефом летящих «слав» вверху. В архитектуре дома ощущалось сильное влияние казаковского классицизма.В Манеже (1817) с его мощным и простым объемом, спокойным ритмом дорических полуколонн, опоясывающих все огромное здание, уже ясно выражен новый характер архитектуры. Печать холодной и официальной строгости лежит на архитектуре этого сооружения, подчеркивая его назначение. Здание Градской больницы (1823) того же мастера, расположенное рядом с казаковской Голицынской больницей, по типу представляет вариант усадьбы с парадным двором, по архитектуре отличается некоторой грузностью форм. В 1821-1824 годах Бове создал ансамбль Театральной площади (впоследствии перестроенный), включавший Большой театр в центре, Малый театр справа и ряд зданий по всему периметру. Весь ансамбль связывала воедино аркатура, опоясывавшая всю площадь. Следы этой аркатуры сохранились на нижнем этаже Малого театра. Между зданиями она превращалась в соединительные галереи. Центр площади украшала сохранившаяся до настоящих дней фонтанная группа работы скульптора Витали.

Одновременно с Бове работали два больших мастера московского ампира — Д. Джилярди и A. С. Григорьев. Среди огромного количества работ этих зодчих есть ряд первоклассных памятников русской архитектуры. Сгоревшее в наполеоновское нашествие старое здание Университета, построенное Казаковым, было возобновлено в стиле московского ампира в 1817 году Джилярди с сохранением общей композиции — типа усадьбы, данного Казаковым. Прекрасен полукруглый зал Университета с чудесной ампирной росписью и изящной белой колоннадой, поддерживающей балкон. Снаружи ему отвечает величественный дорический портик строгих пропорций, подчеркивающий центр здания и спокойную гладь стен фасадов, тронутых местами богатыми пятнами барельефов и розеток, типичных для всего московского ампира.

Усадьба Найденова, построенная Джилярди и Григорьевым в 1821 году, — также одно из лучших произведений этого периода в Москве. Она состоит из дома с изящным ионическим портиком на улицу, монументальной открытой лестницы, ведущей из сада на второй этаж, и сада с павильонами и беседками, среди которых особенно изящен музыкальный павильон. Залы главного здания украшены прекрасной ампирной росписью. Весь ансамбль в целом полон прелести и благородства.

Значительным памятником этого периода является здание Опекунского совета (1823-1825) на Солянке. Здание несколько искажено позднейшей застройкой. В первоначальном виде это был ансамбль из трех отдельно стоявших объемов: центрального здания с прекрасным ионическим портиком, напоминающим портик дома Найденова, и двух боковых павильонов. Монументальная ограда с воротами, украшенными львами, соединяла эти звенья. Позже эти разрывы были застроены в одну высоту с боковыми павильонами. Выделяется по композиции и архитектуре дом бывшего Государственного банка (1819) на Никитском бульваре. Он также состоит из центрального здания, украшенного прекрасной колоннадой лоджии и двух неодинаковых боковых павильонов, из которых особенно хорош правый в виде небольшой изящной палладианской виллы. Джилярди создал одну из лучших подмосковных усадеб — Кузьминки. Первое место среди построек Кузьминок занимает «Конный двор». Особенно хороша центральная часть Конного двора. Это простой по форме павильон с огромной аркой-экседрой, в которую вкомпонована изящная колоннада с венчающей ее скульптурной группой. Впечатление от этого контрастного сочетания огромно. Оно усиливается конными группами Клодта, поставленными позже по бокам павильона. В живописном парке около пруда были разбросаны чудесные творения зодчего — пропилеи, сохранившийся левый флигель дворца, чугунная ограда, служебный павильон в египетском стиле и пристань со львами.

Заключение

ампир классицизм архитектура искусство

Последние выдающиеся памятники стиля ампир были созданы Огюстом Монферраном. Исаакиевский собор, завершивший ансамбль центральных площадей, стал господствующей, самой значительной доминантой в силуэте города. В трактате его фасадов, и особенно интерьера, проступили черты тяжеловесной помпезности и эклектичности, свидетельствовавшие о закате классицизма и поисках иной, более декоративно насыщенной и стилистически разнообразной архитектурно-художественной системы.

Использованная литература

Аркадий Гайдамак «Русский ампир»

#»justify»>#»justify»>http://mini-spb.ru/guide/historical_information/architectural_styles


Теги: Стиль ампир  Реферат  Культурология
Просмотров: 46204
Найти в Wikkipedia статьи с фразой: Стиль ампир

Нестандартный стиль Empire — «Лермонтов»

История появления стиля Ампир
Модный штрих
Эстетика украшений
Лаконичность фарфора в стиле Ампир
Серебро и бронза в стиле Ампир
Интерьер и предметы обстановки периода ампир

Развитие общества происходит по объективным законам, и категории причин и следствий никто не отменял. Поэтому, когда в начале XVIII века случайно нашли город Геркуланум, а позднее Помпеи, стало совершенно естественно, что это приведет к рождению нового стиля в искусстве. Интерес к античности, изучение архитектуры, предметов обихода и украшений позволили понять, сколь велики были возможности древней культуры. Желание возродить ее величие совпало с правлением Наполеона, жаждущего провести параллель с правителями древности. Так во Франции появился стиль ампир –торжественный, величественный, монументальный, который распространился по всему миру и завоевал особую популярность в России.

Empire черпал вдохновение в греческой культуре, во многом благодаря египетским походам Бонапарта. Наполеон рассматривал архитектуру и искусство только через призму восхваления себя и своих воинских заслуг. Проводя сравнение своей персоны с римскими властителями, император четко озвучивал свои желания, регламентируя моду, искусство, литературу.

Так, чувствуя привязанность Наполеона к роскоши, живописец Жак Луи Давид для своих полотен, восхваляющих императора, заказывал особую мебель, что весьма пришлось по душе Наполеону. «Император Наполеон в своем кабинете в Тюильри» (1812), «Коронация Наполеона» (1808) – полотна, положившие начало мощному этапу классицизма – ампиру. Стиль поступательно проник в архитектуру, интерьер, отразился на платье, нашел отклик в декоративно-прикладном искусстве.

Портсигар в стиле ампир. Серебро 84. Российская империя

Ажурное ведерко. Серебро 800. Австро-Венгрия

Ложка сервировочная в стиле ампир. Серебро 950 пробы. Франция

21 000 a

Франция

Апартаменты, возведенные в стиле ампир, отличаются монументальностью, геометрической правильностью объемов, целостным восприятием фасада. Первые дворцы, перестроенные для Наполеона – Мальмезон, Фонтенбло, Версаль, Лувр, Тюильри. И без того роскошные хоромы были частично трансформированы: утяжелены ордерной системой, арками, изменился интерьер помещений.

Наполеон любил Фонтенбло, именно там он решил поселиться. Когда император переехал в замок, то обнаружил только стены, поэтому с энтузиазмом принялся за его обустройство. Убранство замка преобразилось: стены обивались гобеленами, расписывались фресками на героическую тематику, полы застилались коврами. Интерьеры украшались знаменитым растительным орнаментом – пальметтами, арабесками, а также встречались основы военной атрибутики: мечи, миндалевидные щиты, гербы с орлами.

Император Франции предпочитал королевский размах, именно Наполеон дал новый виток развитию классицизма, породив стиль ампир, утверждавший императорское величие. Мебель соответствовала обстановке: массивная, золоченая, обитая китайскими гобеленами яркой расцветки безукоризненного качества. Покои короля украшала исполинская постель с драпировкой и фигурным навершием в виде орла. Не было ни одного «простого» элемента: кариатиды поддерживали камин, ручки кресел были выполнены в виде амуров и крылатых львов, декоративные элементы из золота украшали основание мебели, будуарные столики, ширмы. Комнаты были наполнены блеском, обилием деталей, яркими красками. После триумфа Наполеон мог позволить себе безмерные траты на благоустройство, надеясь восседать на троне вечно.

Бонапарт любил и Тюильри, где он обосновался в 1799 году, объявив своей резиденцией и принявшись к сооружению северного крыла. Главный вход он усложнил триумфальной аркой, ставшей в этот период отличительной чертой стиля. Сегодня мало кто не слышал о Триумфальной арке на Елисейских полях. Задуманное как гимн славных заслуг Наполеона, сооружение прославляет победы полководца и его армии. Все тридцать побед запечатлены на верхнем ярусе арки, а барельефы «Марсельеза» (скульптор Франсуа Рюд) и «Апофеоз Наполеона» достигают высоты 12 метров.

В 1806 году Наполеон решает построить на месте церкви Мадлен (Святой Марии Магдалины) античный храм, который будет посвящен военной славе героев империи. Церковь окончательно была возведена только через 80 лет, основателю не довелось увидеть окончания строительства, которое и сегодня отличается монументальностью, поражает масштабами, являясь ярким показателем стиля, ушедшего вместе со своим кумиром.

Чайник SWS. Серебро 925. Англия

Чайно-кофейный сервиз Roussel Fils amp Cie. Серебро 950. Франция

Чайный сервиз Е. Puiforcat. Серебро 950. Франция

Россия

Российская империя приняла ампир, как стиль, способный отразить величие народа, отстоявших независимость. Он выражал патриотические чувства и прославлял государственное могущество. Увеличилась тяга к торжественной парадности, подчёркнутой монументальности архитектурных решений. Узнаваемыми сооружениями периода стали: Исаакиевский собор (О. Монферран), Новое здание Адмиралтейства (А. Д. Захаров), Московские триумфальные ворота (В. П. Стасов), Михайловский дворец (К. Росси). Отличительные признаки данного стиля — роскошь, использование ценных натуральных материалов, обилие в интерьере колонн, барельефов, карнизов и прочих архитектурных деталей, напоминающих об античных храмах и дворцах.

Ампир настолько пришелся ко времени, настроению и вкусу российского дворянства, что довольно быстро вышел из дворцов и распространился по всей России. Повсеместно комнаты стали украшаться тяжелыми драпировками, золотой и бронзовой инкрустацией мебели: ножки и подлокотники кресел выполняются в виде львиных лап, преобладают огромные кровати с балдахином, ножки столов напоминают резные колонны. Величавость форм, размах пропорций, некая эпатажность словно притягивали к себе, поэтому ампир нашел свое отражение в архитектуре и скульптуре, мебели и светильниках, фарфоре и живописи, моде и ткани, изделиях из стекла, стали и камня.

Нельзя сказать, что стиль был ограничен лишь двумя государствами, элементы его проникли в другие страны, например, в Великобритании его называли «регентским», но явный расцвет он получил лишь там, где удовлетворял амбиции императоров-победителей.

Модный штрих

Увлечение античностью отразилось и на светском костюме. С 1801 года в платьях преобладает греческий орнамент, а чуть позднее к нему добавился этрусский и египетский. Женские платья стали немного короче, а к 1810 новым дополнением к нему становится меховое пальто. Но шиком считались кашемировые шали из Египта, производство которых поддерживала жена Наполеона Жозефина Богарнэ. Типичное платье эпохи ампир – с овальным вырезом, с собранными фонариком рукавами, высоко подпоясанное, дополненное широкой шалью, расшитой по краям.


Мужской костюм тоже видоизменяется: становится более сдержанным, ценится хороший крой, элегантность, великолепие. Обувь продолжает нести отпечаток античности: низкая, плоская, без каблука, популярны переплетенные из ремешков сандалии.

В этот период открываются модные салоны, появляются первые дома моды, начинают писать про особенности костюма, а при дворах высоко ценятся портные, которые не только обшивают весь двор, но вводят парфюмерию и оригинальные аксессуары.

Эстетика украшений

Ювелирные украшения переделываются под желания, прежде всего, Жозефины Богарнэ. Изделия сдержанны, геометрически точны, украшаются гирляндами из лавровых листов, древнегреческим орнаментом. Упор делается на камни, предпочтение отдается бриллиантам, и даже если используются жемчуг, изумруд, рубин, сапфир, то обрамлением для них все равно служат мелкие диаманты. В моду входят браслеты на ногах/руках, колье, несколько раз обернутые вокруг шеи. Ювелиры изготавливают драгоценности к определенному гардеробу, поэтому единая композиция объединяет гребни для волос, тиары, ожерелья, висячие серьги, пряжки для пояса.


В России особо полюбились изделия из камей: браслеты, кольца, кулоны, броши. Они воспринимались как связь с античностью, наделялись магическими свойствами. Считалось, что женщины, носившие камеи, находились под покровительством Афины, поэтому дочери Императора, высокородные княжеские персоны обязательно имели при себе такое ювелирное украшение, как символ совершенства и власти. Художественная резьба по камням впечатляет. Мастеру удается увидеть образ в камне, а затем столь тонко его вырезать, передать настроение на миниатюре. Камеи в стиле ампир гармоничны, не перегружены декоративными элементами, изящны и самодостаточны природной красотой.


Лаконичность фарфора в стиле Ампир

Не обошли стороной новые веяния и декоративно-прикладное искусство – севрский фарфоровый завод моментально отреагировал на запросы светского общества, видоизменив форму и внешнее оформление предметов. Севрская фарфоровая мануфактура во Франции и в настоящее время подчиняется Министерству культуры, а 200 лет назад полностью находилась под покровительством Императора.

Специально для Наполеона изготавливались вазы огромных размеров, столовые сервизы с изображением его сцен военных побед. Изделия щедро покрывались позолотой и украшались узнаваемым египетским орнаментом.


Изделия Севрского фарфора, созданные в начале XVIII века, поражают величием и торжественностью. Даже при первом взгляде они существенно отличаются по форме, цвету, декорированию. Формы вазонов монументальны, основательны; преобладают зеленые, голубые, пурпурные цвета, утяжеленные позолотой. Декор предметов выразительный с элементами античных барельефов.

Наполеон имел полное основание гордиться победами, поэтому любил, чтобы успехи были задокументированы не только на бумаге, но и напоминали ему и окружению об этом постоянно. Так появляется фарфоровая посуда, где изображался Император, полководцы, зарисовки жизни в походе. Безукоризненного качества керамические изделия расписывались вручную лучшими художниками, работавшими на фабриках.


В это время выпускается знаменитый Олимпийский сервиз из 166 предметов, который был подарен Александру I в дань уважения и примирения между государствами. На напольных вазонах, вазах для цветов, столовых предметах запечатлены картины античного мира. Пурпурная окаемка с золотым растительным орнаментом – отличительная особенность шикарного набора. К работе над сервизом привлекались декораторы, художники по керамике (М. В. Жакото, Ж. Жорже, А. А. Адам), которые полагались на работы Рафаэля, Давида, Энгра, либо черпали вдохновение из египетских фресок. В технологии использовалась надглазрурная роспись, золочение, элементы скульптурной моделировки. Основания в вазонах устойчивые, массивные, выдержанные в единой концепции. Сегодня десертный сервиз хранится в Оружейной Палате Кремля.


Отличительными чертами ампира можно назвать связь с историей, излишнюю декоративность, смешение разных стилей: египетского/римского/турецкого.

Знаменитый Египетский сервиз, созданный в 1806 году во Франции, отличается от стандартных фарфоровых образцов в первую очередь тематикой сюжета. В его основу легло “Voyage dans la Basse et la Haute Egypte pendants les campagnes du general Bonaparte”, появившееся в 1802 благодаря участнику похода, писателю и художнику В-Д Денону. На предметах набора нет ни одной выдуманной надписи или рисунка – все является калькой египетских надписей и барельефов. Сервиз, созданный из лучших пород известняка и гранита, теплый по цвету, искусно расписан натуральными красками, и сегодня не потерял первоначальный колорит и блеск. Формы вазонов напоминают амфоры, а в орнаменте используется характерная растительность: лепестки лотоса, как символ божественной силы и олицетворение солнца, дающего жизнь, тростник, лилия. Предметы декорируются линейным орнаментом, знаменующим бесконечность жизни. Только в 2010 году полная коллекция столовых предметов была выставлена в музее.


Российский ампир несет на себе все черты, установленные стилем с уклоном на национальную особенность. Наставниками для императорского фарфора в России служили французские учителя и художники. Отличие, безусловно, было в том, что тематикой являлось прославление Александра I и его побед. Гимном победы народа 1812 года стал знаменитый «Гурьевский» сервиз, а также «военные тарелки», на которых прописывались портреты солдат и офицеров разных войск.



Сервиз похож на своего французского собрата палитрой и декорированием, особенно красно-коричневой окаемкой с золотым орнаментом. Но его специфика – темы для сюжетов. Сервиз отражает жизнь простого народа, его костюм, характерную деятельность, предметы быта и труда, развлечения крестьянских детей. Интересны вазы, основанием которых были крестьянские девушки, наподобие древнегреческих жриц. Вдохновителем сервиза стал Степан Пименов, а название «гурьевский» получил по фамилии куратора завода графа Д.А. Гурьева. Сервиз украшали русские и французские живописцы, используя надглазурную полихромную роспись с позолотой.

Кроме сервизов российскими и европейскими заводами выпускалось огромное количество отдельных ваз, коллекционных тарелок, каминных часов, украшающих сегодня государственные и частные коллекции.

Российская империя, Москва,
завод Попова,
1810-1849 годы.


Фарфоровые каминные часы, Франция, ампир, 19 в.


Завод Попова, 1811-1860 гг.

Русская чайная пара в стиле ампир с характерной военной атрибутикой в красно/золоченом орнаменте.

Фарфоровый завод Гарднера, около 1820

На чайной паре в стиле ампир портрет Александра I в мундире, с орденоносной лентой. Предметы расписывались Ф. Жераром, украшены небольшими скульптурными листьями в золоченой окантовке по фону кружки и блюдца.

Серебро и бронза в стиле Ампир

Императорский стиль как нельзя лучше подошел изделиям из бронзы. Их формы отличаются простотой, поверхность тонирована патиной, а декор походит на античные фрески: головы или фигурки, напоминающие камей в окружении завитушного узора, подлинных символов, переплетенных рогов изобилия. Орнамент исполнен безупречно, поддерживая статус Empire.

Подсвечники, вторая половина XIX века.

Подсвечники выполнены в стиле ампир из патинированной бронзы. Основная форма как нельзя лучше передает античные колонны. Стволы подсвечников украшены изящной капителью, а резьба по подсвечнику позволяет отсветам огня играть по вырезанным дорожкам. Головы льва, лежащие в основании, олицетворяют связь прошлого и будущего, являясь наиболее типичным атрибутом египетской культуры.

Шикарны бронзовые люстры в стиле Ампир. Крупные, более метра в высоту, они состояли из множества подсвечников и рассчитаны были на огромные залы. Декоративность, скульптурные элементы делали предмет не столько утилитарным, сколько произведением искусства.

Люстра из двенадцати рожков. Фарфор, золоченная и патинированная бронза. Париж, 1895

Предметы из серебра этого периода нередко копировали форму и рисунки мраморных изделий и керамики древней Греции, Египта и Римской империи. К примеру, знаменитые Уорикская, Букингемская и Портлендская вазы, найденные в конце18-го века при раскопках в Греции, воплощаются в серебре и становятся объектами подражания для многих ювелиров. Утонченный, нередко плоский тесненный или гравированный декор первой половины Неоклассицизма, в изобилии сменился более крупными архитектурными мотивами и объемными литыми украшениями в античном духе: лавровые гирлянды и венки, листья аканта, головы и лапы орлов, лебедей, пантер, сфинксы, женские фигуры и маски, подобные древнегреческим. Отмечается возрождение геральдики, особенно заметное в английском серебре. Принципы архитектурных классических форм и пропорций ярко воплощаются в подсвечниках и канделябрах: популярные модели дорической, ионической и коринфской колонн, гладкие, рельефные, прямоугольные, многогранные, прямоугольные, напоминающие египетские обелиски. Серебряная столовая посуда по-прежнему сохраняет изящные очертания античных сосудов, но появляются, напоминающие глобус или тыкву, шарообразные предметы.

В производстве посуды широкое применение получают новые технологические методы обработки металлов, наилучшим образом подходящие для геометрических и симметричных форм, присущих Неоклассицизму. Это позволило значительно увеличить количество элегантной посуды из тонкого светлого серебра или посеребренных сплавов, поскольку спрос на подобную продукцию в имперский период небывало возрос. Листопрокатный стан семьи Бейтмена, производил большое количество тонких серебряных пластин, легко поддающихся резке, плавке, закручиванию и сгибанию. Подобных свойств и высокого качества пластины, только в сочетании с медью производились на предприятии в Шеффилде. Технологии постепенно распространились из Англии по всей Европе, затем в Америке.


Серебряное блюдо, в котором множественно повторен мотив рога изобилия. Christian Ludewig Kuhfeldt, Берлин, 1830 г.


Французский набор для масла и уксуса, выполненный из серебра и хрусталя. 1830 г.


Еще один набор из Льежа для масла и уксуса, сделанный из серебра со стеклянными графинчиками. 1830 г.



Классические модели французских серебряных соусников периода империи с ручками, сделанными в виде голов пантеры, грифона и лебедя. Около 1830 г.


Серебряная емкость для подачи овощных блюд. 1803 г.


Бранденбургская супница. Гладкая поверхность, приподнятые ручки, высокая крышка хорактерны для столового серебра имперского стиля. 1801 —1803 гг.


Серебряная, с прозрачной стеклянной вставкой конфитюрница и двенадцать ложек в наборе. Париж, около 1830 г.


Два кофейника с характерными для стиля Ампир туловами в форме античных ваз и основанием в виде треножника, литыми украшениями-пальметами, пунктирным узором по линии окружности горлышка и носиками, со стилизированой головкой льва и лебедя. Работа Д. Г. Гарро, Париж, 1819 — 1830 гг.

Серебряный самовар в стиле Ампир. 19-й век


Серебряный набор для чая и кофе работы Victor Saglier в стиле Ампир. Середина 19-го века

Емкость с крышкой в форме античной урны работы Jean Nicolas Boulanger. Изогнутые ручки украшены головками дельфинов. Серебро, стекло. Приблизительно 1810 г.


Серебряная конфитюрница работы Герберта Денуайе в виде треножника стремя крылатыми кариатидами. В наборе 12 золоченых ложек. Смешаны египетский и эллинский стили. 1820-1832 гг.


Самовар из золоченого серебра в египетском стиле, выполненный лондонскими мастерами Д. Скооттом и Б. Смитом в 1806 г. Три фигурки сфинксов поддерживают тулово самовара и опираются лапами на треножник


Трофейный кубок Данкастера из золоченого серебра, созданный Ребекой Имс и Эдвардом Баркардом в 1828 г. Вакханальные фигурки в орнаменте и змеевидные ручки нередко использовались как для выставочного, так и для домашнего серебра


Эскизы из альбома Херста для Шеффилдских пластин отражают образцы для подсвечников в форме дорической (слева), ионической (средний рисунок) и наиболее декоративной коринфской колонн.

Интерьер и предметы обстановки периода ампир


Фрагмент оформления потолка и стен в зале времен Empire


Кресло, сделанное для Нея, маршала Наполеоновской армии. Jacob-Desmalter, 1800-е года, Париж

Колыбель для новорожденного герцога Бордо, работы Жана-Франсуа и Франсуа Томаса Denière Matelin, Париж


Туалетный столик, 1820-1830 гг.


Секретер-бюро, 1804-1815 гг. , Франция


Комод, приписывается работе Йозефа-Мари Бенара, 1820 года, Париж


Амуры и Психеи. Консольный стол с каминными часами, 1799 г., Франция


Пьедестал. Стол-подставка. Jacob-Desmalter

Табурет работы Бернара Пойе,
1805 г.


Опочивальня Наполеона в Большом Трианоне, дворце, расположенном в северо-западной части Версаля


Приемная Наполеона во дворце Фонтенбло

Спальня императора,
Шато-де-Фонтенбло,
Франция


Одна из комнат
императрицы Жозефины
в Шато-де-Мальмезон


Салон du Conseil во дворце
Мальмезон


Гостиная, Le Royal Palace Ademtown


Парадная спальня Полины
Боргезе, 1804 г.
Британское посольство,
Париж


Гостиная, Le Royal Palace
Ademtown


Акварельный эскиз кровати с балдахином Бенджамина Готхольда для Персье и Пьера Франсуа Леонара Фонтейна


Ранний Ампир. Стул из дворца Мальмезон, с подлокотниками в виде лебедей, спроектирован Персье и Фонтеном для императрицы Жозеефины в 1880 г. Форма стула заимствована от древнегреческой мебели, а мотив лебедей, придающий стулу величие, от римской имперской.


Эскиз комода из «Сборника декора интерьеров» Перрсье и Фонтена работы Б. Молито (1811 г.) отражают монументальность и важность фронтального дизайна стиля Ампир. Ножки в виде лап животного присущи мебели раннего Ампира, а кубической формы характерны для позднего периода.

Ничто не оставалось в течение веков неизменным. Стиль ампир, вобравший в себя таинственность египетской культуры, не раз возвращался, а в наши дни, в прямом смысле слова, переживает свое возрождение.

Художник Деррик Адамс о том, как одна из его картин стала центральным сюжетом телешоу «Империя»

Пока пятый сезон популярного шоу FOX Empire приближается к своему драматическому завершению, судьба семьи Лайон остается загадкой. Зрители ждут, чтобы узнать, кто из главных героев лежит мертвым в гробу — сцена, которую дразнили во флэш-форвардах с момента премьеры сезона, — а также то, что станет с ценной картиной Люциуса и Куки Лайон Деррика Адамса.

Изгнанные из звукозаписывающей компании Empire магнаты музыкальной индустрии Люсиус и Куки разорены и вынуждены продать большую часть своей коллекции произведений искусства, в которую вошли работы Жана-Мишеля Баския, Кехинде Уайли, Эбони Г. Паттерсон, Баркли Л. Хендрикс, Тойин Одутола, Густав Климт и Клод Моне — чтобы свести концы с концами. Однако Куки (которую играет Тараджи П. Хенсон) дает понять, что картина Адамс, свадебный подарок ее мужа, запрещена.

Но Люсиусу (Терренс Ховард) в конечном итоге необходимо использовать его в качестве залога, чтобы принять участие в игре в покер с высокими ставками в рамках последней отчаянной попытки дать толчок своему новому бизнесу.Игра имеет успех, но картина заканчивается Деймоном Кроссом (Вуд Харрис), человеком, который проявляет несколько зловещий романтический интерес к Куки.

Люциус сначала скрывает потерю наспех сделанной копией, но в конце концов раскрывает правду Куки и в приступе гнева разрезает подделку. В эпизоде ​​на прошлой неделе пара наконец получила оригинал от Кросса, который сказал паре, что они «заслуживают этого символа их непреходящей любви». (Картина представляет собой двойной портрет Куки и Люциуса, смотрящих в противоположные стороны в знак своей независимости. )

Еще неизвестно, как художественные работы сыграют в драме двух последних эпизодов сезона, которые выйдут в эфир завтра и в следующую среду. Учитывая, что Люциус уже с подозрением относится к тому, как Кросс получил картину, почти наверняка мы снова увидим холст до окончания финала.

Эта работа также послужила источником вдохновения для создания ограниченной коллекции товаров для дома, коллекции Empire x Derrick Adams, которая продается в поддержку Turnaround Arts, основанной на искусстве программы улучшения школ Центра Кеннеди.

Мы поговорили с Адамсом о том, как в мае прошлого года его пригласили работать над сериалом, что вдохновило его на создание картины и как он относится к тому, что его работа будет показана по телевидению.

Картина Деррика Адамса из серии «Деконструктор». Предоставлено Дерриком Адамсом.

Вы смотрите Empire ? Вы следите за этим сезоном?
Я смотрел большую часть первого сезона во время его премьеры, но мне пришлось остановиться. Это заставило меня слишком волноваться, чтобы смотреть драму другой семьи. Друзья разыграли для меня сцены с картиной на Hulu из осеннего сезона, но я еще не до конца понял.

У вас есть любимый персонаж из сериала?
Имея много сильных женщин в моей семье, я люблю работу Тараджи П. Хенсон и ту сложность, которую она привносит в свой персонаж, определенно Куки Лайон.

Почему для вас было важно участвовать в шоу?
На самом деле, я не знал, что работа будет в шоу с самого начала. Мне поручили поработать над рекламной кампанией, продвигающей новый сезон. В какой-то момент само произведение было вписано в сюжетную линию, что стало приятным сюрпризом.Я узнал, что это было частью сюжета, когда люди отмечали меня на постах клипов шоу.

Какие указания о том, как должна выглядеть картина, вам дали?
Производственная группа была очень щедрой. Мне дали доступ к фотографиям [Лайонов] и попросили включить их обоих в работу. Если я правильно помню, единственное конкретное направление было в середине проекта: там, где у меня изначально был рукав, мне сообщили, что фанаты Куки предпочтут голую руку.Кого я должен был разочаровать? [Последний портрет остановился на плечах.]

Персонажи Куки Лайон и Деймон Кросс. Фото Чака Ходса предоставлено FOX.

Насколько этот процесс отличался от вашей обычной работы?
Совсем не отличается. Я часто использую эталонные изображения для компоновки композиций в своей работе, а окончательные рисунки основаны либо на моем воображении, либо на данных друзей и членов семьи. Так что, посмотрев шоу и используя их исходные изображения, было очень естественно создать эту работу.

Вы обычно рисуете на заказ? А часто ли вы используете портреты конкретных людей в своих фигуративных работах?
Я выполнил всего несколько заказов, поэтому обычно нет. Мои рисунки в основном являются плодом воображения, но часто включают в себя друзей и членов семьи.

Как вы развили геометрический стиль картины?
Это было естественным продолжением моих коллажных работ, в которых я использовал различные полочные прокладки с текстурой дерева, вырезанные лезвием и линейкой, чтобы составить фигуру.

Ваши картины также появлялись в комедийном сериале HBO Небезопасный . Каково это, когда твоя работа представлена ​​на телевидении?
Это тоже было неожиданностью. У меня была выставка в Калифорнийском афроамериканском музее (с тех пор я узнал, что актриса и писательница Исса Рэй — бывшая сотрудница). Постановщик связался со мной, чтобы узнать, могут ли они снять сцену в музее, но было неожиданностью увидеть, сколько работы было показано в эпизоде. С тех пор меня попросили еще несколько постановок включить мою работу, но я думаю, что Empire и Insecure достаточно для представления.


Следите за новостями Artnet на Facebook:

Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы. Раскрыта художественная коллекция

телешоу FOX «Империя» | Список Ларри

Нам стало известно, что мы не можем уйти от коллекционирования произведений искусства и коллекционеров. Наша одержимость, кажется, преследует нас после рабочего дня… когда мы смотрим новый популярный сериал «Империя».Несмотря на то, что он наполнен захватывающими сюжетами и поворотами, захватывающим соперничеством и беспощадными персонажами, нам все же удается заметить некоторые потрясающие художественные жемчужины на заднем плане. Так началась наша охота за сокровищами. Персонаж Терренса Ховарда, Люциус Лайон, не только создал с нуля звукозаписывающую компанию, но и коллекцию произведений искусства, развесив монументальные произведения в своем офисе и в своем величественном доме. Это один из редких телесериалов, где в сценографии широко представлены произведения искусства, особенно знаменитого поколения чернокожих художников.Кроме того, Empire позволила начинающим художникам получить широкое представление, поскольку каждая сцена демонстрирует мощные образы их работ, в то же время дополняя и отражая личности персонажей шоу.

Пока второй сезон драмы о рэп-династии транслируется на телеканале FOX, список Ларри выясняет, каких артистов собирает Люциус Лайон.

 

Изображение из Instagram Микалин Томас.

1.  Микален Томас

Увлекательная нью-йоркская художница Микалин Томас представила свои работы в только что вышедшем втором сезоне.Ее произведение «Le Déjeuner Sur L’Herbe: Trois Noir Femmes» было замечено в первом выпуске. Томас — современная афроамериканская художница, известная своими сложными картинами из страз, акрила и эмали. Будучи известной тем, что изображает чернокожих женщин с помощью фотографии и смешанной техники, она исследует сложное понятие красоты и то, что значит быть женщиной.

 

 

Снимок экрана. Изображение взято с сайта thecreatorsproject.vice.com

2. Жан Мишель Баския

Работы Жана Мишеля Баскии доминируют в офисе Лиона в его компании «Империя», поскольку мы определили фирменные короны и каракули на противоположных стенах. Собрание работ является важным аспектом обстановки офиса, поскольку они проводят параллель между повествованием Люциуса и Баския о том, что они происходят из бедной и трудной среды.

 

 

Кехинде Вили, принц Альберт, принц-консорт королевы Виктории, 2013 г. Холст, масло. Изображение с сайта Kehindewiley.com

3.  Кехинде Вили

Художник-портретист в стиле хип-хоп — это мир искусства и любимец знаменитостей, которого коллекционирует, например, актер Нил Патрик Харрис среди других.И как ему не быть, действительно трудно забыть изображения молодых чернокожих, вдохновленных великими историческими портретами с ослепительным цветочным узором на заднем плане. Именно поэтому мы не могли не заметить их в самой первой серии. Первое произведение искусства, замеченное во время первого сезона шоу, — «Принц Альберт, принц-консорт королевы Виктории» из серии «Мировая сцена» художника. Он появляется в столовой, где Люциус Лайон говорит своим трем сыновьям, что они соревнуются друг с другом за право взять на себя управление компанией. Позже произведение перемещается в гостиную как напоминание о гордости. В течение первого сезона раскрываются и другие картины Уайли, такие как «Король а-ля Шассе» и «Наоми и ее дочь», и это лишь некоторые из них.

 

 

Джамеа Ричмонд Эдвардс, «Крылья не предназначены для полета», холст, тушь, акрил и смешанная техника. Изображение с сайта jamerichmondedwards.com

4. Джами Ричмонд Эдвардс

Произведение «Крылья, не предназначенные для полета» художницы из Детройта Джеймеи Ричмонд Эдвардс — одно из центральных произведений в гостиной дома Лайонов.Ее работы сильны и автобиографичны, они вдохновлены женщинами в ее семье, которые в основном боролись с наркозависимостью. Эдвардс признан выдающимся начинающим художником, и его охотно собирают частные лица и музеи.

 

 

Снимок экрана. Изображение с сайта thecreatorsproject.vice.com

 

5. Тойин Одутола

Современная художница нигерийского происхождения Тойин Одутола с гордостью объявила на своей странице в Facebook, что ее нарисованный мелом автопортрет «Подержи во рту немного дольше» появился во втором сезоне сериала. Одутола фокусируется на идентичности и социально-политической концепции цвета кожи в своих рисунках пером и тушью.

 

 

Эбони Г. Паттерсон, Без названия I (Хани + ди Крю). Изображение взято с сайта nationalgalleryofjamaica.wordpress.com

6. Эбони Г. Паттерсон

Две работы ямайской художницы Эбони Паттерсон также появились во втором сезоне под названием «Без названия V» и «Без названия I (Хани+ди Крю)» из ее серии Disciplez. Ее работа   исследует   конструкции мужского начала в популярной культуре, используя при этом ямайскую танцевальную культуру в качестве платформы для этого дискурса.

 

 

Баркли Л. Хендрикс, Lawdy Mama, 1969, холст, масло, сусальное золото. Изображение из: Artsy

7. Баркли Л. Хендрикс

Картина маслом и сусальным золотом «Lawdy Mama» великого художника и фотографа Баркли Л. Хендрикса появилась в последних сериях второго сезона. Галерея Джека Шейнмана даже разместила произведение в инстаграме для своих пятнадцати тысяч подписчиков с подписью «Вы поймали прекрасную «Лоуди Маму» на Empire на прошлой неделе?» Хендрикс является пионером в портретной живописи чернокожих, создавая картины городских чернокожих мужчин в натуральную величину в классических изображениях, наделенных властью.

 

 

Винсент Ван Гог, Череп с горящей сигаретой. Изображение взято с сайта thecreatorsproject.vice.com

8. Винсент Ван Гог

Также была замечена работа голландского художника под названием «Череп с горящей сигаретой». Эта работа является недатированной картиной Ван Гога и является частью постоянной коллекции Музея Винсента Ван Гога в Амстердаме. Возможно, это явный символ борьбы Люциуса со смертью, поскольку он справляется со своим заболеванием БАС.

 

 

Снимок экрана.Изображение взято с сайта thecreatorsproject.vice.com

10. Клод Моне

Импрессионистскую картину Клода Моне «Дом парламента» можно было легко увидеть в одном из широких коридоров Лиона благодаря узнаваемым розовым оттенкам заката художника. Лондонские палаты парламента часто присутствовали в работах Моне в 1900-х годах. Каждая из работ запечатлела один и тот же вид в разное время суток и в разное время суток.

 

 

11.Густав Климт

Первое появление этого произведения Климта незабываемо. Бывшая жена Люциуса, Куки, назвала это «уродливым» после того, как ей рассказали, кто такой художник. Картина «Гигиция или медицина»; великолепная фреска, которая когда-то была потолком Великой стены Венского университета.

 

 

Джордж Сёра, Кан-Кан (ле Шаху), 1890 г. Изображение взято с сайта artble.com

12. Джордж Сёра

«Кан-кан (Le Chahut)» Жоржа Сёра нельзя пропустить в первом сезоне.Картина в стиле пуантилист находится высоко в столовой, с видом на обеденный стол. В этом произведении Сёра собрал все интересующие его элементы современной культуры и переопределил их все в своих собственных терминах геометрии, цвета и гармонии.

Клэр Бушара

Источники: The Creators Project, The New Yorker

Империя Живопись

  • Дома
  • Услуги
  • Клиенты
  • Галерея клиентов
  • Связаться с нами
  • Работа
    • Дома
    • Услуги
    • Клиенты
    • Галерея клиентов
    • Связаться с нами
    • Работа
      • Меню

      ПредыдущийСледующий

      Искусство и Империя

      Многие люди используют искусство как способ прийти к соглашению со своим окружением, с религиозными или политическими идеями и с социальными отношениями. Особенно это касается имперских систем. Члены доминирующей группы неизменно используют искусство как способ объяснить и оправдать свою власть, выразить таинственность правителей и продемонстрировать свое знание и владение миром природы. Те, кто оказывается включенным в империю, часто проходят этапы адаптации своего искусства к искусству своих политических хозяев, заново открывая источники своего собственного искусства — иногда как сознательный акт сопротивления и, наконец, отражая через свое искусство новое национальное сознание. .

      История искусства Британской империи иллюстрирует все эти события. Британское изобразительное искусство, несомненно, стимулировалось имперским правлением: опыт ведения войны, экономической и политической власти, а также охват почти всего мира и его народов новым глобальным порядком привели к удивительно новаторскому стремлению к художественной технике, вкусу и чувствительность. Европейцы, обосновавшиеся в качестве постоянных поселенцев в Британской Северной Америке, Австралазии и Южной Африке, приступили к поиску самобытного художественного выражения, соответствующего их чувству национальной идентичности.

      Империя, возможно, стимулировала британское искусство, но она нарушила художественную жизнь общества, завоеванного британцами. На протяжении большей части девятнадцатого века британцы мало ценили или интересовались какой-либо частью, которая, казалось, сильно отличалась от их собственных или других европейских традиций. Поэтому местные художники не могли ожидать большой поддержки или поощрения от своих новых правителей. В лучшем случае то, что они произвели, могло быть собрано и выставлено как инструмент антропологии, а не как эстетическое достоинство.И все же местное искусство выжило, что бы ни думали о нем европейцы, как своего рода подземная река, которая должна была выйти на поверхность в двадцатом веке. Затем так называемое «этническое» искусство стало привлекать серьезное внимание европейских художников и влиять на их творчество. В то же время художники Азии, Африки и Тихоокеанского региона, опираясь на свои собственные художественные традиции, проявляли все больший интерес к европейским формам и техникам и позволяли им влиять на свою работу. Таким образом, в рамках империи начало разрушаться некогда жесткое разделение между западным и «этническим» искусством.Однако этот процесс занял слишком много времени и должен был пройти ряд различных путей в каждой из колоний. Далее следует серия страниц, на которых исследуются влияния и направления, выбранные художниками по всей империи.

      Ключевые картины 1-й Империи — napoleon.org

      Таинство или коронация

      Художник(и) : ДЭВИД Жак-Луи

      Таинство или коронация императора Наполеона I
      Париж, Лувр

       

      По заказу Наполеона I для Зала Гардов дворца Тюильри.Экспонировался в Салоне 1808 года.

      Грандиозная композиция, изображающая коронацию, состоявшуюся 2 декабря 1804 года в соборе Парижской Богоматери, создавалась в течение трех лет кропотливой работы. Давид, получивший в 1804 году титул «Premier Peintre de l’Empereur», создал монументальный групповой портрет, в котором все направлено на то, чтобы привлечь внимание зрителя к центральной сцене. На самом деле сюжетом картины является коронация Жозефины, а не Наполеона.Гармония композиции замечательна, фигуры расположены по обе стороны от большого центрального золотого креста. Огромный размер работы (шесть метров в высоту и десять метров в ширину) позволил позволить себе необыкновенную роскошь прорисовки отличительных черт каждого персонажа — даже мадам Мер, которая хотя и отсутствует на церемонии, тем не менее доминирует на переднем плане трибуны! Говорят, что, выражая свое удовлетворение картиной, Наполеон заметил: «Это не живопись; ты ходишь в этой работе».

      Здесь на этой картине можно увидеть портреты Пия VII, Шарля Лебрена, герцога де Камбасерес, Бертье, Эжена Богарне, Коленкура, Бернадота, кардинала Феша, графа Эстева, графа д’Арвиля, Мюрата, Серюрье, Монси, Бессьера. , Сегюр, Беллуа, мадам де ла Рошфуко, мадам де ла Валетт, Жюли Клари, Гортензия де Богарне, Элиза, Полина и Каролина Бонапарт, Луи и Жозеф Бонапарт, Келлерманн, Лефевр, Периньон, Дюрок, Ремюза, Жюно, Летиция Бонапарт (в факт отсутствия на церемонии), Кэролайн Фонтанж, Коссе-Бриссак, Ласепед, Сульт, Бомонт, Гравина и Армстронг Джон.

      Взгляните на эскиз этой работы из собрания Фонда Наполеона.

      Все, что мы знаем об искусстве в «Империи»

      Хотя мы не решаемся признать, что смотрим его, нельзя отрицать, что Empire переживает культурный момент. Телевизионное шоу Fox о семейном музыкальном бизнесе вдохновило Куки Лайон на создание генератора мудрости, разговоры о концертном туре и даже о будущем камео Опры. Что действительно выделяется, так это изобилие искусства во вселенной Лайонса: оно повсюду.От величественных картин маслом Кехинде Уайли из Бруклина (Уайли недавно был втянут в собственную драму) до шедевров Винсента Ван Гога и Печеньки Климта, которую он считает «уродливой», искусство является собственным персонажем в шоу.

      Мы просмотрели все десять эпизодов, чтобы собрать воедино все, от фальшивых баскиатов до миниатюрных статуй эпохи Возрождения. Итак, без лишних слов, вот наш путеводитель по искусству Empire .

      1. Произведения Жана-Мишеля Баския

      Произведения Жана-Мишеля Баския всегда были популярны среди музыкантов, включая Мадонну и Джея Зи (последний даже читал рэп о своей любви к Баския в «Picasso Baby» ), так что неудивительно, что Люциус Лайон также является его большим поклонником. На заднем плане можно увидеть неоэкспрессионистскую работу акрилом и мелками, вдохновленную Philistines-, а на противоположной стене лежит еще одна работа, полная его фирменных корон и каракулей. Поскольку собственное повествование Люциуса о том, что он появился из ничего, совпадает с историей Бакиа, вполне уместно, что он никогда не уходит от работы, когда говорит о делах в своем личном кабинете.

      Филистимляне, Жан-Мишель Баския, 1982, холст, акрил, мелки, 183 x 312,5 см. Изображение через

      2. Le Roi a La Chasse

      Kehinde Wiley’s Le Roi a La Chasse  занимает особое место в столовой семьи Люциуса. Картина является частью серии Wiley «Слухи о войне », работ, вдохновленных историей конного портрета. «Высота более девяти футов, преувеличение масштаба картин и яркие кинематографические цвета подчеркивают интерес Уайли к эстетизации власти и мужественности», — говорится на его веб-сайте.Со столовой как сценой для многих напряженных семейных вспышек картина является отражением борьбы за власть, которая происходит под ее пристальным взглядом.

      Слухи о войне, Le Roi a La Chasse, 2007, холст, масло, эмаль, 108 X 108 дюймов. Изображение через

      3. Джейми Ричмонд Эванс Крылья, не предназначенные для полета

      Коллаж Джами Ричмонд Эванс, выполненный тушью, акрилом и смешанной техникой, является центральным элементом в гостиной. Художник из Детройта имеет степень магистра живописи Университета Говарда.Ее работа является частью серии автобиографических произведений. «Вдохновением для создания этой конкретной работы послужила смерть моей тети, которая пристрастилась к наркотикам, и моей матери, которая тоже пристрастилась к наркотикам», — описывает она. «Картины представляют собой очень целостную и сложную тему, которая действует так, как искренне люди, вдохновленные работой». Подобно сильным женским персонажам Куки и Анике, искусство Эванса уравновешивает мужскую энергию других работ в доме Люсиуса.

      4.Кехинде Уайли Принц Альберт, принц-консорт королевы Виктории

      В серии Кехинде Уайли Мировая сцена ямайские мужчины и женщины гордо позируют в манере британской портретной живописи 17 и 18 веков. Эта картина впервые появляется в сцене, когда зрители видят всех трех братьев, которые будут бороться за контроль над империей в одной комнате. Позже этот предмет перемещается в гостиную, служа напоминанием о гордости.

      5.Густав Климт Гигиея или Медицина

      Когда Куки впервые посещает дом Люциуса, она и зрители смотрят на эту картину, на что Люциус отвечает: «Это Климт». Куки, в свою очередь, говорит: «Ну, можешь оставить себе. Это некрасиво». Работа является лишь частью большой фрески, которая когда-то висела на потолке Большого зала Венского университета до мая 1945 года, когда она вместе с двумя другими работами, Философия и Юриспруденция , была уничтожена СС. армия.Когда Климт представил картину, критики раскритиковали ее абстрактное изображение жизни и смерти. Гигиея, дочь греческого и римского бога медицины, ассоциировалась с крепким здоровьем. С диагнозом БАС у Люциуса картина предвещает будущую роль Куки в качестве его опекуна.

      Медицина, Густав Климт.

      6. Кехинде Уайли Наоми и ее дочери

      Еще одна работа Уайли появляется во время первого прохождения Куки по дому Люсиуса, или, скорее, во время путешествия по жизни, которую он построил, пока она была в тюрьме.Работа также является частью серии World Stage . Изображенная сильная мать особенно символична для характера Куки и ее предстоящего стремления найти свое место в семье.

      7. Картина Майкла Савойи Natural

      Часть серии под названием Blind Ambition, Акриловая картина Майкла Савойи Natural , где Хейк младший впервые встречается с сыном Хейк. Согласно Beaumont Enterprise , Ли Дэниэлс обратился к Савойе за аренду трех работ, которые будут представлены на Empire .«Это большое дело», — сказал Савойя газете. «Я показан рядом с некоторыми из этих художников, которыми я восхищаюсь и которых изучал, когда я был на пути к тому, чтобы сделать себе имя и бренд».

      Natural, Michael Savoie, 48 x 48 дюймов, холст, акрил. Изображение через

      8. Офицер гусарского полка Кехинде Уайли

      Впервые замечено, когда Куки встречает Хакима в первом эпизоде, картина по сути является персонажем Хакима. Офицер гусарского полка  также является частью серии конных портретов Уайли Слухи о войне  в основном со 125-й улицы Гарлема.

      Слухи о войне, Офицер гусаров, 2007 г., холст, масло, эмаль, 108 x 108 дюймов.

      9. Can-Can (Le Chahut) Жоржа Сёра. . Сцена, которую он изобразил, представляла собой танец канкан с высокими ударами ногами, который в то время считался безвкусным, который зарождался в низших и средних классах.Взгляд зрителя исходит из-за спины басиста, метафора того, что мы смотрим на другой вид канкана, происходящего на наших телевизионных экранах.

      10. Клод Моне  Здание парламента

      С 1900 по 1905 год Моне нарисовал серию картин Вестминстерского дворца, где находится британский парламент. Каждая из работ серии запечатлела один и тот же вид в разное время и при разной погоде. Тот, который Куки проносится мимо, чтобы предупредить Люциуса о предательстве его будущей невесты, показывает здание, окутанное розовыми оттенками заката.

      Claude Monet, Дома парламента, закат, 1903. Изображение через

      11. Череп Vincent Vincent Van Gogh

      Van Gogh Череп с горящей сигаретой — очевид борьба со смертью. После того, как Куки обманул доли своих сыновей в компании, чтобы отдать их ей, он отвергает его ухаживания. «Вы просто не хотите умирать в одиночестве», — говорит она.

      Эпизод 10. Скриншот через

      Череп с горящей сигаретой, Винсент Ван Гог.

      12. Кехинде Уайли Принцесса Виктория Саксен-Кобург-Готская

      Пока Люциус берет старшую подругу Хакима, Камиллу, которую играет Наоми Кэмпбелл, на экскурсию по дому, она обращает внимание на искусство на стенах. «Kehinde Wiley», замечает она. «Было бы здорово, если бы он сделал портрет Хакима, не так ли?» Серия Уайли «Экономика благодати» была первым разом, когда он рисовал женщин, отбрасывая с улиц Нью-Йорка и привлекая Риккардо Тиши из Givenchy для создания платьев от кутюр.Женщина, повернутая спиной, предвещает решение Камиллы взять взятку Люциуса, чтобы уйти от Хакима.

      Эпизод 10, Скриншот через.

      Экономика благодати, принцесса Виктория Саксен-Кобург-Готская, 2012 г., холст, масло 96 x 72 дюймов Изображение через

      13. Энди Уорхол культовая фотография Бигги Смоллса в короне напоминает принт, висящий над столом Люциуса. Как однажды сказал Уорхол: «В будущем каждый будет известен в течение 15 минут.» И нет более верного утверждения в мире Лиона.

      Сезон заканчивается сегодня вечером, так что кто знает, какие другие жемчужины искусства появятся? А пока мы будем заняты подсчетом общей чистой стоимости произведений искусства. . Intros

      Новая выставка превращает комнату писателей «Безумцев» в произведение искусства

      В 2014 году, за несколько недель до съемок пилотной серии мыльной музыкальной драмы Fox «Империя», Ли Дэниэлс, создатель шоу, обратился к художнице Кехинде Уайли с просьбой разрешить включить его работу в новый проект. «Он не знал, будет ли это крупнейшей автомобильной аварией или самым большим успехом, — сказал Уайли. «И я сказал: «Конечно». В финале первого сезона мужчины из семьи Лайон сидели за обеденным столом под надписью Уайли «Принц Альберт, принц-консорт королевы Виктории». Это портрет ямайца с голой грудью и татуировками, одна рука на бедре и гордая поза. Люсиус Лайон (Терренс Ховард), который только что узнал, что не болен болезнью Лу Герига, встал в сером костюме во главе стола, величественный, как фигура на богато украшенной картине позади него, чтобы сообщить своим сыновьям новости.Момент был драматическим поворотом сюжета, и картина украла сцену. «Точно так же, как сценарий, музыка, декорации и одежда, оформление «Империи» имеет собственный характер и рассказывает часть истории семьи Лайон», — сказал мне Дэниелс.

      Песня Тойина Оджи Одутола «Подержи во рту немного дольше» появляется в эпизоде ​​«Империи».

      «Империя», самое популярное шоу в прайм-тайм на канале Fox, идет второй сезон. Четыре сцены шоу в Чикаго не похожи на галерею современного искусства; он гораздо менее безупречен, а произведения искусства незаметно висят на стенах среди хаоса на съемочной площадке.Но влияние мира искусства очевидно. Выставленные картины, в основном портреты, представляют поколение знаменитых работ чернокожих художников, которые гастролировали по музеям Америки в течение последних двух десятилетий. Работы находятся под специальным освещением, предназначенным для того, чтобы показать их мощные образы, когда работают камеры. Декоратор шоу Кэролайн Перзан работает с Дэниелсом, художественными консультантами, кураторами музеев и коммерческими галереями, чтобы выбрать каждое произведение искусства для шоу. Помимо Уайли, в шоу были представлены работы Микалин Томас, Баркли Л.Хендрикс, Керри Джеймс Маршалл и менее известные художники, такие как Лобин Гамильтон. «Я занимаюсь этим двадцать шесть лет, и я был очень взволнован, потому что мне редко удается найти режиссера, который включает искусство в кадр», — сказал Перзан. «Искусство стало одним из главных фокусов декораций».

      Оригиналы большинства работ висят в музеях и частных коллекциях, поэтому Перзан и ее команда печатают копии и натягивают их на холст, чтобы повесить в домах и офисах семьи Лайон.«Мы выбираем вещи, которые соответствуют вкусу жителей Лайона и мира, в котором они живут, — иногда это чересчур, но в большинстве случаев это стильно и, по моему определению, сказочно из гетто», — сказал мне Дэниелс. Его взгляд, кажется, отражает стремление открыть произведения искусства для совершенно нового языка для интерпретации. Например, на картине Уайли 2007 года, написанной маслом на холсте «Офицер гусар», которая висит в Детройтском институте искусств, изображен молодой мужчина верхом на лошади с мечом в руке. Картина играет с эстетикой расы, власти и мужественности, как и большая часть работ Уайли.Хаким Лайон (Бришер Й. Грей) — самый младший член семьи, и одна сюжетная линия следует за его попытками стать чем-то большим, чем просто рэпером; Реплика «Гусар» висит в гостиной Хакима. Персонажи никогда не говорили о своих вкусах в искусстве, но Перзан, стоя в офисе Люциуса Лайона перед золотыми работами Франсин Терк, сказала, что работа, которую она считает «хип-хоп-искусством», предназначена для того, чтобы «наполнить искусство послание» — что Лайоны, чей семейный бизнес — хип-хоп, живут в позолоченном окружении, отражающем их вкус.

      Художники, стремящиеся попасть на рынок «голубых фишек», традиционно испытывают то, что Уайли назвал «очень сильным отвращением к массовой культуре». Художники хотят, чтобы их работы были должным образом контекстуализированы, и музеи и галереи заботятся об этом. Теперь художники отправляют Перзану электронные письма, чтобы узнать, смогут ли они разместить свои работы на выставке. «Империя» дает менее известным художникам платформу для демонстрации своих работ, которую традиционные музеи еще не могут предложить. «Участие в «Empire» — это удивительная привилегия, — рассказывает начинающий артист Эбони Г.— сказал Паттерсон, у которого скоро будет выставка в Музее искусств и дизайна. Ее картины «Без названия VI» и «Без названия I (Khani+di Krew)», посвященные гендерному перформансу, висят в пентхаусе Джамала Лайона (Джасси Смоллетт). «Я был очень взволнован и взволнован этой возможностью, и это, безусловно, позволило моей работе привлечь гораздо более широкую аудиторию», — сказал Паттерсон. «Через еще один слой поп-культуры моя работа создает еще еще видимости для тех, кого считали невидимыми.Действительно, какое искусство без публики?

      Риск для художников заключается в том, что их работы потеряются в действии шоу или, что еще хуже, будут рассматриваться как просто декоративные элементы. Некоторые художники, дающие разрешение на выставку, а также кураторы и галеристы, представляющие художников, делают все возможное, чтобы этого не произошло. После того, как на выставке появилась картина Баркли Л. Хендрикса «Мама Лоуди», Галерея Джека Шейнмана написала: «Вы видели прекрасную «Маму Лоуди» на прошлой неделе в «Империи»?» пятнадцати тысячам подписчиков в Instagram.

      Пожалуй, видимость — это самое большее, о чем может разумно просить художник. Во время премьеры второго сезона Куки Лайон (Тараджи П. Хенсон) в синей куртке и золотых украшениях стоит перед нарисованным мелом автопортретом Тойина Оджи Одутолы «Подержи во рту немного дольше». Работа исследует социально-политическую концепцию цвета кожи и была выставлена ​​в 2013 году в Центре искусств Луисвилля. В музейном контексте он сильно наслоен, но в этой сцене он висит позади Куки и выглядит более эффектно в качестве аккомпанемента ее модному ансамблю.«Я помню, как подумал: «Хочу ли я, чтобы это было на заднем плане?» — рассказала мне Одутола, передвигаясь по своей маленькой мастерской с видом на Тридцать девятую улицу. «Это не то, о чем я думаю, когда делаю работу. Тогда вы понимаете, что это часть истории, которая больше, чем моя работа. Если бы кто-то собирался купить мою работу, это бы произошло в любом случае». Дэниелс и Перзан, в некотором смысле, превратили «Империю» в галерею в прайм-тайм, где художники могут вырваться из канонизированного мира искусства и выставить свои работы там, где их обязательно увидят.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*